Clasificación de violines
El violín es un instrumento de arco de cuatro cuerdas y es el principal miembro de los agudos de la familia del violín (otros miembros de la familia incluyen la viola, el violonchelo y el contrabajo). El violín moderno se originó en Cremona, Italia, que se convirtió en el mayor centro de producción de violines entre 1600 y 1750. Los más famosos son: Amati, Stradivari y Grenery; los instrumentos musicales que fabricaron ahora no tienen precio. La afinación de quinto grado del violín es sol, re1, la1, mi2 y el rango es de más de tres grupos y medio. Es un instrumento imprescindible y habitual en todas las orquestas.
Los primeros diseñadores del violín fueron Andrea Amati (1525 ~ 1611) y Gasparo da Salo (15438 0609). Debido a que los dos han colaborado, diferentes documentos históricos tienen puntos de vista diferentes: uno es que Amati es el principal y Da-Saro es el sustituto; el otro es todo lo contrario. Si se considera que Andre Aimaiti es 17 años mayor que Da Salo, parece que Da Salo debería trabajar bajo la dirección de Aimaiti. Porque en aquella época la antigüedad también representaba autoridad. Sin embargo, esto es sólo una suposición. Basado en esta inferencia, es más preferible que el diseñador original del violín sea Andre Amati. Toca un instrumento de cuerda. El instrumento de rango medio de la familia del violín es básicamente el mismo que el violín en apariencia y estructura, pero es un poco más grande. La afinación de las quintas es C, G, D1 y la longitud de La1 es generalmente de 42,5 cm. El sonido de la viola es más denso, cálido y completo que el del violín, y las técnicas de digitación y arco son básicamente las mismas que las del violín. La viola comienza en C, 8 octavas más bajas que el C medio, y cada cuerda está separada por 5 octavas, seguida de C, G, D, A, 5 octavas más bajas que el violín y 8 octavas más altas que el violonchelo. Como instrumento solista, carece de la brillantez del violín y de la virilidad del violonchelo, y no puede competir con la orquesta cuando toca conciertos similares al violín y al violonchelo. Por lo tanto, no hay muchos conciertos escritos por compositores para viola (principalmente para violín).
El nombre de Viola proviene de Viola da gamba. El violonchelo antiguo era un instrumento que se tocaba entre las piernas. Pero, de hecho, la Viola da Viola es la antecesora de la viola y del violín, porque la viola se toca sobre los hombros. El desarrollo e historia de la viola es muy similar a la del violín, pero carece de la adaptabilidad y armonía del violín en situaciones solistas, por lo que tiene que ocupar la posición de acompañamiento para que el sonido ejecutado pueda ser armonioso.
En las dos últimas décadas del siglo XVIII, muchos músicos llegaron a apreciar el timbre único y hermoso de la viola, por lo que se utilizó a menudo en los cuartetos de cuerda de Hayden y Mozart. Pero cuando se utiliza como instrumento solista, su timbre es único, como el de un instrumento de cuerda nasal, produciendo un sonido profundo y misterioso. Esta característica ha sido explotada por muchos compositores destacados de nuestro país, permitiendo que la viola débil imite el sonido del morinouqur, desempeñando un papel muy importante en obras solistas o sinfónicas como "Gadamer", "Wind Up Ten Thousand Miles", "Song de la pradera", etc., dando a la gente una sensación refrescante. Debido al timbre único de la viola, la mayoría de las sinfonías están en la sección central, y los violines y violonchelos se utilizan a menudo para completar la melodía principal, principalmente como complementos.
En el siglo XIX d.C., N. Paganini recibió una viola de A. Stradivari, para la que H. Berlioz escribió la sinfonía "Harold" In Italy". Berlioz escribió brillantemente no sólo el solo de viola sino también la parte de viola de la orquesta. Desde el siglo XX han aparecido violas como L Tertis, W Primrose y P hindemith.
Walton escribió un concierto para viola para Thetis y Bartók escribió un concierto para viola para Prim Roth. Hindemith escribió e interpretó él mismo cuatro conciertos para viola. En cuanto al desarrollo del arte de tocar la viola, su expresión artística se ha aprovechado plenamente en obras de música de cámara, especialmente en cuartetos de cuerda.
Sin embargo, la viola no ha recibido mucha atención en la interpretación. Incluso un maestro como Beethoven, que era experto en desarrollar el carácter único de su instrumento, se contentaba con mantener la viola al nivel de una voz subordinada. Esta situación afecta incluso el entusiasmo de los estudiantes por aprender viola. Siempre hay un dicho que dice que quien no puede aprender a tocar el violín debería aprender a tocar la viola. Parece que la viola es un instrumento de mierda, apto sólo para violistas mediocres e incompetentes. Por supuesto que este no es el caso. En la ópera "Hudar" escrita por Meiyuer, compositor representativo de la Revolución Francesa, no utilizó el violín de principio a fin, sino que le dio a la viola las partes básicas y más altas de las cuerdas. Este trabajo pionero puede haber inspirado el deseo creativo de Xiang Liaozi. Veintiocho años después, en 1843, Berlioz escribió su "Harold" en Italia, una sinfonía para Paganini con viola. Pero Paganini nunca prestó atención al solo de viola porque era demasiado silencioso. La obra fue estrenada posteriormente por el alumno de Paganini, Sivoli. De hecho, "Harold en Italia" es la sombría obra de Berlioz, en la que la protagonista interpretada por Viola se siente sola pero llena de un anhelo sin fin. El violín como protagonista es demasiado deslumbrante; el violonchelo es demasiado triste; la viola es profunda y conmovedora. Se puede decir que esta obra es única en la literatura para viola del siglo XIX. Pero claro, el bajo estatus de Viola en la historia tiene algo que ver con ella misma. Como todos sabemos, tanto el violín como el violonchelo fueron moldeados por el famoso pianista Stradivarius. Viola no tuvo tanta suerte. El tamaño de la viola no ha sido reconocido universalmente desde hace mucho tiempo. O crees que hago demasiado o creo que tú haces muy poco. En la primera mitad del siglo XIX, el famoso fabricante de pianos francés Villum fabricó varias violas con un sonido completo y potente, pero lamentablemente fueron archivadas porque eran demasiado grandes. A finales del siglo XIX, Tertis (1876-1975) se levantó y dedicó su vida a tocar la viola. Diseñó y construyó la viola Tertis, que medía 16 pulgadas y cuarto, un número relativamente decente para una viola. El violonchelo es un instrumento de cuerda alto o bajo indispensable en la orquesta. En la música orquestal, la parte del violonchelo suele tocar frases melodiosas y también desempeña el mismo papel que la parte del bajo en la armonía junto con el contrabajo. También es un instrumento solista muy popular.
Aplicar clave: clave de fa o clave de alto, clave de tenor.
Es similar a un violín, pero el cuerpo es mucho más grande, con una altura estándar de unas 48 pulgadas (unos 1,2 metros). Su arco es ligeramente más grueso y corto y está afinado una octava más grave que la viola.
Materiales utilizados:
Cuerpo de piano: estructura de madera, utilizando arce y abeto como materias primas para producir el mejor sonido;
Cuerdas: Hilo metálico;
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Lazo: cola de caballo.
La historia del violonchelo se remonta a finales del siglo XVI. Es un instrumento llamado "Gamba Viola" que evolucionó en el siglo XV. Un violín no es tan grande ni tan curvo como un violonchelo, pero se puede sostener entre las rodillas y tocar con un arco como un violonchelo.
Cello se escribía originalmente Violoncello en italiano y luego se redujo gradualmente a violonchelo. Conocido por su tono cálido y rico, el violonchelo es uno de los instrumentos más comunes en las orquestas sinfónicas. Adecuado para varios roles: a veces unirse al campo del bajo para producir un fuerte suspiro en el sonido profundo, a veces las dos cuerdas centrales actúan como columna vertebral rítmica; El momento más glorioso del violonchelo es cuando el compositor le da la misión de expresar la melodía como una canción. Toda la sección de violonchelo produjo melodías que avergonzarían a cualquier otro instrumento de la orquesta.
Contrabajo, instrumento de cuerda. También conocido como violonchelo doble. El instrumento de cuerda frotada más grande de la familia del violín y tiene la pronunciación más baja. Es la columna vertebral del sonido de la banda y la base del ritmo básico.
El contrabajo mide entre 180 y 220 cm de altura, con un pilar en el extremo inferior y parece un violonchelo. Cuando toque, coloque el piano en el suelo y tóquelo de pie o apoyado en un taburete alto. El contrabajo tiene un cuarto acorde y las cuatro cuerdas son E, A, D y G. Para evitar agregar demasiadas líneas a la partitura del bajo, su sonido es 1 octava más bajo que la notación real. A veces se añade una quinta cuerda con un tono de Do, o se añade un dispositivo mecánico al mástil para alargar la cuerda Mi, de modo que se pueda tocar el siguiente sonido de Do. Un intérprete experto puede trascender en gran medida el rango natural del instrumento mediante el uso de armónicos. El contrabajo utiliza dos tipos de arcos, uno es el arco francés, llamado arco Bottesini. El otro tipo, llamado arco alemán o Simon, tiene una varilla larga y delgada con una hebilla ancha, sujeta por la parte inferior de la varilla (con la palma hacia arriba). El contrabajo se toca más con cuerdas pulsadas que con otros instrumentos de cuerda frotada, lo que lo convierte en un instrumento rítmico importante en las bandas de cabaret y jazz, además de su papel en las orquestas.