¿La vida de Rafael?
Rafael ***Rafael, 6 de abril de 1483---6 de abril de 1520***, destacado pintor italiano, y Leonardo da Vinci y Miguel Ángel También son conocidos como las tres figuras destacadas del El mundo del arte durante el Renacimiento. Lo que sigue es lo que he recopilado para usted; todos pueden leerlo.
Rafael nació en la localidad de Urbino, en el centro de Italia. Su padre era pintor de la corte, por lo que aprendió a pintar de su padre desde pequeño. Cuando tenía 7 años falleció su madre, y cuando él tenía 11 años falleció su padre, y trabajó como asistente de un pintor. Posteriormente estudió las obras de artistas florentinos del siglo XV y absorbió activamente las ventajas y fortalezas de pintores de diversas escuelas. Formó su propio estilo artístico armonioso, claro, gracioso y elegante y comenzó a emprender un camino original. La madre de Rafael murió en 1491, cuando Rafael tenía sólo ocho años, y su padre se volvió a casar el 1 de agosto de 1494. Huérfano a la edad de once años, el tutor oficial de Raphael se convirtió en su único tío. Estudió pintura con su padre cuando era joven y luego pasó a estudiar pintura en el estudio de Perugino, donde se graduó en 1500.
En 1504, Rafael, de 21 años, pintó "Las bodas de la Virgen". Esta obra incluso supera a Perugino en términos de composición y creación de imágenes. En particular, la dignidad, la elegancia, el equilibrio de la imagen y la representación de fondo de la Virgen María y su esposo José en la obra son obras raras.
En 1504, Rafael vivió en Florencia. Fue influenciado por la política y la política local, el espíritu democrático y las ideas humanistas. También estudió la composición de Leonardo da Vinci y la expresión y el estilo del cuerpo humano. su estilo maduró día a día y rápidamente se hizo tan famoso como los dos hombres.
Los retratos de la Virgen que pintó encarnan ideas humanísticas con ternura maternal y aptitud juvenil. Los más famosos son "Nuestra Señora de Ancietti", "Nuestra Señora de la Hierba" y "Nuestra Señora de Folino".
1513-1514. El gran óleo "Madonna Sixtina" que pintó tiene una composición triangular compuesta por la Virgen y los santos. Es solemne y equilibrado. La Virgen y Jesús muestran la grandeza del amor maternal. Además, "La Virgen y el Niño en la Silla" y "La Virgen de Alba" son todas sus obras impecables.
En 1509 fue invitado por el Papa Julio II a pintar los murales del Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Estos murales representan las cuatro actividades espirituales humanas: teología, filosofía, poesía y jurisprudencia respectivamente. La ejecución de las obras está en plena armonía con la decoración arquitectónica, solemne, evidente y colorida. Entre sus obras importantes de este período también se encuentran "La expulsión de Eliodoro del templo", "La misa de Porsenna", "El fuego de Borgo", "El triunfo de Galatea", etc. A los 23 años pintó un autorretrato y la "Madonna Sixtina". Las obras representativas son "Retrato de Castiglione", que representa a un erudito y "La muchacha con velo", que representa a una niña.
En la primavera de 1520 todavía estaba pintando "La Transfiguración" a pesar de estar gravemente enfermo, pero no llegó a terminarlo debido a su muerte.
Las obras de Rafael
"Las bodas de Santa María"
"Las bodas de Santa María" es la famosa obra de Rafael que aún no tenía 21 años. Creó esta gran pintura de sacrificio. La composición, el ambiente y la disposición de los personajes de esta pintura son todos imitados por "Las bodas de la Virgen" del maestro pintado por Perugino. Además del estilo tranquilo y elegante del maestro, los personajes comienzan a mostrar su propio estilo suave y único. El cuadro adopta una disposición simétrica y el fondo es el baptisterio poligonal lleno del cielo. El uso extensivo de líneas horizontales, líneas verticales y curvas semicirculares crea una estética que es a la vez dura y suave, simple y vivaz, y los cambios generales son armoniosos. El pintor utiliza hábilmente la perspectiva para dar profundidad al espacio.
El primer plano del cuadro todavía está lleno de figuras de manera simétrica. El centro visual es el obispo que representa la voluntad de Dios, presidiendo la ceremonia. José pone el anillo de compromiso en la mano de María. Grupos de hombres y mujeres jóvenes de izquierda y derecha. El grupo de mujeres detrás de María son sus novias, mientras que los jóvenes detrás de José son pretendientes que sostienen palos que simbolizan el matrimonio. Quien tiene un palo floreciente en la cabeza es el prometido de María. Fue del palo de José del que brotó una pequeña flor. Esta voluntad de Dios hizo que los otros pretendientes sintieran dolor e inquietud, y algunos incluso se enojaron. El joven en primer plano rompió el palo de propuesta que tenía en la mano con desesperación. Esta es una escena dramática. Las imágenes de hombres y mujeres en la pintura son todas hermosas. El autor utiliza una gran cantidad de curvas variadas, la postura y apariencia de las figuras y los cambios en los pliegues de la ropa dan a la gente una sensación de elegancia y suavidad.
El propio pintor quedó muy satisfecho con el cuadro y firmó por primera vez con su nombre.
"San Jorge y el Dragón"
En 1504, el rey Enrique VII de Inglaterra otorgó al duque de Urbino en la ciudad natal de Rafael la "Orden de la Jarretera"
"Para agradecer al rey de Inglaterra, el duque encargó a Rafael, de 21 años, que dibujara un pequeño cuadro alabando a San Jorge, patrón de Inglaterra, y le pidió que pintara a San Jorge como el Caballero de la Jarretera que Mató al dragón venenoso de la pintura. Rafael pintó varios cuadros sobre este tema, y éste es el más destacado, ya que muestra la propia personalidad artística de Rafael. El artista dispuso la imagen en diagonal, con el caballo blanco cabriolando en dirección ascendente y San Jorge alzando su espada como para cortar, con movimientos muy heroicos y graciosos. El pintor prestó más atención a la forma modelada del cuadro, pero le faltó fuerza para retratar el espíritu interior de los personajes y el temperamento heroico de la lucha a vida o muerte, y no pudo alcanzar la expresión espiritual de los personajes y caballos en "La Batalla". de Angali" de Leonardo da Vinci.
"Escuela de Atenas"
En el majestuoso salón se reúnen estrellas de la sabiduría humana, destacados eruditos de diferentes épocas, diferentes naciones, diferentes regiones y diferentes pensadores. Antiguos y modernos se encuentran en la misma sala, llevando a cabo debates académicos con libertad y entusiasmo. Se puede decir que la atmósfera está llena de la contienda de cien escuelas de pensamiento y encarna la esencia del genio y la sabiduría humanos. La composición del cuadro es amplia y las figuras visuales centrales son los antiguos filósofos griegos Platón y Aristóteles. Más de 50 académicos y celebridades se sienten atraídos por estos dos grandes filósofos, cada uno con su propia identidad y personalidad. Representan los siete académicos libres de la civilización antigua: gramática, retórica, lógica, matemáticas, geometría, música, astronomía, etc. El pintor lo utiliza para elogiar la búsqueda de la sabiduría y la verdad por parte de la humanidad, así como para elogiar las civilizaciones pasadas y anhelar el desarrollo futuro. Cuando apreciamos esta obra maestra, es como entrar en el vasto y profundo mundo ideológico de la civilización humana. Este campo ideológico fue desarrollado por el debate entre Platón y Aristóteles. Los dos provenían de una historia lejana y tuvieron acaloradas discusiones a medida que avanzaban.
Los gestos opuestos de arriba a abajo expresan claramente sus diferencias de principios en el pensamiento. Las figuras de ambos lados están alineadas a ambos lados, sosteniendo la luna en sus manos, con expresiones y movimientos hacia los dos eruditos que discuten, algunos prestan atención y escuchan, y otros usan gestos para expresar sus opiniones, lo que fortalece el centro. de la imagen. La figura central del grupo en el lado izquierdo de la pintura es Sócrates, que viste una túnica larga, gira hacia la derecha y hace un gesto para explicar sus puntos de vista filosóficos; debajo hay un joven con una capa blanca, que gira la cabeza y; Mirando el mundo con frialdad, Francesco, el Gran Duque de Urbino, la ciudad natal del pintor; el anciano calvo sentado en los escalones detrás del Gran Duque, concentrándose en escribir, es el gran matemático Pitágoras. El chico a su lado escribió "Armonía". y proporciones matemáticas en la tabla de madera detrás de él. El anciano observa atentamente el argumento de Pitágoras, listo para registrarlo en cualquier momento. Se dice que el hombre con un turbante blanco que se inclina hacia adelante y estira la cabeza para observar es el ***; el erudito Averroes; en la esquina inferior izquierda del cuadro El hombre tendido sobre la columna, con una corona de laurel y escribiendo atentamente, es identificado por algunos como el maestro de la gramática Epicuro, el hombre en el primer plano del cuadro sentado de lado en los escalones; , sosteniéndose la cara con la mano izquierda, meditando mientras escribe, está el filósofo materialista Demo Crete; detrás de él estaba un hombre que volvía la cabeza hacia Pitágoras, señalando el libro con una mano, como para demostrar algo. San Nocrito. Tumbado en los escalones en el centro de la imagen hay un anciano semidesnudo. Es el filósofo cínico Diógenes. Esta escuela de pensamiento cree que todo lo demás es insignificante excepto las necesidades naturales, por lo que este erudito generalmente solo viste. Vivía en un lugar roto. caja de madera con sólo trapos cubriendo su cuerpo. La mitad derecha del cuadro está dividida en varios grupos. La figura central del grupo de sujetos en primer plano es un anciano, el geómetra Euclides. Está inclinado para utilizar un compás para dibujar figuras geométricas en una losa de piedra, atrayendo el interés de varios jóvenes eruditos detrás de Euclides. un instrumento astronómico de espaldas al público es el astrónomo Ptolomeo; el anciano barbudo de enfrente es Bramante, el director artístico del Vaticano y compatriota de Rafael; el que viste una túnica blanca y un pequeño sombrero es el pintor Solo. detrás de Sodoma sólo queda expuesta la mitad de la cabeza y el cuello, y mirándonos de costado está el propio pintor Rafael. Durante el Renacimiento, los pintores eran mejores para representar a las personas que admiraban o maldecían en sus pinturas. También les gustaba pintarse a sí mismos en pinturas para expresar su actitud hacia los eventos en la pintura, o para representar sus firmas. El pintor de este mural utilizó hábilmente el arco como marco natural del cuadro. El fondo está decorado con la iglesia de San Pedro diseñada por Bramante. Los dos lados están correspondientemente alineados. Los personajes del cuadro parecen caminar a lo largo y ancho. Corredor alto. Sal, la perspectiva hace que la imagen parezca alta y de gran alcance.
Las líneas rectas de los pilares del edificio se mezclan con las curvas dinámicas de los personajes, creando una escena que es a la vez suave y fuerte. Además, las estatuas de dioses se encuentran a ambos lados, lo que hace que la pintura esté llena de una profunda atmósfera cultural clásica.
El pintor hace un excelente uso de los pasos para hacer que la combinación de muchos personajes sea ordenada, real, vívida y vivaz. La imagen lleva al espectador a las filas de los sabios. Se puede decir que esta enorme escena, numerosos personajes, posturas y expresiones vívidas, representaciones de personalidades similares a retratos y el ritmo armonioso, cambiante y unificado del diseño han desarrollado la creación pictórica hasta la cima del Renacimiento.
"La Virgen en la Silla"
El pintor prestó especial atención a la mirada de la Virgen. Se suele decir que los ojos son las ventanas del alma. p>
ojos, se puede asomarse al cuadro. El alma del intermediario. La Virgen del cuadro de Rafael es profundamente afectuosa. Hay una leyenda sobre estos ojos móviles: una vez, el pintor salió del Vaticano y vio a una niña que sostenía a un bebé en brazos de la puerta, que era exactamente igual a su amada Lena. ver su mirada lo fascinó, tomó un trozo de carbón con pasión, queriendo inmortalizar este conmovedor momento en el lienzo. Miró a su alrededor y vio un cubo vacío mirando al cielo a su lado. Sin pensarlo, el pintor corrió. Se volteó, dio la vuelta al cubo y rápidamente dibujó este apasionado y hermoso sexo en el fondo del cubo. Algunas personas piensan que la inspiración para la creación de "La Virgen en la Silla" vino de esto. Rafael era muy bueno usando curvas para crear imágenes, desde el marco circular de la pintura hasta la combinación de figuras, posturas, ropa y pliegues, todos están compuestos por varias curvas de diferentes longitudes. espectador una imagen plena y plena. Una sensación perfecta de suavidad y alta armonía. La configuración cromática del modelado del pintor sigue básicamente conceptos cristianos, con el rojo y el azul como notas clave. Porque en el cristianismo, el rojo simboliza el amor de Dios y el azul simboliza la verdad de Dios. Por eso, en las pinturas religiosas, las ropas de la Virgen María generalmente se combinan con rojo y azul. En este cuadro, la chaqueta de la Virgen es roja, su manto es azul y la chaqueta amarilla del niño Jesús forma tres colores primarios armoniosos con el rojo y el azul de las ropas de la Virgen, intensificando así los hermosos colores y el lujo del cuadro.
En la época de Rafael era popular una corriente filosófica neoplatónica, que no sólo defendía que la belleza es inmortal y eterna, sino que también perseguía la creación de la belleza ideal en el arte. En la creación artística de los maestros humanistas, se pone más énfasis en el descubrimiento de la belleza de la vida. Tienen un sentido de belleza realista en todas las bellezas representadas en el arte.