Antecedentes relacionados de la pastoral italiana
Los músicos prestan especial atención a la expresión del contenido de la poesía cuando escriben canciones pastorales, por lo que se forma una relación de ayuda e influencia mutua entre poetas y músicos, poesía y música, que se refleja en la música. de "expresividad", especialmente en la segunda mitad del siglo XVI, los madrigales se desarrollaron más hacia efectos descriptivos y dramáticos. La música ideal de los humanistas se realizó gradualmente en los madrigales, y este desarrollo finalmente condujo al nacimiento de la ópera.
El desarrollo de la pastoral se puede dividir en tres periodos: temprano, medio y tardío. Se trata de una época de desarrollo que duró aproximadamente un siglo. Se puede decir que todo el proceso de formación del género pastoral es resultado creativo de los maestros holandeses que eran fuertemente italianos. La primera colección de madrigales publicada en 1533 contiene obras escritas por muchos compositores holandeses que mantuvieron un estilo de escritura que combinaba el estilo italiano con la tradición holandesa, principalmente Verdello, Arkadelt y Villarte. Con la excepción de Festa, los italianos no parecen haber participado inicialmente en el desarrollo del madrigal. Los madrigales de Verdello muestran sensibilidad hacia el estilo puro de la música, con un toque recitativo, y se esfuerza por dejar que la música exprese el significado interno del poema. Arkadelte es un letrista con un fuerte poder expresivo. Fue particularmente admirado por el difunto maestro de madrigales Monteverdi; , y también se encargó de la reedición de las obras madrigales de Arkadelte. Las pastorales de Arkadelte se centran en la melodía y resaltan la estructura de textura clara; Villarte fue un importante compositor flamenco después de Josquin y antes de Lasso. Sus creaciones reflejan la tolerancia única del arte renacentista. En lo pastoral, Villarte mostró ligereza y elegancia, con cierto grado de intuición musical. Fue sensible a la relación entre letra y música. "La persona que está impresa precisamente bajo las notas" ha realizado nuevas exploraciones en el poder expresivo de la música. .
Los primeros madrigales solían tener cuatro partes, a veces tres partes, y tenían un estilo más flexible que los motetes. Dependiendo del contenido del poema, en la obra aparecerán cambios de ritmo y párrafos distintos para enfatizar el significado del texto. Por ejemplo, cuando se menciona el cielo y las montañas, la melodía se elevará hacia arriba, y cuando se menciona la tierra o el infierno, la melodía descenderá. Palabras como parada, sin cambios o continuo se expresarán en forma de melodía inmóvil. etcétera. Este tipo de técnica simbólica se ha utilizado en la música y la poesía antes o después de esto, pero especialmente en las canciones pastorales, podemos ver que su nueva inspiración ya no es una transformación de pensamientos, sino la creación de un mundo a través del sonido. En este punto, los compositores pastorales comparten ideales similares con los músicos impresionistas de finales del siglo XIX.
Los compositores pastorales generalmente tienen un fuerte deseo de expresar el contenido poético aparente y subyacente, por lo que crean nuevos símbolos musicales. Por ejemplo, al describir la crueldad, el dolor o la muerte, creían que debían romperse las reglas normales y se utilizaban nuevas disonancias y cambios repentinos de tono para crear una atmósfera cambiante. Estos cambios audaces rara vez ocurren en la música religiosa, pero se han convertido en técnicas creativas reconocidas en las canciones pastorales. Esto brinda a las canciones pastorales oportunidades para experimentar de diversas maneras, generando así recursos sustanciales de expresión y fortaleciendo el componente perceptual de los principios creativos racionales. En el desarrollo intermedio de la pastoral, los compositores hicieron muchos nuevos intentos en esta área. Además de Basil, entre los compositores de madrigales del período medio comenzaron a incluir más italianos, entre ellos Gabrieli y Vicentino. Tanto Basil como Vicentino fueron alumnos de Villarte. Los cantos pastoriles de Basil comenzaron a ser influenciados por su maestro. Posteriormente destacó su estilo individual, centrándose en la combinación del estilo tónico y el estilo polifónico, influyendo especialmente en la exploración de la armonía cromática. generaciones futuras. El lenguaje musical de los madrigales de Lasso, Monteverdi y otros estuvo muy influenciado por Basil. La armonía cromática, o "cromatismo" (cromatismo o estilo cromático), surgió con el fin de proporcionar más nuevas expresiones posibles de la música. El sistema cromático del siglo XVI no tenía el significado que entendemos hoy en los primeros escritos teóricos italianos, solo representaba el uso de notas de corta duración, negras y corcheas, así como el uso de inflexiones (pseudotonos). .
Los teóricos de esa época intentaron preservar las características y el color del modo de la iglesia, sin importar qué modo se eligiera, el uso de inflexiones estaba prohibido sólo en el llamado tono escalonado (música falsa) o tono falso (música ficta). , Fa sostenido y Do sostenido estaban permitidos, Sol sostenido, Si bemol y Mi bemol, debido a que estas notas han sido utilizadas comúnmente por los compositores, es imposible prohibir por completo el cambio de notas. Para expresar lo máximo posible el significado, los compositores pastoriles comenzaron a utilizar con mayor frecuencia las inflexiones. Por ejemplo, otro alumno de Villarte, el compositor y teórico italiano Vicentino, fue un defensor del sistema cromático que defendía un espíritu humanista. Esquema teórico para el resurgimiento de la música griega antigua basado en las tres "escalas" principales de la música griega antigua: tonos naturales, inflexiones y cuartos de tono. Publicó un madrigal de cinco partes en 1546. El estilo de utilizar patrones cromáticos y tonales iguales a través de la práctica musical vino de su maestro Villarte. En 1555 publicó el artículo "Antica musica ridotta alla moderana prattica", proponiendo teóricamente la aplicación práctica del estilo cromático, y diseñó y fabricó un clavecín y un clavecín capaces de tocar semitonos y microtonos. órgano, que tiene un importante significado histórico para promover el sistema de semitonos y ampliar su papel expresivo. A finales del siglo XVI, el desarrollo del madrigal volvió a manos de los italianos. Si bien continuó el estilo musical de su propio país, recibió influencia de los músicos holandeses del entorno, aunque estos fueron innovando, su lenguaje musical también tendió. para unificar con estilos internacionales. En Venecia, A. Gabrieli y su sobrino Giovanni Gabrieli transformaron el madrigal en un estilo decorativo magnífico. Giovanni tenía un muy buen dominio de la voz. Era bueno escribiendo madrigales rituales más que obras puramente líricas. Los madrigales de doce partes (Sacri di giove augei) son suntuosos, armoniosos y, en ocasiones, emplean una audaz disonancia al estilo de Monteverdi.
Las contribuciones realizadas por Marenzio, Monteverdi y Gesualdo entre los compositores tardíos de madrigales pueden mejorar aún más el estatus del madrigal en el desarrollo de la música a lo largo del Renacimiento.
Marenzio fue llamado el "Schubert de la Pastoral" por sus contemporáneos. No hay sombra de músico erudito en su mundo. Está muy acostumbrado a la vida cortesana y visita con frecuencia países extranjeros, lo que amplía sus horizontes musicales. Su característica creativa más encomiable es su dominio del llamado método de escritura cromática del madrigal, que encarna el concepto moderno de modulación armónica. En su pastoral describe no sólo el mundo exterior tangible, sino también el mundo emocional interior. La obra incorpora un estilo dramático como el de Monteverdi, pero es más conservador y riguroso. Nunca permite estallidos repentinos de entusiasmo en la música. La melodía y la armonía de los primeros madrigales de Marenzio tendían a ser simples y, a veces, incluso mostraban un sentido de elegancia y feminidad; su estilo creativo tardío se volvió más enérgico, y la quinta colección de madrigales de seis partes mostró colores y ritmo magníficos, con una muy Con un tacto flexible, puede expresar el movimiento de los peces en el agua reflectante, así como el sol poniente o la fragancia de la primavera, y la música puede contener los tonos más delicados.
La constructividad provocada por la "destrucción" en la creación musical de Gesualdo parece ser una característica del siglo XX, no de finales del siglo XVI. Sus estrechas conexiones con las grandes familias aristocráticas italianas le dieron una ventaja en todos los aspectos. Influenciado por las discusiones humanistas sobre la música antigua y las teorías de Vicentino, compuso algunas villanella en tres partes y numerosos madrigales que utilizaban un estilo contrapuntístico. Posteriormente intentó utilizar la disonancia y el sistema cromático (no lo consideró como un medio, sino como un resultado) para componer canciones pastorales. Usó técnicas cromáticas dentro de cada parte para hacer que la armonía perdiera su sentido de tonalidad, y le gustó. Para mantener mucho el tono y el tono. Contraste entre oraciones rápidas.
El significado simbólico de la pastoral se expresa en gran medida en la música de Gesualdo. Sus obras contienen ciertos elementos de conciencia y sabiduría, y también tienen conceptos melódicos magníficos, que hacen que ciertas frases trágicas puedan formar una tragedia "romántica". .
El acercamiento apasionado de Monteverdi al enfoque puro y refinado de Marenzio es como el de Beethoven al de Mozart. Las composiciones de Monteverdi siempre estuvieron plagadas de un drama violento, que no sólo reflejaba su personalidad sino que también reflejaba las características de su música.
Monteverdi abarcó los siglos XVI y XVII y dominó diversas formas del Renacimiento. También fue el principal líder de la creación en el siglo XVII. Fue el último gran compositor pastoral de finales del Renacimiento. Uno de los fundadores del estado italiano del barroco temprano. Se puede decir que el arte del madrigal se desarrolló hasta su apogeo gracias a Monteverdi. Sus madrigales contienen las semillas del lenguaje armónico moderno, el estilo de drama musical y la sinfonía descriptiva. La expresividad personal de Monteverdi reemplazó la forma generalizada de expresión heredada de los músicos góticos en el siglo XV y, hasta cierto punto, dio origen al madrigal como un arte nuevo. Los primeros madrigales de Monteverdi no fueron más allá del lenguaje armónico utilizado por otros, pero fueron innovadores. Las disonancias se produjeron mediante síncopas, apoggio y sonidos transitivos, y el uso intencionado de relaciones entrelazadas. Mientras que otros tratan la disonancia como un sonido modificado, creando una sensación de anticipación por el sonido tranquilo que sigue, Monteverdi utiliza este enfoque con moderación. Los primeros madrigales eran básicamente de carácter vocal. Después de la cuarta colección de madrigales, Monteverdi parecía tener en su pensamiento la idea de la música instrumental. Algunas obras eran muy difíciles incluso para los cantantes más hábiles de la época. Los últimos madrigales de Monteverdi ya tienen signos evidentes de reforma armónica, practicando instintivamente toda la técnica de progresión de acordes tonales, utilizando por primera vez acordes de séptima y novena dominantes no preparados en la cadencia, y usándolos en modulaciones. Acorde de séptima dominante, este aspecto fue posterior. discutido sistemáticamente en los "Principios naturales de la armonía" de Rameau.
Las diversas formas de creación musical del madrigal italiano proporcionan ricos recursos de técnicas y expresiones. Difunde innumerables símbolos y formatos, que son utilizados por músicos contemporáneos y posteriores, para la música instrumental y las escrituras. el desarrollo de la música religiosa y la música secular como la polifonía francesa Chanson.