Poesía dramática

La poesía dramática

se refiere a la poesía en forma de drama, también conocida como drama poético. El origen de la poesía dramática proporciona pistas sobre sus características básicas. El origen del drama occidental tiene dos aspectos, uno son las fiestas festivas de la antigua Grecia y el otro son los rituales eclesiásticos de la Edad Media. El drama griego evolucionó a partir del coro tradicional interpretado en las celebraciones en honor a Dioniso, el dios del vino. Posteriormente se agregaron un encuestado y un interrogador. Estas dos (o más de dos) personas forman un actor. Posteriormente, no sólo se hicieron preguntas entre ellos, sino que también utilizaron acciones para imitar algo que sucedió. Estas preguntas y respuestas entre actores originalmente tomaron forma de poesía. La razón de esto es clara, ya que la poesía misma, como parte de los rituales de celebración, existía antes que el drama. Sobre esta base se desarrolló gradualmente la tragedia griega.

Para evaluar cualquier drama, uno debe observar su efecto en la interpretación; sólo observando la representación de un drama se puede tener una comprensión precisa del mismo; esto es especialmente cierto en el caso de los dramas poéticos. Una cuestión compleja es si traducir un drama en verso a prosa lo distorsionaría gravemente; por ejemplo, la traducción en prosa de Edipo Rey de Yeats y la traducción en verso de Gilbert Murray, ¿cuál se acerca más a la obra original de Sófocles? Estas preguntas generalmente dependen de la interpretación. ¿Cuál de los dos sería una mejor representación de la obra de Aristófanes, un grupo de estudiantes que interpretara "Los pájaros" en griego para un público no griego o un grupo profesional que interpretara "Lisístrata" traducida al idioma de un público nativo? de la obra? Aquí conviene subrayar una vez más la calidad de la propia compañía y de las principales obras representadas. Actualmente, famosas compañías de teatro de París, Milán, Londres, Viena y otros lugares conservan en su repertorio obras de Molière, Goldoni, Shakespeare, Schiller y otros. Sus actuaciones exhiben sus respectivos estilos tradicionales e innovaciones experimentales en diversos grados. El teatro, más que cualquier otro arte, se basa en una evaluación constante; cada actuación requiere mejora e innovación. Al mismo tiempo, desde la invención de la imprenta, el teatro ha aparecido en forma de libros de lectura generalizada. No importa cuán colorida sea la atmósfera escénica diseñada por el director, como la escenografía, la iluminación, la música y el estilo de interpretación, la necesidad más esencial. de la poesía dramática es su lenguaje.

¿Qué estilo poético es el adecuado para escribir teatro? La respuesta a esta pregunta varía mucho de un país a otro y de una época a otra. En términos generales, el tono de la obra debe estar determinado por todo el guión, no sólo por algunos fragmentos conmovedores. Cuando el rey Lear se enteró de que su hija Cordelia había muerto, lloró con tristeza: "¡Nunca volverás, nunca, nunca, nunca!". El efecto de esta famosa frase depende de muchas tramas en toda la obra: Al principio es obstinado, pero luego se enoja en el desierto, siente amor y compasión por Cordelia y se enfrenta a la trágica y aterradora escena de la muerte de su hija. Separado del contexto y del contexto de la trama, el verso de El rey Lear no es muy conmovedor, ni necesariamente poético, pero el ritmo de toda la obra lo eleva a la cima de la poesía; Compare esto con una línea de "Ghosts" de Ibsen. Al final de "Fantasmas", Oswald, que padecía sífilis, se volvió cada vez más imbécil y aburrido. Murmuraba: "Mamá, dame el sol... Quiero el sol, quiero el sol". La señora Owen se preguntó si podría ser tan cruel como para matar a alguien con veneno. Por muy comprensiva que sea la escena y el verso rítmico, no es poética porque toda la obra está escrita en prosa y la presentación es más práctica; En el otro extremo está el final de "El viaje del hijo pródigo", donde un cuarteto lanza esta advertencia: "A los que son holgazanes y no tienen cerebro, el diablo les ha encontrado trabajo; aquí lo tiene, querido señor". Y para que usted, mi bella dama, encuentre trabajo." Este pasaje es obviamente a la vez poético y adecuado para la representación escénica. Pero la ópera no pertenece a la categoría de poesía dramática, porque la ópera es un tipo que utiliza la música como medio de expresión, utilizando la música para reemplazar la repetición de actividades del lenguaje. Para mejorar la interpretación, muchas óperas se basan en palabras simples. Otra situación es cuando los versos, aunque poéticos, no son adecuados para la representación escénica. Por ejemplo, en "Sansón el Fuerte" de Milton, Sansón gritaba tristemente a causa de su ceguera:

Ah, oscuridad, oscuridad, luz del día

La oscuridad que es difícil recuperar la vista;

El sol ha sido eclipsado, y el cielo nunca más se verá.

Aunque esta línea expresa el dolor de Sansón, cuando se representa en el escenario, carece de acción dramática. Después de muchas representaciones experimentales, se ha demostrado que "Sansón el Fuerte" no es adecuado para ser representado en el escenario; es un drama impreso en un libro para que la gente lo lea;

La poesía dramática en su forma pura es muy rara, y hay pocas obras como "Edipo Rey" que se ajustan plenamente a la definición de tragedia de Aristóteles, aunque los distintos tipos de poesía dramática no son mutuamente excluyentes. límites exactos, pero tienen sus propias características. Además de la naturaleza general de la poesía, la poesía dramática también tiene el efecto de mantener y fortalecer la actuación escénica que la prosa no puede lograr cuando su lenguaje melódico se recita en el escenario, ya sea alabando lo sublime o satirizando lo feo. Cada vez que se realiza una actuación, se debe establecer un cierto ritmo; si las líneas y acciones del actor pueden ser consistentes y seguir el ritmo, el efecto de la actuación mejorará en consecuencia.

"Fedra" es una tragedia neoclásica creada por el dramaturgo francés Racine del siglo XVII. Fue escrita en el estilo de copla popular en la época. Describe el tema eterno del amor, que en la obra se refiere al amor entre una madre y su hijo adoptivo. Racine era conocido por usar un vocabulario reducido, pero podía explorar completamente temas complejos con un vocabulario pequeño pero refinado. Esto requiere la representación de actividades psicológicas complejas, y cuanto menos intervención externa, mejor: dejemos que el carácter determine el destino. Es necesario mostrar el inevitable final de los personajes con una clara evolución lógica. El lenguaje utilizado por Racine en "Fedra" tiene un significado trágico, un encanto elegante y un color trascendente. No sólo describe las actividades internas de los personajes individuales, sino que también expresa un cierto tipo de carácter dentro de los límites permitidos por el tema. , haga todo lo posible por utilizar el lenguaje para crear varios cambios, de modo que los poemas sean armoniosos y hermosos, y tengan un encanto sutil. Por ejemplo, cuando Fedra confió su angustia interior a su amiga íntima, utilizó a Alexandria para demostrar que era profundamente afectuosa e incapaz de detenerse, también fortaleció el poder de sus palabras a través de pequeños gestos y combinó hábilmente las escenas escénicas que expresaban sus sentimientos; fortaleciendo así el efecto de las líneas. Por el contrario, cuando Robert Lowell tradujo "Phaedra" a una obra de teatro inglesa, añadió personajes innecesarios y palabras demasiado intensas, lo que hizo que la escena reveladora se convirtiera en un grito sin el correspondiente efecto artístico. La poesía y el arte arquitectónico son similares en el sentido de que a menudo ganan gracias al refinamiento. La característica de la poesía francesa es el refinamiento deliberado del lenguaje, para que la pasión apasionada no se desborde y se convierta en gritos vulgares. "Fedra" es un ejemplo.

La tragedia puede evolucionar hacia otros tipos. A veces, el lenguaje conciso de la obra no puede expresar emociones y los personajes de la obra se encuentran con situaciones difíciles de afrontar, lo que resulta en una farsa, por ejemplo, la obra heroica de Dryden "Olen y Chaiby". A veces, el lenguaje poético puro no puede expresar la fuerte exageración que requiere el drama y requiere el apoyo de la música, dando como resultado una ópera, por ejemplo, la ópera "Don Carlos" de Verdi adaptada de la obra original de Schiller; A veces, para decirle directamente a la audiencia el contenido religioso relevante, se puede organizar un coro para interpretar canciones y danzas en la obra. La diferencia entre "Hippolotus" de Eurípides y "Fedra" de Racine en la antigua Grecia es Aquí está. En ocasiones, el protagonista del drama poético es una persona común y corriente, por lo que el poema utilizará un lenguaje popular comúnmente utilizado por la gente, por ejemplo, "Castigo, no venganza" del poeta español Lope de Vega; Este tipo de drama puede evolucionar hacia una tragedia en prosa, como "El deseo bajo los olmos" del dramaturgo estadounidense moderno Eugene O'Neill. A veces, el lenguaje del drama poético no es adecuado para la representación escénica, entonces se convierte en un guión de lectura únicamente, o evoluciona hacia un ballet interpretado sin palabras, por ejemplo, el ballet de Jean Cocteau adaptado de la obra de Racine "Fedra". Las diversas evoluciones enumeradas anteriormente también se pueden combinar para producir cambios complejos. Pero en términos generales, la dicción poética debe desempeñar un papel en la configuración y el control de la trama; de lo contrario, romperá con las convenciones del drama y creará un nuevo género.

Si la tragedia es el análisis de algo increíble, la comedia es la exposición de aspiraciones excesivas y falsas pretensiones que las personas no deberían tener. Por tanto, el lenguaje de la comedia es siempre exagerado y grotesco. Por ejemplo, "The Fox" de Ben Jonson describe a tres personas que llevan regalos para visitar a un hombre rico que finge estar muriendo, y cada uno se esfuerza por ser el único heredero. Los personajes de la obra se engañan a sí mismos y a los demás, por lo que su discurso está inevitablemente divorciado de la verdad y la jactancia. Por lo tanto, sus deseos infundados parecen ridículos. La capacidad de Jonson para utilizar versos en blanco evita que algunas escenas degeneren en peleas de gritos.

La tragedia debe ocultar el destino que está más allá del control humano; la comedia debe exponer a quienes se engañan a sí mismos y a los demás. El tono, la dicción cómica, la burla sarcástica o el ataque cruel, varía de Aristófanes a Molière. La comedia, como la tragedia, puede adoptar muchas formas. De manera similar a la evolución de la tragedia a la ópera, la comedia también puede evolucionar hacia un tipo que enfatiza la imagen y el verso ligero, como las mascaradas del siglo XVII y las comedias musicales del siglo XX. Si la trama trata sobre la vida familiar y el lenguaje es popular, evoluciona hacia una comedia popular. Otro ejemplo es que la tragedia puede evolucionar hacia un ballet sin lenguaje, y la comedia también puede evolucionar hacia pantomima, farsa, circo, etc. interpretados por payasos. Sin embargo, estas formas están completamente fuera del alcance de la poesía dramática.

Lo anterior es una descripción general del desarrollo del drama en sí. A continuación se describirá este proceso de desarrollo en orden cronológico aproximado. El drama occidental se originó en los rituales festivos de la antigua Grecia, mientras que la tragedia se originó en las escenas de celebración en memoria de Dioniso, el dios del vino. En la antigua Grecia se celebraban concursos de teatro con regularidad, y el autor ganador podía ganar premios en el gran anfiteatro que se conserva hasta el día de hoy, podemos imaginar la gran representación de la obra en aquella época. Cuando se representa la tragedia, hay un coro detrás y actores con máscaras al frente, y la escena es espectacular. El canto del coro se divide en tres secciones, con melodías complejas y cambiantes; el diálogo de los actores utiliza principalmente la métrica de Alexander. Se dice que los tres principales poetas trágicos de Grecia crearon 282 obras juntas, pero la mayoría de ellas se han perdido y hasta el día de hoy sólo se han transmitido 31 obras completas. Estas obras ilustran los diferentes estilos y características de los tres poetas. En términos generales, aunque las obras de Esquilo, el primer poeta trágico, son relativamente simples en estructura argumental y acciones escénicas, aún expresan escenas solemnes y hermosas en poesía. El segundo poeta trágico, Sófocles, adoptó un lenguaje más personal, lleno de ironía. Al poner en escena sus obras, el significado de las líneas y acciones debe entenderse plenamente a medida que se desarrolla la historia, potenciando así el efecto dramático. El tercer poeta trágico, Eurípides, tenía un gusto más colorido. Retrata principalmente psicológicamente, describiendo la tortura y el sufrimiento que sufren los personajes trágicos, especialmente las mujeres. Pero hay opiniones diferentes sobre el comportamiento de algunos de sus trágicos personajes, como "Alcestis", que sigue siendo una obra que a menudo causa polémica.

Aún no está claro cuándo y dónde se originó la comedia. Aristófanes escribió 44 obras, de las cuales sólo 11 han llegado hasta nuestros días. Sus obras son muy exageradas en lenguaje y movimiento, burlándose de las personas por soportar humillaciones y perseguir deseos extravagantes imposibles, como volar hacia el cielo a lomos de un escarabajo. Sin embargo, la mayoría de estos guiones terminan con escenas felices, permitiendo a esas personas ridículas cumplir sus deseos de una forma u otra después de vivir situaciones embarazosas impredecibles. Aristófanes fue uno de los primeros poetas cómicos. La mayoría de sus obras criticaban los males actuales, por lo que adoptó un enfoque realista. La comedia griega del período medio obviamente siguió esta característica y todavía se centró en la descripción de la sociedad real. La comedia tardía, también conocida como comedia nueva, aún mantiene las características del realismo, pero el contenido principal es la vida familiar y las historias de amor. El representante de la nueva comedia es Menandro; escribió 105 comedias, de las que hasta el día de hoy sólo se han transmitido dos guiones completos y cuatro fragmentos. Sus poemas son hermosos y cercanos al lenguaje hablado. Es bueno resaltando las imágenes de personajes típicos en sus obras para que puedan expresar sus respectivas características a través de mantras populares. Sin embargo, debido a que estos mantras solo son populares por un tiempo limitado, las obras que los utilizan a menudo quedan obsoletas rápidamente. Los antiguos dramaturgos romanos Plauto y Terencio imitaron las obras de Menandro, y la estructura de la trama está llena de intrigas similares y propósitos contradictorios. Aunque los dos dramaturgos tienen estilos diferentes, sus temas creativos son los mismos, que son historias sobre esclavos inteligentes, niños perdidos, fanfarrones e hijos obstinados e indulgentes. Su lenguaje era muy libre y suelto, rompiendo con las reglas de la poesía, y sus obras utilizaban una gran cantidad de modismos comunes de la época, lo que avergonzó a los traductores posteriores. En términos generales, los interesados ​​en este tipo de obras son en su mayoría historiadores sociales más que apreciadores del teatro. El escritor de tragedias romanas Séneca *** escribió 9 obras basadas en la mitología griega, pero no fueron principalmente para representaciones y solo fueron leídas por unas pocas personas, por lo que su fama es limitada. El impacto de sus obras en las generaciones futuras es mayor que los logros de su época. La influencia de los dramaturgos romanos en la creación del teatro europeo en el siglo XVII superó a la de los dramaturgos griegos.

Los datos históricos existentes muestran que después de que Europa entró en la Edad Media, todo dramatismo casi desapareció. Con el establecimiento del cristianismo, el drama se desarrolló a partir de los rituales religiosos de la iglesia.

Un ejemplo de la era cristiana primitiva fue la representación de la historia de Pascua, en la que los "ángeles" hacían preguntas, que eran respondidas por otros laicos. Este fue el prototipo de drama que apareció en el período cristiano y luego se convirtió en dramas religiosos como el "drama milagroso" y el "drama moral". Estas obras se representan principalmente en iglesias y son muy populares, pero hay muy pocas obras que se hayan transmitido de generación en generación. Posteriormente, debido al profundo desarrollo del movimiento renacentista, se produjeron cambios profundos en todos los aspectos de la sociedad y el aspecto del drama también adquirió un nuevo aspecto. En los siglos XV y XVI, desde la corte hasta la clase ciudadana, hubo un interés generalizado por el drama emergente, y aparecieron uno tras otro dramaturgos talentosos y actores destacados, compitiendo por brillar. La combinación de estos factores hizo que la tragedia y la comedia europeas fueran las más prósperas desde la época clásica del siglo XVII. Escritores y teatros de varios países no sólo imitan obras clásicas, sino que también promueven la innovación, el trasplante y la transformación, esforzándose por crear hermosa poesía dramática en sus propios idiomas. Este tipo de herencia e innovación florece y se cruza entre sí, y es difícil resumirlas simplemente en una tendencia. Debido a los diferentes énfasis en las actividades creativas, la tendencia del teatro francés es principalmente neoclasicista, mientras que la situación en Gran Bretaña es más complicada.

A mediados del siglo XVI, apareció la primera tragedia británica formal, "Gopodak". La obra está escrita en verso blanco. Este estilo poético se convirtió más tarde en la forma básica de la poesía dramática británica, pero los guiones escritos en él en ese momento parecían torpes y rígidos cuando se interpretaban en el escenario. El poeta Marlowe realizó importantes mejoras en el verso en blanco, convirtiéndolo en una herramienta de expresión suave y cómoda; su obra "Tamerlán", con su voz fuerte y su impulso majestuoso, expresa la ambición de un conquistador y enfatiza la importancia de la ambición del ser humano. dominarlo todo sin estar dispuesto a limitar los propios deseos. Aunque la poesía isabelina era relativamente libre, los escritores se regían por las reglas formales de gramática, retórica y lógica establecidas durante el Renacimiento de acuerdo con la tradición clásica. Pero estas restricciones convirtieron más tarde las obras de algunos escritores de segunda categoría en farsas melodramáticas, atrayendo al público con sensacionales acciones escénicas y retórica. Esta tendencia ya se ha revelado en la "Tragedia española" escrita por Kidd, que tiene un tono séneca. Shakespeare heredó la actividad creativa de dramaturgos anteriores, pero fue mejor que sus predecesores y mostró una gran creatividad. Este tipo de creatividad alcanza un nivel sorprendente de sofisticación que avergüenza a muchos escritores consumados. Dominó muy bien el idioma, lo manipuló vertical y horizontalmente, rompió varios preceptos e hizo muchas mejoras. En ese momento, hubo otros escritores que crearon la historia de Hamlet basándose en leyendas históricas danesas, pero sólo su "Hamlet" fue único en el mundo del teatro, superando a todos los demás en el arte, lo que ilustra su destacado talento. Sus tragedias son vastas, crean una variedad de personajes y expresan el mundo interior, los pensamientos y los sentimientos de diversas clases sociales. También utiliza hábilmente algunos personajes para hacer algunos comentarios dispersos sobre la trama, haciendo que la trama sea más colorida. El talento poético de Shakespeare también se refleja en el hecho de que dio a varios personajes de la tragedia diferentes idiomas, desde discusiones formales hasta jerga callejera, todos adecuados a sus respectivas identidades, manteniendo al mismo tiempo la armonía poética de toda la obra. Las actividades creativas de Shakespeare continuaron desarrollándose y avanzando sin ningún estancamiento. Es difícil utilizar una sola obra para resumir las características de su escritura. Sin embargo, en términos del uso del lenguaje, la melodía de sus poemas se ha vuelto cada vez más libre y el vocabulario se ha vuelto cada vez más simple. Algunas de las oraciones en prosa utilizadas en el drama tienen un contenido realista y otras son completas. del humor. Sus sutilezas están de hecho más allá del alcance de la poesía.

Las comedias de Shakespeare también están muy logradas, desde la ruidosa escena de Falstaff en la taberna hasta el matrimonio de los amantes, todas las escenas son reales y creíbles. Era bueno escribiendo comedias basadas en leyendas, pero a excepción de sus primeros trabajos, rara vez escribía el tipo de comedia extraña que a Ben Jonson le encantaba escribir. La trama cómica de Jonson está divorciada de la realidad y el lenguaje es confuso y confuso, lo que hace que sea difícil de creer. Pero pocos escritores pueden igualar el dominio del lenguaje de Jonson. Por lo tanto, incluso en la época de Jaime I, la comedia ya no se centraba en versos exagerados, sino que gradualmente viró hacia un estilo y una técnica de prosa realistas. Después de Shakespeare, las tragedias tendieron a mostrar asuntos familiares triviales y se centraron en describir la psicología morbosa. Con la excepción de Webster y Ford, la mayoría de los poemas de los dramaturgos son patetosos y sentimentales. La poesía dramática ha decaído. Después de que el Parlamento cerrara los teatros por decreto en 1642, las obras cesaron durante casi 20 años. Este intervalo, sin embargo, despejó el camino para un nuevo tipo de drama. El estilo dramático durante la Restauración fue muy diferente al original. Las comedias están escritas casi en su totalidad en prosa y la mayoría de las obras tienen como objetivo exponer los males de la sociedad de clase alta.

La tragedia estuvo influenciada hasta cierto punto por Francia, ya que ya no utiliza versos en blanco, sino que adopta el estilo de coplas extranjeras. Este estilo de poesía es más restrictivo, requiere el uso de términos simplificados y no puede seguir describiendo grandes escenas. Este tipo de drama rara vez contiene descripciones psicológicas, sino que habla de temas como el amor y el honor, o se involucra en largas discusiones y adopta repeticiones inesperadas en la trama, haciendo que las acciones de los personajes del drama parezcan rígidas y antinaturales. La causa fundamental de estos abusos fue principalmente la influencia de la poesía francesa, pero el drama francés de esta época dio resultados fructíferos.

A partir de mediados del siglo XVII surgió en Francia un grupo de dramaturgos que se atenían estrictamente a las reglas poéticas, como Corneille. Entre sus principales obras se encuentran “Cid”, “Horacio” y “Made”. Escribe en estilo pareado, que es muy adecuado para describir temas como el amor y el honor, haciendo que los contrastes sean fuertes y profundos, y las representaciones vívidas y vívidas. Racine llevó este estilo a su apogeo. Sus obras principales incluyen "Andrómaca", "Fedra" y "Esther". Es bueno analizando las emociones de los personajes, pero algunos críticos piensan que retrató a los personajes de manera demasiado sublime. El estilo era demasiado delicado. Molière, por otro lado, se convirtió en el epítome de la escritura hermosa, conocida por promover el sentido común, describir personajes que violaban las normas sociales y escribir diálogos ingeniosos y alegres. Entre sus obras destacan "El Temerario", "La Escuela de Esposas", "El Scrooge" y "El Hipócrita", etc., que involucran diversas cuestiones sociales y morales, pero las expresiones son profundas y sencillas, alegorizando a través de escenas cotidianas. Temas serios y profundos, con palabras y poemas ingeniosos, suaves, sin ningún sentido de sermón aburrido. En el siglo XVII la creación dramática española también mostró un panorama próspero. Los principales dramaturgos fueron Lope de Vega y Calderón. Crean principalmente en su propio idioma, tienen el coraje de innovar, abandonan reglas y regulaciones estrictas y desarrollan y utilizan varios estilos para integrarlos en la trama. Vega escribió más de 1.800 guiones durante su vida. Calderón es un importante dramaturgo español después de Vega y tiene una importante influencia en el desarrollo del teatro español. El drama europeo floreció en el siglo XVII, pero decayó en el siglo XVIII. Sólo hubo algunas obras tristes que seleccionaban temas de la época clásica o describían la vida familiar, y su lenguaje y emociones parecían artificiales.

El siglo XIX fue una época en la que prevalecía el romanticismo. La gente volvió a enfatizar la creación dramática y enfatizó la restauración de la tradición literaria de Shakespeare. Esta tendencia fue particularmente obvia en Gran Bretaña y Alemania; Uno de los principios creativos del romanticismo es romper las limitaciones de los formatos tradicionales y alentar a los escritores a crear libremente. Esta tendencia hace que la poesía dramática sea contradictoria e inconsistente entre la expresión de emociones frescas y naturales y la dramatización de tramas extrañas. Así, casi todos los poetas románticos se habían comprometido o intentado escribir, pero con poco éxito. Aunque su actitud al escribir es muy seria, sus obras carecen de ideas nuevas y tienen demasiadas discusiones abstractas, que a menudo exceden los límites de la representación escénica, mientras que las descripciones de la acción parecen lentas, sueltas y débiles. Casi todos los poetas británicos más importantes del siglo XIX habían intentado crear obras dramáticas, pero sus obras carecían de valor interpretativo según los estándares de apreciación del siglo XX. Los poetas franceses también se dedicaron a la escritura dramática, pero tampoco lograron mucho éxito. El drama poético de Hugo, como la mayoría de los dramas románticos, tiene un fuerte tono operístico, especialmente su "Hernani", que en realidad equivale a un guión de ópera. En Alemania también surgieron diversos dramas durante la época romántica, pero las discusiones filosóficas en los guiones superaban las representaciones psicológicas. Esto es particularmente evidente en las obras de Goethe y Schiller. En general, a los escritores románticos no les gustan las comedias poéticas con fines alegóricos. Este tipo de comedia a menudo evolucionaba hasta convertirse en una farsa en manos de escritores populares. Los dramas serios, por otro lado, son dramas de temática social escritos en prosa práctica.

En el siglo XX, muchos poetas intentaron revivir el drama poético, pero dos tendencias opuestas aún obstaculizaban el desarrollo de la poesía dramática: la contradicción entre expresar emociones sutiles y expresar ideas abstractas. El poeta británico Yeats fue influenciado por el musical japonés "Noh" y le encantaba utilizar materiales y lenguaje onírico. El drama poético "La tierra de los deseos" es su famosa obra. La dirección creativa del poeta austriaco Hofmannsthal fue similar a la de Yeats en sus inicios. Posteriormente, colaboró ​​con el compositor alemán Strauss para crear óperas. Sus obras principales incluyen "***" y "La mujer que perdió su sombra". Ninguno de los poetas escribió poesía puramente dramática. Por otro lado, el poeta británico T. S. Eliot imitó los métodos creativos de la época isabelina y casi repitió el proceso histórico del desarrollo del drama a través de su propia práctica de escritura dramática. Su primer drama en verso, "The Rock", es un drama religioso de época en el que el coro utiliza una métrica irregular.

En obras posteriores, combinó temas de tragedias griegas antiguas con escenarios modernos. Su lenguaje utiliza un verso en blanco mejorado, esforzándose por ser natural y suave, evitando la rigidez y la artificialidad. Hay similitudes en la trayectoria creativa de Christopher Fry, cuya comedia religiosa "This *** Can't Burn" tiene muchos capítulos poéticos. Sin embargo, la estructura de sus poemas es relativamente suelta y carece de un ritmo compacto y potente, lo que no se adapta a las exigencias de la tragedia. Por lo tanto, su tragedia poética "Dark and Bright Enough" no puede expresar plenamente el tema y debilita el poder conmovedor. En sus experimentos para reformar los dramas poéticos tradicionales, algunos poetas intentaron utilizar palabras de jazz como base y utilizar la prosa ordinaria para conectar las canciones y las danzas del drama, pero los resultados no fueron exitosos y solo escribieron algunas comedias musicales; Lo más llamativo de esta reforma es la colaboración entre W. H. Auden y C. Isherwood. Las carencias de sus obras quedan destacadas por su excesiva búsqueda del ingenio en el lenguaje. T. S. Eliot también hizo un intento similar, pero también fracasó. En sus obras, el lenguaje hablado parece banal y banal, y el lenguaje formal es demasiado rígido e irónico para expresar el tema.

A juzgar por la situación actual, el ámbito poético general de las representaciones dramáticas depende cada vez menos de la expresión del lenguaje y cada vez más de habilidades escénicas especiales. Una tendencia en el arte del siglo XX es aprovechar al máximo los materiales únicos utilizados en diversas artes como contenido de expresión. Por tanto, la pintura se centra en el color y la línea sin expresar un tema determinado, la música abandona el tema y la melodía, y la escultura se desarrolla hacia el volumen y el espacio. Esta tendencia puede haber influido también en la poesía dramática. Debido a esta tendencia, también ha cambiado la expresión emocional asociada a diversas artes. Los cuentos cortos se utilizan de muchas maneras para expresar sentimientos espontáneos que alguna vez fueron expresados ​​por la poesía lírica. Por otro lado, desde James, las novelas también han girado hacia temas dramáticos. Los principales novelistas del siglo XX también insertaron contenidos de carácter épico en sus obras. Qué género puede explotar el drama sigue siendo una incógnita. El "Teatro del Absurdo" moderno estuvo influenciado por las influencias destructivas del dadaísmo y el existencialismo tardío, empleando la prosa como medio de expresión en lugar del lenguaje convencional de las obras dramáticas y su uso de clichés de clase media. Otros dramaturgos intentaron salvar la poesía dramática de la extinción, pero con poco éxito y falta de plan y dirección. En la actualidad, la poesía dramática aún no ha mejorado; el drama no ha encontrado un medio eficaz para reemplazar a la poesía y los poetas no han podido crear poemas dramáticos magníficos y eternos.