Jack Nicholson (charla con Jack Nicholson en su mejor momento)

Traductor: Yi Ersan

Revisor: Qin Tian

Actualmente, Jack Nicholson es uno de los actores más populares de Hollywood. Con él a bordo y el proyecto pareciendo factible en otros aspectos, no será difícil recaudar fondos.

Sin embargo, si lo pensamos más detenidamente, encontraremos que esto es extraño. No es Robert Redford de ninguna manera, y sus películas rara vez se clasifican como éxitos de taquilla en términos de intención o desempeño. Incluso su situación actual es paradójica - las películas en las que ha participado parecen bastante impresionantes a primera vista - ya están terminadas nuevas películas de Antonioni y Polanski, seguidas por películas de Ken Russell y Mike Nichols - pero también debemos recordar que las recientes películas de Antonioni y Polanski las películas han sido decepcionantes en taquilla; y después del Día del Delfín, el atractivo de taquilla de Mike Nichols también llegó a flaquear.

"El día del delfín" (1973)

Si analizamos la carrera de Jack Nicholson hasta la fecha, esto no resulta especialmente sorprendente. Aunque recientemente fue nominado a un Premio de la Academia por "Deber especial" (su tercera nominación al Oscar), nunca ha ido a lo seguro y sigue siendo el tipo de persona que a menudo es nominado pero nunca gana un Oscar.

"Asignación especial" (1973)

De interpretar a jóvenes mediocres e ingenuos en las películas de Roger Corman a "Shoot" de Monte Hellman Tras desempeñarse como guionista, productor y actor en "Twisted Rider", Nicholson ya tenía un lugar en la industria cinematográfica; y después de "Easy Rider", comenzó a ganar cierta fama e influencia. Hasta ahora, su uso de la situación es un ejemplo sorprendente de un tropo común en las películas de los años sesenta: llenar un cheque en blanco.

"Easy Rider" (1969)

Por supuesto, esto está dentro del ámbito de la "posibilidad"; el truco está en saber cuáles son los límites de la "posibilidad". Cuando empezó a trabajar con Corman como actor, Nicholson no tenía ninguna ambición clara de hacer nada más.

Como muchos actores, comenzó a escribir guiones y coescribió el guión de La isla del trueno con otro actor, Don Devlin, cuyo productor era Robert Lippert. Admirándolo, posteriormente lo invitó a él y a Monte Hellman a escribir. otro guión, una película que Corman rechazó por considerarla "una obra sin desarrollar y de baja calidad".

Pero Corman se ofreció a financiarlos si podían hacer dos westerns de acción por un precio determinado. Desde entonces, Nicholson ha seguido escribiendo y produciendo, creando oportunidades de empleo para sí mismo.

Luego estaba "Easy Rider".

Jack Nicholson: Primero me involucré en el proceso de producción. En ese momento todavía estaba trabajando en Hair con Bob Rafelson. Posteriormente Dennis Hopper y Peter Fonda trajeron el proyecto. Nos lo mostraron a Bob y a mí primero. Lo avanzamos a través de financiación, acuerdos de intermediación y más.

Luego comenzaron a filmar en Nueva Orleans, tuvieron problemas de producción y tuvieron que cambiar de equipo. Así que invité al equipo con el que había estado trabajando de forma independiente a formar el núcleo del equipo Easy Rider de Dennis. No sé qué pasó entre Dennis y Rip Towne, quien se suponía que interpretaría mi personaje; pero Burt Schneider vino a verme y siempre pensé que no solo quería interpretar el papel sino también supervisar la producción.

Mientras estaban filmando, yo no estuve involucrado en ningún trabajo de producción y me concentré principalmente en mi actuación. Después, a petición de todos, hice un montaje de la película, desde que aparece mi personaje hasta el final. Mientras tanto, Henry Jaglo editó la primera mitad. Esta es la penúltima etapa de todo el proceso de edición, en la que muchas personas trabajan en estrecha colaboración.

Pregunta: ¿El éxito de "Easy Rider" tuvo un gran impacto en el rodaje de "Drive, He Said"?

Nicholson: Tiene algo que ver con eso, más o menos, pero para poder desempeñarme como coproductor y guionista de "Hair", estaba escrito en el contrato que debía preparar. para la película.

"Drive, He Said" (1971)

En ese momento no pensé que esta película fuera a ser una película comercial. Ya hay muchas otras películas con temas universitarios en el mercado y, aunque estoy seguro de que puedo manejar el tema, no creo que sea suficiente.

Al mismo tiempo, me di cuenta de que si tienes dos personajes centrales en una película (ninguno de los cuales tiene toda la razón o está completamente equivocado y cuyos intereses están divididos de manera muy equitativa), se rompe la primera regla de Financiamiento: La primera pregunta que la gente se hará es: ¿cuáles son entonces los beneficios fundamentales? Le envié esto a mi supervisor como uno de los tres proyectos que quería hacer y no estuvieron de acuerdo conmigo. Ellos piensan en una película universitaria positiva y yo pienso en una película universitaria negativa.

Mi idea en ese momento era simplemente hacer esta película. No me preocupa especialmente si es comercial. Siento que este es un tema que me permite decir mucho. Una de las cosas que me encantan de las películas de temática universitaria es que cuando las personas son ingenuas y jóvenes, tienen derecho a expresar una filosofía que no les sienta bien a los personajes mayores;

Si miras los colegios y universidades como un microcosmos, entonces el diálogo de los personajes debería ser más filosófico. Este escenario específico no lo hace parecer demasiado académico, como si vieras a dos lecheros caminando juntos hablando sobre la poesía de jugar béisbol o hablando sobre la dinámica psicológica/sexual de jugar un deporte de equipo.

Todos estos son temas tratados en la película. Pero son el corazón de la película: y su objetivo. La película tiene dos personajes centrales, Gabriel y Héctor. Gabriel era un joven con espíritu político revolucionario que estaba influenciado por Wilhelm Reich. Creía en las teorías políticas de Reich. Su comportamiento también ha ido implementando los pensamientos de Reich: tenía razón, lo que decía era correcto, pero nadie le creyó, lo que lo volvió loco, por lo que finalmente fue institucionalizado.

Tuve una gran discusión con Trevelyan sobre la censura de esta película porque quería eliminar una línea sobre Héctor y Karen Black como Olive. En el clímax de su relación amorosa, ella dijo: "Soy. próximo."

Estoy seguro de que pensó que estaba loca por discutir por un compromiso tan pequeño, pero para mí, esa frase fue la culminación de lo que trata toda la película: la batalla entre los personajes, y se diferencian. en su capacidad para desatar este poder sexual. Olive es la más libre de todos los personajes. Gabriel está atrapado por la presión de su propia visión. Héctor no es muy brillante y tiene un carácter sumiso, y tiene dificultades para relacionar sus habilidades físicas con su posición en la sociedad.

Héctor y Gabriel representan filosofías completamente opuestas, pero conviven y no están del todo equivocados, ni del todo acertados, ni del todo de acuerdo entre sí. Sería una tontería intentar obligar a uno de ellos a ser el protagonista indiscutible: viven en la misma habitación y realizan las mismas actividades, pero son completamente opuestos.

Sin embargo, incluso Héctor, a su manera, intenta ser un revolucionario cuando intenta hacer algo así en la escena en la que negocia el contrato. Héctor también está tratando de continuar su carrera como atleta profesional y al mismo tiempo hacer algo nuevo basado en su propio código moral privado. Esta película casi podría considerarse una historia de Bill Walton. La propia carrera de Wharton ilustra la filosofía expresada por Héctor.

¿Conoces otras películas en las que el prototipo se haya convertido en una proyección del personaje de la película una vez realizada la película? Tenía todo tipo de cosas y lo que estábamos haciendo, para ser honesto, era bastante visionario, por decir lo menos. Ojalá la película hubiera tenido más éxito en aquel entonces, y si hubiera tenido éxito en taquilla, ahora podría estar un paso más cerca de volver a dirigir una película. Pero todavía estoy contento con la película, la haya visto mucha gente o no.

Pregunta: Tanto "Drive, He Said" como "Beautiful Beauty" sólo tuvieron estrenos teatrales a pequeña escala.

¿Cuál es el valor comercial de una película como ésta bajo el modelo de distribución actual?

Nicholson: A menos que haya una manera de comercializar las películas como obras de arte, es decir, una película sólo se proyecta en una o dos salas y el precio de la entrada se basa en la especialización y demanda del mercado. ajustar la intensidad. Si no dependiera económicamente de la industria cinematográfica, estaría dispuesto a intentar algo como esto.

"Crepúsculo de la belleza" (1972)

Pero este enfoque tampoco funciona bien en el arte más tradicional. Por ejemplo, El último día es de naturaleza muy kafkiana. Todo el mundo conoce a Kafka, todo el mundo dice que es un gran escritor. Pero la suya no es una publicación que hará rico a nadie. Ahora siento honestamente, para decirlo ingenuamente, que si yo fuera el agente de Kafka, o si publicara el libro de Kafka, encontraría alguna manera de obtener algún tipo de reconocimiento apropiado para él y su trabajo.

En esta película, creo que el personaje que interpreto es una persona solitaria, es decir, Kafka, una persona que vive sola en una habitación, lo cual es una imagen muy específica, hay más personas conectadas a ella que nosotros. pensar. Cuando actúo, trato de representar honestamente a una cohorte, y este personaje tiene una cohorte.

Pero no nos gusta verlos en la vida real, por lo que no se puede esperar que los cinéfilos acostumbrados al derroche del héroe, o a la audacia del villano, se identifiquen con estas personas de forma tradicional. . Pero al mismo tiempo, eso no significa que la película no deba estar disponible para quienes quieran verla. Este es un proceso de educación de la audiencia.

En una mesa redonda reciente a la que asistí, hablamos mucho sobre la responsabilidad social de los actores. Ahora creo que es responsabilidad de los actores, no sólo apoyar a los candidatos y cosas así, sino también apoyar películas como "El último día" que de otro modo no tendrían la oportunidad de realizarse. Ésta es la forma que tiene un actor de influir en el sistema: es decir, educar al público lo mejor que pueda. Todos sabemos que ésta es, en última instancia, la forma más importante de influir en la sociedad.

Pregunta: Esta educación en el gusto es quizás particularmente necesaria dado que tanto Drive como He Said son películas no estadounidenses y que no utilizan la narrativa tradicional para transmitir su significado.

Nicholson: Las narrativas de ambas películas son bastante sutiles, pero el significado es más claro. Esta puede ser una característica de las películas europeas. Verá, el intento de cultivar el gusto del público estadounidense aumentando la familiaridad con las películas en idiomas extranjeros no ha funcionado como cabría esperar: las audiencias de películas en idiomas extranjeros han ido disminuyendo en los últimos años.

A pesar del éxito de "Cries and Whispers" cuando se estrenó, Roger Corman cree que la razón por la que las películas en lenguas extranjeras han ganado terreno en Estados Unidos es simplemente porque son más explícitas sobre el sexo, y Once Las películas americanas intentan algo como esto, el público se mantiene alejado y solo quedan fanáticos apasionados.

Gritos y susurros (1972)

Esto fue algo escalofriante para mí. Pero parece ser cierto: a través de películas como "El Señor de los Anillos" y "Ocho y medio", todos los públicos estadounidenses están mejor educados y tienen un enfoque más sofisticado de la narrativa, los personajes y la observación humana, pero ahora todos Parece que ha vuelto a desaparecer.

Ahora parece que la razón del éxito de "Blow Up" es probablemente porque tiene escenas de mujeres teniendo una "feliz unión". Este fue un éxito que Antonioni nunca había tenido antes y nunca volvería a tener.

"Blow-Up" (1966)

Pregunta: ¿Cuál crees que es el punto de venta del nuevo trabajo de Antonioni "El pasajero"?

Nicholson: Esta nueva película es bastante arriesgada; todas las películas que he hecho en los últimos años han sido riesgos enormes, pero afortunadamente la gente está dispuesta a arriesgarse: tal vez la conviertan en algo así. película. El riesgo de esta película es que, si bien su estructura es su fuerza, el hilo narrativo está fragmentado de una manera que hace que parezca que hay un segundo o tercer punto narrativo.

"El Pasajero" (1975)

El tema básico de "El Pasajero" es el cambio de identidad: trata del reino de la fantasía y el subconsciente de un hombre que dice: " ¿Por qué no salgo de aquí? ¿Qué tal vivir ahora y convertirme en una nueva persona? Libera toda la energía mental encerrada en la fantasía y te dice por qué puedes o no hacer algo y qué tan real o irreal es. .

El éxito de la película depende de su capacidad para expresar de manera convincente un tema esotérico y de alto nivel. La estructura es un misterio; el protagonista que ha elegido cambiar se sitúa en una situación muy misteriosa, y la película cautiva al espectador con una persecución muy larga, bien elaborada y esquiva.

Antonioni me pareció muy disciplinado en su trabajo. Es un trabajo muy duro y a veces hay tensiones entre nosotros, pero esa es la naturaleza de este tipo de trabajo. Por supuesto, Antonioni siempre fue el maestro.

Algunos directores pueden dar la impresión de que algunas cosas de la película pueden haber sucedido por accidente, y quizás la crítica lo esté sobreinterpretando. Pero para Antonioni todo lo que aparece en la película es intencionado. Se merece su puesto y la gente que trabaja con él lo acepta: no es como un dictador, es muy abierto en muchos sentidos. Me dijo que abordó cada escena como si fuera un documental sobre la escena; no quería tener demasiadas ideas preconcebidas sobre la escena.

Cada forma de trabajar tiene sus propios obstáculos. La gente siempre dice: "¿Qué diablos quiere Antonioni? ¿Qué pasa, Miguel Ángel?" Pero él casi nunca les dice directamente, porque una vez que les explica, entiende muy poco. No obtendrá ningún resultado.

Mike Nichols y Antonioni tienen algunas similitudes. También presté atención al método de trabajo de Truffaut: la orientación como respuesta a todas las incertidumbres. Truffaut era amable; pero creo que también era muy firme y no te daba miedo hacer preguntas estúpidas. El trabajo de Truffaut es más complejo que el de los otros de los que estamos hablando porque existe una diversidad contradictoria en su grupo que evolucionó a partir de su estilo como persona. Cualquier enfoque funcionará: gaste su dinero y tome sus propias decisiones.

El enfoque básico de Antonioni hacia los actores es "No actúes, di las líneas y actúa". No construye estructuras dramáticas, sólo perfila formas. Cuanto más simple, más clara es la forma.

Si lo desordenas y destruyes la parte intrínseca del personaje de la película, entonces estás trabajando en la dirección opuesta con él, porque busca claridad para que se pueda ver la forma. Si rompes esto, irás en contra de su estilo de trabajo. Fue difícil para mí aprender esto, pero me alegro de haberlo hecho. También hizo que fuera más fácil trabajar con Roman Polanski cuando estuve trabajando con él en Chinatown.

“Chinatown” (1974)

Roman es un tipo diferente de dictador. Le encantaba discutir y no sabría qué hacer sin ello. No me refiero a pelear. Sólo discute. Pero nunca perdió, así que en realidad no fue una discusión. Este es su método creativo.

Si no pasa nada, deja de discutir. Pero Roman seguirá manteniendo este hábito. Así que su problema era mantener a la gente interesada y estimulada lo suficiente como para hacerle preguntas. Esta vez también lo consiguió.

Nosotros ("Chinatown") es la única película de Paramount que se estrenará según lo previsto este año. Roman es una persona muy razonable. Había muy pocas tomas que necesitaban ser tomadas una y otra vez, y eran sólo pequeños ajustes.

Sabes, estos directores suelen tener razón. A la hora de realizar una toma, empezando por encender la cámara en un momento determinado, no hay absolutamente ninguna razón para darse por vencido hasta obtener el resultado deseado.

Creo que puedo actuar siempre que la cámara pueda capturarlo. Esta es una de las cualidades esenciales de un actor de cine profesional. Por supuesto, tus habilidades desaparecerán en algún momento.

Pero creo que es obvio para todos, y cualquier director que tenga alguna idea dirá "Quizás estoy al borde del subconsciente" y tratará de llevarte más allá de eso para ver si hay algo en ese límite de locura. él se detendría en ese momento.

P: A lo largo de tu carrera casi siempre has trabajado con directores que fueron tus contemporáneos cinematográficos. Minnelli es una excepción y, por supuesto, Antonioni, pero es un cineasta muy moderno. ¿Es esto algo que hiciste intencionalmente?

Nicholson: Más o menos. Sin embargo, no se han acercado a mí muchos directores senior a los que respeto y con los que me gustaría trabajar. El problema es que, una vez que alcanzas cierto nivel de reputación y experiencia, pierdes contacto con nuevos actores.

Mike Nichols a menudo se reía de mi viejo amigo Buck Henry porque Buck no me recomendó cuando estaban lanzando Catch-22. Pero pronto fue una de las primeras personas en ver Easy Rider, lo que hizo que me prestara más atención y me eligió para The Love Hunters. Mike es mayor que yo, pero él y yo somos una especie de contemporáneos en lo que respecta al cine; de ​​hecho, he estado trabajando en el cine durante mucho tiempo.

"The Love Hunters" (1971)

Trabajaría con cualquiera que fuera eficaz, y con cualquiera que pudiera sobrevivir en esta industria el tiempo suficiente, probablemente esto sea cierto. Por eso quería trabajar con Ken Russell, aunque solo estuve en el set de Into the Dark durante unos días, interpretando a un médico. Las películas de Russell despiertan mi interés, hay partes que realmente me gustan y partes que no y me pregunto cuáles eran sus preferencias.

Me gusta trabajar con gente nueva, gente joven. Es interesante para mí que, sin darme cuenta, siempre trabajo con alguien que parece mucho más joven que yo. Esto es algo que espero con un extraño temor, porque puedo percibir sus contornos...