Resumen de conocimientos básicos de teoría de la fotografía.

Introducción: En la reunión conjunta de la Academia de Ciencias y la Academia de Bellas Artes celebrada por la Academia Francesa, el gobierno francés ordenó a Aragón, director del Planetario de París, anunciar el proceso detallado de la invención de Daguerre. de la fotografía de daguerrotipo. Esto es lo que he recopilado para ti los conocimientos básicos de la teoría de la fotografía, espero que te sea de utilidad.

La primera estrategia: el conocimiento de la fotografía

1. La historia de la fotografía

1. Los cambios en la tecnología de la fotografía: edición Daguerre (1839-1850) → Card Luo placa (1841 La tecnología de "fotografía de zanahoria" del científico británico Talbot sentó las bases de la fotografía moderna). → Placa húmeda (1851-1890, en 1851, el escultor británico Archer inventó el método de fotografía con placa húmeda). → Placa seca (el prototipo de la fotografía moderna). : En la década de 1870, el médico británico Maddox inventó la fotografía de placa seca.)

2. Cambios en la cámara: Cámara telescópica de caja de madera (1839) → Kodak No. 1 (1888) → 4 1/2 SLR cámara → Leica Tipo I (1925) → Cámara SLR de 35 CM (1949) → Cámara de apuntar y disparar (década de 1970) → Polaroid (1948) → Cámara digital (1995).

31826 tomó 8 horas de exposición. Materiales fotosensibles: el desarrollo del daguerrotipo, que redujo el tiempo de exposición a 2 o 3 minutos en 1839.

4. La aparición de Eastman supuso una nueva revolución en la historia de la fotografía. En 1889, el famoso inventor Edison cortó la película de 70 mm proporcionada por Eastman en dos tiras, cada una de ellas de 35 mm de ancho. Orificios cuadrados para enrollar la película en ambos lados. Esta será la película de 35 mm más utilizada en el mundo en el futuro. La cámara telescópica de madera de Daguerre. Debido al largo tiempo de exposición, al tomar retratos en ese momento, el sujeto necesitaba sentarse en un asiento especial equipado con un soporte para la cabeza.

La American Kodak Company introdujo la película de 35 mm de ancho en 1934, que rápidamente se convirtió en el tipo de película cinematográfica más popular y continúa utilizándose en la actualidad.

5. Varios cambios importantes y cifras relacionadas: El flash electrónico se inventó en 1931. En 1907, los hermanos Lumière inventaron la película positiva transparente "película de color natural", que era una película de color verdaderamente práctica. En 1936, Eastman Company lanzó la primera película en color en emulsión de tres capas, Cobe. Después de eso, Akfa de Alemania, Fujifilm de Japón e Ilford del Reino Unido lanzaron sucesivamente películas en color positivas y negativas. En 1947, el físico estadounidense Rand inventó la fotografía de imágenes primarias. En 1945, el sueco Hasblad diseñó la cámara réflex de objetivo único 120. También está el "Premio Hasblad", el "Premio Nobel" de fotografía. En 1959, Folktrand inventó el objetivo zoom. En 1965, el fotógrafo sueco Lennart Nelson combinó la microscopía electrónica con la tecnología fotográfica para crear la microfotografía, "El milagro de la vida". En 1981, la empresa japonesa SONY lanzó la primera fotografía digital del mundo (MAVICA) que utilizaba un dispositivo de carga acoplada (CCD) en lugar del software tradicional (película).

La primera fotografía en color: una imagen en tres tomas de una cinta tomada por James Clerk Maxwell en 1861. Se presenta una cinta con estampado de cuadros.

La primera fotografía digital (1957) Russell Kirsch, pionero de la informática en la Oficina Nacional de Estándares, desarrolló un sistema de procesamiento de imágenes que podía transmitir directamente las fotografías de la cámara al ordenador.

En 1880, el estadounidense G. Eastman (George Eastman) inventó un nuevo material fotosensible: una película que recubría uniformemente una emulsión de haluro de plata sobre un sustrato de gelatina y produjo con éxito la primera película en 1888: una cámara Kodak.

2. Géneros de la fotografía

1. Fotografía pictorialista: se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX. Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones. En 1857, O.G. Leyland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: "Two Roads in Life", que marcó la madurez de la fotografía pictorialista.

2. Fotografía naturalista: propuesta por primera vez por el fotógrafo Peter Henry Emerson en 1899. Se anima a los fotógrafos a volver a la naturaleza para encontrar inspiración creativa. Esta propuesta artística es una reacción contra el pictorialismo. Alienta a la gente a liberar la fotografía de las ataduras de la academia y promueve el pleno uso de las características propias de la fotografía.

3. Fotografía purista: defiende que el arte fotográfico debe promover sus propias ventajas, abandonar la influencia de la pintura y defender el uso de la tecnología fotográfica pura para obtener los efectos estéticos únicos de la fotografía.

“The Moon Over Half Dome” Adams (EE. UU.) “Sea of ​​​​Stone Steps” W. Evans (Reino Unido)

4. Nueva fotografía objetiva: tuvo lugar en Alemania en mediados de la década de 1920, también conocida como fotografía de neorrealismo. La característica artística de este género es la búsqueda de la "belleza" en las cosas comunes. Utilice primeros planos, primeros planos y otras técnicas para "separar" el sujeto del todo, resaltar un determinado detalle del objeto y representar la estructura de su superficie de forma precisa y fiel, logrando así un efecto visual deslumbrante.

5. Fotografía documental: El nombre en inglés es Document Photography, y su significado original hace referencia al tipo de fotografía que sirve como prueba, evidencia y documento. Sin embargo, la fotografía documental, como género fotográfico con profunda influencia, se diferencia de las fotografías que simplemente registran eventos. Además de la función básica de registrar, su tema y contenido tienen cierto significado social, espíritu humanitario y valor documental histórico. No importa si son bellos o feos, el propósito de la fotografía documental es expresar un mundo real, atraer la atención de las personas, despertar la conciencia social, registrar una cultura única y dejar una preciosa riqueza histórica para las generaciones futuras. Según el contenido de la fotografía, la fotografía documental se puede dividir en tres categorías: la primera son los eventos importantes; la segunda son las vidas de las personas; la tercera son los escenarios sociales.

La fotografía documental es una descripción relativamente completa, honesta y vívida realizada por un fotógrafo de la relación entre las personas, las personas y el medio ambiente que tiene importancia social en el mundo actual, para hacer que la audiencia preste atención a y comprender correctamente los objetos que se describen. Una forma de arte fotográfico.

6. Fotografía surrealista: surgió en los años 30. Es un género que surgió en el campo de la fotografía durante el declive del dadaísmo. Los surrealistas en fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utilizaron tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como sus principales métodos de modelado para apilar, ensamblar y reorganizar escenas en sus obras, y expresar detalles específicos y técnicas arbitrarias de exageración, deformación, omisión y simbólicas. combinados para crear un "reino artístico" surrealista entre la realidad y la imaginación, lo concreto y lo abstracto.

7. Fotografía abstracta: Es un género artístico de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial. Utilice la luz, edite las luces, exponga hasta la mitad o agite la cámara al disparar para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o expóngala varias veces para que parezca fantasma, hasta que cambie la estructura de la superficie de la imagen y el La apariencia del sujeto cambia. La forma original y la estructura espacial transforman el objeto fotografiado en una combinación irreconocible de líneas, manchas y formas.

3. Fotografía china

Lang Jingshan, la primera generación de maestros de la fotografía artística en China, nació en Lanxi, provincia de Zhejiang, en 1892 en Huaiyin, provincia de Jiangsu. Se interesa por la fotografía desde los 14 años. Desde entonces, la cámara nunca ha dejado mi mano durante más de noventa años y ha creado una nueva forma de "fotografía de colección". Murió en Taipei el 13 de abril de 1995. Sus obras incorporan los conceptos artísticos de la pintura china a la fotografía, perfeccionando el arte de la fotografía de colección. La fotografía documental en China se remonta a la Fotografía Documental del 5 de abril de 1976. Las principales características de la fotografía del 5 de abril son un fuerte sentido de participación realista y conciencia histórica. Esta característica se dividió en dos direcciones: la búsqueda del realismo y la exploración del formalismo a través del "Festival de Fotografía de Abril" en Beijing en 1979.

Fotografía contemporánea china: La fotografía documental de China se remonta a la Fotografía Documental del 5 de abril de 1976. Las principales características de la fotografía del 5 de abril son un fuerte sentido de participación realista y conciencia histórica. Esta característica se dividió en dos direcciones: la búsqueda del realismo y la exploración del formalismo a través del "Festival de Fotografía de Abril" en Beijing en 1979.

El Concurso Holandés

El Concurso Mundial de Fotografía de Prensa (WORLD PRESS PHOTO), también conocido como Concurso Holandés, originalmente se llamaba Exposición Holandesa de Fotografía Mundial de Prensa. Fue rebautizado en 1957. y fue organizado por el Concurso World Press Photo con sede en los Países Bajos y patrocinado por WORLD PRESS PHOTO FOUNDATION.

La asociación se fundó en 1955. Desde que se celebró el primer Concurso World Press Photo en 1957, se ha celebrado 46 veces hasta el momento. El concurso es el Concurso World Press Photo más representativo del mundo en la actualidad y ha desempeñado un papel importante en la promoción del desarrollo de la fotografía periodística. el efecto del mundo.

Premios Pulitzer

Los Premios Pulitzer son una variedad de premios periodísticos y culturales en los Estados Unidos. Fueron otorgados por el famoso editor y editor de periódicos estadounidense Joseph Riche. establecido. El Premio Pulitzer incluye dos categorías principales: Premio de Periodismo y Premio de Arte. Entre ellas, el Premio de Periodismo incluye principalmente: Premio al Servicio Público, Premio al Reportaje, Premio Editorial, Premio a la Historieta, Premio a la Revisión Crítica, Premio a la Comunicación, Premio al Largometraje, Premio a la Fotografía de Noticias. etc.; los premios literarios y artísticos incluyen el premio de novela, el premio de teatro, el premio de poesía, el premio de obra histórica estadounidense, el premio de autobiografía o biografía y 1 premio de composición musical; Además se entregaron 2 premios especiales. El Premio Pulitzer en Estados Unidos conlleva una bonificación de 7.500 dólares estadounidenses, pero los informes que ganen el Premio al Servicio Público no son elegibles para recibir bonificaciones. El periódico ganador recibirá una medalla de oro Pulitzer. Pulitzer originalmente legó un fondo de 500.000 dólares y, posteriormente, la agencia de gestión de fondos recaudó más de 1 millón de dólares. El premio es seleccionado una vez al año por el Comité de Selección del Premio Pulitzer compuesto por 16 personas, incluido el presidente de la Universidad de Columbia. Los resultados de la selección suelen ser anunciados por el presidente de la Universidad de Columbia un día a mediados de abril y los premios se otorgan. En Mayo.

4. Conocimientos básicos de fotografía.

La fotografía es un proceso que utiliza el principio de la imagen estenopeica para almacenar imágenes en materiales de memoria a través de equipos fotográficos. Es una herramienta importante para difundir la cultura, el arte, la ciencia y la tecnología, y también es un medio auxiliar eficaz que se utiliza a menudo en la investigación científica moderna y en la producción industrial y agrícola. La fotografía es pintar con luz, que es esencialmente una combinación de tecnología y observación visual. Es una combinación de tecnología y arte. La fotografía no es simplemente tomar fotografías. Sólo se puede llamar fotografía tomar fotografías que sean conscientes, reflexivas, reflexivas y refinadas. Apertura

La apertura es un dispositivo que se utiliza para controlar la cantidad de luz que pasa a través de la lente y entra en la superficie fotosensible del cuerpo de la cámara que generalmente se encuentra dentro de la lente. Usamos el número f para expresar el tamaño de apertura. Valor f de apertura = distancia focal de la lente/diámetro de apertura de la lente. A partir de la fórmula anterior, podemos saber que para lograr el mismo valor de apertura f, la apertura de una lente de distancia focal larga es mayor que la de una lente de distancia focal corta. La serie completa de valores de apertura es la siguiente:

Lo que vale la pena mencionar aquí es que cuanto menor sea el valor de apertura f, más luz entrará en la misma unidad de tiempo y la cantidad de luz que entrará en la parte superior El nivel es solo el siguiente nivel. Por ejemplo, si la apertura se ajusta de f8 a f5.6, la cantidad de luz que ingresa se duplicará. También decimos que la apertura se abre un paso más. Para las cámaras digitales de consumo, el valor de apertura f suele estar entre f2,8 y f16. Además, muchas cámaras digitales pueden realizar ajustes de 1/3 de paso al ajustar la apertura.

Profundidad de campo: Es la abreviatura de la profundidad clara de la escena. Cuando la lente enfoca un punto, la parte delantera y trasera del enfoque comienzan a desdibujarse gradualmente. El rango "claro" cerca del enfoque es el rango de profundidad de campo. Por lo tanto, si la profundidad de campo es poca, el fondo y el primer plano aparecerán bastante borrosos, y si la profundidad de campo es grande, el primer plano y el fondo de la foto aparecerán claros.

La relación entre apertura y profundidad de campo.

La profundidad de campo es proporcional al tamaño de la serie de apertura. Si se mantienen la distancia focal de la lente y la distancia de disparo del objeto, cuanto mayor sea la apertura, menor será la profundidad de campo, es decir, cuando la apertura cambia de f/16 → f/11 → f/8 → f/5.6 → f/4, entonces La profundidad de campo es cada vez más corta y el paisaje fuera de la profundidad de campo se vuelve más borroso. Sin embargo, el sujeto correctamente enfocado es vívido y claro, lo que atrae la atención de las personas. Generalmente, cuanto mayor sea la distancia focal de la lente (como una lente larga), mayor será la apertura y cuanto más cercana sea la distancia de disparo, menor será la profundidad de campo, mientras que más corta será la distancia focal de la lente (como una lente; lente gran angular), cuanto menor sea la apertura y cuanto mayor sea la distancia de disparo, menor será la profundidad de campo.

Obturador

El obturador es un conjunto de dispositivos integrados en el cuerpo de la cámara (los obturadores de algunas cámaras medianas y grandes están integrados en la lente), que se utilizan para controlar cada toma de la película. tiempo de exposición: 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125 1/250 1/500 1/1000 1/2000 Incluso los valores de obturación de muchas cámaras profesionales alcanzan 30~1/ 16000

Sensibilidad ISO: Es la sensibilidad del CCD para grabar la luz al instante.

(Se mide la sensibilidad de una película de cámara tradicional a la luz. El ISO de una cámara digital es un indicador similar a la sensibilidad de una película). Cuanto mayor sea el número, más sensible será la fotosensibilidad y mayor será el "grano de píxel". ISO 50 -> Paisaje; ISO 100 -> Estándar; ISO 200/400 -> Dinámico, deportivo o con poca luz; ISO 800 -> Rendimiento en interiores, con poca luz. En términos generales, cuanto mayor es la sensibilidad, más gruesa será la granulación de la película y peor será el efecto tras la ampliación.

Si el sujeto está en un lugar oscuro y la relación de iluminación es grande, puedes utilizar un flash para compensar la exposición. También se pueden utilizar reflectores para rellenar la luz.

Valor EV = valor de apertura + velocidad

La relación entre velocidad de obturación, apertura y sensibilidad ISO, es decir, duplicar la velocidad de obturación reducirá la cantidad de luz que pasa a través del objetivo a la mitad ; cada vez que se aumenta la apertura en un punto, al igual que cuando se duplica la velocidad de obturación, la cantidad de luz se reducirá a la mitad si se duplica la sensibilidad ISO, la cantidad de luz se puede exponer con la misma exposición; la cantidad de luz se reduce a la mitad.

La mayoría de las cámaras digitales actuales están equipadas con una función de "compensación de exposición". Establecer la compensación de exposición en +1 significa reducir la velocidad de obturación a la mitad o duplicar la apertura. De hecho, cuando se utiliza el modo preestablecido proporcionado por una cámara digital, la cámara ajustará tanto la apertura como la velocidad de obturación para duplicar la cantidad de luz.

Utilice la distancia focal gran angular del EF-S 17-85 mm f/4-5,6 IS USM para mostrar la suavidad al mostrar la dinámica del flujo de agua, como arroyos o cascadas, disparando con un obturador lento. La velocidad puede mostrar la trayectoria del flujo de agua. A menudo requiere exposiciones prolongadas de varios segundos. Cuando utilice la exposición automática con prioridad de apertura para exposiciones prolongadas, fije la sensibilidad ISO y reduzca la apertura. Al fotografiar la leyenda, establezca el valor de apertura en la apertura mínima de este objetivo, F22. Para evitar que la cámara aumente automáticamente la sensibilidad ISO y haga que la velocidad de obturación aumente, configure la sensibilidad en la sensibilidad más baja ISO 100. Si elige una sensibilidad ISO fija como en el ejemplo de disparo y establece un valor de apertura mayor, puede reducir la velocidad de obturación. Por el contrario, si establece el valor de apertura en un valor fijo y aumenta la sensibilidad ISO, puede aumentar la velocidad de obturación. La tabla anterior enumera los cambios en la velocidad de obturación causados ​​por el cambio de la sensibilidad ISO al fotografiar el mismo sujeto con el mismo brillo. Por lo tanto, incluso en el modo de exposición automática con prioridad de apertura, siempre que establezca la combinación del valor de apertura y la sensibilidad ISO, podrá controlar la velocidad de obturación libremente.

Lente y distancia focal

Distancia focal: se refiere a la distancia entre el punto central óptico de la lente y la superficie CCD de la película o cámara digital

La distancia focal la longitud se calcula en milímetros mm

Lente estándar: 50 mm

La lente gran angular tiene el efecto de ampliar el primer plano y estrechar la vista lejana

El teleobjetivo la lente tiene el efecto de acortar el espacio y condensar la distancia

Balance de blancos

Balance de blancos: el balance de blancos es una función que se utiliza para ajustar y corregir la temperatura del color (tono).

¿Por qué debemos ajustar la temperatura del color? Debido a que existen muchas fuentes de luz diferentes durante la fotografía, como la luz solar, la luz de las velas, las lámparas fluorescentes, las lámparas de tungsteno y los días nublados, las diferentes fuentes de luz producen diferentes temperaturas de color (tonos). ¿Cómo ajustar la temperatura del color? Las configuraciones comunes son las siguientes: Auto (para situaciones de fuentes de luz diversas y complejas), Soleado, Nublado, Fluorescente, Tungsteno y Flash. La temperatura del color (si ya se conoce el valor de la temperatura del color) se ajusta manualmente.

Fuente de luz

Las fuentes de luz incluyen luz natural y luz artificial. La posición de la fuente de luz está muy bien informada, como luz lateral, luz de fondo lateral, etc. En tomas de iluminación reales, la luz se puede dividir en luz principal, luz auxiliar, luz de contorno, luz de fondo, etc. El método de iluminación correcto debe prestar atención al orden de uso de la luz. Lo primero en lo que hay que centrarse es en la posición de la luz principal y luego usar la luz auxiliar para ajustar el contraste formado por el sujeto en la imagen, resaltar las capas, y controlar la proyección. La posición de la luz principal puede ser al frente o en la parte superior, y la luz auxiliar puede estar en los alrededores o incluso en la parte inferior, la cual se ajusta según la posición de la cámara.

La fuerte iluminación formada al dirigir muchas luces fuertes hacia el sujeto reducirá el "peso visual" de cada componente del sujeto, y también hará que la saturación del color se debilite y el tono se desvanezca. .

Por el contrario, la iluminación con poca luz causada por limitar la cantidad de luz que incide sobre el sujeto hará que éste parezca más tranquilo y el color se volverá más oscuro y saturado. Al utilizar luces auxiliares, reflectores e iluminación difusora, también puede lograr una variedad de efectos sutiles o dramáticos.