Himnos a héroes en representaciones dramáticas

El último tren

Dirigida por Francis Truffaut y producida en Francia

Una obra típica de la "post-nueva ola", coherente con el período de la "nueva ola" Comparar. Las obras maestras posteriores de Truffaut fueron más refinadas y suaves. La reproducción del fondo de la época es más sutil y vívida debido a la abundancia de fondos. Y pudo contratar a dos de las estrellas francesas más populares, Gerard Depardieu y Catherine Denove. La película fue un gran éxito tanto comercial como artístico, ganando 10 premios César, incluida la de Mejor Película. Sigue siendo el triángulo amoroso de Truffaut, y sigue siendo ese estilo narrativo tan ligero como la prosa. Además de ser más hábil en la narrativa y más afable. Las actividades de los artistas patrióticos en París durante la Segunda Guerra Mundial no cambiaron sustancialmente a Truffaut, quien alguna vez fue conocido como abanderado. Él es sólo la guinda del pastel, no es un genio en absoluto. Algunos incluso dicen que desde esta película la "Nueva Ola" ha decaído por completo. El sepulturero es Truffaut. Otros señalaron que Truffaut se sentía demasiado cómodo con Vichy Paris. Para decirlo amablemente, es algo natural; dicho de otro modo, es un blanqueo innecesario y sin principios. Muchos campos revolucionarios en las películas francesas han llegado al último tren subterráneo y han comenzado a perder su espíritu de lucha. Hay una tendencia a acumular armas y caballos y volar hacia el sur. Desde la década de 1980, la innovación en el vocabulario cinematográfico ha sido difícil.

[La mujer del capitán francés] 1981

La mujer del capitán francés

Directora: Carol Reitz Productora: Inglaterra

Esta película está adaptada De la novela del mismo nombre del famoso escritor británico John Fowles. La historia tiene lugar en 1867, la "Edad de Oro victoriana" en Inglaterra. La novedad de esta novela es que examina la sociedad y las personas del siglo XIX desde la perspectiva del siglo XX. Es encomiable que el director de cine haya captado la esencia de la novela y no se haya apegado a la estructura de la novela original, sino que haya adoptado una forma de entrelazar el tiempo y el espacio. Mientras describía el amor entre la dama inglesa Sarah y el joven aristocrático Charles, intercalaba la relación extramarital que ocurrió cuando los actores y actrices modernos Mike y Anna interpretaron la historia. Cuando los amantes de la película finalmente se casaron, los actores y actrices tomaron caminos separados. El director utiliza esto para expresar el contraste entre los sentimientos clásicos del siglo XIX y los sentimientos de la gente moderna, incitando así al público a pensar. Los dos amores dentro y fuera de la obra interactúan entre sí a través de la performance, la fotografía y las diferentes atmósferas y estilos de la escena, lo que invita a la reflexión. Las dos escuelas de actuación británica y estadounidense, Jeremy Irons y Meryl Streep, capturaron brillantemente los dos sentimientos de los personajes en el siglo XIX y la vida moderna, dando a la película un encanto duradero.

[Mephisto]1981

Mephisto

Director: Istvan Szabo Productor: húngaro

Mefistófeles es el diablo que compra almas, pero en la película Hefgen, el director del Teatro Nacional Alemán, ya ha perdido el alma. Esta es la versión húngara de "Adiós mi concubina". Aunque a Hefgen le encanta el escenario, a diferencia de Cheng Dieyi, solo tiene un escenario. El escenario de su vida está en todas partes. Cheng Dieyi siempre sigue siendo él mismo, mientras que Hefgen está confundido por el cambio casi loco de varios roles. La película, que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera, se basó en una historia real durante la Segunda Guerra Mundial. Szabo utiliza una lente larga para detenerse entre planos cercanos, y con sumo cuidado describe todo el proceso de degradación de un alma lamentable y lamentable. Los espejos y las luces son los accesorios más importantes de la película, que no sólo realzan el efecto escénico, sino que también implican el punto muerto entre la vida y el drama. Cada vez que Hofgen se sentaba frente al espejo, a veces sonreía amargamente y otras lloraba amargamente. Su no-yo y su yo múltiple han destruido sutilmente todo su espíritu. Esta es una obra maestra de pensamiento y arte casi impecable. Klaus Maria Brandel también dio la mejor actuación de su vida.

[Fanny y Alexander] 1982

Fanny y Alexander

Director: Ingmar Bergman Productor: Suecia

Bergman ganó el Oscar a la Mejor Película en lengua extranjera por cuarta vez. Es un director que ha ganado los premios más importantes del mundo. Si este es el último premio de Bergman, sería demasiado pronto para que el anciano esté vivo. La película también fue la más cara y más larga de Bergman desde su estreno. Para muchas personas, cinco horas y media debieron ser una tortura. Esta es la autobiografía de Bergman y un resumen de su filmografía. El tema sigue siendo el de la alienación y la desconfianza de la gente en Dios. La recurrencia de los sueños es también la especialidad de Bergman.

Los símbolos y metáforas abundan como flores silvestres, pero esta vez son más coloridos y agradables a la vista. La película ha alcanzado su punto máximo en términos de iluminación y color, y la belleza formal se ha liberado con mayor intensidad en esta película. Esta es también una obra dentro de una obra, cuyo hilo principal es el ensayo de "Una obra de fantasía" del gran dramaturgo sueco Strindberg. Esta es la obra favorita de Bergman y también es director de escena. El título de esta obra puede resumir completamente todas las películas de Bergman.

Después de filmar la película, Bergman se retiró y ocasionalmente escribió guiones, pero siempre tuvo sus propias ideas para la película, pero nunca la realizó. En la actualidad, la estancia de Bergman en Europa se ha desvanecido.

[Estación de dos personas] 1982

Estación de tren de dos personas

Director: Eldar Ryazanov Productor: ruso.

El nombre Riazhanov no es desconocido para el público chino. La "Trilogía del Destino", compuesta por "El truco del destino", "La historia de la oficina" y "La estación para dos", provocó una fuerte respuesta cuando se introdujo en China en la década de 1980 e influyó en varias generaciones. Podemos vislumbrar la profundidad de su constante humor en "La estación para dos". En la película, Platón y Vera pasan de ser opuestos a convertirse en amantes. El proceso está lleno de sentimientos vitales vívidos y naturales y de personajes de mente abierta. Detrás de su narración superficial relajada y jocosa, lo absurdo y absurdo de su situación de vida le llegó con verdades vergonzosas. Detrás de las escenas divertidas y los giros argumentales provocados por malentendidos, se revela la capacidad del director para resumir y capturar la naturaleza melancólica de la vida. Riazhanov nunca rehuyó los problemas sociales agudos, que diferenciaron sus obras de los dramas románticos ordinarios y se convirtieron en un espejo único de las costumbres sociales soviéticas. En sus películas, el protagonista suele ser un personaje pequeño: humilde, trabajador, pero con una bondad y un entusiasmo inquebrantables. Todos tienen los tentáculos únicos de una cálida crítica después de unirse a la OMC. Estas conmovedoras cualidades están arraigadas en el suelo cultural nacional simple y generoso de la nación rusa, lo que hace que la gente se sienta aliviada y al mismo tiempo asombrada.

[El muro perdido] 1982

Ese muro

Director: Alan Pike Productor: Reino Unido

Si el mundo si existe Sólo una obra en la historia del cine que puede integrar perfectamente el espíritu del rock and roll con el lenguaje cinematográfico, esta "The Wall" lo merece. Se dice que esta película provocó tres subversiones en el público: una subversión de la perspectiva cinematográfica, una subversión de la perspectiva de la vida y una subversión de los valores. Esta gran biblia audiovisual, a través del canto cuestionador y reflexivo de Pink Floyd y la imagen aguda y talentosa de Alan Pike, crea una película que contiene la sombra de la guerra, la crisis de la educación y la confusión de la sexualidad, una epopeya. fábula de alienación humana, anhelo de violencia y pánico hasta el final. Este "bosque simbólico" es una completa rebelión y subversión del espíritu racional y religioso en el que se basó la civilización occidental después de la Segunda Guerra Mundial. "Pink Floyd's Edge" utiliza una interpretación perfecta de la imagen para llevar al extremo la cultura del rock que aboga por el espíritu crítico y el pensamiento independiente. Nuestros sentidos se sienten profundamente atraídos por su imagen imaginativa y creativa, mientras que nuestras almas quedan fuertemente impactadas por su carácter independiente y libre. En la película, la banda y el director llevaron a cabo una profunda exploración de la naturaleza humana, la sociedad, la guerra y la cultura. La confusión, el dolor y la pérdida expresados ​​en ella son suficientes para que cada espectador se calme y reflexione sobre su verdadera situación.

[Romance de guerra] 1983

Romance de guerra

Director: Peter Todlovsky Productor: Antigua Unión Soviética.

En cuanto a diversos géneros, las películas bélicas de la antigua Unión Soviética ocupan una posición importante en el campo del cine mundial. Esta película es una producción de sketches, que utiliza una historia sencilla para promover el sentido único de carga y el poder moral bastante cálido de la Rusia pura.

Dos hombres y una mujer se aman, pero ambos quieren realizarse, pero no pueden encontrar la felicidad, pero sus almas han sido sublimadas una vez.

"Vive y recuerda" es un tema recurrente en las antiguas películas de guerra soviéticas. Y esta película va más allá [de la experiencia de una persona] como una mirada tenaz y cálida sobre la guerra misma, y ​​se eleva al reino de la humanidad pura y hermosa. La guerra ha pasado y un amor lleno de flores está a punto de repararse. Un proyeccionista casado y todavía enamorado de la ex "Reina de la Guerra" se ha convertido en un vendedor ambulante algo vulgar. La esposa del proyeccionista decidió ayudarlos, y la "Reina del campo de batalla" no estaba dispuesta a ceder y soportó la ruina de su segunda "juventud". Esto es una tragedia, pero no se limita a un simple examen del trauma de la guerra, sino a la incapacidad de liberarse del gran dolor de los individuos, de los colectivos, de ahora y de siempre.

Los colores cálidos que aparecen a lo largo de la película son una característica de la fotografía en color exclusiva de la antigua Unión Soviética. Añade el fuerte tono subjetivo del creador al efecto de luz natural. Los rojos, amarillos, marrones y naranjas están todos espaciados uniformemente, lo que indica cambios sutiles en las emociones de los personajes. Implica que hay belleza en la naturaleza humana detrás de esta historia de estar perdido y encontrado de nuevo. La mayor magia de la película es que su atmósfera es bastante natural y vívida, y cada detalle aparentemente pequeño le da al director un toque de poesía. Sin embargo, el modo narrativo simple contiene reservas emocionales extremadamente ricas. La última escena donde el proyeccionista y su esposa se miraron, en un lugar tranquilo, estuvo llena de emociones encontradas, pero fue desgarradora. Sabes lo que piensa el protagonista, pero no quieres meterte en su mundo interior. Una película puede recibir un poder emocional tan conmovedor y recibir todo tipo de elogios.

[Battlefield Romance] Desde el vocabulario de la película hasta la expresión del tema, tiene sentimientos clásicos bastante tranquilos, pero es eterno. Es un tributo puro y lloroso al "amor".

[Dinero] 1983

Dinero

Director: Robert Bresson Productora: francesa.

Godard es conocido como Bresson-Balzac en la industria cinematográfica francesa. No sólo en Francia, sino en toda Europa, Cartier-Bresson se ha convertido en uno de los directores más singulares y difíciles de Europa con su lenguaje cinematográfico extremo y su actitud indiferente hacia la naturaleza humana. Desde "Diario de un maestro rural", las películas de Bresson ya no emplean actores profesionales, ya no establecen escenas y reducen el diálogo. Como pieza de cosecha, Money es sin duda muy extremo. La película es una adaptación de la novela corta de León Tolstoi "El volumen de la información falsa". Bresson trasladó la historia de la Rusia del siglo XIX al París del siglo XX. Se trata de un caso de falsificación de dinero que provocó un efecto dominó y mató a muchas personas. Originalmente es una historia de venganza con vínculos entrelazados y conflictos feroces. Bresson, por otro lado, se compone de un lenguaje especular que aprecia palabras como el oro, técnicas de edición concisas y abruptas y una programación de escenas rígida y casi seca. Toda la película tiene un efecto ascético inexplicable pero extremadamente profundo. Como puedes imaginar, esta película fue de mal gusto para la mayoría de los espectadores. Si apretaba los dientes y la veía, sentía que la película terminaba demasiado pronto. Ésta es la magia de Bresson, un escritor de cine muy estilizado.

[Carmen] 1983

Carmen

Director: Carlos Saura Productora: Española.

Alguien dijo una vez que esta es la película en capas más elegante de la historia del cine mundial. La historia de Carmen se ha contado innumerables veces y se ha vuelto más pura o más formal en Shao Handan. La búsqueda desinhibida de Carmen por la liberación individual dota al baile flamenco nacional español de una belleza infinita. Los actores tienen que ensayar el drama de danza "Carmen", y hay una especie de dolor y felicidad como Carmen fuera del teatro. Zaura es un maestro del cine español que conecta el pasado y el futuro. Sus primeras obras utilizaron el surrealismo como vehículo para criticar la política totalitaria. En las etapas posteriores, el anciano se volvió pacífico y creía que sólo la "belleza" y la "belleza" misma son eternas y dignas de ser buscadas. El trágico significado de "Carmen" es que sólo sumergiéndose en la belleza y borrando el valor de la supuesta verdadera identidad se puede alcanzar el nirvana humano. Pero es como un arma de doble filo, un juego de luz y oscuridad. El tono de toda la película es solemne y hermoso, pero la vitalidad de la vida siempre está a punto de estallar.

Esta es una película muy divertida. La guitarra española y el baile flamenco son encantadores y poderosos, y definitivamente brindarán doble satisfacción a tus videos. En este sentido, esta es otra película pura que nada tiene que ver con la metafísica.

【Viaje a la India】1984

Pase a la India

Director: David Lean Productora: Reino Unido.

Se trata de una obra maestra rodada por el gran director británico David Lean cuando tenía 76 años. Habría ganado su tercer Oscar por esta película, pero finalmente Mozart lo derrotó. Esta película es una adaptación de la novela homónima del famoso escritor británico Forster. Cuenta un incidente de violación ficticio y destaca la contradicción irreconciliable y casi eterna entre los colonizadores y los colonizados. La historia se desarrolla en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, cuando la India estaba al borde de la independencia. Una chica británica y un médico indio tienen una amistad ambigua y, finalmente, se convierten en extraños.

Las películas de David Lean son iguales a las de Hollywood en cuanto a centrarse en la narrativa, pero su estilo riguroso, delicado y relajante es exclusivo de las películas británicas. Una mala experiencia del panorama cultural, incluido un doble pensamiento sobre la historia británica y la situación actual, también es algo que las películas de Hollywood no están dispuestas a hacer.

A David Lane le gusta hablar de la experiencia británica en países extranjeros, específicamente de lo que pensaron e hicieron en las colonias. Aproveche esta oportunidad para expresar el infinito pesar de David Lean ante el inevitable declive de este imperio. Al igual que las películas anteriores de David Lean, esta película se centra en la inmensidad y solemnidad de los paisajes naturales como una respuesta sutil a las fluctuaciones internas de las personas. Las montañas onduladas y las estrechas relaciones interpersonales * * * interpretan perfectamente la connotación cultural más masticable de toda la película. La disposición trivial, cuidada y ordenada del párrafo anterior. La segunda mitad es como una gota de agua, que provoca un fuerte impacto en la gente. Demuestra las destacadas habilidades narrativas de este veterano del cine.

[Swan Love] 1984

El cisne enamorado

Director: Walker Sloan Doff Productora: Francia/Alemania Occidental.

Un drama psicológico moderno poco común en el cine mundial contemporáneo, Sloane Dolph, a quien le encanta adaptar clásicos literarios, desafió con éxito "El tambor de hojalata" y luego apuntó a la novela tesoro nacional francés "En busca del tiempo perdido". Sin embargo, la obra histórica de Proust sobre Corriente de conciencia es tan numerosa que la película sólo selecciona el primer volumen de la novela, Al lado del cisne, y sólo una parte de él.

"Swan Love" es el pináculo traumático del psicodrama de cámara de Sloan. La escritura se centra principalmente en el rico cisne parisino y su búsqueda de Odette, que está llena de ropa, incienso, templos y lujuria en el círculo social parisino. La descripción que hace la película de las palabras y los hechos de los personajes termina aquí, dejando espacios en blanco por todas partes, pero la atmósfera sutil es bastante fuerte, llena de suspenso y entrelazada. Las palabras interrogativas de los personajes permiten al público especular sobre su psicología y, al mismo tiempo, entran inconscientemente en un espacio de conciencia psicológica que existe paralelo a la realidad. * * * Participó en la anatomía de las emociones del cisne, lo que concuerda bastante con la escritura de Proust sobre el proceso amoroso de esta clase alta como un documento patológico: si no es firme, el amor es una enfermedad y requiere sabiduría y coraje.

Sin embargo, aunque "El amor del cisne" contó con una gran inversión, una buena producción y reunió a varias de las principales estrellas del cine europeo de la época, el encuentro entre el director alemán de la Nueva Ola y la obra maestra del humanismo francés no deja un final feliz. Los franceses implicados en la producción no admiraron la versión del director alemán de "El amor del cisne" y el premio César sólo se concedió al mejor diseño de vestuario y producción escénica.

【Mi vida es como un perro】1985

Mi vida como un perro

Director: Les Hall Storm producida en Suecia.

El mundo siempre ha llamado Bergman a las películas suecas, pero Les Hall-storm se volvió contra las dificultades y la oscuridad de sus antepasados ​​y se hizo preguntas con sentimientos reales, haciendo de "Mi vida como un perro" un presente fresco y Un sentimiento íntimo, poco común no sólo en las películas suecas sino también en las europeas, expresa una infancia inolvidable como un poema en prosa y es único.

[Mi vida es como un perro] La historia es muy contradictoria. Yingma, un niño de 12 años, es travieso e inquieta a su madre, gravemente enferma. Él y su hermano tuvieron que vivir temporalmente con familiares y finalmente se adaptaron al atraso y al conservadurismo del campo. La muerte de su madre hizo de esta vida bajo la valla un hecho permanente. Sin embargo, "Hall's Storm" no tiene el mayor objetivo de intensificar el conflicto de dualidad y la dolorosa experiencia de Ma Ying, sino que escribe el proceso de crecimiento de la vida de una manera ligera: la autoiluminación de los niños, la ignorancia del mundo y el amor. Tras la dolorosa experiencia y los brotes de amor aparentemente ausentes, utiliza narrativas dispersas para esbozar una imagen del estilo de vida sueco contemporáneo: poseer el primer televisor, construir una fresca cabaña de invierno y trabajadoras con hermosos pechos que sirven como modelos para las estatuas del artista. .todo es muy divertido.

"Mi vida como un perro" arrasó en los premios Globo de Oro, los premios Independent Spirit y los premios de la Asociación de Críticos de Cine de Nueva York y Boston a la mejor película en lengua extranjera, y fue nominada al Oscar al mejor director y guionista. Es conocida como la vigésima mejor película infantil del siglo.

【Adiós, Niños】1987

Adiós, Niños

Director: Louis Malle Productora: Francesa.

Louis Malle es uno de los representantes de la Nueva Ola francesa y el único director que llegó a Hollywood como maestro de la Nueva Ola. La película fue concebida ya en la infancia de Louis Malle. Una vez dijo que todas sus películas fueron acumuladas para esta película. La película atrajo gran atención tras su estreno y ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Este es el recuerdo extremadamente delicado y conmovedor de Louis Malle de su vida infantil, que contiene una tristeza intermitente. Durante la Segunda Guerra Mundial, un niño rico y un niño judío desarrollaron una amistad.

Un día los nazis se lo llevaron y nunca regresó. En la superficie, se puede leer sobre las vergonzosas transacciones durante la cooperación franco-alemana, y también se puede ver el daño causado por las barreras de clase y la religión a la naturaleza humana. Pero eso no es tan convincente como los recuerdos que transmite la película misma. Dos adolescentes asistían a clase, comían y oraban. Su relación va de lejos a estrecha, es muy simple y pura. La entrada de los nazis le dio a este recuerdo un color oscuro, volviéndolo pesado e inolvidable. La técnica narrativa del flujo de la vida hace que toda la película tenga un ritmo constante y lento, y el tono no sea exagerado hasta el último momento, pero el poder impactante del evento en sí puede inquietar al espectador. Se trata de la obra más memorable de un director francés de la Nueva Ola después del movimiento. Después de explorar Oriente y Occidente, los pioneros abrazaron la tradición.

También hubo sugerencias de que la película tenía tendencias homosexuales, pero Malle se negó a responder.

[La historia del oso] 1988

"El restaurante del oso"

Director: Jean-Jacques Arnault: Premio César francés al mejor director.

Si te niegas a admitir los logros de esta película, puedes pensar en animales de películas americanas, como King Kong (bastante épica y trágica), tiburones, pitones, murciélagos, ratas, gatos y perros, especialmente perro. Básicamente, estos tipos no tienen dignidad en las películas estadounidenses, incluso si un día se convierten en un miembro indispensable de la familia en la sala de estar de los ciudadanos estadounidenses ([un ratón]), o en el gobernante del patio ([incluso un testigo de amor( [Caballo Whisperer]), todavía no tienen autoestima, no tienen voz como animales, solo pueden ser payasos en las películas de palomitas de maíz, accesorios en las películas de amor [The Bear Story] es diferente, y esta historia es la más emocionante. El tratamiento es que coloca a las personas en la posición de intervinientes y refleja la relación más real entre las personas y la naturaleza, y las personas y los animales a través del proceso de transformación de las personas de activas a pasivas. Por supuesto, también tiene una historia linda y conmovedora. Dos actores peludos y meritorios que nunca podrán ser reemplazados: el venerable Sr. Oso y el venerable Sr. Oso

En la pantalla de Hollywood, los animales son las estrellas y el atrezzo, y Jean-Jacques Arnault La película se transformó. el oso en un actor formidable

[casamentero] 1989

La chica de la fábrica de cerillas

Director: aki kaurismaki Productora: Finlandia

. Esta película es la famosa obra del director del tesoro nacional finlandés Aki Kaurismaki. Fue un éxito en el Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Premio Internacional de Cine. También es la segunda parte de la Trilogía de los Trabajadores de Aki [Shadow of Heaven] y [Ariel. ]. Una trabajadora de apariencia normal siempre quiso conocer al Príncipe Azul, pero el Príncipe Azul la trató como a una prostituta. Quedó embarazada, pero abortó en un accidente automovilístico. Su amante, sus padres y un hombre que intentó hacerse amigo de ella murieron.

La película de Ackey es una combinación retorcida de realismo excéntrico y expresionismo repentino. La exposición, el ritmo narrativo es largo y lento, y la imagen documental es seria, lo que hace que toda la película se envuelva en un extraño cuento de hadas. El color es muy divertido y esta obra recuerda mucho a "La niña de los fósforos" de Andersen, pero todas son dulces. En otras palabras, las películas de Aki rompen el marco de los cuentos de hadas tradicionales y penetran directamente en la realidad misma. Los cuentos son una de las características más importantes de las películas de Aki. Su nuevo trabajo "El hombre sin pasado" lo mismo ocurre con "La mujer de la fábrica de cerillas", que tiene una apariencia brillante pero no puede ocultar la amargura y el dolor en el corazón. Sigue siendo su obra maestra más simple y capaz hasta la fecha. Ha hecho una contribución importante para llevar las películas finlandesas a la perspectiva internacional.

【Cinema Paradiso】1989

Cine. Paradiso

Director: Giuseppe Tornatore Productor italiano/francés

Esta es una película apreciada por los fanáticos del cine de todo el mundo. Toda la película utiliza flashback para contar la historia de un director. El maravilloso proceso de estar inmerso en el esplendor del cine en su juventud también refleja el profundo impacto del cine en el mundo espiritual de los civiles sicilianos. El tono de la película es suave y dulce, y es el agradecimiento más simple a la película. Hay muchas descripciones vívidas y conmovedoras de la gloria de la película que se ha ido para siempre, y la serie de escenas de besos al final de la película parecen decir: Mientras la vida continúe, la belleza puede extenderse y las películas nos encontrarán como esas. "besos" coloridos. Se trata de una película muy positiva y saludable, que rompe con el tono pesado del cine italiano y tiene cierto sentido de inspiración sencilla.

Esta es también la famosa obra del director Tornatore. Con esta película se convirtió en el director más importante de Italia a finales del siglo pasado. Aunque todas sus películas posteriores tienen cierta influencia internacional, no son tan buenas como ésta en términos de recursos. Alguna vez se creyó que la mejora del cine europeo debía partir del Cinema Paradiso, tomando un camino claramente visible sin perder sentimientos humanistas sinceros. Es una lástima que esta película sea sólo un destello del cine europeo actual.

Década de 1990

【La doble vida de Verónica】1991

La doble vida de Verónica

Director: Kri Štov Kieslowski Países: Francia, Polonia, Noruega .

Khiesz Lovsky es un nombre que no puede ignorarse en las películas europeas de los años 80 y 90. Ya sea que sus primeros trabajos se centraran en la política o que sus trabajos posteriores se profundizaran gradualmente en el cuestionamiento del destino, todos tienen las características de un fuerte color humanista en las películas europeas. Los pensamientos de Khiesz Lovsky sobre el azar y los factores inevitables del destino han influido en muchos cineastas jóvenes, como Tom Tykwer, e incluso en muchos directores jóvenes asiáticos. "La doble vida de Verónica" es una obra muy importante de Sias Lofsky. La película expresa el destino de dos chicas no relacionadas que lucen exactamente iguales. En el tono amarillo cálido, está lleno de tristeza y calidez, con un encanto misterioso e indescriptible. El tema pesado de la película revela un temperamento implícito y etéreo de principio a fin, dando al público un espacio ilimitado para la imaginación. Quizás este sea el encanto especial de Kieslowski. El cuestionamiento interminable del tema más fundamental del destino humano es la mayor expectativa que la gente tiene sobre el método artístico del cine. [La doble vida de Verónica] es como una puesta de sol deslumbrante, fugaz, pero como una llamada misteriosa, profundamente grabada en tu mente.

[Hero Toto] 1991

Todos

Director: Jacob van Domel Producción belga/alemana.

Esta película es un importante ejemplo del cine posmoderno. En la forma, las películas posmodernas se refieren entre sí. En la connotación, los rasgos importantes son la pérdida de identidad y el encuentro de la vida. Las películas de Wong Kar-Wai, Tom Tykwer y Julio Mittan comparten esta característica. Un incendio provocó que dos padres cargaran al niño equivocado. Esto cambió el destino de dos personas. Toto siempre creyó que todo le pertenecía a Alfred. Alfred tuvo relaciones sexuales con la hermana de Toto y le hizo lo mismo. Alfred obligó a mi hermana a quemar su casa, sólo para encontrarse enterrada en el fuego. Toto conoce a otra mujer. Ella y su hermana son geniales, pero ella es la esposa de Alfred. Toto es viejo y decide matar a Alford. Muere y la película no nos dice si fue Alfred o Toto.

Increíble color mágico, pero con un estilo humorístico y lírico. Un sello distintivo de la película, la superposición y separación de identidades transmite la naturaleza mágica de la vida. Siempre estarás asombrado como un niño.

[Howards End] 1992

Howards End

Director: James Avery País: Reino Unido, Japón

Películas británicas en There is un estilo único en las películas europeas, al igual que los gentiles y elegantes caballeros británicos. Tienen una actitud sobria y siempre expresan las emociones más intensas de la vida sin dejar rastro. La tensión que contiene es el mayor encanto de las películas británicas, y "Howards End" es uno de ellos. La película da paso a varias idas y venidas amorosas en torno al traspaso de propiedad de Howards End, mostrando la moda de la sociedad británica de la época y los distintos destinos de distintos personajes debido a sus diferentes personalidades y valores. Los dos actores principales de "Howards End", Anthony Hawkins y Emma Thompson, son actores famosos con características británicas. Sus habilidades interpretativas se complementan a la perfección, inyectando un estilo británico puro a la película. Debido a la fluidez de expresión y a la brecha de los tiempos, las películas inglesas pueden caer fácilmente en la crisis de la procrastinación y la incomprensión, pero su verdadero encanto radica en su actitud de no señalar directamente las cosas. Una vez que la elegancia del cuerpo y la nobleza de la personalidad se combinan a la perfección, la rica connotación interior inevitablemente se destacará, por lo que tiene un atractivo irresistible y una herencia profunda que vale la pena masticar una y otra vez.

[Corazón de invierno]1992

Corazón de invierno

Director: Claude Sauder Productor: Francia

Qué romántica La película en realidad apareció en el Francia extremadamente romántica, sin siquiera besarse ni tomarse de la mano. Fue realmente interesante.

Sodai es un director con profundos logros literarios. Al principio hizo muchas películas de acción con un fuerte tema masculino, pero luego se volvió obscena, realista o clasicista. Se interesó por la vida normal del remanso y puso su mirada en las mujeres. La película fue su mayor honor, ganando el León de Plata en el Festival Internacional de Cine de Venecia y el Premio César al Mejor Director en su país de origen. Un hombre y una mujer obviamente están listos para dar un paso, pero aún así tienen que detenerse. Esto se parece un poco a la forma emocional de mucha gente en China. Sodai cree que el amor es ante todo una habilidad. El protagonista se cree incapaz de amar, por lo que su puerta al amor siempre ha estado cerrada. Sodai simplificó deliberadamente la tensión emocional, pero dio a la gente un largo regusto a la motivación conductual del frenado estático. Es una obra icónica de las películas estáticas francesas tardías. Es muy rara en el círculo cinematográfico francés y no dice una palabra, pero tiene un comportamiento romántico.

Las dos protagonistas de esta película, Danielle Auteuil y Emmanuelle Beart, son ambas famosas actrices francesas y una pareja en la pantalla. Debido a la relación entre marido y mujer, muchas emociones sutiles se transmiten con mucha precisión.

[Hombre muerde a perro] 1992

Hombre muerde a perro

Director: Rémy Béva ·Producida por Povide Bélgica.

Tres estudiantes de una escuela de cine de tercera categoría en Bélgica, confiando en la sangre del joven actor de cine Fang Gang, inventaron este "registro realista de la vida del asesino", una completa farsa negra posmoderna. En términos de desvergüenza y asco, la imagen tosca de "Man Bites Dog" supera incluso a "La naranja mecánica" y "Natural Born Killers", pero es precisamente por la valentía y desvergüenza del director y los actores que "Man Bites Dog". "Hace que "Man Bites Dog" sea aún más descarado y repugnante. Biting Dog] se puede liberar de los huesos y exuda un impulso vigoroso.

Para "pasar a la historia", Black Boy A aceptó filmar todo el proceso de matar y enterrar el cuerpo. Por supuesto, no todo salió bien. El equipo de filmación ayudó ocasionalmente al Sr. A y una vez participó en un loco caso de violación y asesinato en grupo. Documental, escenas realistas, lenguaje de cámara más paparazzi que paparazzi, personajes y diálogos bromistas, y agudas burlas de los medios y "documentales" bajo la apariencia loca, hicieron que "Man Bites Dog" no solo derrotara a "Fatal" ese año Armas 3 ], también se ubicó entre los directores famosos del Festival de Cine de Cannes del 65438 al 0992, lo que provocó una locura por ver películas.

[Zhina] 1992

Indochina

Director: Reggie Vagne Producida en Francia

En comparación con las películas eróticas húmedas 【 Lover] y [ Indiana] expresan mejor la vida colonial (incluida la vida amorosa) y los conflictos culturales coloniales (aunque la música es ligeramente inferior). Esta fue la primera película de Réry Vagne en la década de 1990 y su primera epopeya, que detalla los últimos años de la vida colonial francesa después de la Segunda Guerra Mundial. La vista trasera de la heroína Catherine Denoff al final de la película es inolvidable. El majestuoso y despiadado torrente de la historia se lo llevó todo, y sólo pudo soportarlo en silencio con la gracia de una aristócrata francesa. Esto simboliza el fin de una era.

[El juego del llanto] 1992

El juego del llanto

Director: Neil Jordan País: Reino Unido, Japón.

El éxito de esta película se debe más al tema especial y al sorprendente ajuste entre el temperamento del actor y los personajes de la obra. En la película, el amor entre los dos protagonistas se enfrenta a la doble crisis de la vergüenza de género y la persecución militar. Es en esta situación desesperada que el director crea una escena de amor clásica, donde las emociones fluyen naturalmente y todas las emociones son fascinantes. La contribución de Jay Davidson a esta película es absolutamente decisiva. Un personaje tan complejo y difícil de evaluar está interpretado de tal manera que todos los espectadores se identifican naturalmente con sus sentimientos y elecciones, e incluso su encanto y belleza son inolvidables. [The Crying Game] Es difícil determinar su género. Hay factores complejos como el amor, la aventura, la acción, el drama, la homosexualidad, la revolución, etc. El director tiene razón.