Introducción a la música

Introducción a la música clásica

Hay dos períodos importantes en la historia del arte europeo, especialmente el clasicismo y el romanticismo. El primer período abarcó las dos últimas décadas del siglo XVIII y las primeras décadas del siglo XIX; el otro período comenzó en el segundo cuarto del siglo XIX bajo la influencia de los cambios sociales y políticos provocados por la Revolución Francesa. -año. El romanticismo en ese momento estaba realmente omnipresente y un gran número de románticos destacados surgieron en diversos campos como la literatura, la arquitectura y el arte. En este programa no quiero explorar el romanticismo desde los campos de la literatura, la arquitectura, etc. Solo quiero dar una breve explicación sobre la música romántica. ¡está bien! Más cerca de casa, hablando de música romántica, esta es una categoría musical muy grande que no se puede explicar claramente en pocas palabras, por lo que dedicaré algunas semanas a presentar la música romántica en detalle. Cuando pensamos en música, pensamos en el piano, el rey de los instrumentos musicales. Durante el período romántico, a medida que avanzaba la revolución industrial, el piano también fue mejorado, adoptó una estructura de hierro fundido y engrosó las cuerdas. Este tipo de piano pudo obtener una música más rica y brillante, a partir del piano actual. A continuación, lo pruebo con el hecho de que si la época de Liszt requería que tuviera una forma diferente de expresión, pero también porque esta época le proporcionó un piano que producía efectos diferentes, este piano no se encontró en un período anterior. Pero sólo podemos encontrar este tipo de comparación en la literatura musical, y es difícil encontrarla en la sociedad real. La cancioncilla compuesta con el piano como instrumento también formó un estilo único del período romántico. Esta forma prevaleció en las primeras décadas del siglo XIX y también puede considerarse la precursora de la música romántica. Ahora me centraré en los bocetos de letras para piano. Este sketch es el equivalente instrumental de una canción, y organiza emociones líricas y dramáticas dentro de una estructura ajustada. Los títulos más utilizados para piezas para piano son: improvisado, bagatela, intermezzo, nocturno, novela corta, momento musical, canción sin letra, álbum, preludio, romance, capriccio, así como rapsodia y balada de mayor escala. Los tipos de música de baile incluyen: vals, mazurca, polka, ecosse (danza escocesa), polonesa (polonesa), marcha y danza country. Los compositores también utilizan a veces títulos de carácter fantástico y descriptivo: como "Night", "Soar" y "Fantasy" de Schumann, "Forest Whisper" y "Fireflies" de Liszt. Entre los maestros del piano del siglo XIX se encuentran el austriaco Schubert, el polaco Chopin, el húngaro Liszt, el alemán Schumann, Mendelssohn, Brahms y sus contemporáneos; en la exploración de la tecnología del piano las posibilidades y el dramatismo demuestran un ingenio sin fin. Con todo, con la aparición de formas líricas breves, los compositores pensarán que el tamaño de la música no es un estándar de la crítica de arte, y que una pequeña música hermosa y cuidadosamente compuesta puede ser comparable a una sinfonía. Nota: Pistas de apreciación: 1. "Impromptu in La bemol mayor" de Schubert (OP.90 NO.4) y "Soar" de Schumann (OP.12), que es la segunda pieza de la "Colección Fantasia". (OP.12 NO.2) "Romance en fa sostenido mayor" OP.28 NO.) 3. Chopin "Mazurca en do sostenido menor" (OP.6 NO.2) "Poloneze en la bemol mayor" "(OP. 53 "Estudio en la menor" (OP.25 NO.11) "Preludio en mi menor" (OP.28 ON.4) 4. Liszt: "Soneto 104 de Petrarca 》

Otro método de expresión del romanticismo música: canciones líricas breves. El repertorio de canciones incluye canciones populares, canciones populares y canciones artísticas, que son mucho más ricas que todos los demás tipos de música. Esto se debe a que las canciones combinan dos elementos musicales universalmente atractivos: la melodía y la voz. Piezas basadas en poesía y escritas para canto solista. En términos generales, la melodía vocal va acompañada de música instrumental. El acompañamiento instrumental cantado proporciona un fondo y apoyo armónico. Un poema perfecto es perfecto en sí mismo y no requiere el mayor grado de imaginación. Los creadores de canciones de arte romántico combinaron con gran éxito letras y música. Muchos poemas líricos han sobrevivido gracias a estas composiciones musicales. A continuación, veamos la estructura de las canciones en forma estrófica, cada sección o sección del poema se repite. la misma melodía.

Esta es una estructura muy común en canciones folklóricas y canciones populares. La primera estrofa de la canción puede ser sobre las expectativas de un amante, la segunda estrofa es sobre su alegría cuando ve a su amante, la tercera estrofa es sobre el padre de la niña separándolos violentamente y la cuarta estrofa es sobre la triste muerte de la niña, todo de los cuales usan la misma palabra. Cantan la melodía. Los alemanes llaman otra forma "durchkompoiert", que literalmente significa "creación integral", lo que significa que el proceso de composición recorre toda la canción sin repetición de toda la sección. También existe una forma intermedia, que combina la repetición de una canción en verso con la libertad de una canción completamente compuesta, con dos o tres secciones repitiendo la misma melodía y luego introduciendo nuevas melodías cuando sea necesario, generalmente introducidas en el clímax. La popular "Serenata" de Schubert es un maravilloso ejemplo de esta estructura. Aunque las canciones han desempeñado un papel destacado en varios períodos (generaciones), ahora se sabe a través de muchos documentos musicales europeos que las canciones artísticas son un producto del período romántico. La canción artística se creó a principios del siglo XIX combinando poesía y música. Schubert y sus sucesores, en particular Schumann y Brains, lograron resultados artísticos tan perfectos en esta combinación que el nuevo estilo se hizo famoso con la palabra alemana para canción: Lied. La canción artística floreció con el surgimiento de la poesía lírica. El auge de la poesía lírica fue un signo del surgimiento del romanticismo alemán. Las canciones artísticas cumplieron el deseo del período romántico de combinar música y poesía, incluidas emociones tiernas o estilos de baladas dramáticas. Los temas más utilizados en las canciones artísticas son el amor, la expectativa, la belleza de la naturaleza y la fugaz felicidad de la vida. El piano apareció en Europa como instrumento común en el siglo XIX, permitiendo el éxito de las canciones de arte romántico. El acompañamiento del piano transforma las imágenes del poema en imágenes musicales. La voz y el piano se combinan para crear formas líricas breves, emocionales y adecuadas tanto para aficionados como para artistas, y son igualmente adecuadas para cantar en casa como en la sala de conciertos. En poco tiempo, las canciones artísticas alcanzaron una gran popularidad y contribuyeron permanentemente al arte mundial. Nota: Temas de apreciación (referencia): "La bella muchacha del molino" de Schubert "El diablo" hasta Sylvia" Schumann "Los dos granaderos" "Moonlight" Brahms "Si sólo supiera el camino de regreso ""Serenata en vano" comienza el programa de esta noche con la música de la obertura de opereta del compositor austriaco Supe. En este programa continúo el tema del episodio anterior y sigo apreciando la música romántica del siglo XIX con mis amigos del público. En los últimos programas he presentado la música pionera del romanticismo: piezas para piano y canciones artísticas. Esta noche me centraré en la "música de título", una de las formas importantes de música romántica del siglo XIX. La música de título es una pieza musical instrumental con asociaciones textuales o pictóricas, cuyo contenido es sugerido por el título de la pieza o notas explicativas. El "título" simplemente lo añadió libremente el compositor. Los músicos de esa época eran muy conscientes de la conexión entre su arte y el mundo que los rodeaba. Esta conciencia impulsó su música a acercarse a la poesía y la pintura, y a relacionar sus obras con las cuestiones morales y políticas de la época. También los impulsó a explorar la forma de música absoluta (música pura) de una manera nueva. En cuanto a la música absoluta, no quiero hablar mucho ahora, presentaré la música clásica del siglo XVIII y la discutiré con mis amigos del público. La música del título recibió su impulso inicial en la ópera. La obertura sirve como introducción a una ópera (o drama) y es una emocionante pieza orquestal en un solo movimiento. Muchas oberturas de ópera ganaron posteriormente popularidad como piezas de concierto y, por tanto, destacaron por derecho propio. Esto abrió el camino a un nuevo tipo de obertura que nada tenía que ver con la ópera. Un tipo de música de título está escrita para teatro y también es muy atractiva. Generalmente consta de una obertura y un grupo de música interpretada entre actos y escenas importantes. Esta es la banda sonora. Los compositores del siglo XIX produjeron muchas de estas obras, que destacan por su pintura tonal, caracterización y efecto teatral. Las partituras más exitosas suelen adaptarse a suites. Algunos de ellos están muy extendidos. Por ejemplo, la música escrita por el famoso compositor alemán Mendelssohn para "El sueño de una noche de verano" es un ejemplo de este tipo de obra musical. A medida que avanzaba el siglo XIX, surgió una creciente necesidad de una forma orquestal a gran escala que sirviera en la era romántica lo que la sinfonía había hecho en el período clásico. A mediados del siglo XIX, la creación de la poesía sinfónica dio este paso tan esperado.

La poesía sinfónica fue una contribución original a la música instrumental a gran escala en el siglo XIX. Es el logro de Liszt, quien utilizó la palabra por primera vez en 1848. Su "Preludio" es el ejemplo más famoso de esta música. Un poema sinfónico es una pieza musical de un solo movimiento compuesta para una orquesta. Desarrolla un significado poético a través de contrastes entre párrafos, recuerda a las personas una determinada situación o crea una emoción. La poesía sinfónica también tiene un apodo muy bonito: poesía tonal. Existe una diferencia importante entre la poesía sinfónica y las oberturas de concierto. Las oberturas de concierto generalmente conservan la concepción clásica tradicional, mientras que la poesía sinfónica tiene una forma mucho más libre. La forma de un poema sinfónico es un "lienzo" para la música de un solo movimiento a gran escala que necesita el compositor. En resumen, la poesía sinfónica se convirtió en la forma más sofisticada de música orquestal a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX. Finalmente, se introduce la música del título y se adentra en el territorio sagrado de la música absoluta: la sinfonía. Por un lado, el compositor hizo todo lo posible por conservar la gran forma de Beethoven, dándole al mismo tiempo contenido literario. Así surge la sinfonía de títulos. Las obras famosas incluyen tres sinfonías del compositor francés Berlioz: "Symphonie Fantastique", "Harold in Italy", "Romeo y Julieta", "Alps" del compositor alemán Richard Strauss, "Family" y "Faust" y "Dante" de del compositor húngaro Liszt se encuentran entre las obras sinfónicas más famosas. En lo anterior, presenté brevemente los cuatro componentes de la música principal: obertura de concierto, partitura dramática, poema sinfónico y sinfonía principal, que constituyen una expresión sorprendente de la música romántica del siglo XIX. Esta forma de expresión enfatiza factores descriptivos, impulsa a los compositores a esforzarse por expresar emociones específicas y muestra la conexión directa entre la música y la vida. Nota: Pistas de apreciación (referencia): "Obertura de Romeo y Julieta", "Obertura 1812", "La cueva de Fingal" de Mendelssohn, "El sueño de una noche de verano" (obertura y banda sonora "Fantasía sinfónica" de Bo Lioz, "Harold en Italia); ", "Intermezzo" de Liszt, "Don Juan" de Richard Strauss, "Así habló Zaratustra", Obertura alemana de Thomas "Raymond", "Obertura Zeinpa" de Erold

[La "Obertura 1812" de Tchaikovsky] comienza con la Música de la "Obertura 1812" de Lao Chai en el programa de esta noche. Este es el cuarto número de Música romántica del siglo XIX. En este número, presentaremos la música del nacionalismo romántico y los movimientos románticos del siglo XIX. Los nacionalistas y los artistas nacionales están juntos, pero el nacionalista afirma su tradición nacional de una manera más consciente. En la Europa del siglo XIX, las condiciones políticas fomentaron el desarrollo del nacionalismo hasta el punto de que se convirtió en una fuerza decisiva en el movimiento romántico. La arrogancia de la nación conquistadora y la lucha por la libertad de la nación conquistada provocaron tensión en las relaciones nacionales y aumentaron las emociones nacionales. Esta emoción encontró una expresión ideal en la música. Los compositores románticos expresaron su nacionalismo de muchas maneras. Algunos compositores utilizan sus canciones y danzas nacionales como base de su música, como Chopin con su Mazurka, Liszt con su Rapsodia húngara, Dvořák con sus danzas eslavas y Grieg con sus danzas noruegas. Algunos compositores escriben obras dramáticas basadas en el folclore o la vida campesina, como la ópera popular alemana "Die Freud" escrita por Weber y la ópera nacional checa "La novia traicionada" escrita por Smetana. Del mismo modo, también se escriben óperas y ballets mitológicos rusos. de Tchaikovsky y Ryinsky-Korsakov. También hay compositores que escriben poemas sinfónicos y óperas para elogiar los logros de los héroes nacionales, los acontecimientos históricos o la belleza de la patria. La "Obertura 1812" de Tchaikovsky y "Mi Patria" de Smetana son obras representativas de esta tendencia; los dramas musicales de Wagner alaban a los dioses y héroes de la mitología y el folclore alemanes, especialmente El que se menciona es "El anillo del Nibelung" (un pionero del rock gótico). ). Este guión es una gran epopeya con la vida y la muerte de Sigfrido como tema central. También es una obra maestra. (Voz en off: esta obra también influyó en la tendencia musical del siglo siguiente) Los compositores nacionalistas a menudo combinan su música con los versos de poetas o dramaturgos nacionales. Schubert compuso música para la categoría de poemas de Goethe, así como la partitura de Grieg para Peer Gynt de Ibsen y Tchaikovsky. Ópera basada en la obra de Pushkin. Pushkin, el poeta nacional ruso, también inspiró las creaciones de Lidinsky Korsakov y Mussorgsky.

Durante esos períodos, los compositores nacionalistas podían dar expresión conmovedora a las aspiraciones de su pueblo, como lo hizo Verdi en Italia durante su lucha por la unificación, o Sibelius en Finlandia a finales del siglo XIX, como lo hicieron en la lucha contra los rusos. gobernantes. Las implicaciones políticas de la música nacionalista afectaron a los gobernantes. La ópera de Verdi tuvo que ser revisada una y otra vez para adaptarla a los censores austriacos. Cuando Finlandia exigió su independencia a finales del siglo XIX y principios del XX, el zar prohibió el poema sinfónico de Sibelius "Oda a Finlandia", con su excitante sonido de trompeta. El nacionalismo añadió un estilo nacional muy carismático y dinámico al vocabulario de la música europea. El nacionalismo permitió a los compositores expresar las aspiraciones de millones de personas infundiendo en su música amor por su país. En resumen, la conciencia nacional impregnó todos los aspectos del espíritu europeo en el siglo XIX. Sin conciencia nacional, el movimiento romántico sería inimaginable. (Continuación del número anterior) En este episodio, continúo el tema del episodio anterior (el surgimiento del nacionalismo en la música) y analizo el exotismo de la música nacionalista con la audiencia. El exotismo en la música, la pintura y la literatura revela la atmósfera y los colores únicos de tierras lejanas. Por otra parte, el movimiento romántico reforzó enormemente esta tendencia. En el siglo XIX, el exotismo se manifestó por primera vez en los pueblos del norte, que anhelaban la calidez y el color del sur, y en segundo lugar, en Occidente, que perseguían las escenas míticas de Oriente. El primero empujó a los compositores alemanes, franceses y rusos a recurrir a inspiraciones italianas y españolas en sus obras. Entre las muchas obras de este tipo, se encuentran varias obras famosas de compositores rusos: las dos "Oberturas españolas" de Glinka, el "Capriccio italiano" de Tchaikovsky y el "Capriccio sobre un tema español" de Lidinsky-Korsakov, Alemania contribuyó con la "Sinfonía italiana" de Mendelssohn, la "Sinfonía italiana" de Wolf "Serenata Italiana" y "A Italia" de Richard Strauss, las obras francesas incluyen "Rapsodia España" de Chabrier y "Sinfonía España" de Lalo. Cabe mencionar que "Carmen" de Bizet también es una obra maestra en este campo. La Escuela Nacional de Música de Rusia dio al encanto de Oriente una influencia internacional. Dado que el Imperio ruso compartía fronteras con Persia, este exotismo era en realidad una forma de nacionalismo. El trasfondo mítico de Asia impregna la música rusa. La magnífica obra orquestal de Lidinsky-Korsakov "Shehrazada" y su ópera "Satko", la ópera "Príncipe Igor" de Borodin y el poema sinfónico "En las estepas de Asia Central", "Boceto del Cáucaso" de Ippolitov-Ivanov, todas estas son obras con influencias orientales. colores, y estas obras siguen siendo populares en todo el mundo. Algunos compositores franceses e italianos también utilizaron estilos exóticos: como "Sansón y Dalila" de Saint-Saëns, "Lakmé" de Delibes, "Thais" de Massenet, "Aida" de Verdi y las óperas "Madama Butterfly" y "Turandot" de Puccini. Nota: Pistas de apreciación (referencia): Rimsky a Sakov: "Shehrazada", "Satko", "Capriccio sobre un tema español" Borodin: "Príncipe Igor", "En "En la estepa de Asia Central" Ippolitov-Ivanov "Bosquejo de el Cáucaso" Tchaikovsky: "Capricho italiano"; Glinka: "Obertura española" (dos piezas); Mendelssohn: "Sinfonía italiana""; Wolf: "Serenata italiana" Richard Strauss: "A Italia" Chabrier: "Rapsodia española" Lalo: "Sinfonía España" Bizet: "Carmen" Wagner: "Nibelung" El Anillo de la música popular checa fue fundado por Bedlic Smetana (1824-1884). Como muchos otros compositores nacionales, la vida de Smetana transcurrió en un entorno político inestable. Bajo el dominio austriaco, Bohemia estaba sumida en la agitación, lo que desató una ola de fervor nacionalista que culminó en el levantamiento de 1848. El joven Smetana se dedicó a la causa patriótica. Después de la represión de la revolución, el ambiente en Praga era sombrío para aquellos sospechosos de tener simpatías nacionalistas. En 1856, Smetana aceptó un puesto de mando en Suecia. Mientras estuvo en el extranjero, siguió a Berlioz y Liszt y se dedicó a escribir poesía sinfónica. En 1861 regresó a Bohemia, reinició su carrera artística nacional y trabajó duro para construir un teatro en Praga que actuara en el idioma nacional. De sus ocho óperas de temas patrióticos, varias todavía se representan en su tierra natal. Uno de ellos, "La novia traicionada", ganó fama mundial.

Otra obra igualmente importante que estableció la reputación de Smetana se tituló "Mi Patria", una suite que contiene seis poemas sinfónicos, escritos entre 1874 y 1879. Estas obras están empapadas del hermoso paisaje rural de Bohemia, el ritmo de canciones y bailes populares y la magnífica leyenda. La más famosa de este conjunto musical es la segunda pieza "Vltava", que es la mejor obra que Smetana escribió en el campo orquestal. En este poema sinfónico, el famoso río Moldava se convierte en un símbolo del poema lleno de imaginación musical, que suscita pensamientos patrióticos. Las instrucciones escritas en la partitura musical indican la intención del compositor. "En lo profundo del bosque de Bohemia brotan dos manantiales, uno cálido y manantial, el otro frío y tranquilo. Los dos manantiales se fusionan para formar el río Voltava". "A través de las gargantas de Bohemia, se convierte en un gran río. A través de los densos bosques, los alegres sonidos de la caza y los cuernos de los cazadores están más cerca. A medida que fluye a través de los verdes pastos y las tierras bajas, hay canciones y bailes para Por las noches, las ninfas que habitan en las montañas y los ríos juegan sobre sus brillantes olas, reflejando en el agua las fortalezas y castillos, testimonios de las gloriosas hazañas de los caballeros del pasado y de la gloria de épocas heroicas pasadas. pasa rápidamente por St. John's Strand, "y finalmente se vuelve majestuoso y tranquilo mientras fluye hacia Praga, donde es recibido por la histórica ciudad de Veserad", donde se encuentran las legendarias ruinas del castillo de los antiguos reyes de Bohemia. "Luego desapareció de la vista del poeta". Las obras completas de Smetana incluyen "Visegrad", "Río Moldava", "Salka", "Campos y bosques checos". Consta de seis partes: "Ciudad de Tapor" y "Montaña Brannik". Este trabajo se explicará en detalle en una revisión posterior. A continuación, continúa el programa de esta noche y presenta a otro escritor: Finn Sibeliuki y su "Oda a Finlandia". (1865-1957) Sibelius, al igual que Dvořák, pasó su vida acompañando la lucha por la independencia nacional. En las últimas décadas del siglo XIX, Finlandia luchó por liberarse del dominio de la Rusia zarista. De ahí surgió el arte de Sibelius, que atrajo la atención del mundo y proclamó la madurez del arte musical de su país. La reputación de Sibelius se basa principalmente en sus siete sinfonías. Los dos primeros siguen la tradición romántica y no tienen nada de especial. Los últimos volúmenes muestran un desarrollo constante hacia la simplicidad de pensamiento y la rigidez de la estructura. En estas obras, Sibelius desarrolló los grandes temas de la música del siglo XIX: la naturaleza, el hombre y el destino. Su lenguaje musical es raro porque evita la belleza sensual. Extrajo los colores oscuros y los registros de bajo de la orquesta y utilizó temas breves, profundos y adecuados para el desarrollo sinfónico. Su lenguaje musical es sencillo, conciso y conciso. Las obras orquestales y vocales escritas por Sibesliu en el primer período mostraron el estilo nacional más distintivo. En la década de 1890 compuso varios poemas sinfónicos que capturaron el espíritu de las leyendas y mitos finlandeses. Los más famosos son: "Leyenda" (1892), "Cisnes en el río Muerto" (1893), "Lemin Kaining regresa a su tierra natal" (1895) y "Oda a Finlandia" (1899). Estas obras fueron producidas durante los años de opresión zarista, cuando el patriotismo era sinónimo de revolución. "Oda a Finlandia", en particular, captó el estado de ánimo del movimiento de liberación y conmovió a las autoridades. Para ocultárselo a la policía, la música se interpretó con títulos sencillos como "Nocturne" o "Impromptu". "Oda a Finlandia" comienza con el rugido del grupo de metales en el rango de bajo, Andantesostenuto (continúa Andante). Esto establece un ambiente desafiante al comienzo de la pieza, seguido de pasajes en los que los instrumentos de viento imitan al órgano y las cuerdas dan una respuesta solemne. Conduce a un Allegromoderato (Allegro moderado) basado en un ritmo sostenido. El emocionante sonido de la trompeta parecía llamar a la gente a la acción. El ambiente de orgullo nacional continúa mientras las cuerdas tocan frases extáticas, subrayadas por agudos interludios rítmicos de metales. La primera aparición de la famosa melodía en "Oda a Finlandia" la tocan el violín y el violonchelo, reverentes y tranquilos. La melodía se ha convertido prácticamente en un himno nacional en el país de origen del compositor. Cuando regresa al final, la melodía se convierte en un himno triunfal. "Oda a Finlandia" es para Finlandia lo que "Vltava" es para Checoslovaquia. Esta música sólo puede ser evaluada objetivamente por personas de fuera, porque los compatriotas del compositor la escuchan a través de la bruma del orgullo nacional y el entusiasmo nacional. A los admiradores de Sibelius les molestó la popularidad de la "Oda a Finlandia", creyendo que oscurecía los aspectos más nobles del arte de Sibelius.

A pesar de su opinión, la pieza es un clásico querido tanto en Finlandia como en el extranjero. Sibelius fue el último superviviente de la generación de compositores de Richard Strauss, una generación cuyo papel histórico fue tender un puente en la transición de la era romántica al siglo XX. Aunque las obras de Sibelius no se han interpretado tan extensamente en los últimos años como en las décadas de 1930 y 1940, sus mejores obras se han establecido firmemente en el repertorio interpretado habitualmente. Sibelius recibió un respeto especial en Finlandia, el respeto indebido que un país pequeño tiene hacia su orgulloso hijo que se convirtió en una figura mundial. Johann Sibelius fue un músico sincero y noble cuyo arte ocupa un lugar firme en la historia. Apreciación (referencia) Título de la canción: Smetana: "Mi Patria" Sibelius: "Oda a Finlandia" El concierto se originó en Italia. Originalmente se refería a un coro con acompañamiento instrumental para distinguirlo de un coro a capella sin acompañamiento instrumental. Los conciertos son obras extensas escritas para instrumento solista y orquesta, con varios movimientos (a veces para más de un instrumento solista). El solista es el centro de atención y esta situación determina el estilo del concierto. La tensión dramática entre solista y orquesta se asemeja a la relación entre protagonista y coro en la tragedia griega. Un piano sonoro, un violín suave o un violonchelo con un timbre potente se utilizan para competir con la orquesta. La oposición de estas dos fuerzas constituye la esencia básica del concierto. El tamaño de un concierto se puede comparar con el de una sinfonía. La mayoría de los conciertos tienen tres movimientos: un Allegro dramático, generalmente en forma de sonata, seguido de un movimiento cantabile Adagio y un final glorioso. Al igual que en el primer movimiento de una sinfonía, el primer movimiento de un concierto plantea (presenta) temas contrastantes, desarrollándolos y reproduciéndolos. Pero en un concierto la tensión es doble: no sólo entre ideas contrastantes, sino también entre fuerzas opuestas, es decir, entre el instrumento solista y la orquesta. Cada tema básico puede ser tocado por la banda completa y luego transferido a la sección solista. O el solista puede tocar primero estas ideas musicales y luego Lele puede desarrollarlas. La cadencia es exclusiva del concierto. Es una sección solista imaginativa insertada en el medio del movimiento e interpretada de manera improvisada. La cadencia surgió de una época en la que la improvisación era un factor importante en el arte de la música, y este sigue siendo el caso en el jazz actual. El uso de cadencias en conciertos para solistas puede crear un efecto dramático: la orquesta entra en silencio y el solista comienza a tocar libremente uno o más temas del movimiento. Antes del siglo XIX, el intérprete era a menudo el compositor, por lo que este tipo de improvisación podía sacar lo mejor de uno. El arte de la improvisación decayó con el surgimiento de intérpretes profesionales que interpretaban la música de otras personas en lugar de crear la suya propia. Como resultado, la cadencia ha sido escrita de antemano por el compositor o intérprete. El concierto se ha convertido en una forma de expresión "placentera" que permite al intérprete desplegar las capacidades de su instrumento y su talento. El elemento virtuoso, junto con la conmovedora melodía, hacen del concierto una de las formas de concierto más populares. La próxima vez traeré al público una obra que a todos les encanta: el "Segundo Concierto para piano" de Rachmaninoff. Aunque Serguéi Rachmaninov vivió gran parte del siglo XX (1873-1943), fue un tradicionalista, con la mirada fija en el pasado romántico. Era el heredero de Tchaikovsky. Su música contiene una gran cantidad de melodías emotivas, rico lirismo, clímax dramáticos y sonidos coloridos. Uno de los principales grandes pianistas de su tiempo, escribió sin esfuerzo para el instrumento elegido y con gran gusto. En 1901, Rachmaninoff, de 28 años, completó su "Segundo Concierto para piano" y dedicó esta obra al Dr. Dyer. Este trabajo también lanzó la carrera internacional del joven compositor. Esta obra tiene una melodía alegre y fuertes sentimientos personales, lo que la hace popular entre la gente. El primer movimiento, Moderato (tempo medio) sigue el patrón de tres partes del primer movimiento de la sinfonía: exposición - desarrollo - recapitulación. Un acorde de piano de ocho compases introduce el primer tema, una melodía amplia y fluida interpretada por violines, violas y clarinetes, con los emocionantes arpegios del piano como telón de fondo. Esta idea musical se amplió y se convirtió en una ola lírica con gran poder. En el proceso, el piano se hizo cargo de la melodía, alguien le dio una letra adecuada y se convirtió en la canción más popular durante un tiempo.

Lo que es digno de mención es la capacidad de Rachmaninoff para extender una melodía. Hace que una melodía suba y vuelva a subir, alcance un pico y luego baje para formar una amplia curva. Esta es una técnica que heredó de Tchaikovsky. Una pequeña coda concluye la presentación. El departamento de desarrollo es la parte emocionante. Presenta un primer tema y un subtema, que adquieren cada vez más importancia a medida que se desarrolla el movimiento. Rachmaninoff remezcló su material en nuevas formas. Destaca el piano, crea tensión con un gran crescendo e introduce la recapitulación. La orquesta reproduce el primer tema, mientras el piano toca el subtema con potentes acordes en el registro alto. Esta sección está marcada como Maestoso, Alla Marcia (majestuosa, como una marcha), creando un efecto dramático. El segundo tema se reproduce en una configuración romántica: los instrumentos de cuerda tocan el trémolo con intensidad PPP y la trompa hace un solo de la melodía. Rajmáninov mostró aquí su fuerte introversión. La última sección se acelera y crescen gradualmente, preparándose para el final de los ff. Rachmaninoff perteneció a una generación de compositores que tenían una perspectiva más cosmopolita que los compositores nacionalistas rusos anteriores. Las canciones populares desempeñan un papel mucho menos importante en la música de Rachmaninoff que en la música de Tchaikovsky, Mussorgsky o Ridinsky-Korsakov. De hecho, el movimiento lento de este concierto se acerca más al espíritu del romanticismo alemán, es decir, a la tradición de Schubert, Schumann y Brains. Este movimiento está marcado como Adagio Sostenuto (muy lento, sostenido) y es una gran meditación lírica. Los instrumentos de viento de madera bajo y cuerdas apagadas tocan acordes muy lentamente, primero dando lugar a la melodía meditativa del piano y luego a la suave melodía de la flauta. Después de la flauta, el clarinete y el piano tocan uno tras otro, gradualmente en forma continua. Canción lírica ampliada. Hacia el clímax: la cadencia, y luego regresa el tema. El ambiente de este movimiento es melancólico y pensativo. El movimiento final, Allegro scherzando (Allegro, humorístico), cobra impulso gracias a la oposición de dos temas contrastantes. El primero es un tema con un ritmo impulsor y el segundo es una melodía conmovedora. El ritmo básico se establece en los primeros compases, que introducen la cadenza, tocada animadamente por el piano. Después de una expansión adecuada, el oboe y los violines tocan la melodía. Esta melodía muestra el carácter más alegre de Rachmaninoff. Luego, el piano toca esta melodía, desplegándola en un rango extremadamente amplio, cantando una melodía contagiosa de altibajos en armonías expresivas. Rachmaninoff utilizó aquí su técnica favorita: la mano derecha toca acordes y octavas, y la mano izquierda toca acordes arpegiados de intervalos amplios debajo. La idea rítmica se desarrolla detalladamente y luego reaparece la melodía. Después de una combinación y otra cadencia, la pieza alcanza su "culminación" romántica, esta marcada como "Macstose" (magnífico). La banda cantó triunfalmente la melodía y el piano fue decorado con acordes sonoros. Este movimiento demuestra plenamente que Rachmaninov es el sucesor ortodoxo de Tchaikovsky. Fue un apasionado portavoz del romanticismo en una era antirromántica.