Interpretación de los momentos más destacados de la persona más mala
Flores alternativas en el suelo del expresionismo
Aunque la película está adaptada de obras realistas críticas, está llena de expresionismo. Las décadas de 1920 y 1930 fueron cuando las películas europeas de vanguardia estaban en pleno apogeo, y las películas expresionistas alemanas fueron una parte importante del movimiento de vanguardia europeo. El expresionismo alemán fue influenciado por el impresionismo y se convirtió en un movimiento literario en los campos de la pintura, la literatura, la música, el teatro y otras artes. Las películas alemanas se sumergieron en esta atmósfera y se convirtieron en una forma de arte dominada por el expresionismo más tarde, y su duración también lo fue. No es largo, pero está lleno de obras excelentes y tiene una influencia de gran alcance.
Primero, la visualización de la realidad subjetiva. Las películas expresionistas a menudo persiguen la exteriorización del mundo interior, transformando el mundo real en un reflejo del yo interior a través de la deformación y la exageración. El protagonista perdió su puesto, pero realmente extrañaba el uniforme que lo enorgullecía, por lo que regresó en secreto al hotel para robar el uniforme. Cuando abrazó su uniforme y salió corriendo del hotel, estaba agotado física y mentalmente. Cuando miró hacia atrás, el edificio frente a él cayó lentamente hacia él, casi aplastándolo. Este montaje demuestra vívidamente la mentalidad desequilibrada del conserje, que está asustado y es incapaz de controlar la situación. Después de eso, se fue a casa borracho y se quedó dormido. Soñó que todavía era conserje y que tenía una gran fuerza. Podía levantar una caja pesada con una mano y realizar acrobacias frente a los clientes, provocando estallidos de aplausos. Magia imaginaria para El método de la retórica de la imagen exagera la nostalgia del protagonista por este trabajo y su falta de voluntad para quitarse el uniforme.
En segundo lugar, estilo de actuación exagerado. Las representaciones de las películas expresionistas a menudo omiten la exhibición de detalles individuales y no crean personajes tridimensionales y creíbles. En cambio, enfatizan el simbolismo y la abstracción, sustituyendo los extremos por los típicos. Aunque la actuación de Jonnings en esta película es mucho más moderada que la del "Dr. Caligari", aún mantiene las características de exageración y dramatismo. Sadur incluso creía obstinadamente que "el rostro inexpresivo de Johnnings y su actuación exagerada y rígida" arruinan la postura. El hombre más malo'”. Además, en términos de iluminación, las figuras ampliadas y la entrada oscura del baño pueden reflejar las características lumínicas de las películas expresionistas.
Como drama de cámara, "The Meanest Man" muestra otro estilo y propósito artístico distintivo que es diferente de las películas expresionistas: el realismo. En términos de imágenes, primero presenta una visión completa del entorno en el que viven los personajes. La película muestra dos vidas completamente diferentes de dos clases: una es la de los pobres, que viven en una situación difícil en la parte inferior; la otra es la de los ricos, los ricos y los mimados. El conserje se convierte en el intermediario para integrar las dos vidas. Puede entrar y salir de hoteles de lujo después de usar el uniforme y luego regresar a los barrios marginales después de salir del trabajo. Por lo tanto, el uniforme muestra su poder mágico. A través de las actividades de los conserjes, los hoteles de lujo se yuxtaponen con la vida de los barrios marginales urbanos, creando así un marcado contraste entre el lujo y la lujuria de la clase alta y la pobreza y la miseria de los ciudadanos de la clase baja. En segundo lugar, en cuanto a la ambientación de los personajes, se destaca la vida y la psicología de los pequeños. Una característica de las "películas dramáticas de cámara" de este período es que ya no se centran en locos, bichos raros y gobernantes brutales, sino que dirigen la cámara a gente corriente como trabajadores, empleados, sirvientes, etc. Debido al uso directo de personas pequeñas como protagonistas, era raro en las películas alemanas de aquella época criticar sin dudar la creación del tema principal."
La película no sólo retrata con éxito la imagen de un viejo portero, sino que también reproduce con éxito la decepción tras perder su "glorioso" trabajo original, la impotencia de tener que dedicarse a un trabajo "de baja categoría" y, finalmente, la Mentalidad arrogante de saltar a la fama. En tercer lugar, el uso de técnicas de expresión cinematográfica realista. La película utiliza mucho los planos generales, por ejemplo, cuando el portero se encuentra con niños jugando cuando va a trabajar temprano en la mañana, y cuando sube y baja las escaleras, muestra a los vecinos con un fuerte sentido de la realidad. La película incluso utiliza un plano largo fijo para mostrar el proceso en el que el conserje regresa a casa después del trabajo, el cielo se oscurece y el cielo se vuelve gradualmente más brillante después de la noche oscura. Las películas dramáticas de cámara representadas por "El hombre más malo" son un eslabón indispensable e importante en la cadena de desarrollo del cine realista alemán. Aunque nació en el terreno del expresionismo, "The Meanest Man" tiene "huesos" de realismo, lo que también la convierte en una extraña flor en la historia del cine alemán.
La innovación del lenguaje cinematográfico y televisivo
En "The Mean Man", el director Murnau utilizó la tecnología de rodaje cinematográfica y televisiva más avanzada del momento para enriquecer el poder expresivo del cine y la televisión. El lenguaje televisivo de aquella época, ha tenido una gran repercusión en Europa e incluso en Estados Unidos, "convirtiéndose en una de las películas alemanas que mayor contribución ha hecho al desarrollo de la historia del cine". Krakauer dijo sobre la película: "Debido al alto grado de flexibilidad logrado por la cámara, "The Meanest Man" influyó poderosamente en las técnicas del cine de Hollywood".
La película juega un papel importante en El lenguaje del cine y la televisión. El desarrollo en el campo se refleja principalmente en la aplicación de la tecnología de fotografía móvil. La fotografía móvil no es una creación de Murnau y otros. Tiene casi la misma época que el cine. En 1896, el fotógrafo francés Promio utilizó la fotografía móvil cuando rodó la película "Venecia Views". Más tarde, los fotógrafos dispararon en coches, trenes, aviones e incluso en teleféricos para conseguir tomas en movimiento. Durante el proceso de filmación, Murnau y el director de fotografía Karl Freund utilizaron escaleras, bicicletas, carros fotográficos e incluso ataron la cámara a los actores para liberar la cámara de un trípode fijo y "elevar la fotografía móvil a una técnica de narración visual completamente fluida".
En primer lugar, la fotografía móvil provoca ricos cambios de puntos de vista, lo que permite a la audiencia participar activamente en la situación narrativa. La lente móvil tiene más iniciativa en la narrativa, lo que lleva la atención de la audiencia a moverse continuamente con el sujeto, haciendo que la línea de visión de la audiencia, la línea de visión del personaje y el punto de vista de la cámara se "superpongan", brindando a la audiencia una sensación de inmersión. , haciendo que el vídeo sea más vívido y realista. En la película, el conserje comienza a "soñar despierto" después de estar borracho: se vuelve tan poderoso que levanta una maleta enorme con una mano y se luce ante muchos clientes. La cámara comienza a seguir al conserje mientras entra por la puerta giratoria. Después de entrar al vestíbulo, la cámara temblorosa recorre los rostros sorprendidos de los clientes, luego vuelve a acercarse al conserje que tira la maleta y luego vuelve a recorrer a los clientes. para animarlo. Este plano general en movimiento lleva al público al sueño del protagonista. La cámara se centra en las expresiones de los clientes y el punto de vista coincide con la línea de visión del conserje, porque está ansioso por ser reconocido por los clientes y quiere que otros lo admitan. que todavía es capaz de hacer el trabajo, y los temblores de la cámara y las imágenes borrosas nos recuerdan que esto es solo un sueño del protagonista.
En segundo lugar, la fotografía móvil crea tomas largas, lo que no solo le da a la película un estilo realista y ricas connotaciones, sino que también controla efectivamente el ritmo de la película, haciéndola suave y natural, pero simple y sofisticada. El conserje regresa a casa con un uniforme robado. En este momento, los vecinos se enteran de que ha perdido su trabajo original, por lo que se esconden silenciosamente detrás de la puerta para verlo hacer el ridículo. La cámara sigue al protagonista y se aleja. En primer plano aparece el conserje tembloroso y avergonzado. La escena del vecino asoma la cabeza por la puerta y la ventana y le sonríe una tras otra. Al final de la película, el director utiliza un plano general en movimiento suave para presentar la reaparición del protagonista, que puede describirse como capa tras capa de presagios y rica en color: la cámara retrocede a través de múltiples clientes en el restaurante. vestíbulo del hotel, y se ríen de buena gana de las noticias en el periódico. Finalmente, la cámara hizo una panorámica y en otra mesa, varios camareros estaban sirviendo a un invitado distinguido. Los camareros se alejaron y la cámara se giró para ver un pastel enorme. El pastel fue retirado, fue el protagonista de la noticia del periódico, el conserje original hoy se hizo millonario.
Además, el método de edición único produce una rica retórica, que aporta mucho a la película. Por ejemplo, cuando el conserje se enteró de que el gerente había cambiado de trabajo, no pudo reprimir su ira y trató de levantar una maleta grande frente a él. Como resultado, cayó al suelo y fue conectado directamente con un joven conserje que. Recogió vigorosamente la maleta bajo el viento y la lluvia. Esto puede verse como un montaje contrastante diseñado intencionalmente por el director, o como el director usa la fantasía para expresar su realidad psicológica. La recurrente puerta giratoria se convierte en "una especie de demonio interior" y un símbolo del ciclo cambiante del destino.
“¡La película ideal no necesita subtítulos!”, afirmó Murnau tras terminar la película. El lenguaje cinematográfico ha evolucionado hasta este punto, y por fin es posible dejar de lado los subtítulos y narrar de forma independiente.
Sobre el final
La película tiene una "cola brillante": el conserje recibe inesperadamente una enorme herencia, pasa de "la persona más mala" a la persona más feliz y resurge del infierno. al cielo Cielo. Los críticos siempre han tenido críticas mixtas sobre el final.
Algunos piensan que debilita la fuerza de su crítica realista y la añade más; otros piensan que realza su efecto satírico y es el broche de oro; otros piensan que "expresa dudas sobre este tipo de final feliz basado en el azar; y suerte."
La película tiene un aire onírico. La gente va al cine y proyecta en la pantalla emociones, deseos e ideales inalcanzables reprimidos en la vida real, y los realiza a través de los cambios en el destino de los personajes de la obra, satisfaciéndose así psicológicamente, desahogando sus emociones y obteniendo una mentalidad equilibrada. Las películas clásicas de Hollywood entienden esto bien y han llevado la ensoñación del cine al extremo y han producido muchas comedias y dramas clásicos. Quizás el creador de la película esté lleno de simpatía y lástima por la experiencia del protagonista, pero el autor cree que el final feliz de Murnau y Meiyu es el reconocimiento y la aceptación de los métodos narrativos de Hollywood y la rendición a la poderosa ideología empresarial estadounidense. A través de las dos películas "The Meanest Man" y "Faust", Murnau y Meiyu mostraron al mundo, especialmente a Hollywood, su habilidad en el uso del lenguaje cinematográfico y televisivo y su reconocimiento de las reglas narrativas de Hollywood, y les valieron un trampolín hacia Hollywood.