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El primer movimiento de una sonata suele adoptar forma sonata, de ahí el nombre de sonata. Nació después de la Revolución Francesa. En ese momento, era necesario expresar relaciones más agudas entre las personas y los conflictos dramáticos de la sociedad, por lo que surgió esta estructura musical.
En general, hay dos temas opuestos o contradictorios en la forma sonata; los conflictos y las luchas se llevan a cabo en el departamento de desarrollo; los resultados de la lucha deben mostrarse en el departamento de reproducción. Sólo la suite instrumental del primer movimiento escrita de acuerdo con este principio puede denominarse sonata.
Beethoven compuso 32 sonatas para piano a lo largo de su vida, que son obras clásicas de la música para piano. Entre ellas, las sonatas "Pathétique", "Moonlight", "Tempest", "Dawn" y "Passion" son las. lo más destacado. Todo estudiante de piano necesita las sonatas para piano de Haydn, Mozart y Beethoven. Los compositores modernos también han escrito muchas sonatas, pero la forma es relativamente libre. Por ejemplo, la sonata de Liszt tiene un solo movimiento.
Una sinfonía es una sonata (que se muestra en la tabla de arriba) interpretada por una gran orquesta, llamada sinfonía. Sinfonía
La formación de la música fue completada por Haydn y posteriormente desarrollada hasta su apogeo en forma y contenido por Beethoven.
Luego fue heredado por los compositores románticos hasta los tiempos modernos. Aunque la forma y el contenido han cambiado
sigue manteniendo la posición más destacada entre las obras instrumentales. La sinfonía es rica en ideas.
Color fuerte y dramático y magnífico color orquestal. Los cuatro movimientos de una sinfonía son los mismos que los de una sonata y están dispuestos en una relación determinada.
Concierto - Concierto, originalmente pensado para competición. Los conciertos italianos del siglo XVI se referían principalmente a coros con acompañamiento instrumental, que eran diferentes de los coros a capella. Desde la segunda mitad del siglo XVII se refiere a una suite instrumental en la que varios instrumentos solistas compiten con una pequeña orquesta de cuerda. Los que utilizan varios instrumentos se denominan "conciertos". Los compositores italianos Torelli y Colleri fueron los fundadores del Concierto Grosso. Tanto Handel como Bach escribieron conciertos. El "Concierto de Brandeburgo" de Bach es una de las obras representativas del concerto grosso. Los conciertos antiguos interpretados por instrumentos que compiten con la orquesta (a veces con acompañamiento) se denominan "conciertos solistas", como los conciertos de Vivaldi.
Mozart, el maestro de la escuela de música clásica de Viena, estableció la forma de concierto que todavía se utiliza hoy en día con un gran número de creaciones: más de 20 conciertos para piano, seis conciertos para violín y solos con flauta. Concierto para clarinete, trompeta y trompa. Este tipo de concierto lo tocan un instrumento solista y una orquesta. La parte solista es distintiva y muy técnica. La música generalmente consta de tres movimientos: el primer movimiento es en forma de sonata, el segundo movimiento es principalmente adagio lírico y el tercer movimiento suele ser en forma Hui o sonata. Hay una cadencia después del primer movimiento (a veces se insertan cadencias más cortas en el segundo y tercer movimiento). La cadencia fue originalmente improvisada por intérpretes basándose en el tema básico de la música, y los compositores la escribieron en partituras fijas después del siglo XIX. Las partituras de cadencia utilizadas por los músicos modernos al tocar conciertos clásicos fueron creadas por compositores posteriores. Beethoven inyectó un profundo contenido ideológico en la forma del concierto y conectó orgánicamente la parte solista con la orquesta, realizando el desarrollo de la sinfonía y elevando la naturaleza ideológica y artística del concierto a un nuevo nivel. Sus conciertos para violín y cinco conciertos para piano son obras maestras de gran importancia para el desarrollo de los conciertos.
En las obras de los compositores de música romántica y más tarde de los compositores de música nacional de varios países, los instrumentos solistas son más expresivos, conmovedores y difíciles, y la música entera a menudo tiene un sentido más fuerte de poder y sinfonía. Los conciertos para piano de Chopin, los conciertos para violín de Mendelssohn, Brahms y Paganini, así como los conciertos para violonchelo de Dvořák, los conciertos para piano de Grieg, los conciertos para piano y violín de Tchaikovsky, se han convertido en tesoros únicos en el tesoro de la cultura musical mundial.
Ni al autor ni al público les importó. La obertura, como forma de arte, se ha convertido en una parte importante del teatro a partir de la segunda mitad del siglo XVIII. En aquella época, el compositor de ópera alemán Gluck fijó un criterio que hizo época para la obertura, cuando estaba reformando la ópera. Escribió en el prefacio de su ópera "Ártico": "Creo que la obertura debe insinuar el tema de la obra y hacerla. "... El público está emocionalmente preparado para el drama que están a punto de ver". La obertura de la ópera Ifigenia de Gluck es un ejemplo de este tipo de obertura operística de la época. Este tipo de obertura de ópera clásica, iniciada por Gluck, no se finalizó hasta finales del siglo XVIII y básicamente adopta la estructura de la forma de sonata. La mayoría de las oberturas de ópera de Mozart entran en esta categoría.
La llamada forma sonata es una forma básica de las obras de música clásica y debe usarse en movimientos importantes en sonatas, sinfonías, conciertos y dúos, o poemas sinfónicos y la mayoría de las oberturas de ópera y de concierto. Pero para ser más precisos, la forma sonata es una forma musical dramática que se basa en la oposición y el conflicto de dos conceptos (temas) o imágenes musicales diferentes, lo que facilita la expresión de varios eventos o escenas dramáticas de manera muy fuerte e intensa. Sabemos que la mayoría de los dramas siempre presentan primero los personajes y el trasfondo de la historia, luego muestran los conflictos y finalmente los resuelven a través del punto de inflexión más tenso (clímax); aunque el desarrollo de los dramas generales es diverso y complejo, básicamente no se desvía; los tres anteriores son un proceso. La forma sonata es la más similar a esta estructura dramática. La forma sonata también tiene tres secciones principales: la parte de presentación, la parte de desarrollo y la parte de reproducción. Se diferencia de la forma de trilogía general (forma ABA), principalmente porque su parte de desarrollo no se limita a la comparación con los dos primeros párrafos, sino que desarrolla dramáticamente el material de la parte presentada, por lo que toda la parte de desarrollo es como un drama. En el segundo acto, o aparecen los mismos personajes en diferentes escenas, o aparecen diferentes personajes en la misma escena. El paradigma dramático desarrollado por el compositor en forma de sonata es coherente con la obra en tres actos escrita de esta manera por el dramaturgo. Analicemos estas tres secciones en forma de sonata.
La primera sección en forma de sonata, la Presentación D, a menudo se puede comparar con el primer acto de una obra de teatro. En la parte de presentación, el compositor presenta sus ideas musicales del mismo modo que un dramaturgo deja aparecer sus personajes uno por uno: establece una tonalidad básica mientras enuncia el primer tema de la música. Una vez establecida la tonalidad básica y el tema básico ha impresionado al oyente, el autor utiliza una nueva tonalidad similar a la tonalidad básica para presentar el segundo tema de la música. Los dos temas del departamento de exposición son comparativos. Generalmente, el primer tema es siempre majestuoso y majestuoso, lo que se suele llamar "masculino", mientras que el segundo tema es más alegre y lírico, al que se le llama "femenino". Pero la diferencia obvia entre los dos es, ante todo, la tonalidad: si el primer tema es una tonalidad mayor, el segundo tema a menudo recurrirá a su tonalidad dominante (la primera quinta si la tonalidad original es una tonalidad menor, la nueva); La clave generalmente cambiará a su clave principal relacionada. A menudo hay una transición entre los dos temas en la parte de la presentación, es decir, un párrafo de conexión intercalado entre los dos temas. Por lo tanto, este cambio de tono es natural, suave y discreto; sin embargo, en la interpretación, el cambio de tono es siempre el elemento más importante del drama; Por supuesto, de lo que estamos hablando aquí es sólo del paradigma clásico. Los compositores románticos utilizaron la forma sonata con mucha más libertad. La sección de presentación suele terminar con una breve coda: el epílogo.
El desarrollo es el corazón de la forma sonata, o un momento crítico en el desarrollo de la obra. Puede ser largo o corto, y el autor puede introducir aquí nuevos temas, o puede desarrollar uno u otro tema utilizando únicamente el material de la exposición. Si el compositor coloca cuidadosamente el material que construye en el escenario en el departamento de presentación, permitiendo que el tema, la melodía y la armonía se combinen armoniosamente, entonces en el departamento de desarrollo el compositor es libre de trabajar con estos materiales, utilizando todo lo que sea necesario. Posibles habilidades para desarrollar. En términos generales, la transposición disonante tiende a aumentar la tensión y el impulso de la música. Cuanto más pequeñas sean las unidades en las que se divide el tema, más fuerte será el tono de la música.
Por lo tanto, en la parte de desarrollo, a menudo no se puede ver un tema melódico tan equilibrado como la parte de expresión. Esta parte de desarrollo se convierte en un vasto mundo donde los motivos cortos (unas pocas notas, un compás o dos compases) separados del tema pueden deambular a voluntad. Pero cuando lo ves, o se mueve hacia arriba y hacia abajo y se repite, o el prototipo está invertido, o el tipo de ritmo está relajado, o comprimido, o el modo cambia, o el timbre cambia; a veces es casi irreconocible. En términos de diseño tonal, esta sección de desarrollo a menudo comienza desde la clave del segundo tema, se aleja cada vez más de la clave de la música y luego regresa gradualmente. Debido a que la parte de desarrollo tiene las características anteriores, el oyente puede identificarla fácilmente y distinguirla de la parte de copia a continuación.
Hay partes de presentación o recapitulación en ambos lados de la parte de desarrollo de la forma sonata, lo que mantiene el equilibrio dramático de la forma. La recreación es principalmente una repetición del material de la parte de presentación, pero de ninguna manera es estática. La diferencia entre esta y la parte de presentación es que los dos temas aquí siguen siendo el mismo tema y el segundo tema no cambia la clave. A veces, después de la recapitulación, toda la canción termina con una coda, que en su mayor parte consiste en el tema original, pero a veces se puede citar material musical nuevo. La obertura "Egmont" de Beethoven, por ejemplo, termina con una marcha victoriosa recién emergida. Además, a veces se puede agregar una introducción antes de la sección de presentación.
La forma Sonata se puede ilustrar gráficamente de la siguiente manera:
Forma Sonata (paradigma estándar)
La introducción presenta el departamento de desarrollo y el final del departamento de copia.
(Lento) La forma en que el primer tema y el segundo tema desarrollan la melodía: el primer tema y el segundo tema
Alineación, segmentación, incrustación y finalización de los párrafos de conexión
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Repetir, expandir, comprimir, invertir, etc.
Del tema al tono relacional, la armonía y la tonalidad cambian completamente, ambos temas se conservan
La parte de demostración en sí se repite a menudo) y luego pasa a la melodía principal.
Ahora volvemos a describir la siguiente etapa del desarrollo de la obertura de ópera. La obertura de la ópera debe mantener una conexión orgánica con la propia ópera. La única forma de simplificarla es seleccionar directamente los fragmentos en medio de la ópera o la melodía que estén más estrechamente relacionados con el desarrollo de la trama (como arias, etc.) que mejor reflejan el carácter del protagonista de la ópera como tema. La "Obertura Don Giovanni" de Mozart y la "Obertura Ruslan y Lyudmila" de Glinka son ejemplos de esto. Pero algunas oberturas no tienen nada que ver con el tema de la ópera en sí, como la obertura de "Las bodas de Fígaro" de Mozart y la obertura de "El barbero de Sevilla" de Rossini. Las oberturas de Beethoven tienen una gran importancia en la historia de la música. En el pequeño género de la obertura, expresó un profundo contenido ideológico con imágenes musicales simples, concisas y muy resumidas. Su obertura dramática ha ido mucho más allá de la función general de "introducción" y se ha convertido en la expresión concentrada de toda la obra.
Pero el talento de Beethoven todavía se reflejaba en la sinfonía, y el desarrollo de la obertura finalmente recayó en su joven contemporáneo, Weber, el padre de la ópera romántica alemana. Las oberturas de la ópera de Weber están estrechamente relacionadas con la ópera misma, tanto en términos de tema como de color emocional, convirtiéndose en un sonido y una imagen exquisitos que introducen al oyente en la atmósfera emocional de la ópera. Las óperas de Weber "El tiro libre", "Oberon" y "Yoranti" son todas obras representativas de este tipo.
La primera mitad del siglo XIX fue la época dorada de las oberturas de ópera romántica. Después de eso, la influencia de las oberturas obviamente se desvaneció. Hay dos razones: primero, en la segunda mitad del siglo XIX, algunos compositores, como Wagner, creían que la ópera en sí era suficiente para ilustrar la trama de la historia dramática, y que la obertura no necesitaba involucrar el contenido de la historia. la historia. Por lo tanto, muchos compositores tendieron a reducir el tamaño de la obertura, prefiriendo usar el género relativamente corto de la obertura y limitarse a generar una emoción frente al telón; en segundo lugar, la nueva audiencia del Teatro Lírico en ese momento generalmente llegaba; Para ver la actuación con sinceridad y también tener cierta capacidad de apreciar, no es necesario utilizar música alta para retrasar el tiempo de apertura. Por lo tanto, la ópera "La Bohème", escrita por el compositor italiano Puccini a finales del siglo XIX, sólo tiene una introducción de unos pocos compases y luego pasa inmediatamente al primer acto de la ópera.
Además de las oberturas de ópera, los compositores del siglo XIX también quisieron crear un nuevo tipo de obertura que no sirviera como "introducción". Esta obertura no está afiliada a ningún drama, pero a menudo tiene un título que está relacionado con cierto contenido poético, como imágenes y tramas creadas por la literatura clásica u obras populares, imágenes de la vida popular, etc.
Esta obertura de título independiente se llama obertura de concierto. Su fundador fue el compositor alemán Mendelssohn. La primera obertura escrita específicamente para un concierto fue su obertura "El sueño de una noche de verano". Hay muchas oberturas para los conciertos principales, como "La cueva del dedo" de Mendelssohn, "Obertura española" de Glinka, "Obertura 12 de agosto" de Tchaikovsky y "Obertura fantástica de Romeo y Julieta". Algunas de estas oberturas son en realidad títulos sinfónicos o variaciones de una sinfonía.
La suite es un tipo de música instrumental o sinfónica en forma de suite, es decir, una combinación de diferentes músicas independientes. Es una suite clásica de la época de la música barroca. Todas las suites tienen el mismo modo y evolucionaron a partir de la música de baile. Suite moderna posterior al siglo XVIII.
La suite clásica consta de cuatro movimientos de danza,
#Alamand, una danza alemana con un tempo medio de cuatro tiempos
#Courant, una danza francesa; con tres tiempos rápidos;
#Sarabande, un baile lento español en tres tiempos;
#Jig es un baile británico rápido y extremadamente rápido.
La forma suite se desarrolló en Francia en el siglo XVII y posteriormente se añadió al jig inglés. Muchos compositores han escrito suites para piano de Bach, la "Suite inglesa" y la "Suite francesa", y las famosas "Música del agua" y "Música de fuegos artificiales" de Handel también se escribieron en forma de suites. A menudo agregan contenido nuevo a las canciones populares y más vendidas. Bach compuso suites para violonchelo, violín, flauta y otros instrumentos. Handel escribió un conjunto de 22 modos.
Después del siglo XVII, las suites se consideraban una forma anticuada y antigua, y ya poca gente las escribía. En el siglo XIX, las suites volvieron a ser populares, pero evolucionaron hasta convertirse en suites modernas.
Las suites modernas generalmente solo conservan una pieza de danza, y el resto son fragmentos musicales seleccionados de ópera, ballet y otras partituras dramáticas, como "Swan Lake Suite", e incluso seleccionados de música de películas. El número de ejercicios también es libre, pero debe haber al menos dos ejercicios y un máximo de veinte o treinta veces. La clave también se puede cambiar. Por lo tanto, muchos músicos étnicos recopilan canciones populares y escriben suites. Músicos famosos como Sibelius de Finlandia, Grieg de Noruega y Tchaikovsky de Rusia han escrito canciones famosas en forma de suites.
Los instrumentos que interpretan la sinfonía son instrumentos sinfónicos.
Los instrumentos sinfónicos se dividen en cuatro categorías: cuerdas, madera, metales y percusión.
¿Cuál es la sinfonía más importante? El anillo es lo más importante.
Haydn es el "Padre de la Sinfonía"