Cómo combinar acordes en un drama

Combinación de sonidos producida por dos o más sonidos diferentes al mismo tiempo según ciertas reglas. Incluye: ① El acorde es el material básico de la armonía. Está compuesto por tres o más tonos diferentes superpuestos en terceras o combinados simultáneamente por otros métodos. (2) La progresión armónica se refiere a la conexión sucesiva de acordes y el movimiento lateral de la armonía. Por cierto. La armonía tiene efectos de color obvios de fuerte, ligero, grueso y fino; también tiene la función de formar cláusulas, dividir párrafos y finalizar la música.

Desde el siglo XVII, debido al paulatino desarrollo de la música melódica, el papel de la armonía ha ido adquiriendo cada vez más importancia. Desempeña tres funciones en la música: ① La combinación de partes. Sobre la base de una armonía unificada, todos los sonidos se combinan entre sí para formar un todo armonioso. ②La función estructural de la música. La progresión armónica, la agrupación y la ubicación tonal desempeñan papeles importantes en la composición de la forma musical. ③La función de expresión del contenido. Da forma a la imagen musical y expresa el contenido musical a través del color, la textura y otros factores de armonía. El procesamiento de la armonía es una habilidad de escritura importante en la creación musical y también es la base de otras técnicas de composición como el contrapunto, la orquestación y la forma musical. A veces, las melodías también surgen de armonías.

En la música tonal, la armonía tiene significados tanto funcionales como cromáticos. La función de armonía se refiere al efecto estabilizador o desestabilizador de cada acorde sobre la tonalidad, sus características de movimiento y tendencia, y la relación lógica entre ellos. El papel de la armonía está estrechamente relacionado con la tonalidad. Sin tonalidad o tonalidad, la armonía pierde su significado funcional. El color de la armonía se refiere a los efectos de sonido de varias estructuras de acordes, posiciones armónicas, escritura de texturas y progresión armónica. El color armónico es el factor principal en la interpretación armónica y es de gran importancia tanto en la música tonal como en la no tonal.

El desarrollo histórico de la armonía. La formación y desarrollo de la armonía en la música occidental tiene una historia de más de mil años. Se puede resumir en las siguientes seis etapas: Siglos X al XVI en Europa. desarrollado desde los primeros Organon hasta la etapa de perfección de la escritura polifónica. Los intervalos armónicos, los acordes y las progresiones armónicas se forman cuando las partes de la música polifónica se combinan entre sí principalmente en intervalos armónicos. En ese momento, se basaba en varios modos antiguos de siete notas, por lo que las generaciones posteriores llamaron a la armonía en la música polifónica de los siglos XV y XVI armonía en modo medieval o armonía en modo eclesiástico. Sus características son las siguientes: ① Se basa en la tonalidad (es decir, tónica) de seis modos diferentes (el séptimo modo Locklear rara vez se utiliza). Cada escala modal tiene diferentes relaciones de intervalo, y cada modo tiene sus propios intervalos característicos, que son diferentes entre sí. ②La estructura de los acordes se basa en el intervalo de consonantes. En la posición original, solo hay acordes mayores y menores, y la primera inversión y la primera inversión de la tríada disminuida. Otros intervalos disonantes deben resolverse mediante métodos prescritos. ③ Los trillizos de todos los niveles se pueden conectar entre sí. En la conexión de acordes, se usa comúnmente la relación de intervalo entre varias notas fundamentales (excepto para agregar cuartas). Durante el transcurso de la música no es necesario que esté centrado en el acorde principal, pero sí debe estar cerrado al final de la música. Desde aproximadamente el siglo XIV, la aplicación de la modulación, también conocida como "falsa modulación", estipula que la antitonía de un sexto grado es seis grados más alta cuando entra en la octava, y la antitonía de un tercer grado es tres. grados más bajos cuando entra en el mismo grado.

grado, por lo que es necesario utilizar cambios de tono para formar un sonido similar al tono principal de la tónica que ingresa a la tónica. Además, para evitar disminuir la quinta y aumentar la cuarta, también es necesario cambiar la tonalidad. Esto crea las condiciones para que varios modos evolucionen gradualmente hacia sistemas grandes y sistemas pequeños.

Debido a que se forman progresiones armónicas similares a ⅳ-ⅴ-I, ⅴ-I o ⅴ-I en diferentes pausas al final de cada frase, se forman las semillas de cambios de tono de lectura continuos posteriores.

En el siglo XVII, con la formación de la música de una sola melodía y el surgimiento de la ópera en la era barroca temprana, se adoptó el método de añadir acompañamiento de acordes al canto de una sola parte. El bajo digital se utiliza para representar la armonía de la parte de acompañamiento, que es improvisada por el teclista. A partir de la combinación de intervalos verticales se potencia el papel de la armonía para formar una línea de bajo con un ritmo medio. El desarrollo de la textura de los acordes instrumentales es de gran importancia para la formación gradual de la música tónica. Debido a las necesidades de contenido dramático, la gente comenzó a prestar atención a la interpretación de la armonía, especialmente los acordes disonantes (como C. Monteverdi, J. Perry, etc. En las óperas se utilizan siete acordes para expresar tristeza y desgracia). La aplicación de acordes de séptima se convierte en una condición importante para establecer tonalidades mayores y menores. A finales del siglo XVII se habían establecido sistemas mayores y menores, aunque todavía existían influencias de los modelos medievales. Las tonalidades mayores y menores se han convertido en la base del pensamiento modal para la melodía y la armonía; el contraste de color modal entre ellas se ha convertido en un importante factor de expresión en la música.

En la primera mitad del siglo XVIII, a finales del Barroco, la creación musical instrumental se desarrolló enormemente, y la música polifónica libre basada en el sistema de armonía mayor y menor fue la principal forma textural. Continúe aplicando el bajo digital como método de notación para las partes de armonía del teclado. La armonía, como elemento de la forma musical, jugó un papel importante en la estructura musical de este período, incluida la fuga, la forma antigua de dos partes, la forma de sonata temprana, etc. , y formó un patrón de disposición tonal: la música en una tonalidad mayor primero pasa a una tonalidad mayor, y luego a otras melodías estrechamente relacionadas, la música en una tonalidad menor primero pasa a una tonalidad menor o a una tonalidad mayor paralela, y luego a otra; claves relacionadas. Observe el contraste de la función tonal y el color en el diseño de modulación. Las tríadas mayores se utilizan a menudo como acorde principal al final de la música menor. Este método fue ampliamente utilizado desde la segunda mitad del siglo XVI y continuó hasta mediados del siglo XVIII. La transposición armónica fue un método de contraste musical utilizado durante este período. El uso de instrumentos de teclado de ritmo medio ha ampliado la gama de aplicaciones de la modulación armónica en la música. La "Colección de pianos rítmicos medios" de J.S. Bach es una obra típica de este tipo de música, que desempeñó un papel muy importante en el desarrollo del arte musical en las generaciones posteriores. Durante este período, además de los acordes naturales en todos los niveles, se utilizaron ampliamente los acordes modificados como los acordes subordinados, los acordes de séptima disminuida y los acordes de sexta Napoli. La aplicación de diversas texturas armónicas en la música instrumental, como patrones de acordes, patrones de descomposición, etc., desarrolló aún más el estilo musical melódico principal y gradualmente pasó al sistema musical melódico principal en la segunda mitad del siglo XVIII. Durante este período, muchos escritores se centraron en utilizar diferentes materiales armónicos para expresar diferentes contenidos musicales y desempeñar el papel de la armonía. Por ejemplo, en las obras de Bach se utilizan armonías simples para expresar alegría, alabanza, esperanza e igualdad. La fantasía, el drama y el sufrimiento, la pena y el duelo se expresan en armonía y disonancia cromática. En "La Pasión de Mateo", Bach utiliza el ascenso cromático del bajo, los acordes alterados y los acordes disonantes para describir la escena de "la tierra temblando, las rocas rompiéndose, los muertos levantándose de la tumba...".

Aunque la armonía de este período se basaba en los sistemas de tonalidad mayor y menor, todavía existen patrones de mediana edad en cierta música vocal e instrumental de base coral.

Uso.

En la segunda mitad del siglo XVIII, la música temática se convirtió en el sistema principal del género musical clásico. La simplicidad y claridad del contenido ideológico y la forma estructural perseguidas en ese momento también se reflejaron en la simplicidad y claridad de las técnicas de armonía. Los modos mayor y menor se convirtieron en la base de la armonía y los modos medievales perdieron su influencia. El significado tonal de la armonía es más claro y concentrado, enfatizando los tres acordes principales: principal, subordinado y dominante. El bajo digital ya no se utiliza en la creación y el bajo se libera de las ataduras del flujo suave. Debido a que la estructura es cuadrada, no hay partes ni ritmos complejos en la música polifónica. El ritmo de la armonía es regular y rítmico, con una progresión armónica simétrica y equilibrada como cuerpo principal. Se utilizan ampliamente desafinados, modos invertidos, acordes de séptima disminuidos, acordes de sexta añadidos, oposiciones armónicas mayores y menores, etc. Primero, se aplica el patrón armónico y se aplica la obstrucción de la tríada mayor. Con la aplicación de semitonos y armónicos, los semitonos decorativos se han desarrollado y convertido en una técnica colorida.

En las formas musicales melódicas, especialmente en las formas musicales a gran escala, como la forma sonata, la función estructural de la armonía se utiliza plenamente y se convierte en uno de los elementos de la estructura musical melódica.

Durante el período romántico del siglo XIX y principios del mismo, las técnicas de armonía eran básicamente las mismas que las de finales del siglo pasado. Desde entonces, debido a la expansión de temas y contenidos, la necesidad de expresión emocional, descripción psicológica, descripción del escenario y interpretación de la trama en las obras musicales ha impulsado a los compositores a desarrollar continuamente nuevo vocabulario armónico y enriquecer el poder expresivo de la armonía. Esto se manifiesta principalmente en dos aspectos: por un lado, es el desarrollo de la armonía del sistema de cambio de tono y otras técnicas armónicas complejas, como una gran cantidad de partes cromáticas, separación y modulación a larga distancia, tonalidades errantes y difusas, y acordes continuos de grupos de funciones subordinadas, varios acordes transpuestos de larga distancia, acordes muy superpuestos (acorde 9, acorde 11, acorde 13, etc.), ocultando los acordes principales, evitando la conexión y mezclando tonos mayores y menores en el mismo principal. melodía. La funcionalidad de la armonía se debilita y desdibuja gradualmente, y los colores se resaltan y enfatizan. Se puede decir que la armonía de los últimos musicales de Wagner es representativa de este aspecto. Por otro lado, debido al auge de las escuelas de música étnicas y la adopción de temas religiosos antiguos, se ha restaurado y ampliado la armonía fonética natural. Por ejemplo, debido a la influencia de la música folclórica, la gama de modos en la obra se ha ampliado. Además de los modos mayores y menores naturales, existen otros modos medievales y modos especiales, como los modos frigio y lidio en las obras de Liszt y Chopin.

Modos gitanos en las obras, diversos modos naturales en las obras de compositores rusos, etc.

En términos de armonía, el énfasis está en los acordes del grupo subordinado y, a veces, un pasaje sólo consta de acordes del grupo subordinado y acordes principales. También se enfatizan las tríadas menores en la tonalidad mayor, añadiendo colores suaves y dando a la armonía las características estilísticas de los modos medievales. Las progresiones armónicas como los casos alterados, los casos obstructivos y las relaciones de raíces de tercer nivel también son muy comunes y se encuentran a menudo en las obras de Liszt, Wagner, compositores rusos y E. Grieg. En cuanto a la composición de acordes, existen acordes dominantes y acordes dominantes con sextas, así como acordes muy superpuestos con rangos naturales. En términos de armonía, también hay nuevos métodos de procesamiento, como el uso de acordes principales invertidos al final; el uso de ⅲ de nivel en lugar de ⅴ de haz orto de ⅵ de nivel o ⅱ de nivel reemplazando el cambio de haz de ⅵ de nivel, etc. A veces el final no está en el acorde principal. Durante este período, hubo algunas técnicas especiales que fueron muy creativas y se convirtieron en las precursoras de la armonía moderna, como: la armonía pentatónica (como en las obras de ап Borodin); la superposición de acordes de quinto grado (como en las obras de Liszt); armonía compuesta Voz (como en las obras de Wagner);

Armonía cromática (como en las obras de Rimsky-Kosakov), etc.

En el siglo XX, a partir del desarrollo de la armonía de sistemas grandes y pequeños hasta su límite a finales del siglo XIX, muchos compositores exploraron nuevas técnicas creativas o regresaron a estilos musicales antiguos, rompiendo la armonía tradicional de la especificación de los últimos 200 años. Las técnicas de armonía en el siglo XX se pueden resumir en: la complejidad del pensamiento armónico, la diversificación de las estructuras de acordes, la liberalización de las series armónicas y la expansión de los conceptos tonales. En primer lugar, romper con los materiales armónicos tradicionales en el método de uso y crear nuevos efectos armónicos, como el uso paralelo de acordes superpuestos de tercer grado, el uso independiente de 46 acordes y la continuidad directa de acordes de larga distancia; sin conexión funcional; progresiones armónicas continuas y acordes compuestos en segundo, tercer o tercer grado.

En términos de romper la influencia a largo plazo de los modos mayores y menores, varios modos medievales, modos pentatónicos, modos especiales de algunos grupos étnicos, escalas de armónicos (incluidos modos mayores con cuartas ascendentes y séptimas descendentes) , todas las escalas, escalas de doce tonos y varios otros modos y escalas especiales se utilizan ampliamente. Estas nuevas escalas modales proporcionan una base diferente para trabajar con armonías mayores y menores.

En términos de estructura de acordes, nos esforzamos por romper el principio tradicional de triple superposición y perseguir los efectos armónicos discordantes y ásperos que se consideraban en el pasado. Por ejemplo, los acordes superpuestos avanzados de tercer grado basados ​​en la escala cromática, los métodos de superposición de cuarto grado, los grupos de sonido densos de segundo grado, varios sonidos adicionales y cualquier combinación posible hacen que la armonía sea nítida, tensa y compleja.

Además, existe un método de procesamiento armónico que combina completamente los sonidos de la fonología natural, llamado "fonología pan-natural".

En las obras musicales de finales del siglo XIX, la distinción entre modos mayores y menores tendió a desaparecer. Además, debido al desarrollo de la armonía cromática, la gama de tonalidades se ha expandido y cambiado rápidamente, debilitando y desdibujando el significado funcional de la tonalidad y la armonía. Sobre esta base, en el siglo XX se rompieron aún más los conceptos tradicionales y surgieron los siguientes nuevos métodos de tratamiento de la tonalidad: ① La tonalidad general, que aún se conserva en la actualidad.

Juega el papel de la tonalidad, pero rompe los límites de la tonalidad tradicional. No se basa en tríadas y escalas diatónicas, ni tiene progresiones armónicas funcionales. Más bien, utiliza algunos métodos nuevos para expresar o implicar el significado del centro tonal (tónica o acorde tónico). A veces falta una sensación de tonalidad fija y clara debido a los constantes cambios en el centro de afinación. (2) La polifonía, es decir, la combinación simultánea de dos o más tonos diferentes, es un nuevo método de tonalidad que fue popular a principios del siglo XX. Cada nivel tonal es principalmente la tonalidad tradicional de la fonología natural, pero cuando se superponen y combinan diferentes tonos, producen disonancia, contradicción y, a veces, incluso efectos armónicos agudos. (3) La atonalidad, basada en la escala cromática, enfatiza que cada sonido tiene el mismo significado, evitando y negando el control del sonido central. Este tratamiento excluye la tonalidad y la armadura pierde su significado y ya no se utiliza. Se eliminan los principios de combinación de acordes, el papel de las notas fundamentales y las conexiones intrínsecas entre acordes. La estructura de la música ya no está definida por la armonía.

La interpretación de armonía en las obras musicales chinas se utiliza en la creación musical profesional en China. La aplicación de la armonía comenzó a principios del siglo XX, inicialmente utilizando los métodos europeos de armonía mayor y menor. Dado que la mayoría de las melodías están en escala pentatónica, cómo adaptar la armonía al estilo de la melodía se ha convertido en un tema que los compositores chinos han estado explorando en la práctica. La armonía temprana se basaba principalmente en armonías mayores y menores, utilizando métodos como fortalecer el papel de las tríadas menores, utilizar tríadas mayores con sextas y prestar atención a la escala pentatónica de las voces (especialmente las dos voces exteriores). En la década de 1920, Zhao Yuanren prestó atención a probar la armonía al estilo chino en el acompañamiento de sus canciones.

A mediados de la década de 1930, debido a la influencia de la música nacional tradicional y la música folclórica, el estilo musical nacional recibió mayor atención y hubo más exploraciones y experimentos en armonía. Por ejemplo, tomó prestados algunos métodos armónicos de las escuelas de música nacionales europeas y de los impresionistas (como Debussy), añadió la aplicación de la armonía en modo natural y adoptó el método de añadir o cambiar notas sobre la base de tríadas. Algunas obras rompen las normas armónicas de las tonalidades mayores y menores y adoptan una estructura armónica pentatónica (como la introducción de "Shepherd Boy's Joy" de Lao Zhicheng) o procesamiento polifónico (como "Shepherd Boy's Piccolo" de He Luting).

A mediados de la década de 1940, la creación musical se desarrolló más que en el período anterior y gradualmente aumentaron las obras basadas en canciones populares o melodías de canciones populares. En términos de armonía, preste atención a la aplicación de métodos de armonía modal y pruebe algunas estructuras de acordes adecuadas para la escala pentatónica, como acordes de cuarta y quinta, acordes alternativos, etc. Al comenzar a absorber y aplicar algunos métodos armónicos modernos, la armonía de los escritores impresionistas atrajo la atención y la referencia de más compositores. La teoría de la composición de Hindemith también se introdujo en China, y Tan Xiaolin también introdujo esta teoría y técnica en su creación.

La combinación de ingenio y estilo nacional crea un nuevo método de procesamiento armonioso.

En aquella época también hubo intentos de combinar técnicas creativas atonales con canciones populares chinas, pero no eran comunes. Después de la fundación de la Nueva China, la creación musical se ha desarrollado enormemente y el estilo nacional de armonía ha atraído más atención. Sin embargo, debido al énfasis en la teoría de la armonía funcional, el procesamiento de la armonía pertenece principalmente a los métodos de estructura tridimensional y armonía modal funcional. Al mismo tiempo, sobre la base del mantenimiento de la tonalidad y el modo, también hay muchas exploraciones e intentos, como la estructura armónica pentatónica, combinaciones armónicas complejas, armonía compuesta, armonía de cuarto grado, armonía alterna modal, progresión paralela, etc. En los últimos años, muchos compositores han seguido explorando la combinación de técnicas modernas de armonía y estilos nacionales, y han logrado muchos resultados gratificantes. En resumen, desde la perspectiva de la creación musical china,

Según observaciones prácticas, la armonía estéreo, la armonía pentatónica y la armonía polifónica moderna pueden combinarse con los tonos nacionales pentatónicos para desempeñar su papel en la música. papel del desarrollo del estilo nacional en la creación.

(Sang Tong)