Quiero escribir una novela, ¿cómo debo hacerlo?

En primer lugar, la selección de materiales debe ser típica y significativa.

En segundo lugar, las ubicaciones y los personajes deben estar relativamente concentrados para evitar que la línea de batalla se extienda demasiado.

En tercer lugar, Confrontacional, es decir, hay conflictos

Cuarto, lo mejor es tener un buen final o tema

Quinto, vencer la inercia y aprovechar el momento

4 La estructura debe ser razonable, es decir, la dirección de la historia es clara, la relación entre los personajes es compleja, la trama tiene clímax y el tema es profundo. La regla es: construir la historia, plantear las contradicciones, resolver las contradicciones y luego plantear las contradicciones hasta el final. En otras palabras, hay un punto caliente en tres minutos (un punto de la trama que atrae la atención del público), un contraste en cinco minutos (un evento inesperado), un clímax en diez minutos (un conflicto importante) y una explosión en tres minutos. grandes escenas (la explosión más impactante de toda la obra). Punto, "habilidad única", fascinante, llevando las emociones del público al extremo, pero aún dejando más que desear).

El guión de la película es una historia sencilla, con dos o tres personajes (protagonistas), una trama tortuosa, contradicciones agudas y temas profundos.

Por lo general, es mejor establecer tres líneas argumentales y dejar que se combinen para estructurar el marco general de la historia. Luego, en base a la personalidad del personaje, se estructura su línea de acción (destino).

5. No hay drama sin contradicciones. Debes ser bueno planteando contradicciones y luego resolviendolas. Por eso, debemos ser buenos creando contradicciones y contradiciéndonos, es decir, usando la lanza del hijo para atacar el escudo del hijo. Cuando se resuelve un conflicto, surge uno nuevo.

Al plantear contradicciones, debemos prestar atención a la racionalidad, y al resolver contradicciones, debemos prestar atención a la inevitabilidad.

6. Para crear personajes y mostrar las diferencias en sus personalidades, primero debemos elegir emergencias y expresar sus personalidades a través de sus diferentes reacciones. Al escribir sobre una buena persona, debes aprovechar su naturaleza multifacética y profundizar más. Es decir, al escribir sobre sus debilidades o defectos, puedes captar los rasgos de su carácter. Y al repetir sus palabras y acciones muchas veces (más de tres veces) hasta el extremo, puede tener un fuerte impacto en la audiencia, dejar una profunda impresión y hacer que su personaje sea distintivo.

7. Las películas cuentan historias a través de imágenes, y el lenguaje de la película es el objetivo. Cualquier cosa que pueda explicarse claramente a través de imágenes, nunca se debe permitir que los personajes digan más. Cuanto menos diálogo haya en una película, más fuerte será la imagen y mayor el impacto visual. Recuerda: cada frase escrita en el guión debe ser visible y audible. El lenguaje de la película no es estático, sino en movimiento, es decir, los personajes de la imagen deben moverse lo más posible para evitar que resulten aburridos y monótonos.

8. Acerca de los puntos calientes. Los puntos calientes son puntos de la trama, el foco de atención del público. En un guión, un punto caliente puede ser una frase, un suspenso o un detalle. Es un punto de inflexión en la trama, que desencadena nuevas tramas y promueve el desarrollo de la trama. Que un guión sea atractivo o no depende de la configuración de los puntos calientes. Los puntos calientes se generan en el contexto del guión y la historia. Deben ser razonables e inteligentes, y deben ser naturales y no pueden crearse de la nada. Si analizamos toda la obra, generalmente se necesitan unos veinte puntos calientes.

9. Sobre el contraste. El contraste es inesperado, es que no hay salida pero no hay salida, otro pueblo más tiene flores brillantes y árboles oscuros. El público se niega a ser mediocre y debe ser bueno creando constantemente contrastes para que la trama sea confusa, altibajos, giros y vueltas, y suspiros. El contraste se divide en alto contraste y pequeño contraste. El alto contraste es la reversión de los acontecimientos, lo que hace que la trama dé un giro; el pequeño contraste es el contraste de la personalidad del personaje, añadiendo la guinda al pastel. El contraste es un gran punto caliente y un punto caliente es un pequeño contraste. Ambos contradicen personajes o eventos. El uso del contraste debe ser tanto inesperado como razonable. Utilice el contraste para resaltar la personalidad de un personaje, que pueden ser pequeños objetos o detalles, o el entorno o el atrezzo (externalización del contraste psicológico).

10. Sobre el clímax. El clímax es el clímax de la trama y la explosión de las emociones internas de los personajes. El clímax de diez minutos es el subclímax, que es la fuerza impulsora que marea a la gente y espera con ansias la resolución de la contradicción. La explosión de los tres dramas es el clímax principal, que es un resultado impresionante e infinitamente memorable.

Todos los puntos calientes, contrastes y subclímax sirven al clímax principal, sentando las bases y avanzando paso a paso, hasta llegar finalmente a una explosión de emociones o eventos, que impacta fuertemente los corazones de la audiencia. Independientemente de los acontecimientos o personajes, el clímax es el punto explosivo final (explosión total). Para que un clímax sea conmovedor, el guionista debe decir la verdad y la historia debe ser auténtica y creíble.

Puntos clave en la creación del guión

1. Nuevo modo dramático:

Buscar nuevos patrones argumentales a partir de crisis interpersonales y crisis profundas en el alma de los personajes. es escribir una historia en la que diferentes individuos finalmente puedan romper barreras y formar una relación íntima.

Para ello es necesario encontrar los espacios entre los personajes para que al principio entren en conflicto, y luego el conflicto se vaya suavizando, hasta que finalmente evolucione hacia el afecto familiar, el amor o la amistad. La trama es en realidad la historia de la relación entre los dos personajes.

El método específico es: estas dos personas que solían no tener nada que ver entre sí se encuentran por casualidad. Debido a sus diferencias, su relación a menudo comienza con disgusto mutuo o incluso oposición, y luego se desarrolla gradualmente. algunos detalles interesantes de la vida. Resuelva la brecha entre las dos personas y finalmente sublime su relación en una intimidad o amor conmovedor.

2. El conflicto en la obra

Los principios estructurales tradicionales de la "ley del conflicto":

1. Toda la obra debe girar en torno a un conflicto continuo. .

2. La estructura se divide en tres secciones: “inicio”, “medio” y “final”. El "principio" se utiliza para establecer el conflicto, es decir, las dos partes en conflicto intercambian fuego por primera vez; el "medio" se utiliza para expandir el conflicto, permitiendo a las partes en conflicto competir en múltiples rondas. Se volverá cada vez más intenso hasta el empujón final. El clímax es el clímax de la obra, la batalla final para decidir quién ganará y quién perderá. El párrafo "final" se utiliza para explicar al público el resultado del conflicto; , es decir, ¿cuál es el destino final de los personajes? ¿Siguen vivos?

3. Los requisitos básicos son que el conflicto debe comenzar temprano y revelar el tesoro; el desarrollo del conflicto debe ser desviado e inesperado; el clímax del conflicto debe ser completo y apasionante; Terminó inteligentemente y no sin fin.

4. Conflicto Cada contienda es un párrafo argumental (llamado "una escena" en el guión de la película), y cada párrafo tiene su propio inicio, herencia, transición y unión.

El principio general del drama es: utilizar el conflicto para condensar el espacio de las cosas y provocar cambios repentinos en el tiempo.

"Ley de la Armonía" moderna: con el impacto de la economía de mercado en las relaciones interpersonales de nuestro país, los intercambios emocionales de las personas en la vida real son cada vez más complejos y sutiles. Si queremos reproducir verdaderamente la realidad interpersonal cada vez más compleja de las personas en la vida, debemos encontrar formas más creativas de lidiar con las emociones.

Para ello, debemos partir del estado real de la interacción humana en la vida, basándonos en la tradición de la prosa, no expresar conflictos directos intuitivos y esforzarnos por reducir el contenido a un conflicto-conflicto limitado, de modo que en cuanto a Una muestra verdadera y natural de la profunda riqueza de la vida y el significado de los acontecimientos que ocurren.

3. Diálogo de personajes

En los dramas televisivos, debido a limitaciones de visión y fondos de producción, es imposible buscar "espectáculos" visuales como las películas. El método de rodaje de centrarse en planos medios y cercanos determina las características de las series de televisión que se basan en el diálogo para hacer avanzar la trama y dar forma a los personajes. Por lo tanto, la cantidad de palabras para el diálogo de los personajes en el guión excederá en su mayoría la cantidad de palabras para describir escenas o acciones y expresiones. Si una persona no puede escribir diálogos, ¡no es ni la mitad de un dramaturgo! Especialmente hoy en día, con la popularidad de las series de televisión, la habilidad de escribir diálogos se ha vuelto aún más prominente e importante.

El diálogo del personaje debe ser verdadero y natural, coherente con la identidad y personalidad del personaje. El diálogo falso es que no importa la edad del personaje, no importa cuál sea su ocupación y personalidad, siempre dice palabras muy profundas. Hablan con todo lujo de detalles e incluso pueden improvisar aforismos.

4. Tipo de personajes:

En las películas de estilo comercial, simplemente no podemos ni necesitamos perseguir la complejidad de los personajes. El guionista debe trabajar duro para contar bien la historia. Una historia con escenas emocionantes y momentos impresionantes.

La película trata principalmente de ritmo, respira pasajes. El ritmo es la esencia y la vida del lenguaje cinematográfico. Los personajes son sólo una parte de los medios para transmitir emociones. En el arte cinematográfico, ¿cuáles son los factores que determinan el ritmo? Desde el interior del cuadro aparecen luces y sombras, composición, color, movimiento de objetos, movimientos de actores, música con fuentes sonoras, ruido, diálogos, posición de cámara, escenografía, movimiento de cámara, etc.; imagen, montaje, diversos métodos de edición (corte, fundido, fundido, disolución, scratch... etc.), música de acompañamiento, contrapunto de imagen y sonido, narración, etc. Es decir, en el arte cinematográfico, todos los elementos audiovisuales son ante todo factores rítmicos. Son como notas musicales que construyen la melodía emocional y argumental en la escritura del dramaturgo. En este momento, la trama es la forma externa de la emoción y la emoción es la vida interior de la trama. Al fin y al cabo, el dramaturgo es como el compositor de una sinfonía: no sólo tiene la tarea de crear la melodía - contar la historia - sino también la de organizar todos los elementos de la película en una partitura que se corresponda con el ritmo emocional de cada uno. La responsabilidad del dramaturgo no es sólo contar bien una historia, sino contarla en un tono rítmico y melódico. El dramaturgo debe buscar una manera de "irradiar más allá del cuerpo" y "emanar al entorno circundante" de emociones internas.

En definitiva, el arte cinematográfico es una forma que tiene el dramaturgo de comunicarse emocionalmente con el público, y los personajes de la obra son uno de los portadores de la emoción. La responsabilidad del guionista no es sólo transmitir emociones a través de los personajes, sino también formar un ritmo emocional a través de los elementos audiovisuales de la pantalla y completar la tarea de transmitir emociones junto con los personajes.

Diez tabúes en el diálogo

1. Demasiado sencillo.

Algunos diálogos están escritos y son vergonzosamente sencillos. También suena coqueto y artificial.

Por ejemplo:

Jenny entró en la habitación y Carlos le sonrió.

Carlos: Jennifer, me alegro mucho de verte. Te amo tanto. He estado esperando durante mucho tiempo para verte.

Este tipo de diálogo es realmente vergonzoso y no hay elegancia ni refinamiento en absoluto. Podría ser más eficaz si demuestra que ha estado reprimido durante demasiado tiempo y de repente se queda sin palabras. O podría agarrarla primero sin decir una palabra y hablar con ella más tarde.

Carlos: ¿Sabes qué? No puedo controlarme cuando te veo.

Entonces los dos se abrazaron.

Por supuesto, las acciones hablan más que las palabras. Pero si el diálogo añade un poderoso complemento a las acciones de los personajes, esa es realmente la guinda del pastel. Jennifer entendió lo que quería decir, y también el público. La subestimación, las respuestas inesperadas y las expresiones del mundo interior y subconsciente del personaje también pueden crear esta elegante belleza.

2. Demasiado fragmentario

Este tipo de diálogo parece tropezar, una frase por persona, una o dos palabras por frase, y así sucesivamente. Mirando el guión completo, parece más una obra de teatro al estilo Pinter que una película auténtica. El siguiente ejemplo es un ejemplo típico de estar demasiado fragmentado.

Drew: Tengo hambre.

Kate: Yo también.

Drew: Salgamos a comer.

Drew: ¿Qué tal si vamos a la tienda de delicatessen?

Kate: Está bien.

La solución a este problema es proporcionar una motivación realista y creíble para el diálogo. Los personajes necesitan motivos e intenciones que se combinen con sus patrones establecidos de pensamiento y comportamiento al hablar. Por ejemplo, en un episodio anterior, Drew estaba revisando el contenido del refrigerador y dijo:

Drew: Oye, no hay nada aquí. ¿Salir a comer?

Kate: Bueno, casi me muero de hambre.

Drew: ¿A qué sabe la tienda de delicatessen?

Kate: La sopa de pollo que hay allí sabe muy bien.

Entonces los dos salieron corriendo de la habitación.

En definitiva, el diálogo es la base para construir un sentido de la realidad en cada momento. Debe activar los comportamientos y reacciones más eficaces en el personaje.

3. Demasiado repetitivo

Si una persona se repite de muchas maneras, ese diálogo es demasiado repetitivo. La información redundante y las palabras repetitivas pronunciadas por los personajes son como palabras inútiles.

4. Demasiado extenso

El diálogo largo suena como un gran ensayo o una defensa académica. Esto no sólo hace que las acciones de los personajes se estanquen, sino que a menudo parece prolijo y didáctico. Primero, fíjate en el siguiente diálogo:

5. Demasiada igualdad

A veces las palabras de cada personaje suenan similares. Sus diálogos también son similares entre sí. Si esto continúa, la personalidad del personaje inevitablemente se perderá. Por ejemplo, en la siguiente conversación, ¿puedes notar la diferencia entre los dos interlocutores?

Ben: Oye, ¿apostaste a las carreras?

6. Demasiado rígido

Este tipo de diálogo suena como si estuviera sacado de un libro de historia, poesía, periódico o libro de gramática, pero no suena como si estuviera hablado por una boca humana. Al leer el diálogo, deberías poder sentir la mentalidad y las acciones del personaje. Si las palabras son demasiado pedantes, debes improvisar las acciones del personaje para conseguir una sensación más espontánea. Por ejemplo, cuando estás trabajando solo en tu escritorio, puedes imaginar a un personaje involucrado en diferentes conflictos. Después, te sorprenderá lo bien que entiendes al personaje.

7. Demasiado sermoneador

Este problema está relacionado con personajes "demasiado directos", "prolijos", "diatribas" y "demasiado rígidos". Ya no se la puede llamar una persona tridimensional y ha degenerado por completo en una portavoz de la ideología del guionista. Se sospecha que el siguiente pasaje es demasiado sermoneador:

Mike: Ya sabes, una vez que el criminal escapa. , él o ella se convertirá en portavoz. ¿Qué pasará? O se quedan en la cárcel o se convierten en una amenaza para todos los rincones de la sociedad. Mientras tengamos legisladores y leyes más fuertes, nada de esto sucederá. p> Si quieres ser honesto, no tienes que ser tan convincente. Si Mike ruge, definitivamente transmitirá el significado:

Mike: ¡Este bastardo debe estar encerrado!

El verdadero significado del diálogo y la trama. La presentación está estrechamente relacionada y debe ser coherente con las motivaciones y comportamientos del personaje a lo largo de la historia.

8. Este problema generalmente ocurre cuando alguien habla solo. Por ejemplo, la siguiente situación no es infrecuente:

Michelle: (Para sí mismo) Oh, realmente desearía poder estar con él ahora.

Muchos guionistas ya están temblando: ¿una persona siempre habla sola? Obviamente no es común. Incluso si esto sucede, las palabras pronunciadas no pueden ser oraciones completas y lógicas. En este momento, la lógica se opone a la emoción.

Quizás si los personajes pudieran actuar más cuando están solos, Michelle podría echar un vistazo. , luego cierra los ojos y trata de calmarse. Nuevamente, las acciones hablan más que las palabras 9. Muy poca coherencia. Esto significa que el diálogo y el cambio de actitud del personaje en el siguiente ejemplo. Sección 3: Hay diferencias entre el drama y la vida. Comprender las diferencias es como "hacer una bola de nieve"

El drama se basa en la vida, pero después de todo, el drama y la vida son diferentes, si puedes comprender las diferencias, lo es. la primera habilidad de un dramaturgo.

El drama es a veces "superior" a la vida y a veces "inferior" a la vida. Al comprender cuándo el drama es superior a la vida y cuándo el drama es inferior a la vida, se puede comprender plenamente la dificultad de los "artículos".

En general, la escritura dramática se limita estrictamente a un pequeño número de escenas, tiempo concentrado, personajes reales y lenguaje literario. En este momento, la forma del drama es "superior" a la vida, y su creación es. difícil Simplemente alto.

Por el contrario, si no hay restricciones estrictas a la hora de escribir un drama, cuantas más escenas mejor, el tiempo (tiempo del drama) puede verse interrumpido, y pueden pasar muchos años entre medio, y los personajes tiende a ser exagerado, estereotipado o funcional. Si el lenguaje es discreto o puede explicar la trama, entonces la forma del drama en este momento es "inferior" a la vida y la dificultad de creación no es alta. "La escritura dramática se refiere a esta situación.

Sección 4: El proceso de redacción de un guión

El proceso de redacción de un guión incluye recopilar materiales, escribir un esquema, ajustar el esquema y completar descripciones de personajes, diálogos, escenas, y acciones escena por escena (o acotaciones escénicas). La dificultad radica en cómo elegir los temas potenciales y la mejor forma de expresión (hay muchos estilos diferentes en un mismo medio, sin mencionar que el drama también se puede expresar en diferentes medios). Afortunadamente, ambos aspectos pueden enriquecerse mediante el trabajo duro. Para ello, mirar más, leer más, observar más, pensar más en el por qué y tomar notas con frecuencia son los métodos más eficaces.

Apego: Qué habilidades se necesitan para ser dramaturgo

El primer elemento: la capacidad de "empatizar"

En el pasado, escuché a alguien escribir sobre La vida de una persona de negocios especial, realmente fui a practicar en el mar y experimenté el estado de ánimo y las experiencias de esta industria. Si esta medida es absolutamente necesaria parece ser una cuestión de opinión.

Una de las mayores armas mágicas de un dramaturgo es la capacidad de “empatizar”. "Empatía" permite al creador representar con precisión la situación, la atmósfera y los sentimientos de los personajes apropiados sin tener que experimentar personalmente exactamente las mismas situaciones y encuentros que la historia.

De manera similar, cuando se enfrentan al informe de un personaje o a una autonarración, algunas personas pueden comprender profundamente los sentimientos de la persona involucrada, algunas rechazan subjetivamente la experiencia dolorosa y otras no tienen ningún sentimiento. Generalmente el dramaturgo es el que se siente más fuerte. Al mismo tiempo, también tiene una mayor ambición de contar la historia a su manera que la persona promedio.

El segundo ítem: la capacidad y la imaginación de la concreción

La tarea del dramaturgo es narrar y transformar historias sencillas en personajes específicos en un tiempo, lugar y época concretos. sucedió y cómo sucedió. En otras palabras, el dramaturgo debe tener una mayor sensibilidad y capacidad de observación que la gente común sobre las situaciones de la vida que lo rodean y el estado emocional de los personajes.

Normalmente el tono narrativo de la historia es mayoritariamente sencillo, ya sea en primera persona o en tercera persona. Sin embargo, en la mayoría de los estilos dramáticos, los personajes de la obra siempre hablan en primera persona (algunos estilos de lenguaje de ópera tradicional utilizan una voz narrativa en tercera persona). El dramaturgo debe ser más o menos capaz de simular la psicología, la personalidad y el estado emocional de cada personaje de la obra, de modo que pueda "hablar por la persona de la obra" "diciendo que una persona es como la misma persona".

Ítem 3: Fuertes habilidades organizativas

La escritura dramática implica el elemento de "actuar" o "presentar", es decir, debes idear cómo "actuar" la historia en frente a la audiencia.

Los dramaturgos no sólo deben estar familiarizados con las características de los diversos medios y estilos teatrales, sino también encontrar la forma más adecuada de "representar" la historia frente al público. Al mismo tiempo, incluso cuando trabaje con un bolígrafo en privado, puede "mover" metódicamente lo que sucedió en el "teatro" o frente a la "cámara" en su mente al papel manuscrito o a la pantalla de la computadora.

Al elegir una forma de "actuación" adecuada, puede utilizar la "distancia entre el drama y el público" deseada como punto de partida para pensar, sin importar qué estilo teatral o medio se utilice, los personajes, Maquillaje, varios factores, como el diseño de vestuario, el lenguaje, la escenografía, la iluminación, los efectos de sonido, el posicionamiento de los personajes y la disposición de la pantalla, deben coordinarse entre sí para crear el "estilo de actuación" general deseado y una atmósfera única. Aunque estos factores implican un procesamiento posterior por parte de otros artistas, el esquema inicial de solución "plano" propuesto por un dramaturgo calificado y utilizado como base para la discusión no puede entrar en conflicto entre sí ni convertirse en un mosaico suelto.

Por lo general, cuando un dramaturgo escribe una obra de teatro, primero determina los factores ambientales y formales, como los medios o el diseño de la escena, luego decide la situación de la historia al comienzo de cada obra y luego deja que los personajes apropiados. Apareciendo en el momento adecuado y diciendo las palabras adecuadas (a veces también intercaladas con efectos de sonido y cambios de iluminación), será como un director de orquesta, manejando los ajustes fríos y calientes del ritmo y la atmósfera al mismo tiempo. alegría del trabajo de un dramaturgo. Esto significa que los dramaturgos necesitan fuertes habilidades organizativas y un sentido de integridad.

Tres tabúes en la escritura de guiones

Escribir un guión se convierte en escribir una novela

Escribir un guión y escribir una novela son dos cosas completamente diferentes. Debes conocer el propósito. de escribir un guión. Es necesario utilizar palabras para expresar una serie de imágenes, por lo que desea que las personas que lean el guión puedan pensar inmediatamente en una imagen cuando vean las palabras, llevándolos al mundo de la animación. La novela es diferente, además de las imágenes, también incluye frases líricas, técnicas retóricas y descripciones de los mundos interiores de los personajes. Estos no deberían estar en el guión. Para dar un ejemplo simple, hay esta frase en la novela:

"Los resultados del examen se publicarán hoy. Todos los estudiantes esperan nerviosamente los resultados. Después de que Xiao Ming se despidiera de sus padres, él Fue a la escuela a recoger la notificación de resultados. Profesor Al distribuir las transcripciones, Xiao Ming pensó para sí mismo: Sería malo si fallara esta vez. Estaba muy preocupado, temiendo no saber cómo hacerlo. enfrentar a su familia después de reprobar el examen..."

Imagínate, si escribes la frase anterior en un guión, les pides a los actores que vean cómo expresarla a través de acciones.

Si quieres utilizar un guión para expresar el mismo significado, sólo puedes escribirlo de la siguiente manera:

En el aula, los alumnos están sentados en sus asientos, con expresiones nerviosas. en sus rostros, mirando al maestro parado afuera. La maestra sostenía una pila de notas de calificaciones en su mano. Miró la de arriba y gritó: "¡Chen Daxiong!" Daxiong salió inmediatamente a recoger las boletas de calificaciones. Xiao Ming estaba en un rincón del salón de clases, frotándose las manos constantemente. Miró fuera del aula y la escena volvió gradualmente a la escena de esa mañana. Los padres de Xiao Ming estaban sentados en el pasillo temprano en la mañana. Xiao Ming se puso su uniforme escolar y estaba a punto de salir. Miró a su padre y luego a su madre. Cuando vio sus caras serias, no supo qué. decir. El padre de Xiao Ming dijo: "¿Pasarás?" Xiao Ming dijo: "Sí... sí".

"¡Llama a Xiao Ming!" La fuerte voz del maestro hizo que Xiao Ming volviera a la realidad de sus recuerdos. El maestro lo miró con la libreta de calificaciones de Xiao Ming en la mano. Xiao Ming se quedó un rato y luego salió rápidamente a buscarla...

Usa palabras para explicar la trama

No debe haber demasiado diálogo en el guión (a menos que lo requiera la trama), de lo contrario toda la historia se volverá incoherente y carecerá de acción, y el público parecerá estar escuchando y leyendo un guión, lo cual es muy aburrido. Sepa que lo que está escribiendo ahora es lenguaje cinematográfico, no lenguaje literario. Un guión que sólo es adecuado para leer pero no para mirar no es un buen guión. Por tanto, para un excelente guión cinematográfico, cuantos menos diálogos, más fuerte será la imagen y mayor el impacto.

Por poner un ejemplo sencillo, si escribes sobre una persona que hace una llamada telefónica, será mejor que no le dejes sentarse junto al teléfono y simplemente hablar. Si la trama lo requiere, déjalo ponerse de pie o dar unos pasos con el teléfono en la mano para evitar el aburrimiento y la monotonía de la imagen.

La historia tiene demasiados detalles

Mucha gente escribe demasiados detalles en los guiones. Hay muchos personajes en los detalles y muchas escenas intercaladas, lo cual. Complica la historia y el público puede no entenderla ni qué tema quiere expresar el autor. Imagínese si hubiera más de una docena de personajes importantes en una película al mismo tiempo y hubiera muchas historias entre los personajes. Le pidieras al público que recordara cada personaje con tanta claridad en un corto período de tiempo.