El período glorioso de la música italiana...
Música italiana
La música italiana ocupa una posición importante en la cultura musical europea, especialmente desde el Renacimiento, en términos de música vocal (principalmente ópera) y música instrumental (principalmente música de cuerdas). Todos desempeñaron un papel pionero y tuvieron una influencia importante en el desarrollo de la música en los países de Europa occidental.
Música folclórica Las cancioncillas callejeras napolitanas de Italia, las barcarolas venecianas, los bailes de tarantela, los bailes sicilianos, etc. se han considerado durante mucho tiempo música folclórica. De hecho, se trata principalmente de música urbana o música folclórica que poco a poco se ha ido urbanizando tras desembocar en la ciudad. Después de la Segunda Guerra Mundial, los etnólogos musicales comenzaron a recopilar y estudiar sistemáticamente la música folclórica italiana. Creen que la música folclórica italiana se puede dividir en 4 regiones: ①Región mediterránea (sur). Se caracteriza por basarse en una melodía clara más que en la armonía o el ritmo. El sistema modal es menor y puede tener influencias del Cercano Oriente y la India. Hay sonidos decorativos en las melodías, en su mayoría solistas, con tono alto y ritmo libre. ②Región Norte. La melodía está dominada por tríadas. El modo es una tonalidad mayor moderna y varias tonalidades menores. Las melodías son hermosas y decorativas. A menudo son coros polifónicos, tienen patrones rítmicos estrictos y en su mayoría tienen forma de estrofas. ③Región central. Las melodías son hermosas y decorativas, en su mayoría solistas. Hay dos tipos de vocalización, norteña y sureña. Los ritmos son estrictos y libres, y las letras son en su mayoría líricas. ④Región de Cerdeña. Es un cuarteto con una estructura compleja de varias partes. El canto comienza con el cantante principal, y las otras partes no cantan la letra, sino sólo las notas ("Ping Bala, Ping Bala"). La cantante tiene una voz profunda, melodías hermosas, muchos sonidos decorativos y un estilo similar al español-árabe.
Música profesional El desarrollo temprano de la música profesional en Italia heredó la cultura musical de las antiguas Grecia y Roma y estuvo estrechamente relacionado con el cristianismo. En el siglo IV a.C., el antiguo teórico de la música griega Aristóseno nació en Taranto, Italia, que más tarde se convirtió en el centro de la cultura musical romana. Además de la música militar, de la antigua Grecia procedían también la música romana antigua, la música vocal muy desarrollada y la música dramática.
La Edad Media. A partir del siglo IV, la música jugó un papel importante en la liturgia cristiana. Las clases diarias se centran principalmente en cantar "salmos" judíos, añadiendo "coros alternos" procedentes de Siria y adoptando la forma de "himnos" procedentes de la antigua Grecia y Siria. El obispo Ambrosio de Milán revisó un conjunto de Salmos Ambrosianos basándose en esto. A finales del siglo VI, el Papa Gregorio I seleccionó algunas melodías típicas de la música religiosa, formuló reglas de canto, las compiló en un coro y estableció escuelas de canto en varios lugares para promoverlas (ver Canción llana). Esta colección y compilación de salmos continuó en el siglo VII, y también se recopilaron la mayoría de los Salmos de Ambrosio. Esta es una obra que es una colección de salmos y tiene un significado positivo. Sin embargo, las características locales de las canciones fueron excluidas de la compilación, lo que despertó la resistencia de las iglesias locales. Por ejemplo, la iglesia de Milán conservó sus propias canciones seculares.
En el siglo IX, los "Sikuns" (melodías de coloratura en poesía en prosa) y los "Trope" (melodías de coloratura con letras) franceses se hicieron populares en Italia y encontraron la oposición de la iglesia, excepto unos pocos. melodías. Excepto esto, está prohibido cantar. La notación musical medieval utilizaba notación simbólica, pero no podía indicar intervalos precisos. En el siglo X, Guido (de Arezzo) inventó la notación con alambre. También creó la solfa en escala de seis tonos, a partir de la cual se mejoró la solfa en escala que es popular hoy en día.
La música profana anterior al siglo VIII no puede comprobarse hoy en día. A juzgar por el espectro de notación de la música secular descubierto en el siglo XIX, las letras están en latín y el ritmo es más complejo que el de la música religiosa. En el siglo XI, los bardos franceses llegaron a Italia y pronto también hubo bardos en Italia. No se limitaron a servir en la corte, sino que también sirvieron a la clase civil. El contenido que cantaban era principalmente poesía religiosa secular. En los siglos XII y XIII, las creaciones de los bardos italianos fueron muy prósperas y sus melodías ricas, pero debido a que se transmitían oralmente se han perdido. En el siglo XIII, San Francisco de Asís (hacia 1182-1226) promovió una especie de himno cantado por el público en general, llamado "Lauda", que era una canción italiana monofónica que tenía gran influencia de los bardos profundos. cambiado mucho desde entonces.
Después del siglo XIV durante el Renacimiento, debido al despertar de la clase civil, la era "Art Nouveau" del estilo musical del Renacimiento temprano, centrada en Florencia, estableció el estilo secular de dos y tres partes. Es la base de la prosperidad de las canciones líricas (como los madrigales y las baratas), las canciones populares (como las de caza) y la música instrumental. El compositor más importante de aquella época fue el organista y músico ciego florentino F. Landini. Para entonces, la notación cuantitativa se había extendido. En la creación musical, sólo se reconocen terceras y sextas, y se prohíben quintas y octavas paralelas; la música polifónica emocional está estrechamente integrada con la poesía. El madrigal tiene acompañamiento instrumental, la barata tiene una estructura de tres voces y el canto de caza tiene forma canónica. En esta época surgieron las escuelas de música profesionales y se desarrolló la teoría musical. Por ejemplo, el veneciano G. Zalino era un famoso teórico musical de la época. El final del siglo XV fue el período de florecimiento del nuevo género de canciones profanas "Frotola" con acompañamiento, y a mediados del siglo XVI se produjo "Villanella", similar a él. Estas canciones son de gran importancia para establecer la naturaleza armoniosa de la música. La mayoría de sus autores provienen de la clase civil y sus creaciones reflejan la cosmovisión humanista.
La música italiana del siglo XVI tuvo un mayor desarrollo cuando el compositor flamenco A. Villarte se instaló en Venecia. Es el creador de la escuela de música veneciana y el fundador del dúo y la licherka instrumental (el predecesor de la fuga). Villarte y sus discípulos combinaron "Frottola" con las técnicas polifónicas de la escuela flamenca para crear una nueva pastoral. La contribución de la fiesta de la música veneciana al madrigal tuvo una gran influencia en las creaciones posteriores de L. Marenzio, C. Gesualdo y C. Monteverdi. Estos tres músicos completaron la etapa final del desarrollo del madrigal (desde finales del siglo XVI hasta principios del XVII). El tema del madrigal expresa principalmente la vida amorosa, pero ya han aparecido factores dramáticos en el madrigal de Gesualdo. Los factores dramáticos en el madrigal de Monteverdi se han reforzado aún más y se ha añadido acompañamiento instrumental. En el proceso de desarrollo mencionado anteriormente, generalmente utilizaron el modo eólico y el modo jónico, de modo que el estado de escala mayor y menor se fortaleció en gran medida.
Siguiendo a Villarte, A. Gabrieli y su sobrino G. Gabrieli desarrollaron el estilo único de la escuela veneciana: cambios distintivos de intensidad, uso extensivo de técnicas decorativas, coros y música instrumental. El conjunto (órgano, conjunto de banda ) contrastes. En este momento, los instrumentos de teclado, de cuerda y de viento estaban en constante reforma y aparecieron reformadores de varios instrumentos musicales. N. Amati, A. Stradivari y G. Guarneri alcanzaron la perfección en el proceso de fabricación del violín. O. Petrucci (1466 ~ 1539) inventó un nuevo método de impresión que promovió la difusión de la música. Nuevos géneros musicales instrumentales como Toccata y Fantasia aparecieron uno tras otro; el mayor desarrollo de los géneros de danza creó las condiciones para las suites posteriores.
Por otra parte, la Escuela Romana de Música, dirigida por el compositor G.P. da Palestrina, desarrolló el coro polifónico sin acompañamiento de música religiosa católica. Para que la letra fuera clara, simplificó la polifonía y la acercó al método de escritura de acordes establecido en la música secular del Renacimiento. Sus ejemplares obras corales son particularmente puras, claras, tranquilas y serenas.
A finales del siglo XVI se produjo un movimiento de combinación de teatro y música en Toscana, Ferrara y Florencia. Fue también un proceso de transición de la música polifónica a la música tonal. En Florencia, el grupo artístico "Florence Partners", encabezado por el teórico V. Galilei, exigió el resurgimiento de la tragedia griega antigua y la influencia tradicional predominante de la polifonía holandesa, estableciendo la forma original del estilo narrativo de la ópera. Sus compositores representativos son J. Perry, G. Caccini y E. de Cavalieri. La cantata interior se desarrolló en Florencia, Venecia, Roma, Bolonia y otros lugares basada en la pastoral, y alcanzó su forma perfecta con la creación de A. Scarlatti. La cantata de iglesia evolucionó a partir del motete. El germen del oratorio surgió de "Lauda" de F. Neri (1515-1595), y se desarrolló aún más con la creación de G. Karisimi. Con la popularidad de la ópera, en 1637 se inauguró en Venecia un teatro de ópera para representaciones públicas. Monteverdi es el principal escritor de ópera de Venecia. Combina recitaciones expresivas, arias cantabile y amplios coros para formar un nuevo estilo de ópera llamado "apasionado".
Períodos barroco y clásico A finales de los siglos XVII y XVIII, el centro del arte de la ópera se trasladó de Venecia a Nápoles.
La escuela de música napolitana dirigida por Scarlatti desarrolló el género de ópera formal e hizo importantes contribuciones al desarrollo de arias de ópera, oberturas y otras formas. Pero el género luego se convirtió en un concierto disfrazado en el que los vocalistas mostraban sus habilidades, diluyendo el poder del contenido dramático. P. Metastaschio fue el libretista de ópera más famoso del siglo XVIII e hizo importantes contribuciones al desarrollo del arte operístico italiano.
En términos de música instrumental, desde la tecnología de bajo digital utilizada en la "Canzona francesa" y la música orquestal de las óperas, la forma repetida llamada "cuerpo de Ritonello", estrechamente relacionada con el concierto para conjunto, evolucionó; la sonata en trío, el bajo fijo, etc. evolucionó a formas de variación. En esta época se desarrollaron enormemente las sonatas religiosas y las sonatas de cámara. Todos los violinistas de esa época se dedicaban a la composición, lo que contribuyó en gran medida al desarrollo de los instrumentos de cuerda y las sonatas, conciertos para conjunto, conciertos para solista y otros géneros de Hapsicord. Las creaciones de G. Torelli, A. Corelli, A. Vivaldi y otros se han convertido en modelos de la música barroca italiana. El concierto de Vivaldi "Las cuatro estaciones" es el ejemplo más antiguo de música titular.
La música italiana del siglo XVIII entró en un periodo de transición del Barroco al Clasicismo. Los compositores abolieron el bajo digital en las composiciones instrumentales y exploraron nuevos géneros. D. Scarlatti fue influenciado por el estilo rococó francés y escribió muchas sonatas individuales en Hapsicord. En 1709, B. Cristofori (1655-1731) inventó el piano moderno con pequeños martillos para golpear las cuerdas. M. Clementi sentó las bases de la moderna tecnología de interpretación del piano. Los músicos milaneses representados por G.B. Sammartini escribieron sinfonías y cuartetos de cuerda, siendo pioneros en la música clásica. El destacado violonchelista L. Boccherini fue uno de los maestros de la música sinfónica y de cámara del siglo XVIII. A mediados del siglo XVIII surgió en Nápoles un nuevo género de ópera. Sus temas provienen de la vida popular urbana y rural, y su música se acerca a la música folclórica. Es un arte de ópera civil que se opone a las óperas formales de los nobles de la corte. Sus compositores representativos más famosos son G.B. Pergolesi, G. Paisiello y D. Cimarosa.
Ópera y música instrumental en el siglo XIX En el siglo XIX, Italia estaba dividida, políticamente reaccionaria y bajo una opresión extranjera, lo que tuvo un impacto adverso en el desarrollo de la música. Además de la ópera, músicos de otros campos han viajado al extranjero para realizar actividades. Entre ellos, el violinista y compositor N. Paganini es el más destacado. Su música para violín (especialmente "24 Caprichos") es hermosa y audaz. avanzar el estilo nacional. Sus interpretaciones y creaciones contribuyeron a promover el desarrollo de la música instrumental romántica en Europa, como Alemania, Austria y Francia. En esta época, los compositores de ópera con ideas progresistas se inclinaban hacia el movimiento de liberación nacional. Por ejemplo, muchas de las óperas de G. Rossini, especialmente su ópera histórica heroica más importante "Guillermo Tell", representada en París en 1829, hicieron un apasionado llamado a la liberación de la patria. La heroica ópera "Norma" de V. Bellini expresó el deseo de liberar a la patria. El coro provocó fuertes rugidos del público durante su interpretación. Las arias y coros de los dramas históricos patrióticos de G. Verdi "Nabucco", "Los lombardos en la primera cruzada" y "Atila" inspiraron la lucha del pueblo italiano por la liberación nacional. Rossini, Bellini y el prolífico compositor de ópera G. Donizetti revolucionaron el lenguaje musical de la ópera italiana, acercándola tonalmente a las hermosas melodías de las canciones populares. Son buenos componiendo melodías que aprovechan las especialidades del cantante, y la historia los llama escritores de ópera de la "Escuela del Bel Canto" (ver Bel Canto). En esta época surgieron en gran número cantantes italianos famosos, formando la tradición de la Escuela Italiana del Bel Canto. El espíritu de realismo de la ópera italiana se refleja plenamente en "El barbero de Sevilla" de Rossini. El drama musical se ha desarrollado y profundizado en "Rigoletto" y "La Traviata" de Verdi. En sus últimas tres óperas, "Aida", "Otelo" y "Falstaff", Verdi integró trama, líneas y música, llevando el realismo de la ópera a un nivel superior. En las décadas de 1870 y 1880, la ópera italiana entró en un período de disputa entre verdianos y wagnerianos. En esa época, la mayoría de los compositores jóvenes se convirtieron en "fanáticos de Wagner" y, a menudo, simplemente los imitaban. El compositor representativo de esta escuela fue A. Boito, cuya ópera "Mefistófeles" era famosa en aquella época. A finales del siglo XIX surgió un nuevo género de ópera italiana: el realismo, cuyos compositores representativos fueron P. Mascagni, R. Leoncavallo y G. Puccini. Los temas de sus óperas están tomados de la vida cotidiana y los protagonistas son en su mayoría personas pequeñas oprimidas de la sociedad.
Admiraron las creaciones realistas de Verdi y el francés G. Bizet, enfatizaron la pasión de la música y el dramatismo de la trama, y las melodías eran fluidas y fáciles de entender. Sin embargo, el tratamiento del tema a menudo carece de profundidad y contiene rastros de naturalismo.
Música moderna A finales del siglo XIX, la música instrumental italiana comenzó a resurgir bajo la influencia de los últimos románticos alemanes y el impresionismo francés. El más destacado en esa época fue el pianista y compositor F. Busoni. Sus creaciones se inspiraron en las tradiciones de los alemanes J.S. Bach, R. Schumann, F. Mendelssohn y especialmente J. Brahms, y se opusieron a F. Liszt y Wagner. Después de entrar en el siglo XX, Busoni abogó por el neoclasicismo, que se desarrolló aún más con la creación del compositor de próxima generación A. Casella. Casella fue una figura importante e influyente en la industria musical italiana a principios del siglo XX. Organizó la "Asociación Italiana de Música Moderna" para promover la "modernización" de la música italiana. Entre las obras de gran escala que creó se encuentran 3 sinfonías y 3 óperas, la más popular de las cuales es la pieza orquestal "Italia" que creó en 1909 basada en melodías populares de Sicilia y Nápoles. El compositor más importante del resurgimiento de la música instrumental italiana fue O. Respighi. Fue influenciado por R. Strauss y N.A. Rimsky-Korsakov en la orquestación, el impresionismo francés en la armonía y la música alemana en la estructura. Entre los compositores de música instrumental italiana moderna se encuentra G.F. Malipiero, quien está decidido a continuar con la tradición musical italiana desde el canto gregoriano. Sus sinfonías se diferencian de las sinfonías generales del siglo XIX. Son la reproducción de las sinfonías clásicas italianas en una forma moderna. En sus creaciones se puede apreciar el paso del Impresionismo al Neoclasicismo.
En cuanto a la creación de ópera moderna, el compositor representativo es I. Pizzetti. Su estilo creativo se forma a partir del estudio de la tradición clásica de la música nacional. Las óperas que creó en los años cincuenta combinaban las características de la ópera realista italiana con la delicada recitación de C. Debussy. Sus últimas obras, como "Church Massacre", le hicieron famoso en el extranjero. Respighi escribió "La campana que se hunde" (1927) basada en el tema del dramaturgo alemán H. Hauptmann, y después de recurrir al neoclasicismo en su último período, adaptó libremente la ópera "Orfeo" de Monteverdi (1935), etc. todos tienen sus propias características. Maripiero compuso tres series de ópera, cada una de ellas compuesta por tres óperas. Su ópera más famosa es La historia del hijo cambiante (1933). Casella compuso "La Serpiente", que imitaba el estilo de ópera cómica italiana del siglo XVIII.
Durante la era del régimen fascista, los compositores italianos se vieron influenciados por la propaganda y las reivindicaciones políticas llamadas "nacionales" e "historicistas". Por ejemplo, la misteriosa obra de Casella "El desierto de la tentación" embellece la invasión italiana de Abisinia con un estilo majestuoso. L. Darapicola se opuso firmemente al régimen fascista y sus políticas artísticas. Sus óperas en un acto "Vuelo nocturno" (1940) y "Prisioneros" se han retransmitido por televisión en muchos países. Su suite coral de gran formato "La canción del prisionero" consta de tres partes: "La oración de Marie Stuttgart", "La llamada de Boetio" y "La canción de despedida de Savonarola". Es una protesta contra el reinado de terror fascista y una obra maestra de apoyo al pueblo. movimiento de resistencia.
En la década de 1940, muchos compositores, entre ellos Maripiero, recurrieron a estrictas técnicas dodecafónicas, mientras que en la década de 1950, los conocidos C. Tony (1922~), L. Nono y B. Mader Nadine (1920～1973) y L. Berio (1925～) fueron compositores radicales influenciados por la escuela posterior de A. von Weben y las tendencias de vanguardia. Aunque Nono es uno de los compositores representativos de la "vanguardia", cree en el marxismo y se da cuenta de que debe crear arte que sea entendido por la gente. En sus creaciones, presta atención a citar el lenguaje musical popular y adopta ritmos distintivos de danza folclórica para que el efecto sea fuerte y conmovedor, también utiliza coros con palabras habladas; Estos coros fueron pregrabados en cinta y luego reproducidos a través de varios parlantes para crear un efecto realista. La ópera "Insular 1960" (1961) que escribió reflejó el contenido de su oposición a la guerra de Argelia. En los últimos años, Nono ha seguido explorando el camino de revivir la tradición dramática de B. Brecht, esforzándose por combinar las estructuras modernas del drama político con métodos de expresión musical.