Animación histórica japonesa
Japón es el país de animación más grande del mundo[1]. Su modelo de desarrollo de la animación tiene características nacionales distintivas. El proceso de desarrollo de la animación japonesa se puede dividir a grandes rasgos en cuatro etapas: 1917-1945-incipiente, 1946-1973-exploración, 1974-1989-. 1917-1945 - El período incipiente En 1917, Ao Shimokawa filmó "Taro River Sweeping Sanxuan Scroll", y el álbum de animación japonés (20 imágenes) producido por Kitayama Seitaro produjo "Ape, Crab, War". Por suerte Junina lo creó. Entre ellos, "Taro River Assault on Sanlang One Volume" de Akio Shimokawa es reconocido como el primer manga de Japón. En 1933 nació la primera película animada de Japón, "El poder y las mujeres en el mundo", producida por Masaoka Kenzo y su alumno Shizuo Koji. Durante la Segunda Guerra Mundial, Koji Laoji produjo la serie de cómics "Momotaro", que defendía la agresión y embellecía el militarismo japonés. Su obra representativa fue "La magia del mar de Momotaro", producida en 1944. 1946-1973 - Período de exploración 1945. Después de la derrota de Japón, las películas animadas contra la guerra se hicieron muy populares y tuvieron una profunda influencia. La figura representativa de este período es el animador Noburo Oto, conocido como un "freak" en la industria de la animación japonesa. Filmó una versión en blanco y negro de Whale en 1927. Noburo Oto combinó los títeres de sombras que han circulado en China durante miles de años con el papel Chiyo, único en Japón, para dibujar animaciones. Noburo Oto es un nombre muy conocido en Japón y el "Premio Oto" que lleva su nombre se ha convertido en el premio de cómics más importante de Japón. 1974-1989: Período de madurez En 1974, la animación japonesa entró en su período de madurez. A principios de la década de 1970, surgieron en Japón un gran número de animadores de animación mecánica de ciencia ficción (animación de ciencia ficción, conocida como animación SF). Figuras representativas incluyen a Shiro Matsumoto, Hiroyuki Tomino, Masahiro Mori, Haruhiko Mikimoto, etc. Entre ellos, el anime japonés más famoso "Crayon Shin-chan" (19) es uno de los fundadores de la serie "Gundam" y ha dirigido películas animadas de ciencia ficción como "Mobile Suit Gundam" (1979). En 1982, Osamu Kawamori comenzó a despuntar como el diseñador mecánico de Teru Ichijo, y más tarde se convirtió en director y productor de una serie de películas animadas teatrales de Teru Ichijo. Lupin III también fue indispensable para su exitosa transición a la adolescencia en la década de 1970, y la serie de TV2 realmente permitió al público japonés combinar animación con animación, creando una era de animación y ganando elogios unánimes de estudiantes y adultos en la década de 1990. entraron y salieron del extranjero. Según las estadísticas, tiene la asombrosa cifra de 65,438,35 millones de fanáticos, tiene una historia de 43 años y sigue siendo popular hoy en día. Al mismo tiempo, Hayao Miyazaki se deshizo de las limitaciones del estilo de animación SF y desarrolló una estética "estilo Miyazaki", un estilo natural y fresco que transmitía la armonía del cielo, la tierra, los humanos y los dioses. Las ideas de la película tocan las profundidades del alma humana e inspiran a las personas a temer a Dios y pensar en la vida. "Nausicaa del Valle del Viento" de 65438 a 0984 estableció el estatus de Hayao Miyazaki como maestro de la animación japonesa. En 2001, "El viaje de Chihiro", producida por Hayao Miyazaki, ganó el Oso de Oro en el 52º Festival Internacional de Cine de Berlín y el Premio a la Mejor Película de Animación en los 75º Premios de la Academia. El propio Hayao Miyazaki se convirtió en el escondite de "El viaje de Chihiro" en Japón.
La animación es sinónimo de logro y estatus. Otras obras famosas de Hayao Miyazaki incluyen "Cagliostro" (1979), "Castillo en el cielo" (1986), "Mi vecino Totoro" (1988) y "La ayuda de la bruja" (1989). Fairy Tales of Time (1991), Porco Rosso (1992), On Your Place (1995), Princess Mononoke (1997), Howl's Moving Castle (. 1990 hasta la actualidad; el período de refinamiento es la década de 1990. Con la mejora adicional de la Industria de la animación japonesa, los tipos, formas, contenidos, temas y practicantes de la animación japonesa se han refinado significativamente. Con la diversificación de los estilos de animación, la animación japonesa ha entrado en una etapa de refinamiento, con Asaka Morio como representante de la animación Beautiful girl. sus obras incluyen "Riku Dan Blue Girl Sakura" (1998), "Chobits" (2002), "Galaxy Angel" (Parte 1: 2001; Parte 2: 2002); hay animaciones representadas por Heitaro Daichi. Animaciones divertidas. Eryuumaru" (1998) y "Fruits Basket" (2000).
Además, "El fantasma en el caparazón de la tortuga" (1995) de Mamoru Oshii y Jin Lu: Wolf Brigade (2000) tienen sus propios estilos para ganarse el reconocimiento de la audiencia. "Millennium Actriz" creada por Satoshi Kon en 2002 adoptó una técnica narrativa caótica y exploró una nueva forma de expresión de la animación. En resumen, la animación japonesa toma los "robots" y las "chicas hermosas" como puntos conjuntos y se ha embarcado en un camino de animación con características nacionales únicas. Según las estadísticas, entre 1960 y 2001, Japón produjo 2.403 cómics de cine y televisión, incluidos 901 cómics de cine y 1.502 cómics de televisión. Hay muchas productoras de animación en Japón, incluidas Toyotomi Animation, Studio Ghibli, GANIAX y Sunrise. Las etapas de desarrollo de los cómics japoneses modernos: El estatus social de los cómics en Japón y la comprensión que la gente tiene de ellos han ido cambiando durante más de medio siglo después de la Segunda Guerra Mundial. Osamu Tezuka dividió el desarrollo del cómic japonés moderno en seis etapas. La primera etapa (la primera década después de la Segunda Guerra Mundial): "La era del juguete". En esta etapa, los dibujos animados son sólo accesorios para el entretenimiento de los niños. La segunda etapa: la "era de la liquidación", los cómics se consideraban una lectura vulgar y superficial. La tercera etapa: la "era de los snacks", los padres y profesores permiten a regañadientes que los niños lean algunos cómics siempre que no obstaculice el aprendizaje. La cuarta etapa: la "era de los alimentos básicos". En 1963, la animación televisiva "Astro Boy" se transmitió continuamente por televisión y fue vista por adultos y niños de muchas familias. Quinta etapa (años 70-80): "Air Age", los cómics se han convertido en una parte integral de la vida de los adolescentes. La sexta etapa (después de mediados de los años 80): "Era del símbolo", los cómics se convierten en símbolos de comunicación entre los adolescentes.