¡Estoy buscando urgentemente un trabajo sobre música y coro! ! ! Unas 3000 palabras, ¡no seas demasiado profundo! ! ! ! suplica de rodillas
Armonía
Combinación sonora formada por dos o más tonos diferentes que suenan al mismo tiempo según unas reglas determinadas. Incluye: ① Los acordes son el material básico de la armonía. Están compuestos por 3 o más tonos diferentes, que se combinan simultáneamente según la superposición de tercer grado u otros métodos. Esta es la estructura longitudinal de la armonía. ② La progresión armónica se refiere a la conexión secuencial de cada acorde, que es el movimiento lateral de la armonía. Una cosa más que añadir. La armonía tiene efectos de color obvios de grueso, claro, grueso y fino; también tiene la función de formar frases, dividir secciones y finalizar la música.
Desde el siglo XVII, debido al paulatino desarrollo de la música en clave principal, el papel de la armonía ha ido adquiriendo cada vez más importancia. Su papel en la música tiene generalmente tres vertientes: ① La combinación de voces. Sobre la base de una armonía unificada, las distintas voces se combinan entre sí para formar un todo coordinado. ②El papel estructural de la música. La progresión armónica, los patrones de cierre, la disposición tonal, etc. juegan un papel importante en la composición de la forma musical. ③El papel de desempeño del contenido. Da forma a la imagen musical y expresa el contenido musical a través del color y la textura de la armonía y otros factores. El procesamiento de la armonía es una habilidad de escritura importante en la creación musical y también es la base de otras técnicas de composición como el contrapunto, la orquestación y la forma musical. A veces las melodías también se derivan de armonías.
En la música tonal, la armonía tiene un significado tanto funcional como cromático. La función de armonía se refiere al papel estable o inestable de cada acorde en la tonalidad, sus características de movimiento y tendencia, y la conexión lógica entre ellos. La función de la armonía está estrechamente relacionada con la tonalidad. Sin tonalidad o cancelando la tonalidad, la armonía perderá su significado funcional. El color de la armonía se refiere a los efectos acústicos de varias estructuras de acordes, posiciones armónicas, escritura de texturas y progresión armónica. El color de la armonía es el factor principal en la ejecución de la armonía y es de gran importancia ya sea en música tonal o no tonal.
El desarrollo histórico de la armonía. La formación y desarrollo de la armonía en la música occidental tiene una historia de más de mil años. Se resume en seis etapas de la siguiente manera:
Desde la. Entre los siglos X y XVI, la música polifónica europea se desarrolló desde los primeros Organon hasta la etapa perfecta de la escritura polifónica. Cuando las partes de la música polifónica se contraponen entre sí, se forman principalmente intervalos consonantes, intervalos armónicos, acordes y progresiones armónicas. En ese momento, se basaba en varios modos medievales de siete tonos, por lo que las generaciones posteriores llamaron a la armonía en la música polifónica de los siglos XV y XVI armonía de modo medieval o armonía de modo de iglesia. Sus características son: ① Se basa en 6 modos con diferentes finales (es decir, tónico) (el séptimo modo locriano rara vez se usa).
Los intervalos musicales de cada modo tienen diferentes relaciones, y cada modo tiene sus propios intervalos característicos que son diferentes entre sí. ②Basado en los intervalos consonánticos, la estructura del acorde solo tiene la posición original, la primera inversión de tríadas mayores y menores y la primera inversión de tríadas disminuidas. Otros intervalos disonantes deben resolverse según los métodos prescritos. ③Se pueden conectar tres acordes de todos los niveles entre sí. En la conexión de acordes, se utilizan comúnmente varias relaciones de intervalo entre notas fundamentales (excepto cuartas aumentadas). Durante la progresión de la música, no es necesario que el acorde principal sea el centro, pero debe terminar con el acorde principal al final de la música. Los diafónicos, también conocidos como "tonos falsos", se han utilizado aproximadamente desde el siglo XIV. Se estipula que cuando el sexto grado avanza inversamente a la octava, debe ser un sexto grado mayor, y cuando el tercer grado avanza inversamente a la octava. En el mismo grado, debe ser una tercera menor. Por lo tanto, es necesario aplicar cambios de voz para formar una progresión de voz similar al tono principal que ingresa al tono principal. Además, para evitar quintas disminuidas y cuartas aumentadas, también es necesario utilizar cambios de voz. Esto creó las condiciones para que varios modos evolucionaran gradualmente hacia modos mayores y menores.
Debido a que las diferentes pausas al final de cada frase forman una progresión armónica similar a IV-I, V-I o IV-V-I, se forman las semillas de futuras modulaciones.
En el siglo XVII, principios del Barroco, con la formación de la música de una sola melodía y el surgimiento de la ópera, se adoptó el método de añadir acompañamiento polifónico al canto a una sola voz. Se utilizó el bajo digital para indicar la armonía de la parte de acompañamiento, la cual fue improvisada por el teclista a partir de la combinación de intervalos verticales, se fortaleció el papel de la armonía y se formó una línea de bajo que seguía fluyendo con un ritmo medio. . El desarrollo de texturas de acordes en la música instrumental es de gran importancia para la formación gradual de la música en clave principal. Debido a la necesidad de expresar contenido dramático, se empezó a prestar atención al papel expresivo de la armonía, especialmente la disonancia (por ejemplo, C. Monteverdi, J. Perry, etc. utilizaron acordes de séptima para expresar lamentos y desgracias en las óperas). La aplicación de acordes de séptima dominante se ha convertido en una condición importante para establecer la tonalidad de las tonalidades mayores y menores.
A finales del siglo XVII, aunque todavía existía la influencia de los tonos medievales, se habían establecido los sistemas de tonalidades mayores y menores. Las tonalidades mayores y menores se han convertido en la base del pensamiento modal de la melodía y la armonía; el contraste de color modal entre ellas se ha convertido en un importante factor de expresión en la música.
En la primera mitad del siglo XVIII, a finales del Barroco, durante este período, la escritura musical instrumental se desarrolló aún más y la música polifónica libre basada en el sistema de armonía mayor y menor fue la principal forma textil. Continúe utilizando el bajo digital como método de escritura para las partes de armonía de instrumentos de teclado. La armonía, como elemento de la forma musical, jugó un papel importante en la estructura musical de este período, incluida la fuga, la forma antigua de dos partes, la forma de sonata temprana, etc., formando las reglas de la disposición tonal: la música en clave mayor primero. a la tonalidad mayor dominante y luego cambiar a otras tonalidades menores relacionadas, la música primero cambiará a la tonalidad menor dominante o mayor paralela y luego cambiará a otras tonalidades relacionadas; Preste atención a la función de la tonalidad y el contraste de color en el diseño de modulación. El acorde principal al final de la música en tono menor suele ser una tríada mayor, llamada tercera de Picardía. Este método se ha utilizado ampliamente desde la segunda mitad del siglo XVI y continuó hasta mediados del siglo XVIII. Cambiar las tonalidades mayores y menores de una misma tónica fue un método de contraste musical utilizado durante este período. La aplicación de instrumentos de teclado bien temperados ha ampliado la gama de teclas y modulaciones utilizadas en la música. El "Clave bien temperado" de J.S. Bach es una obra modelo de este tipo de música, que jugó un papel extremadamente importante en el desarrollo del arte musical. en generaciones posteriores. Además de los acordes naturales en todos los niveles, los materiales armónicos de este período también tuvieron muchas aplicaciones de acordes alterados, como acordes de dominante secundaria, acordes de séptima disminuida y acordes de sexta napolitana. La aplicación de diversas texturas armónicas en la música instrumental, como patrones de acordes, patrones de descomposición, etc., desarrolló aún más el estilo musical de clave principal y pasó gradualmente al sistema musical de clave principal en la segunda mitad del siglo XVIII. Durante este período, muchos escritores se centraron en utilizar diferentes materiales armónicos para expresar diferentes contenidos musicales y dar pleno juego al papel expresivo de la armonía. Por ejemplo, en las obras de Bach se utiliza la armonía pura para expresar alegría, alabanza, esperanza, paz y otros contenidos. Utilice la armonía cromática y la disonancia para expresar fantasía, drama, sufrimiento, tristeza, luto y otros contenidos. En "Matthew Passion", Bach utilizó técnicas como el ascenso cromático del bajo, acordes alterados y disonancias para describir la escena de "la tierra temblando, las rocas rompiéndose y los muertos levantándose de la tumba...".
Aunque la armonía de este periodo se basaba en los sistemas mayor y menor, todavía se utilizaban modos medievales en cierta música vocal e instrumental basada en himnos.
En la segunda mitad del siglo XVIII, durante el período de la música clásica, la música de clave principal se convirtió en el sistema principal. Las características simples y claras de contenido ideológico y forma estructural que se perseguían en ese momento también se reflejaban en la simplicidad de técnicas armoniosas. Los sistemas de tonalidades mayores y menores se convirtieron en la base de la armonía y la influencia de los modos medievales desapareció. El significado tonal de la armonía es más claro y concentrado, enfatizando los tres acordes principales de tónica, subordinada y séptima dominante. El bajo digital ya no se utiliza en la creación y el bajo se libera de las limitaciones de las líneas fluidas. Debido a la cuadratura de la estructura y la ausencia de partes y ritmos intrincados en la música polifónica, el ritmo de la armonía es regularizado y rítmico, con progresiones armónicas simétricas y equilibradas como cuerpo principal. Se utilizan comúnmente progresión modal transpuesta y desafinada, acordes de séptima disminuida, acordes de sexta aumentada, opuestos mayores y menores de la misma tónica. Se comenzó a utilizar el modo armónico mayor y se utilizó la obstrucción de la tríada de VI bemol mayor. Con la aplicación de tonos de acordes cromáticos, la progresión cromática decorativa también se desarrolló y se convirtió en una técnica colorida.
En la música de clave principal, especialmente en formas musicales de gran escala como la forma sonata, el papel estructural de la armonía se ejerce plenamente y se convierte en uno de los elementos de la estructura musical de clave principal.
Siglo XIX, Periodo del Romanticismo A principios del siglo XIX, las técnicas armónicas eran básicamente las mismas que las de finales del siglo pasado. Desde entonces, debido a la expansión del alcance del tema y el contenido, la necesidad de expresión emocional, representación psicológica, representación de escenarios y interpretación de la trama en las obras musicales ha impulsado a los compositores a desarrollar continuamente nuevo vocabulario armónico y enriquecer el poder expresivo de la armonía. Esto se refleja principalmente en dos aspectos: por un lado, el desarrollo de la armonía del sistema de cambio de tono y otras técnicas armónicas complejas, como el uso extensivo de progresiones de partes cromáticas, separación y modulación remotas, tonalidades errantes y vagas, continuidad Acordes de grupos funcionales, varios acordes alterados relacionados lejanamente, acordes muy superpuestos (acordes de novena, acordes de undécima, acordes decimotercero, etc.), ocultación de acordes principales, evitación de convergencia, mezcla de los mismos tonos mayores y menores, y semitonos y armónicos. en el tiempo fuerte llevan la armonía del sistema mayor y menor al límite, tendiendo al borde de la desintegración. La funcionalidad de la armonía se debilita y desdibuja gradualmente, y el color se resalta y enfatiza.
La armonía de los últimos musicales de R. Wagner puede ser un ejemplo de este aspecto. Por otro lado, debido al auge de las escuelas de música étnicas y la adopción de temas religiosos antiguos, se restauró y amplió la armonía del sistema de sonido natural. Por ejemplo, debido a la influencia de la música folclórica, la gama de modos en las obras se ha ampliado. Además de los modos mayores y menores naturales, también existen otros modos medievales y especiales, como el modo frigio y el modo lidio. obras de F.F. Chopin, modos F. Gypsy en las obras de Liszt, varios modos naturales en las obras de compositores rusos, etc. En términos de procesamiento armónico, se enfatizan los acordes del grupo subordinado y, a veces, un determinado pasaje se compone únicamente de acordes del grupo subordinado y acordes principales. También se enfatizan las tríadas secundarias principales, añadiendo colores suaves y dando a la armonía un estilo medieval. También son comunes los cambios en las progresiones, progresiones de obstrucción y progresiones armónicas relacionadas con las notas fundamentales de tercer grado, que a menudo se pueden encontrar en las obras de Liszt, Wagner, compositores rusos y E. Grieg. En cuanto a la composición de acordes, hay acordes tónicos y acordes dominantes con sextas añadidas, acordes muy superpuestos en el rango natural, etc. En cuanto a las terminaciones de armonía, también han surgido nuevos métodos de procesamiento, como el uso de acordes principales invertidos al final; reemplazar las terminaciones verticales del nivel V por el nivel III; reemplazar la deformación del nivel IV por el nivel VI o II; . A veces el final no está en el acorde principal. Durante este período, también hubo algunas técnicas especiales que fueron creativas y se convirtieron en pioneras de la armonía moderna, como: la armonía pentatónica (como en las obras de A.P. Borodin; acordes superpuestos de quinto grado (como en las obras de Liszt); ); armonía compuesta (como en las obras de Wagner); armonía diatónica (como en las obras de N.A. Rimsky-Korsakov), etc.
En el siglo XX, basándose en el desarrollo de la armonía del sistema mayor y menor hasta su límite a finales del siglo XIX, muchos compositores exploraron nuevas técnicas creativas o regresaron a estilos musicales antiguos. Los resultados superaron los últimos 200. años de armonía tradicional. Las técnicas de armonía en el siglo XX se pueden resumir de la siguiente manera: la complejidad del pensamiento armónico, la diversificación de las estructuras de acordes, la liberalización de la progresión armónica y la expansión de los conceptos tonales. El primero es romper con el uso de materiales armónicos tradicionales y crear nuevos efectos armónicos, como la aplicación de progresiones paralelas de acordes superpuestos de tercer grado; la aplicación independiente de acordes de cuarta y sexta y disonancias y acordes lejanamente relacionados sin conexiones funcionales; Inmediatamente después; progresión armónica de segunda mayor continua, tercera menor o tercera mayor y acordes compuestos, etc.
Para romper la influencia a largo plazo de los modos mayores y menores, se utilizaron ampliamente varios modos medievales, modos pentatónicos, modos especiales de ciertos grupos étnicos y escalas de armónicos (incluidas cuartas aumentadas y séptimas menores). modo), escalas de tonos completos, escalas de doce notas y varios otros modos y escalas especiales. Estas nuevas escalas modales proporcionan una base para un procesamiento armonioso que es diferente de los modos mayores y menores.
En términos de estructura de acordes, nos esforzamos por romper el principio tradicional de superposición de tercer grado y perseguir efectos armónicos que antes se consideraban disonantes y ásperos. Por ejemplo, los acordes superpuestos de tercer grado de alto nivel basados en la escala cromática, el uso de métodos de superposición de cuarto grado, grupos de sonido densos de segundo grado, varios sonidos adicionales y cualquier combinación posible pueden hacer que el sonido vertical armónico sea agudo y tenso. ización y complejidad.
Además, también existen métodos de procesamiento armónico que utilizan varias combinaciones libres de los sonidos del sistema de tonos naturales, lo que se denomina "sistema de tonos pan-natural".
En las obras musicales de finales del siglo XIX, la distinción entre modos mayores y menores ha tendido a desaparecer. Además, debido al desarrollo de la armonía cromática, ha traído la expansión y rápida conversión de la gama tonal. sobre la tonalidad y el significado funcional de la armonía se debilita y se difumina. En el siglo XX, sobre esta base, rompimos aún más los conceptos tradicionales y producimos las siguientes nuevas formas de manejar la tonalidad: ① La tonalidad general aún mantiene el papel de la tonalidad, pero rompe los límites de la tonalidad tradicional y lo hace. No se utilizan las tres tonalidades. Basado en acordes y escalas diatónicas, no existe una progresión armónica funcional, pero se utilizan algunos métodos nuevos para expresar o implicar el significado del centro tonal (tónica o acorde principal). A veces, debido a los constantes cambios en el centro tonal, falta una sensación tonal más fija y clara. ② Politonalidad, se combinan dos o más tonos diferentes al mismo tiempo, lo que constituye bitonalidad o politonalidad. Este es un nuevo método de tonalidad que se hizo popular a principios del siglo XX. Cada nivel tonal es principalmente la tonalidad tradicional del sistema tonal natural, pero cuando se superponen y combinan diferentes tonos, se producen efectos armónicos disonantes, contradictorios y, a veces, incluso agudos. ③La atonalidad, basada en la escala cromática, enfatiza que cada sonido tiene el mismo significado, evitando y negando el control del sonido central. Este tratamiento excluye la tonalidad, y la armadura pierde su significado y ya no es aplicable. Se anula el principio de combinación de acordes, el papel de las notas fundamentales y la conexión intrínseca entre acordes.
La estructura de la música ya no depende de restricciones armónicas para distinguirla.
Técnicas de expresión armoniosa en obras musicales chinas En la creación musical profesional china, la aplicación de la armonía comenzó a principios del siglo XX, utilizándose inicialmente métodos europeos de armonía mayor y menor. Dado que la mayoría de las melodías están en modo pentatónico, cómo adaptar la armonía al estilo de la melodía se ha convertido en un tema que los compositores chinos exploran constantemente en la práctica. Las armonías iniciales se basaron principalmente en armonías mayores y menores, reforzando el papel de las tríadas secundarias y aplicando tríadas mayores con sextas adicionales, y se prestó atención a la pentatonización de las voces (especialmente las dos voces exteriores). En la década de 1920, Zhao Yuanren prestó atención a experimentar con armonías chinas en el acompañamiento de sus canciones.
En la década de 1930, debido a la influencia de la música nacional tradicional y la música folclórica, la cuestión del estilo musical nacional , también ha habido más exploraciones y experimentos en armonía, como tomar prestados algunos métodos armónicos de escuelas de música nacionales europeas e incluso impresionistas (como Debussy), aumentar la aplicación de la armonía en modo natural y utilizar métodos adicionales en la armonía. Base de las tríadas del sonido o método de sustitución del sonido. En algunas obras, se rompen las normas de armonía de las tonalidades mayores y menores y se adopta la estructura de armonía pentatónica (como la introducción de "Shepherd Boy's Joy" de Lao Zhicheng) o el procesamiento polifónico (como "Shepherd Boy Piccolo" de He Luting). . "esperar).
En la década de 1940, la creación musical se desarrolló más que en el período anterior y el número de obras basadas en canciones populares o melodías de estilo canción popular aumentó gradualmente. En términos de armonía, damos gran importancia a la aplicación de métodos de armonía modal y probamos algunas estructuras de acordes adecuadas para tonos pentatónicos, como acordes de cuarto y quinto grado, acordes de tonos alternativos, etc. Comenzó a absorber y aplicar algunos métodos armoniosos modernos, y las armonías de los escritores impresionistas atrajeron la atención y la referencia de más compositores. La teoría de la composición de P. Hindemith también comenzó a introducirse en China. Tan Xiaolin combinó esta teoría y técnica con el estilo nacional en su creación, creando un nuevo método de procesamiento armónico.
En ese momento también hay intentos de combinarlo. Técnicas creativas atonales con canciones populares chinas, pero no son comunes. Después de la fundación de la República Popular China, la creación musical se ha desarrollado enormemente y el estilo nacional de armonía ha atraído mayor atención. Sin embargo, debido al énfasis en la teoría de la armonía funcional, en términos de procesamiento de la armonía, pertenece principalmente a la estructura tridimensional y al método de la armonía modal funcional. Al mismo tiempo, también hay muchos sobre la base del mantenimiento de la tonalidad y el modo. exploraciones e intentos como estructura de armonía pentatónica, combinación armónica compleja, armonía compuesta, armonía de cuarto grado, armonía de tono alterno modal y progresión paralela, etc. En los últimos años, muchos compositores han seguido explorando métodos que combinan técnicas modernas de armonía con estilos nacionales y han logrado muchos resultados gratificantes. En resumen, desde la observación práctica de la creación musical china, las armonías tridimensionales, las armonías verticales pentatónicas y las armonías complejas modernas se pueden combinar con los tonos nacionales pentatónicos para desarrollar el estilo nacional de creación musical.