El papel de la danza de la corte europea en el ballet y otras artes
Ballet proviene del latín antiguo ballo. Originalmente, la palabra simplemente se refería al baile o la representación de danza en público, y no tenía ninguna connotación de representación teatral. Como arte escénico, el ballet nació en los grandes banquetes y actividades de entretenimiento en Italia durante el Renacimiento, y se formó en la corte francesa en el siglo XVII. Este tipo de ballet de la corte es en realidad una representación integral de danza, canto, música, recitación y teatro en una estructura flexible bajo un tema unificado. Está diseñado por un profesor de danza profesional, con reyes y nobles como actores, y los papeles femeninos son interpretados por hombres. El lugar de la actuación está en el centro del salón del palacio y el público observa desde todos los lados del salón. Los actores usan máscaras de cuero para marcar los diferentes roles, por eso también se le llama ballet de máscaras.
En 1661, Luis XIV ordenó la creación de la Real Academia de Danza en París. 65438+ El Teatro del Palacio Richelieu comenzó a utilizarse para representaciones de ballet en los años 1970. Los cambios en el lugar y los ángulos de visión del público han provocado cambios en las técnicas y la estética de la danza, y las posturas de los actores se han vuelto cada vez más abiertas, determinando formalmente las cinco posiciones básicas de los pies y convirtiéndose en la base para el desarrollo de la tecnología del ballet. Surgieron bailarines de ballet profesionales que gradualmente reemplazaron a los actores aficionados aristocráticos. Los bailarines de ballet profesionales también comenzaron a actuar en el escenario y la tecnología de la danza se desarrolló rápidamente. Las representaciones de ballet se transformaron gradualmente de actividades sociales para el entretenimiento personal a artes escénicas dramáticas. El ballet durante este período estaba subordinado a la ópera. El compositor de la corte J.B. Lurie añadió escenas de ballet a las óperas que en realidad eran una serie de espectáculos de danza, pero la trama parecía irrelevante. A esto se le llama canto de ballet o ballet de ópera. Esta situación duró hasta mediados del siglo XVIII. Novel, maestro de ballet del siglo XVIII, fue el innovador de la danza más influyente en la historia del ballet. Propuso por primera vez el concepto de "ballet argumental" en "Dance and Dance Drama Letters" publicado en 1760, enfatizando que la danza no es sólo una habilidad física, sino también una herramienta de expresión dramática y comunicación ideológica. La nueva teoría impulsó la ola innovadora del ballet. Con el continuo esfuerzo de él y de muchos otros actores y directores, el ballet ha sufrido una serie de reformas en contenido, temática, música, técnicas de danza, vestuario, etc. Estas reformas finalmente separaron el ballet de la ópera y formaron un arte dramático independiente.
En la historia del desarrollo del ballet, hay dos puntos de vista estéticos principales que han estado presentes. Una opinión es que el ballet es una "danza pura". B. de Beaujoyeulx, profesor de danza italiano del siglo XVI y director de la comedia de la reina "Ballet", cree que el ballet es una "combinación geométrica de varias personas bailando juntas". Esta visión se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo el contenido o la trama del ballet, lo que a menudo conduce a la búsqueda pura de habilidades soberbias y hermosas. Antes de mediados del siglo XVIII, esta visión dominaba la creación del ballet. Otro punto de vista enfatiza que el ballet es una "danza dramática", que está representada más concentradamente por la teoría del "ballet argumental" de la novela. Considera que en una obra de ballet la danza debe mostrar contenido dramático, "la trama y la coreografía deben estar unificadas, con una historia lógicamente clara y fácil de entender como tema central, y bailes solistas y segmentos de danza que no tengan nada que ver". que tiene que ver con la trama debe ser eliminado." En el drama de danza, "no sólo la técnica de la danza es deslumbrante, sino que también el público se conmueve con la actuación dramática".
Los dos puntos principales anteriores siguen siendo válidos hoy. Muchos directores se comprometen a crear obras de ballet dramáticas o melodramáticas, mientras que algunos directores prefieren ballets sin melodrama y se centran en la belleza formal. Las excelentes obras de ambas obras son apreciadas por el público y, a menudo, se representan como parte del repertorio. Desde el siglo XX, la influencia de diversas corrientes literarias en la creación del ballet se ha hecho cada vez más evidente y han aparecido muchas obras de diferentes estilos.
El coreógrafo es la persona clave en la creación de una obra de ballet. Concibe una estructura de ballet o de danza a partir de un guión literario (o de un cuento, un poema, una obra musical), y luego los actores la encarnan. Tanto los coreógrafos como los actores deben dominar el lenguaje del ballet (o vocabulario de ballet): habilidades técnicas de ballet y la capacidad de utilizar el lenguaje del ballet para expresar contenidos o emociones específicas. El coreógrafo necesita saber en qué es bueno y en qué no puede expresar; los actores, por otro lado, deben estar bien formados y ser capaces de adaptar y encarnar creativamente las ideas del coreógrafo. Sólo cuando se cumplen estas condiciones básicas se puede llevar a cabo y completar la creación del ballet. Las formas estructurales del ballet incluyen: danza solista, dúo, danza en trío, danza en cuarteto, danza en grupo, etc. Danza clásica, danza individual (danza folclórica escénica, danza folclórica), danza moderna, etc. Según las formas anteriores, el ballet en múltiples actos (romper y combinar, como "El lago de los cisnes"), el ballet en un solo acto (como "La Sylphide") y los bocetos de ballet (como el ballet), esta forma estructural se desarrolló hasta un Alto grado de estandarización y desarrollo a finales del siglo XIX. La estilización ha influido y restringido el desarrollo del ballet. En una gran cantidad de obras de ballet creadas por directores en el siglo XX, estas normas y procedimientos se han roto en gran medida, y han surgido nuevas exploraciones y.
Resumen del desarrollo del ballet mundial
Ballet de banquete
El ballet apareció en Italia durante el apogeo del Renacimiento en el siglo XV. Los artistas hicieron todo lo posible por imitar el estilo artístico de la antigua Grecia. La primera representación de ballet tuvo lugar en un banquete palaciego en 1489, en una pequeña ciudad de Italia, para celebrar la boda del duque de Milán. y la Princesa Idabel de Aragón en España El formato de actuación en ese momento era completamente diferente a las representaciones de ballet que vemos hoy. Cada actuación generalmente está relacionada con el servicio de comida, como comer jabalí después del inicio de una actuación de caza simulada; Aparecieron el dios del mar y el dios del río y comenzaron a comer pescado, luego, muchas figuras mitológicas subieron al escenario para ofrecer muchos platos y frutas, y finalmente los invitados también participaron en la animada y animada actuación de Carnaval. Espectáculo que integra canto, baile, recitación y teatro. Se puede decir que es el prototipo del ballet, y las generaciones posteriores lo llamaron "Ballet de Banquete". Entre los nobles italianos y la corte francesa, las representaciones de ballet italiano se llevaron a Francia en 1581, cuando se presentó el Ballet de Comedia de la Reina en la boda de Margarita, la hermana de Enrique III. El público estaba sentado en una galería de dos pisos con tres paredes. y dignatarios se sentaron en el altar, y la actuación se realizó en el suelo de la sala. El director, Beauvoir, era un italiano empleado por los franceses, pero tuvo que entregarse a Su Majestad el Rey de Francia. teatro, música, danza, recitales y acrobacias. Durante el período de Luis XIV (1643-1715), el ballet francés alcanzó su apogeo. El propio Luis XIV amaba la danza y estaba bien entrenado. A la edad de 15 años, participó en el espectáculo. del ballet de la corte "Cassandra" e interpretó a Apolo
Ballet de acción
El movimiento de la Ilustración europea del siglo XVIII influyó profundamente en el desarrollo del ballet francés. Sus ideas innovadoras se reflejan en. su oposición al ballet como decoración de los pasatiempos aristocráticos, haciendo del ballet una representación de la vida real como el drama, y defendiendo que el ballet debe tener contenido social y significado educativo, este es el trasfondo de la era en la que nació el "ballet de trama". La innovación del ballet europeo encarna el espíritu democrático de la Ilustración. En "Cartas sobre la danza y la danza dramática", propuso su innovador concepto de ballet. Jean Dobejval, alumno de Nowell, creó un ballet "Full Care" que todavía se representa en la actualidad. y se ha convertido en un repertorio de las principales compañías de ballet contemporáneo.
Ballet Romántico
El ballet romántico es una "época dorada" en la historia del desarrollo del ballet, ha vivido una etapa brillante en la danza. habilidades, coreografía y forma de actuación. La aparición de dramas de danza como Le Sylphide, Giselle, Meral y Pirates creó una serie de talentos del ballet como Perrault, Bernweiler, Tancho y Eisler. Las características del ballet durante este período se resumen en:
1. Cambios de contenido y temática. Dioses y fantasmas de otro mundo han reemplazado a los personajes de mitos, leyendas y antiguos cuentos heroicos.
Reflejar una especie de insatisfacción y decepción con la realidad, una búsqueda de intereses en otro mundo más allá del mundo, o utilizar la muerte para deshacerse de la decepción en la realidad, o utilizar una búsqueda poco realista para reemplazar el deseo de vivir. Entre las obras representativas se encuentran Le Sylphide (1832) y Giselle (1841). "Giselle", que combina el estilo francés, se convirtió en el pináculo del ballet romántico, y luego surgió gradualmente la combinación de romanticismo y realismo.
2. Las habilidades y actuaciones de baile han progresado mucho. Las habilidades de baile con los dedos de los pies se han convertido en un factor importante en las actuaciones de las bailarinas, y las habilidades de baile de los hombres también han mejorado aún más.
3. En la forma de actuación se utilizaron luces de lámparas de gas y cortinas, y se reformaron trajes y zapatos de ballet, dando como resultado un estilo poético y ligero.
La época dorada del ballet romántico duró muy poco. Desde los años 1930 hasta los años 1940, se estancó y se marchitó en poco más de 10 años. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, el centro del ballet europeo se trasladó gradualmente a Rusia.
Ballet Ruso
En la segunda mitad del siglo XIX, el ballet romántico europeo decayó, y la misión de revivir el ballet históricamente recayó sobre los hombros de Rusia. Desde la década de 1940, los bailarines extranjeros han visitado Rusia con frecuencia. Las actuaciones y las actividades de dirección del padre Tarioni y su hija Perrault, Saint-Leon y otros, especialmente las actividades docentes de los estudiantes de Bournonville Johnson (en San Petersburgo) y Brass (en Moscú), enseñaron danza francesa y francesa al mundo de la danza rusa. La esencia de las dos principales escuelas de danza italianas, y poco a poco se formó un nuevo género: la escuela de danza rusa. Mattipa e Ivanov jugaron un papel decisivo en la construcción de la obra. Tchaikovsky logró innovación en la música de ballet a través de "El lago de los cisnes", "La bella durmiente" y "El cascanueces", haciendo de la música la base para dar forma a imágenes y narrar eventos en el ballet, inspirando y enriqueciendo las ideas de danza sinfónica del coreógrafo. El segundo acto de "El lago de los cisnes" alcanza la cúspide de la poesía danzaria y es considerado un modelo de danza sinfónica. Posteriormente, Glazunov escribió "Raymunda" (1898) y "Las cuatro estaciones" (1900), heredando la tradición del ballet romántico y encarnando la tradición del realismo ruso.
A principios del siglo XX, el ballet ruso había ocupado una posición dominante en el mundo del ballet, con su propio repertorio, estilo interpretativo y sistema de enseñanza, y surgieron una serie de coreógrafos e intérpretes. Desde entonces, un grupo de jóvenes del mundo del ballet ruso ha exigido innovación y exploración de nuevos métodos de interpretación y caminos de desarrollo. Gorsky y Fujin eran sus líderes. Las ideas innovadoras de Fouquet no pudieron materializarse en el Teatro Imperial, y sus principales obras fueron ensayadas y representadas en el extranjero para el Ballet Diaghilev. Diaghilev organizó temporadas de espectáculos rusos durante tres años consecutivos a partir de 1909, y en 1913 estableció una compañía de teatro permanente con sede en Montecarlo: el "Ballet Ruso de Diagilev", que realizó giras por Europa y Estados Unidos, tuvo una gran influencia, enviando a Rusia. conservado el repertorio clásico tradicional de regreso a Europa y promoviendo el resurgimiento del ballet europeo. Tras la disolución de la compañía, sus miembros se dispersaron por Europa y Estados Unidos, entre ellos Lifar de Francia, De Valva del Reino Unido, Balanchine y Fujin de Estados Unidos, etc. Hicieron importantes contribuciones al resurgimiento o creación de ballet en varios países.
Ballet Contemporáneo
A finales de 1929, Lifa se convirtió en coreógrafa permanente y bailarina principal del Ballet de la Ópera de París. Hasta que se fue en 1958, en realidad llevó a cabo reformas como la abolición del derecho centenario de los clientes a charlar con los bailarines entre bastidores antes de las representaciones de ballet. También hay una ceremonia de inauguración cada semana. Cuando Giselle fue revisada en 1932, Lifa interpretó a Albert. Es un hombre inteligente. "El jorobado de Notre Dame", adaptada y dirigida por Roland Petit basándose en la música de la Universidad de Yale, fue un éxito rotundo. "Firebird" fue creada y dirigida por Maurice Behar en 1970. Es la obra más singular. El repertorio del Ballet de la Ópera de París incluye "Giselle", "Gabrielle" y "Sylvia".
El ballet británico debe mucho a la dirección de toda la vida de tres grandes mujeres: Dame Adelina Jenay, primera bailarina del Theatre Royal durante muchos años; y la inmortalidad de Dame Ninat de Valova del Royal Ballet; Fue la fundadora de la compañía de ballet que lleva su nombre. También hay Festival Ballet y Ballet Escocés.
Estados Unidos no tiene un ballet nacional. Balanchine y Lincoln Costin se conocieron una vez en 1933 y fueron invitados a dirigir la American Dance School.
En 1948, se transformó en el Ballet de la Ciudad de Nueva York, con Balanchine como director artístico y coreógrafo principal, y Jerome Robbins como asesor artístico asistente. Se formó un estilo de baile típico americano. Otra compañía de ballet importante es el American Ballet Theatre, que inició sus actividades en 1940. Fu Fujin, Ma Xin, Anthony Tudor, etc. El Dance Theatre de Arthur Mitchell del Joffrey Ballet de Harlem fue la primera compañía de ballet clásico negra.
El Ballet Real Danés es un destacado heredero de la tradición nacional danesa. El ballet creado por Bournonville hace cien años todavía se representa en Copenhague en su puro estilo. En el ballet danés, el sentido de tradición siempre ha sido fuerte. Del 65438 al 0932, Harald Randall fue nombrado director de ballet del Teatro Real. Todavía en 1952, organizó estudios para Francia e Inglaterra, una brillante demostración de técnica de ballet.
Los directores rusos influyentes de principios del siglo XX incluyeron a Gorsky, Puni y Fukun. Anna Pavlova encarna perfectamente las ideas de Foquin en La muerte de un cisne en 1905.
En Rusia, tras la Revolución de Octubre, Gorsky insistió en la expresividad del teatro, permitiendo a sus bailarines vivir los papeles a la manera de Stanislavsky. El ballet que originalmente se producía en la corte No está muerto. En 1927, se representó en Moscú Red Poppy. Fue el primer drama heroico de danza moderna en Rusia. Marcó la victoria de la escuela clásica, señaló los principios a seguir y el ballet clásico ganó una nueva reputación. Semyonova y Ulanova hicieron su debut. El drama de danza recién creado se centra en la estructura dramática, utiliza más danzas folclóricas y enriquece el vocabulario del coreógrafo. El ballet ruso comenzó a resurgir.
Desde 1581, Francia ha representado el Ballet de Comedia de la Reina durante más de 400 años. El ballet se ha extendido por todo el mundo y es reconocido como una parte importante del patrimonio cultural humano y se ha convertido en un arte global. Muchos países de los cinco continentes han establecido sus propias escuelas de ballet profesionales y grupos de actuación de ballet. En el mundo actual, el arte del ballet está en auge. Diferentes géneros como el ballet clásico y el ballet moderno, el ballet dramático y el ballet sinfónico compiten entre sí, y han surgido una gran cantidad de talentos y repertorios. Muchos países han ido formando gradualmente sus propios estilos y características, y han surgido nuevas exploraciones y creaciones en la expresión artística del ballet.
Cómo apreciar el ballet
Hay aproximadamente dos formas de apreciar el ballet. Uno es tradicional y el otro es moderno. En general, se defiende que el método de apreciación debe unificarse con el objeto de apreciación: es decir, utilizar conceptos tradicionales detallados para apreciar el ballet, el ballet musical y el ballet puro en los tres períodos tradicionales de "temprano", "romanticismo" y " clasicismo".
El concepto tradicional de apreciación requiere que el público llegue al teatro con media hora de antelación, deje todos los asuntos triviales y preocupaciones de la vida diaria fuera de la puerta del teatro o en el espacio secular del guardarropa, y luego se calmarán y se dedicarán de lleno al teatro. El teatro es un campo estético muy especial que nada tiene que ver con los atascos en las carreteras, los mercados ruidosos, las disputas en el trabajo o las trivialidades domésticas. Escápese del ajetreo y el bullicio de la ciudad y del estrés mental durante unas horas ingresando a países de maravillas artificiales como las Hadas, Giselle y Gabriella, y a mundos de ensueño como La Bella Durmiente, El Cascanueces y el Lago de los Cisnes. A continuación, también podemos estudiar detenidamente el programa, leer la sinopsis, reseñas relevantes, una breve historia de la compañía de danza, presentaciones del director y los bailarines y otra información relevante, conocer a las conocidas estrellas del ballet, imaginar la música embriagadora, y esperamos con ansias los lujosos trajes y la magnificencia del paisaje...
El concepto moderno de apreciación no tiene requisitos estrictos para el público, pero les proporciona una filosofía despreocupada, porque el ritmo La vida moderna simplemente no permite que el público, especialmente el público profesional, llegue al teatro media hora antes, pero enfatice que el público no necesita ninguna opinión de los antepasados durante el proceso de apreciación. Solo necesitan utilizar los diferentes conocimientos racionales. llevan consigo para comprender y participar en las ricas y coloridas experiencias perceptuales de la vida.
Según esta idea de agradecimiento, las cosas del programa son simplemente trampas tendidas por los coreógrafos, o panaceas vendidas para compensar la incoherencia del coreógrafo o del coreógrafo de ballet. ¡No es necesario que lo veas, o es mejor no verlo! No importa cómo esté "escrita" la trama. Que pueda tener éxito sólo puede depender de cómo "baile" en el escenario. En última instancia, el ballet sigue siendo danza, complementada con teatro. De lo contrario, sería imposible explicar el fenómeno de que los protagonistas masculinos del ballet saluden con frecuencia al público después de bailar un dúo o incluso una variación. Si el drama es más importante que la danza, este comportamiento no es "drama". ¿Cómo podrían el público y los críticos occidentales tolerar esto durante todo un siglo?
Este tipo de pensamiento de apreciación cree que las celebridades pueden ser apreciadas, pero no es necesario admirarlas.
¡La atmósfera de adoración a las celebridades es tan clásica! Sigue tus propios estándares estéticos en lugar de seguir las opiniones de los críticos; lo más importante es encontrar la estrella ante tus propios ojos en lugar de seguir a la multitud.
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Baile de la Corte
Baile de la Corte
Un baile de banquete y entretenimiento para el antiguo palacio y la familia real. La mayoría de ellos provienen del folklore y algunos son procesados y creados por artistas profesionales en el palacio. El contenido trata principalmente sobre emperadores que alaban sus virtudes o cantan y bailan. Las formas son limpias y hermosas, y las estructuras son rigurosas. Generalmente pertenecen al arte de esa época.