¿Cuál es la diferencia entre arte de expresión abstracta y arte abstracto?
◎Concepto
La Expresión Abstracta (Expresión Abstracta) también se conoce como abstracción o abstracción. Un género de pintura desde la era posterior a la Segunda Guerra Mundial hasta principios de la década de 1960. El término abstracción fue utilizado por primera vez en el arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates. El término "expresionismo abstracto" se utiliza para definir las atrevidas pinturas abstractas producidas por un grupo de artistas. Sus obras son apasionadas y desenfrenadas, o pacíficas y tranquilas, y todas expresan y despiertan las emociones de las personas en formas abstractas.
◎Características
Considerando que el arte es abstracto y principalmente improvisado.
Técnicamente hablando, el precursor más importante de la abstracción suele ser el surrealismo. Los conceptos de inconsciencia, espontaneidad y creación aleatoria enfatizados por el surrealismo fueron utilizados continuamente en generaciones posteriores por las pinturas al óleo de Jackson Pollock salpicadas al azar en el suelo. Generalmente se cree que Pollock estudió las obras de Max Ernst.
La razón por la que el arte abstracto puede convertirse en una escuela propia es que expresa la intensidad emocional del arte y su autorrepresentación y otras características. Esto se hace eco de la estética antirrepresentacional del expresionismo y de algunas escuelas de arte europeas que enfatizan los tótems abstractos: como la Bauhaus, el futurismo o el cubismo. Las pinturas abstractas suelen tener una sensación única de rebelión, desorden y trascendencia de la nada.
◎Status
Es el primer movimiento artístico que surge en Estados Unidos. El auge de este movimiento artístico en los Estados Unidos estuvo influenciado por el deseo de Nueva York de reemplazar a París como centro de arte mundial. También es el primer movimiento importante de arte occidental después de la Segunda Guerra Mundial y goza de un estatus incomparable. Fue el comienzo de un largo período de experimentación estilística después de la guerra y marcó la llegada de una nueva era. Desde entonces, el centro del arte moderno occidental se ha trasladado de París a Nueva York.
◎Representante
Jackson Pollock es quien mejor muestra las características conceptuales y técnicas de este estilo. Desde 1947, adoptó el método pictórico de colocar un gran lienzo en el suelo, luego caminar alrededor de él y salpicar "pintura" sobre el lienzo. El proceso de pintar se convirtió en una especie de danza ritual, con todo su cuerpo en movimiento. Un estado hipnótico de concentración y una completa implicación física y mental son la clave para que una pintura forme su "vida independiente". Una vez completado su trabajo, las líneas verticales y horizontales densamente pobladas transmiten una vitalidad ilimitada, una sensación de movimiento libre, fluctuaciones infinitas en el tiempo y el espacio, y su poder inherente.
Desde la representativa obra de Pollock "The Lavender Thing", podemos apreciar el espíritu del expresionismo abstracto. A primera vista, parece un montón de líneas entrelazadas entre sí. Si miras de cerca la pintura, puedes ver que la pintura gotea directamente sobre el lienzo. No hay ninguna imagen identificable en la imagen y está llena de pasión libre y desenfrenada. La imagen tampoco tiene perspectiva espacial, pero no es plana. Pollock creó un espacio ambiguo, con la mayoría de las pinceladas suspendidas detrás de la superficie, suspendidas en un espacio intencionalmente comprimido y privado de perspectiva. El primer plano y el fondo se penetran mutuamente y saltan en la visión de la gente.
El propio Pollock describió su proceso de pintura de esta manera: "Mis pinturas no provienen de un caballete. Rara vez estiro y clavo el lienzo antes de pintar. Prefiero clavar el lienzo sin estirar en una pared dura". en el suelo. Me siento más cómodo en el suelo, así que me siento más cerca de mi pintura y soy más parte de ella porque puedo caminar alrededor de ella, primero por todos lados. , que es muy similar a la forma en que los indios occidentales usan arena para pintar. "
"Además, abandoné las herramientas que usan comúnmente los pintores, como caballetes, paletas y pinceles, etc. palos, paletas, raspadores y pintura líquida fina, o una pintura espesa mezclada con arena, además de vidrios rotos u otros materiales que no se usan habitualmente. Cuando pinto, no sé lo que estoy haciendo. Con familiaridad veo lo que estoy haciendo. No tengo miedo de cambiar o destruir repetidamente la imagen, porque la pintura tiene vida propia, y me esfuerzo por dejar que aparezca una especie de vida. Al pintar, el resultado será un desastre. Al contrario, habrá pura armonía, armonía y naturalidad, y la pintura saldrá perfecta.
"
Pollock quedó profundamente impresionado por las características plásticas del arte indio americano. En su opinión, los indios, como los verdaderos pintores, son relativamente completos en su capacidad para capturar imágenes apropiadas y son muy buenos pintando temas. También tienen una gran comprensión de la composición. Sus colores están principalmente occidentalizados y su visión tiene las características básicas de todo arte verdadero. Él cree que el arte se deriva del arte de la "pintura con arena" de los indios. arena entre los dedos y espolvoréala en el suelo para formar un patrón colorido.
Las imágenes creadas con la técnica creativa única de Pollock despertaron inicialmente una ira generalizada entre el público estadounidense, pero a los ojos de unas pocas personas, él. Fue un héroe rebelde en el arte de la pintura. Algunos decían que mirar sus cuadros era una aventura, llena de sorpresa y alegría, pero Pollock en su mayoría ignoró la opinión pública y continuó pintando de forma obsesiva. , pero sólo les asigna un número cuando termina. Cree que al ver arte moderno, el espectador no necesita buscar nada, "sólo mirarlo con indiferencia, prestar atención a la sensación de la pintura". y preconceptos que buscan. "Cuando se le preguntó si la búsqueda deliberada de significado y representación en pinturas abstractas interrumpiría la apreciación concentrada de la obra", respondió: "Creo que debería ser una especie de disfrute, como la música: pronto la amarás o la odiarás". Pero no es un asunto serio. Me gusta esta flor, pero creo que no esa flor; hay que darle a la gente una oportunidad. "
Robert Motherwell puede ser considerado como el organizador del movimiento expresionista abstracto. Es un artista conocedor y enérgico. Estudió historia, crítica y filosofía desde el principio. Artista autodidacta, las actividades de Motherwell se expandieron a medida que El expresionismo abstracto comenzó a tomar forma y de 1947 a 1948 fue uno de los editores de la influyente revista Possibilities. Junto con tres pintores famosos, William Baziotes, Barnett Newman y Mark Rothko, fundó una escuela de arte. libro. Una colección de obras de pintores y poetas dadaístas, la publicación de este libro fue una de las primeras señales del nacimiento del "Nuevo Dadá"
Motherwell también fue un pintor prolífico. una serie de obras denominadas "Elegía de la República Española". Las pinturas están compuestas principalmente de grandes pinceladas negras sobre fondo blanco, formando masas y estructuras geométricas, con una sensación de calma y peso. También son aleatorios. La diferencia es que durante el proceso de pintura, el poder racional de Motherwell está siempre en acción. Él trata de equilibrar la conciencia y la inconsciencia. El tema de esta serie de obras proviene de la historia europea moderna. Años veinte, cuando estalló la Guerra Civil Española. Cada trazo del cuadro parece ser un recuerdo emocional de su juventud. Sus obras también muestran que las pinturas "subjetivas" populares en los Estados Unidos en los años 1940 y 1950 no eran incapaces de hacerlo. Tratar temas históricos o sociales, mientras que los europeos creían que el expresionismo abstracto era sólo un "El arte improvisado también es un malentendido. También se trata de la guerra. Al comparar la serie de obras de Motherwell con el "Guernica" de Picasso, podemos ver el progreso del arte. Como representante del cubismo, el "Guernica" de Picasso expresa el miedo de la gente a la guerra con la imagen de la división, pero en las obras de Motherwell ni siquiera podemos encontrar la alguna vez impactante imagen de la división, solo quedan pinceladas, los colores también están simplificados. en blanco y negro, pero esto no nos afecta a la hora de encontrar las emociones del autor y el tema del cuadro en la obra. Hasta cierto punto, se expresa más "inconscientemente" en las obras de Picasso. Directo al corazón de las personas. El autor no necesita utilizar imágenes para transmitir emociones. Todas las expresiones están incluidas en las pinceladas.
Entre 1949 y 1976, Motherwell creó más de 150 elegías. Inició la práctica del segundo gran tema de su carrera artística hacia 1968-1972, y su obra representativa es "Open No. 24" en 1969.
La obra consta de un plano y líneas de carboncillo de un solo bloque de color. Esta exploración de la expresión del color a gran escala abarca desde bloques de color relativamente uniformes, pero no planos, hasta técnicas de pintura e imágenes rítmicas y diversas. entre ellos, en lugar de una simple disposición de elementos formales, como el ritmo de la caligrafía china.
La investigación de Motherwell sobre el surrealismo fue relativamente exhaustiva y la absorbió selectivamente. No le interesan los "sueños", pero está feliz de explorar y desarrollar nuevos aspectos de intensidad y solemnidad. A principios de 1976, se propuso expresar un nuevo tema, y fue a partir de ese momento cuando Motherwell entró en la fase más variada y productiva de su carrera. Conviértete en un representante original de la abstracción.
Las obras de Franz Kline son tan dinámicas como las de Pollock. En la década de 1940, le apasionaba el dibujo lineal y estaba especialmente acostumbrado a pintar pequeños bocetos y detalles en blanco y negro. Estudiaba en detalle motivos individuales o relaciones espaciales. Un día de 1949, utilizó un proyector de diapositivas para ampliar algunos bocetos, lo que le inspiró a desarrollar su propio estilo único: unas líneas negras a gran escala sobre un lienzo blanco, sin nada más que líneas, y mucho menos nada concreto. Los espacios en blanco y los fuertes trazos negros de la pintura son vívidos, e incluso algunos de los puntos blancos parecen más significativos. Cuando la gente mira sus obras, también puede entender el significado de "pintura de acción". El movimiento de la pluma es muy importante en las obras Xu, Ji, Tong, estancamiento, giro, pliegue, avance y retroceso, que están relacionados. a la caligrafía china coinciden. Independientemente de si estuvo influenciado por la caligrafía oriental o no, sus pinturas son consistentes con la caligrafía oriental en términos del principio de "planificar el blanco para el negro". Además, aunque se elimina la redundancia, se utiliza sólo blanco y negro, se utiliza menos para superar más y para lograr una belleza más profunda, este tipo de gusto estético está muy cerca del arte de la caligrafía oriental.
Las primeras pinturas abstractas en blanco y negro a gran escala de Crane de 1950 se caracterizan por pinceladas grandes, ásperas pero controladas, así como por fuertes estructuras arquitectónicas. Sus estructuras tuvieron una gran influencia en los escultores constructivistas de los años 1960. Comenzó a experimentar con el color a finales de la década de 1950. En el año anterior a su muerte (1962), el color comenzó a jugar un papel importante en sus obras, pero los resultados no fueron necesariamente gratificantes. Parecía que el color desempeñaba un papel importante en sus obras. Ideas expresadas por la composición. No importa, es solo una decoración.
El expresionismo abstracto se puede dividir en dos tipos. Uno es como Pollock, que enfatiza el poder y el movimiento y está lleno de pasión; el otro es una abstracción más pura, que da tranquilidad a las personas, como Rothko. este estilo. Rothko nació en un país extranjero y llegó a Estados Unidos procedente de Rusia en 1913, cuando era sólo un adolescente. Sus primeras obras tenían huellas del surrealismo, que luego se volvió más simple. En 1950, había abandonado por completo las imágenes concretas. Sus obras consistían a menudo en varios rectángulos en blanco pintados sobre un fondo de color, con bordes poco claros y, por tanto, posiciones espaciales ambiguas. Esta sensación de espacio también nos resulta familiar en las obras de Pollock. No hay espacio profundo, y este espacio tan superficial es lejano y cercano, esquivo. La interrelación entre colores funciona debido al espacio rectangular, creando una pulsación suave y rítmica. Las uniones poco claras esconden muchas cosas intrigantes.
Rothko no se considera un pintor abstracto, sino que presta más atención a la expresión espiritual. Dijo: "No estoy interesado en la relación entre el color y la forma u otras relaciones... Sólo estoy interesado en expresar las emociones básicas de las personas, la tragedia, el éxtasis, la destrucción, etc. Él quiere estar en la tradición occidental. Las raíces." de la civilización occidental actual se puede encontrar en la cultura. Él cree que la experiencia interior de la gente moderna no ha abandonado la tradición desde la antigüedad hasta el presente. Por lo tanto, para expresar la connotación espiritual, es necesario remontarse a la tradición cultural griega, especialmente a la conciencia trágica de la civilización griega. es la fuente más profunda de la cultura occidental. Antes de pintar cuadros abstractos maduros, prestó mucha atención al arte griego y romano. De la tradición griega absorbió el conflicto entre el hombre y la naturaleza y el conflicto entre el individuo y el grupo en el espíritu de la tragedia griega. En su opinión, estos conflictos resumen la situación básica de la existencia humana. Debido a su búsqueda de claridad de expresión y de eliminar todo lo que no tiene nada que ver con conceptos, finalmente desarrolló una imagen completamente negra. En negro, encontró una forma que era completamente consistente con su conciencia trágica, y podía hacerlo. no ser de forma simplificada.
Ad Reinhardt comenzó a experimentar con formas geométricas y rectángulos en la composición a finales de los años treinta.
En la década de 1940 utiliza el collage como soporte y comienza a ir más allá de los patrones y espacios del cubismo y utilizar un patrón libre. Estos patrones minimizan el uso de pinceladas personales, significado y composición tradicional, dando a la obra una nueva vida independiente de su autor. A principios de la década de 1950, pintó con colores únicos, como el rojo y el verde muy oscuro, casi negro. En la década de 1960, utilizó principalmente el azul. Más tarde, aparece alguna imagen interior dentro del bloque monocromático, compuesta por rectángulos, cuadrados o cruces regulares más pequeños de colores sutilmente diferentes en brillo o tono.
Finalmente Reinhardt llevó su estilo al extremo vistiendo de negro (en la foto de la izquierda). En un plano de cinco pies cuadrados, se dibujan nueve cuadrados negros del mismo tamaño. Estos bloques negros no tienen textura, ni conexión entre ellos, ni cambios, y parecen no tener significado. Por eso, cree que lo que un buen artista tiene que hacer en la creación es "repetir una pintura de una determinada especificación: la misma idea, el mismo monocromo, la misma división de líneas en la primera dirección, la misma simetría, la misma textura, la misma forma de patrón, las mismas pinceladas libres, el mismo equilibrio... dibuja todo muy consistente y estandarizado ""Sin líneas e imágenes, sin formas y composiciones, sin visión, sentimiento e impulso, no. decorativo, colorido o pictórico". Estos reflejan la creencia de Reinhardt de que "el arte es arte, y no es más que arte". Él persigue la expresión artística pura, "un criterio en el arte es la individualidad y la gracia, la precisión y la unidad, la abstracción y la esencia". sin respiración, sin vida, sin contenido, sin espacio y sin tiempo". En su opinión, "uno de los objetivos del arte abstracto de los últimos 50 años es explicar el arte como arte y nada más, ponerlo en una pista, hacerlo más independiente y cerrado, hacerlo más purificado, más absoluto". , y más distante: -No objeto, no representacional, no simbólico, no intencional, no expresión, no sujeto. La única manera de hablar sobre arte abstracto, o arte como arte, es hablar de lo que es. no arte."
Reinhardt lo abandonó. Todo lo que consideraba no artístico, también abandonó todo lo que consideraba no espiritual. Sus pensamientos obviamente tienen algunas connotaciones orientales. Una vez enseñó arte oriental en Brooke and Hunter College y es un estudioso del arte oriental. Sus puntos de vista influyeron en el minimalismo y en algunas escuelas de arte posteriores, y también proporcionaron una fuente de inspiración para artistas conceptuales.
Barnett Newman es uno de los artistas más racionales entre los expresionistas abstractos. Su arte está lleno de misterio y cosas incognoscibles. En un ensayo inédito, o "confesión", Newman explicó sus puntos de vista, dejando claro que el tema de su arte era, en el sentido más amplio, el misterio de la creación y el significado de la existencia humana. En muchos otros artículos escribió: "... (el artista) utiliza su deseo y su voluntad para establecer una verdad ordenada, que es la expresión de su actitud ante el misterio de la vida y de la muerte. Se puede decir, el artista explora el universo como un verdadero creador. Es precisamente esto lo que lo convierte en un artista "En la década de 1940, Newman se centró en las leyendas de la creación en la mitología judía, no sólo desde el Libro del Génesis, hasta la filosofía mística hebrea y toda la tradición. del pensamiento místico judío. Alrededor de 1946, Newman comenzó a desarrollar una imagen pictórica: una franja de luz que discurría verticalmente de un lado al otro del lienzo. Este símbolo recuerda a una metáfora literaria recurrente en el Génesis y en la filosofía mística hebrea: la luz como símbolo de la creación. Al mismo tiempo, Newman también está cerca de otra tradición, que consiste en comparar a Dios y los seres humanos como lo mismo que un rayo de luz: el creador y lo creado son uno y lo mismo. En una serie de pinturas titulada "Momentos", aparecen por primera vez cintas de color. Las cintas estaban colocadas sobre un fondo apagado, lo que no le gustó a Newman. Finalmente, encontró la solución más satisfactoria en el "Single I" creado en 1948. La imagen está contra un fondo rojo cadmio oscuro uniforme, con una delgada banda de rojo cadmio brillante que se extiende verticalmente hacia el centro de la imagen. Llamó a la franja de luz "cremallera", una imagen que no sólo recreaba la postura original de Dios sino que describía la postura misma: una forma separada, el hombre, el único animal que caminaba erguido, Adán, varonil, erguido.
En los años siguientes, Newman continuó desarrollando esta idea e hizo diversas variaciones, "Adam" fue una de ellas. Esta obra, especialmente en el uso del color y el título, parece regresar directamente a "Single I".
Aquí la "cremallera" no sólo simboliza al ser humano, sino que la franja de color rojo anaranjado sobre el fondo rojo marrón puede aludir a otro símbolo en la interpretación del Génesis por parte de la filosofía mística. Esto involucra la relación entre adamah y adom en hebreo. Adamah significa "tierra", de donde proviene directamente el nombre de Adán (Dios creó al hombre de arcilla), y adom significa "rojo". Newman pudo haber asociado el color con la tierra y Adán en el tema de la "creación". Correspondiente a "Adán", también hay una "Eva". Los concibió como una pareja y los llamó "Adán" y "Eva" después de pintar dos cuadros uno tras otro.
Las pinturas de Morris Louis marcaron un importante avance en la exploración del color y la luz. Esta exploración se remonta al período impresionista. Louis inventó el método de salpicar pintura sobre lienzos de algodón sin imprimación de diferentes tamaños para que la pintura pareciera más manchada que pintada en el lienzo. El resultado es una pureza de color sin precedentes, que ya no tiene ningún significado debido al efecto de textura que producen las pinceladas que corren sobre el lienzo. Esta técnica está directamente relacionada con el lirismo de sus colores y el lirismo y dramatismo de sus composiciones. El famoso crítico Clement Greenberg escribió: "Cuanto más coherente es el color con el fondo, más libre está de la interferencia de las asociaciones táctiles". La simplicidad más básica del cuadro de Louis "Sex" también fue mencionada a menudo por otra crítica, Amy Goldin. : "Louis nunca fue un artista complejo y su trabajo nunca estuvo en duda."
‖ α-φ‖ fue creado en 1961. La forma de las cintas separadas proviene de las formas de plantas exóticas y la líneas del cuerpo femenino, creando así una sensación de fluidez. Este efecto ciertamente proviene del flujo natural de la pintura líquida sobre el lienzo. Los colores rítmicos fluyen oblicuamente a ambos lados de la pintura, dejando un gran espacio en blanco, creando un poder en movimiento.
Uno de los objetivos pictóricos de Louis era una superficie que no fuera ni personal ni enteramente decorativa. Cualquier cosa que tenga "carácter", como un trazo direccional, un cambio de textura o un movimiento de muñeca, se abandona.
Arte abstracto:
Definición general
Definición de arte abstracto (pintura abstracta): forma visual pura, no representacional, irracional. Tiene tres connotaciones: Primero: las pinturas abstractas no representan ni expresan imágenes objetivas del mundo real, ni reflejan la vida real. Segundo: no hay ningún tema pictórico, ni una historia lógica ni una interpretación racional, y no expresa pensamientos ni transmite información personal; emociones; tercero: una forma visual compuesta puramente de colores, puntos, líneas, superficies, texturas, composiciones y combinaciones.