Domina 7 principios de revisión para crear el guión de película perfecto
Crear el guión de una película es en realidad un proceso de uso de la creatividad y la imaginación. Pero, ¿qué sueles hacer cuando terminas con eso? ¿Revisado varias veces? La mayoría de la gente es así. Como dijo David S. Goyer, guionista de la trilogía "El caballero de la noche", "Escribir implica una revisión constante. Creo que cada guión necesita ser revisado cuatro o cinco veces antes de que sea bastante bueno". p> El primer borrador no puede ser un guión completo. Una vez escrito el primer borrador, generalmente se requieren revisiones. ¿Cómo suelen revisar sus guiones los guionistas más populares de Hollywood?
Michael Hauge, un famoso guionista que trabaja para importantes estudios, ha escrito para estrellas de renombre como Will Smith, Julia Roberts, Jennifer Lopez, Morgan Freeman y El productor senior brinda importantes consultas y orientación en desarrollo de guiones Hemos resumido siete principios de modificación de guiones de sus muchos años de experiencia laboral, con la esperanza de brindar alguna referencia a los estudiantes.
¿Cómo influye esta escena en las motivaciones externas del protagonista?
Incluso cuando una escena no involucra al protagonista, puede crear la columna vertebral de la historia. En la película "El Mago", la escena entre el detective Ure y el Príncipe Heredero no incluye al protagonista, Eisenheim.
Pero no obstante, debido a que cada una de ellas crea conflictos adicionales para el protagonista que Eisenheim tiene que superar para salvar y vengar a Sophie, estas escenas contribuyen a las motivaciones externas de Eisen Heim y determinan sus acciones posteriores.
¿Esta escena tiene su propio principio, desarrollo y final?
Cada escena del guión debe ser como una minipelícula: debe plantear, construir y resolver una situación. Esta escena no tiene que seguir el diseño del primer 25% - el 50% intermedio - el último 25% del guión completo, pero debe seguir el mismo arco emocional.
En el guión "500 días con Summer" de Scott Neustad y Michael H. Weber, cuando Tom y Summer llevan a su compañero de trabajo borracho Mackenzie al taxi, comienza una escena crucial. La escena se desarrolla cuando Mackenzie le dice a Summer que le gusta a Tom y ella va a preguntarle a Tom si eso es cierto. La escena se resuelve cuando Tom le dice a Summer que ella le gusta, pero como amiga, y luego ambos regresan a casa en direcciones opuestas.
Ocasionalmente, puedes romper intencionalmente la regla principio-medio-final para mantener a tu audiencia curiosa y comprometida. Considere este escenario: una niñera entra a una casa donde se esconde un asesino. Seguimos a la niñera de una habitación a otra hasta que escuchó una voz que venía de detrás de la puerta de un armario. La vimos abrir la puerta del gabinete y dejar escapar un grito, con una expresión de horror en su rostro.
Inmediatamente después, pasó a otra escena y se mostró el cuerpo de la niñera. A través del cambio de escenas, nos quedamos con suspenso en la primera escena. El asesinato de la niñera se revela en las escenas posteriores. Durante este período, las emociones del público se han intensificado por la curiosidad y la anticipación.
Si bien esta puede ser una herramienta efectiva, no confíes demasiado en ella. Es suficiente usarla una o dos veces en un script.
¿La historia va en espiral?
La historia no se puede contar simplemente, sino que debe ir ascendiendo en el proceso de desarrollo. Es decir, no basta con que la trama avance, debe acelerar el progreso y aumentar. la complejidad, para luego llegar al clímax.
Un guión cinematográfico cualificado debe tener giros argumentales apropiados y, a medida que se desarrolla la trama, debe revelar más sobre los personajes y el significado de las acciones. Como escritor del guión, debes mostrar cómo la trama afecta a los personajes a medida que se desarrollan, mostrando las deficiencias de los personajes, sugiriendo traición, mostrando dudas, mostrando los miedos del protagonista y las amenazas al protagonista. Debes descubrir poderes latentes, recursos sin explotar y los oscuros motivos del villano que tu protagonista desconoce. Este "lazo argumental" debe girar, girar y volver a girar, mostrando todos los aspectos y permitiendo al público ver varios detalles.
Lo mismo ocurre con el ritmo de progresión de la trama.
Cuando el control del villano sobre el protagonista se vuelve cada vez más estricto y los eventos suceden cada vez más rápido, la presión externa ejercida por la poderosa fuerza controladora sobre el protagonista eventualmente desencadenará una explosión en el clímax del tercer acto, acompañada de emociones. energía. Esta regla nos recuerda que debemos hacer avanzar la trama permitiéndole acelerar y revelar todo activamente, pero también nos dice que dejemos que la trama tenga cambios más dinámicos y no sea lenta.
¿Cuál es el propósito de cada personaje?
Cada personaje de cada escena quiere algo.
Puede ser tan sencillo como observar lo que sucede o pasar tiempo con otra persona, pero sea cual sea, el propósito visible del personaje en cada escena debe quedar claro.
¿Cuál es la actitud de cada personaje?
Cada personaje de cada escena tiene unos sentimientos específicos sobre lo que está sucediendo. Ya sea feliz, triste, enojado, aburrido, temeroso, aburrido o emocionado, todos tenemos alguna actitud hacia la acción.
Si bien los propósitos visibles de los personajes siempre se revelan (o al menos uno de ellos se revela, incluso si mantienen otros ocultos), sus actitudes no son necesariamente obvias para la audiencia. Pero es importante que el autor sepa cómo se sienten sus personajes.
Además del diálogo de los personajes, ¿también incluye acción?
Cuando creas tal escena. Se centra en lo que dicen los personajes más que en lo que hacen, lo cual es una señal de alerta para un autor. Obviamente habrá algunas escenas en cualquier película que consistan principalmente en diálogos, pero si la mayor parte de la película entra en esta categoría, estás en problemas.
Aquí tienes un consejo: imagina que la banda sonora de tu guión se ha apagado y piensa si el público aún puede entender las motivaciones, los conflictos, las resoluciones y las relaciones entre los personajes. Si la respuesta es "no", entonces el componente de diálogo del guión es demasiado pesado y deberíamos centrarnos en más componentes de acción al escribir, o encontrar un concepto de historia que esté más orientado a la acción.
Incluso en películas que contienen mucho diálogo, como Notting Hill, Algunos hombres buenos o Up in the Clouds, la personalidad de los personajes principales se revela claramente al público con solo ver la acción. , cuáles son sus deseos y conflictos, y cómo se resolverán estas historias. Puede que estas películas ya no sean particularmente entretenidas, pero la fuerza impulsora detrás de cada una de sus historias sigue siendo muy clara.
¿Esta escena tiene múltiples funciones?
¿Esta escena mantuvo a la audiencia involucrada emocionalmente tanto como fue posible? Todo lo siguiente puede incluirse en una sola escena: antecedentes de los personajes, motivaciones internas, conflictos internos e identidades (se informa la prioridad de la audiencia); estado, anticipación, sorpresa, presagio, eco, etc.).
Algunas escenas deben contener acción y nada más. En el guión de "Sleepless in Seattle" escrito por Jeff Archie y Nora Ephron, cuando Sam Win corrió a Nueva York para encontrar a Jonah, si Sam estaba dispuesto a detener el taxi y comenzar a revelar sus conflictos internos al conductor no sería propicio para cultivar las emociones del público, pero parecería ridículo. Cuando una sola acción es suficiente para mejorar el estado de ánimo, no agregue objetivos innecesarios y extraños a la escena.
Piense en una escena anterior de Sleepless in Seattle, donde Sam está hablando con un psicólogo por radio, alternando tomas de Annie escuchándolo en la radio. La secuencia casi no contiene acción y la adrenalina del público no es particularmente alta. Sin embargo, estas escenas que utilizan tomas cruzadas son poderosas para explicar los antecedentes de los personajes, la empatía, las motivaciones internas y los conflictos internos, y para crear ecos, expectativas, curiosidad, credibilidad y temas.
Después de completar cada borrador del guión, es posible que desees revisarlo de acuerdo con estos principios de revisión. Estos pueden ayudarte a identificar qué escenas son más efectivas, cuáles deben reescribirse y cuáles deben fusionarse. otros escenarios, y que deberían abandonarse por completo.