Busqué "China Animation Network". ¿Por qué todas las obras están en japonés y los nombres de las personas que aparecen en ellas también están en japonés?
Porque la industria de la animación japonesa está relativamente desarrollada.
Y tiene muchas obras.
Así que la mayoría son cómics japoneses.
Japón es la potencia de animación más grande del mundo y su modelo de desarrollo de la animación tiene características nacionales distintivas. El proceso de desarrollo de la animación japonesa se puede dividir a grandes rasgos en cuatro etapas: 1917-1945-incipiente, 1946-1973-exploración, 1974-1989-. 1917-1945 - El período incipiente En 1917, Ao Shimokawa filmó "Taro River Sweeping Sanxuan Scroll", y el álbum de animación japonés (20 imágenes) producido por Kitayama Seitaro produjo "Ape, Crab, War". Por suerte Junina lo creó. Entre ellos, "Taro River Assault on Sanlang One Volume" de Akio Shimokawa es reconocido como el primer manga de Japón. En 1933 nació la primera película animada de Japón, "El poder y las mujeres en el mundo", producida por Masaoka Kenzo y su alumno Shizuo Koji. Durante la Segunda Guerra Mundial, Koji Laoji produjo la serie de cómics "Momotaro", que defendía la agresión y embellecía el militarismo japonés. Su obra representativa fue "La magia del mar de Momotaro", producida en 1944. 1946-1973 - Período de exploración 1945. Después de la derrota de Japón, las películas animadas contra la guerra se hicieron populares y tuvieron una influencia de gran alcance. La figura representativa de este período es el animador Noburo Oto, conocido como un "freak" en la industria de la animación japonesa. Filmó la versión en blanco y negro de "La ballena" en 1927 y completó la versión en color de "La ballena" en 1952, convirtiéndose en el primer cómic japonés en ganar un premio internacional. Noburo Oto combinó los títeres de sombras que han circulado en China durante miles de años con el papel Chiyo, único en Japón, para dibujar animaciones. Noburo Oto es un nombre muy conocido en Japón y el "Premio Oto" que lleva su nombre se ha convertido en el premio de cómics más importante de Japón. En las décadas de 1960 y 1970, Osamu Tezuka se convirtió en una figura icónica de la industria de la animación japonesa y era conocido como el "padre de la animación japonesa". Creó una serie de cómics exquisitos que elevaron el nivel de los cómics japoneses a un nivel sin precedentes. Entre sus obras representativas se encuentran "Astro Boy" (1963) y "Jungle" (1965). En 1966, Osamu Tezuka creó "Exhibition Paintings" y comenzó a explorar los cómics experimentales. 1974-1989: Período de madurez En 1974, la animación japonesa entró en su período de madurez. A principios de la década de 1970, surgieron en Japón un gran número de animadores de animación mecánica de ciencia ficción (animación de ciencia ficción, conocida como animación SF). Figuras representativas incluyen a Shiro Matsumoto, Hiroyuki Tomino, Masahiro Mori, Haruhiko Mikimoto, etc. Entre ellos, el anime japonés más famoso "Crayon Shin-chan" (19) es uno de los fundadores de la serie "Gundam" y ha dirigido películas animadas de ciencia ficción como "Mobile Suit Gundam" (1979). En 1982, Osamu Kawamori comenzó a despuntar como el diseñador mecánico de Teru Ichijo, y más tarde se convirtió en director y productor de una serie de películas animadas teatrales de Teru Ichijo. Lupin III también contribuyó mucho a su exitosa transición a la adolescencia en los años 1970. La serie de TV2 realmente permitió al público japonés combinar animación con animación, creando así una era de animación y ganando elogios unánimes de estudiantes y adultos. En las décadas de 1980 y 1990, también entró y salió exitosamente del extranjero. Según las estadísticas, tiene la asombrosa cifra de 65,43835 millones de fanáticos. Tiene una historia de 43 años y todavía se está lanzando. Al mismo tiempo, Hayao Miyazaki se deshizo de las limitaciones del estilo de animación SF y desarrolló una estética "estilo Miyazaki", un estilo natural y fresco que transmitía la armonía del cielo, la tierra, los humanos y los dioses. Las ideas de la película tocan las profundidades del alma humana e inspiran a las personas a temer a Dios y pensar en la vida. "Nausicaa del Valle del Viento" de 65438 a 0984 estableció el estatus de Hayao Miyazaki como maestro de la animación japonesa. En 2001, "El viaje de Chihiro", producida por Hayao Miyazaki, ganó el Oso de Oro en el 52º Festival Internacional de Cine de Berlín y el Premio a la Mejor Película de Animación en los 75º Premios de la Academia. El propio Hayao Miyazaki se convirtió en el escondite de "El viaje de Chihiro" en Japón.
La animación es sinónimo de logro y estatus. Otras obras famosas de Hayao Miyazaki incluyen "Cagliostro" (1979), "Castillo en el cielo" (1986), "Mi vecino Totoro" (1988) y "La ayuda de la bruja" (1989).
Fairytale (1991), Porco Rosso (1992), On Your Place (1995), Princess Mononoke (1997), Howl's Moving Castle (. A finales de los 80 y principios de los 90, la animación japonesa entró en la edad de oro de los OVA (videoanimación original) "Vampire Yoshimi Xi" y "ZEORAIMA Project" producidos por Toshiki Hirano en 1988 y 1989 respectivamente crearon el apogeo de la animación OVA japonesa desde 1990 hasta el presente; el período de refinamiento es la década de 1990 con el desarrollo de la industria de la animación japonesa. Además de mejorar, los tipos, formas, contenidos, temas y practicantes de la animación japonesa se han refinado significativamente. Con la diversificación de los estilos de animación, la animación japonesa ha entrado en una etapa de refinamiento. Durante este período, existen muchos tipos de animación japonesa. El representante de la animación de chicas hermosas, las obras incluyen "Riku Dan Blue Girl Sakura" (1998), "Chobits" (2002), "Galaxy Angel" (Parte 1: 2001; Parte 2: 2002); Las animaciones de comedia representativas incluyen " Eryumaru" (1998) y "Fruits Basket" (2000). Además, "Ghost in the Shell" (1995) y Jinlu: Wolf Brigade (2000) de Mamoru Oshii tienen su propio estilo para ganarse el reconocimiento del público. "Millennium Actriz". Creado por Satoshi Kon en 2002, adoptó una técnica narrativa caótica y exploró una nueva forma de expresión de la animación. En resumen, la animación japonesa se caracteriza por el "robot" y la "belleza" como punto clave, y se ha embarcado en un camino. Según las estadísticas, de 1960 a 2001, Japón * * * produjo 2.403 versiones cinematográficas y televisivas de cómics, incluidas 901 versiones cinematográficas y televisivas. Hay muchas productoras de animación japonesas. , incluidos Toyotomi Animation, Studio Ghibli, GANIAX y Sunrise. La etapa de desarrollo de los cómics japoneses modernos: el estatus social de los cómics en Japón y la comprensión que la gente tiene de ellos durante la Segunda Guerra Mundial. Osamu Tezuka dividió el desarrollo del cómic japonés moderno en seis etapas. La primera etapa (la primera década después de la Segunda Guerra Mundial): "La era del juguete", en esta etapa, las películas de animación son solo accesorios para el entretenimiento de los niños. "era de la liquidación", cuando los cómics se consideran materiales de lectura vulgares y superficiales. La tercera etapa: la "era de los bocadillos", los padres y maestros permiten a los niños leerlos a regañadientes, siempre que no obstaculicen su aprendizaje. Cuarta etapa: la "era de los alimentos básicos", la animación televisiva de 1963 "Astro Boy" se transmitió continuamente por televisión y fue vista por adultos y niños en muchas familias. La quinta etapa (70-80): "Air Age". , los cómics se han convertido en una parte integral de la vida de los adolescentes. La sexta etapa (después de mediados de la década de 1980): "Symbol Age", los cómics se han convertido en un símbolo de comunicación entre los adolescentes.