La expresión del vestuario dramático
Como la forma externa más intuitiva de objetos estéticos en el drama, la ropa fortalece su iniciativa en los factores integrales del drama a través de las tres formas principales de expresión: realismo, romanticismo y simbolismo, haciéndolo más útil. en la creación de personajes y la expresión de la personalidad en los dramas.
Remontándonos al origen del drama: en el siglo V a. C., los antiguos griegos se disfrazaban de dioses ideales en la ceremonia carnavalesca de Dioniso, bailando a todo pulmón con alegría orgullosa y satisfecha. caminar, saltar y cantar para expresar un poder sobrenatural que "hace hablar a los animales y hace fluir leche y miel de la tierra". Como vestimenta más personal, junto con el comportamiento, los movimientos y las expresiones del bailarín, muestra el alma alegre y de juerga del bailarín. En esta forma más primitiva de drama, se reflejó por primera vez la función expresiva del vestuario teatral: reproducir la imagen ideal de Dios de los antiguos griegos. El drama se origina en la vida y es más elevado que la vida. Por lo tanto, los trajes de teatro son naturalmente diferentes de los trajes de la vida real. Por lo general, dan forma y expresan las imágenes de los personajes. El vestuario dramático también es una parte integral del arte integral. Junto con las líneas, las acciones, la escenografía, la iluminación, la música y otros factores, constituyen el sistema general del teatro. Debido a la amplitud de esta estructura dramática, el vestuario teatral en sí mismo es un factor de proyección multifacético, un lenguaje formal que puede estimular la creatividad y mejorar la expresión.
Con el desarrollo continuo del teatro y la mejora y estandarización continua del sistema dramático, el poder expresivo del vestuario dramático se ha vuelto cada vez más prominente. En el drama, la ropa es la forma más intuitiva de exteriorización de objetos estéticos, desde el prólogo hasta el final, siempre proporciona un trasfondo potencial y información emocional en el drama, guiando al público hacia una situación específica. En este proceso, de acuerdo a los requerimientos de la trama y la necesidad de moldear el tipo de personaje, se pueden establecer las siguientes expresiones principales del vestuario teatral. La palabra "romanticismo" apareció por primera vez en la literatura. En el arte, el romanticismo abandonó los antiguos modelos griegos y romanos y declaró el estatus de las personas y la personalidad ante todo. Respondió al frío reino de la racionalidad con fuertes sentimientos, pasión e imaginación. El "romanticismo" en el vestuario dramático da al vestuario una imaginación más amplia y libre, permitiéndole mezclarse con las imágenes de la obra y estilizarse hasta cierto punto. Esta forma de expresión aparece en "Otelo", "El séptimo sello" y "Qu Yuan" (como la imagen de un "fantasma de la montaña"), así como en la ópera "Turandocca" del dramaturgo italiano Puccini (también conocida como " Turandocca"). (llamado "Turandot") se refleja más plenamente.
La ópera "Turandocca" de Puccini hizo una profunda imaginación de la cultura del traje chino. Por supuesto, esta imaginación se superpone con la trama misma. La protagonista Turandoka de la obra es una princesa de las antiguas leyendas chinas. Es arrogante y cruel. En la obra, ella lleva un vestido de múltiples pliegues a la luz de la luna que nunca aparecería en la familia real de ninguna dinastía china (Puccini nunca había estado en China, y combinó la China que leyó en los viajes de Marco Polo con su fantasía). Las imágenes chinas son integrado en sus creaciones, e incluso aparece un "dios del agua"). Cuando Turandop usó la imponente corona en la imaginación de Puccini, una corona hecha de piezas de jade de cristal blanco como la luna, y apareció sobre un fondo igualmente frío del mismo color, su nobleza, belleza y frialdad golpearon su rostro, los tres ministros payasos "Ping". ", "Pong" y "Bang" (también conocidos como "Ping", "Pang" y "Peng" en la versión del Templo Ancestral Imperial Chino) en la obra visten ropas de corte de color rojo oscuro, azul zafiro y morado similares a kimonos. Para resaltar la comicidad, sus sombreros oficiales son pequeños, pero las esquinas redondeadas de los sombreros son grandes. Cuando sostenían abanicos de sándalo y aparecían en la música china "Jasmine", la fuerte atmósfera china mezclada con hermosos sentimientos exóticos se extendía desde el escenario, permitiendo al público integrarse fácil y felizmente en la trama bajo la guía de sus imágenes cómicas. En esta ópera, Puccini y sus diseñadores de vestuario recrearon con éxito trajes chinos antiguos, dando forma con precisión a los personajes de los personajes y reflejando la imagen ideal de "Turandocca" de Puccini. Creó su propio estilo combinando leyendas de la antigüedad con los gustos estéticos de la gente de hoy y sus propios ideales estéticos. Aunque el vestuario de la obra no sigue estrictamente la investigación textual, es en esta actividad creativa donde la realidad y la fantasía encuentran un buen encaje. El vestuario utilizado es acorde con los personajes, haciendo radiante la situación. El efecto es similar al de la música de fondo "Jasmine" de la obra, que ha cobrado nueva vida en los escenarios italianos y ha despertado la pasión estética del público.
Aunque el vestuario de la versión del Templo Ancestral Chino de "Turandoka" de septiembre de 1998 es muy "chino", la forma de expresión utilizada por el diseñador no deja de ser romántica.
Debido a que esta obra representa una "leyenda" sin registros históricos, el ensayo se ha convertido en una pura creación artística, que aporta gran espacio a la imaginación y libertad a la escenografía y al vestuario de toda la obra. Es estético y se puede llamar "la declaración de un sueño" (en palabras del dramaturgo alemán Schack), pero entra en el corazón del público. En otros dramas, la primera tarea del diseñador de vestuario es utilizar el simbolismo para expresar el personaje, modelo social o estado mental. Esto nos recuerda el poema de Hugo: "Vístete del espíritu de tela pura y lino blanco". El simbolismo como género se originó por primera vez en el campo de la poesía. En 1886, el escritor francés Moreas publicó un manifiesto literario en Le Figaro, considerando la poesía de Baudelaire y Mallarmé como simbolismo. Debido a la ascendencia de la literatura y el arte (por ejemplo, el drama a menudo se basa en obras literarias épicas o poéticas), este género rápidamente se acercó al drama desde la poesía y, naturalmente, afectó la escenografía y el vestuario del drama. Se utilizan símbolos, sugerencias, metáforas y otros medios para expresar diversos conceptos. Los símbolos son un alto grado de unidad de imagen y significado. Usamos la asociación para encontrar el portador simbólico del significado simbólico para expresar el significado más universal y buscar la "verdad más elevada" en nuestros corazones.
El simbolismo de la vestimenta se expresa de dos formas: directa e indirecta. El barítono que interpreta al diablo está vestido de negro en la ópera "Zapatos de mujer" de Tchaikovsky, y los trajes de Sheng, Dan, Jing, Mo y Chou en la ópera tradicional china son todos directamente simbólicos. En el arte moderno, el uso del simbolismo directo continúa y se desarrolla: a finales de la década de 1990, el diseñador de moda Fred Sartel, de 32 años, concibió y completó el musical "El Musical" para el Concurso de Canto Destacado Francés celebrado en Cannes. Notre Dame de París. Fred dijo: "La creación de vestuario para personajes dramáticos debe penetrar la superficie de los personajes y comprender sus corazones". Adoptó con audacia y creatividad técnicas de simbolismo en el diseño de vestuario de esta obra, desafiando con éxito cientos de años de drama tradicional, todo completado brillantemente. vestuario para la heroína Esmeralda y otros 120 personajes. Ella diseñó un vestido largo verde para Esmeralda que simbolizaba la fatalidad. Dijo: "Esmeralda es una niña gitana hecha de hierba y árboles, con un espíritu bohemio. Es una hoja que se mece con el sol y el viento. , la falda larga que usa a menudo. Sólo puede ser verde." Después de leer la obra original de Hugo, podrás comprender mejor esta idea. Esmeralda, una niña de sangre gitana, deambula errática, pero bella, juvenil y bondadosa. Utiliza como imagen las hojas verdes para simbolizar su errática poética y su fragilidad. Al final, no puede escapar de ser traicionada por la hipocresía, la codicia. y la falsedad. La condenación que fue devorada. Otro personaje importante de la obra, el campanero Quasimodo, aunque de apariencia extremadamente fea, es tan claro y amable como un ángel en su corazón. También leyó muchos libros sobre la vida aislada de Notre Dame (esto es sabiduría). lo que a Fred le recordó a los budistas. Por ello, su vestimenta era de un color burdeos que recordaba a los lamas tibetanos en China, una túnica larga a rayas totalmente remendada. Este parche aparece en todos los disfraces a lo largo del espectáculo. Es la marca de Fred y simboliza la sublimación de las cicatrices.
La idea de diseño de Fred es encontrar el portador simbólico del significado simbólico a través de la asociación para lograr "un alto grado de unidad de imagen y significado". El diseño de Fred es un excelente ejemplo del uso del simbolismo.
El simbolismo indirecto se refiere al uso de la ropa como portador para metaforizar los cambios emocionales del personaje y los altibajos y desarrollo de la trama. El uso más destacado del simbolismo indirecto fue la "Muerte de Ofelia" en la película "La venganza del príncipe", que se estrenó en China a finales de la década de 1970 y se basó en la obra "Hamlet One scene" del dramaturgo británico Laurence Olivier. . En la obra, el conflicto entre la belleza y la muerte lleva la tragedia a su clímax. En esta escena, la "flor" como disfraz va más allá del significado de la ropa y se convierte en la guía de la trama: la "belleza" fue arrebatada por la muerte y se convirtió en una imagen trágica que profundizó la trama y afectó la experiencia emocional instantánea del público. .