¿Cuál es la historia del desarrollo del arte europeo desde sus inicios hasta el presente?
Historia del desarrollo del arte occidental
En la larga historia antigua de Occidente, debido a que la religión ocupa la posición central del todo social y es la cohesión básica del todo, el arte No solo depende de la religión para obtener ganancias. Ha logrado un desarrollo glorioso a lo largo de la historia, y la existencia (forma y contenido) del arte en sí también está unificada con la religión: es una herramienta y un método básico de las actividades religiosas. En el estudio de la historia del desarrollo del arte occidental, sin una comprensión profunda del espíritu religioso occidental y sin considerar este espíritu como la motivación intrínseca del arte, es imposible captar verdaderamente la esencia del arte occidental desde la antigua Grecia hasta la prehistoria. Época romántica. Por ejemplo, el desarrollo del arte corporal es una tradición básica del arte occidental. El establecimiento de esta tradición se basa en los sentimientos religiosos profundamente arraigados del mundo occidental. Los artistas tradicionales consideran que hacer estatuas de personas es una tarea sagrada para hacer estatuas de dioses. Aquí vemos la unidad inherente del arte y la religión y, por lo tanto, el arte es una necesidad absoluta para la sociedad occidental tradicional.
El movimiento Renacentista del siglo XIV al XVI marcó el comienzo de la historia del arte occidental moderno. Marcó el ritmo de toda la historia del arte en gran medida y su influencia fue profunda y de gran alcance. Y en el largo río del desarrollo del arte, hay olas que se elevan en lo alto, brillando deslumbrantemente. El acontecer de cualquier cosa no es una entidad independiente, ni aparece repentinamente ni desaparece instantáneamente. La fuerza impulsora detrás de todo el Renacimiento fue el surgimiento de la incipiente economía capitalista dentro de la sociedad feudal europea, la prosperidad de la industria y el comercio urbanos y su relativa independencia o autonomía política. La base económica determina la superestructura. Después de satisfacer las necesidades materiales, la gente inevitablemente buscará un nivel superior: las necesidades espirituales. Muchos artistas famosos surgieron durante el Renacimiento, figuras representativas incluyen Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Angelita, Holanda, etc. Sus técnicas artísticas influyeron profundamente en el arte de las generaciones posteriores.
Aunque el siglo XX no es tan sofisticado como el Renacimiento, sigue siendo una época activa en toda la historia del arte, en apenas cien años han surgido muchas escuelas de arte, empezando por el fauvismo y pasando por. Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Abstraccionismo, Dadaísmo, De Stijl, Escuela Metafísica, Bauhaus, Surrealismo, Escuela de París, Expresionismo Abstracto, Nuevo Realismo, Arte Pop, Op Art, Arte de situación, arte conceptual, arte performance, fotorrealismo, Fluxus, minimalismo , feminismo, graffiti, instalación artística, videoarte, arte de los nuevos medios, era global, simbolismo, arte de vanguardia ruso, arte compositivo, Escuela de los Ocho, escultura moderna, explicación de la terminología posmoderna, hasta el diseño moderno del mundo.
Desde el brutalismo inicial hasta el diseño moderno mundial final, podemos considerarlo como una historia de desarrollo social, pero utilizando otro lenguaje formal.
Las cosas inevitablemente sufrirán cambios cualitativos cuando se desarrollen hasta cierto punto. El surgimiento del fauvismo fue una traición a la escuela académica. Mantuvieron una actitud rebelde hacia el estilo de pintura impresionista que tenía una motivación débil e insuficiente. profundidad de expresión. Continuando con la exploración del postimpresionismo de Van Gogh, Gauguin, Cézanne y otros, buscando una expresión artística más intensa. Después del estallido de la Primera Guerra Mundial, la sociedad estaba en crisis. Un grupo de personas influenciadas por la filosofía de Kant, el intuicionismo de Bergson y el psicoanálisis de Freud enfatizaron la antitradición, estaban insatisfechos con el status quo social actual y exigieron reformas y "el expresionismo se formó". Los artistas "revolucionarios" enfatizaron la expresión de emociones y sentimientos subjetivos en el arte, lo que resultó en la exageración, la deformación e incluso el tratamiento grotesco de las formas objetivas para desahogar su depresión interior y creían que la subjetividad es la única realidad que niegan. la objetividad del mundo real y se opone al propósito del arte. Es una tendencia artística especialmente popular en los países nórdicos en el campo de la pintura a principios del siglo XX. Es un reflejo de la crisis social y cultural y del caos mental. particularmente prominente en tiempos de agitación social e intensa.
Con el advenimiento de la civilización industrial y la era de las máquinas a principios del siglo XX, los artistas jóvenes generalmente están preocupados por cómo innovar formas para expresar las emociones internas y la psicología de las personas en la sociedad industrial que cambia rápidamente. El cubismo nació en un período similar al expresionismo, la diferencia es que el expresionismo expresó la insatisfacción de los artistas con la guerra y la realidad social, mientras que el cubismo se originó a partir de la teoría y la práctica creativa de Cézanne. Los artistas tomaron la "necesidad de usar" de Cézanne. solía expresar la naturaleza." Esta frase representa el ideal que persigue su arte. El cubismo es más un reflejo de la realidad social de la civilización industrial y la era de las máquinas.
La figura representativa es el ídolo nacional Picasso. Aficionado a la innovación artística de vanguardia y no renuncia a la expresión de la realidad. "Les Demoiselles d'Avignon", una increíble pintura al óleo a gran escala, no sólo marcó un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno. Desencadenó el nacimiento del movimiento cubismo. .
Si alguien se opone a la guerra, debe haber alguien que la apoye. Los futuristas son un grupo de artistas que apoyan la guerra, alaban la guerra moderna y creen que la guerra es la forma suprema de arte. Algunos futuristas sobrevivieron a la Primera Guerra Mundial y albergaron profundas ideas nacionalistas. Estas experiencias los llevaron a apoyar abiertamente al fascismo italiano. Simplemente atendió las necesidades de la política imperialista de agresión y expansión, convirtiendo al futurismo italiano en el arte oficial y en el llamado "pintor imperial" que mencioné antes. El abstraccionismo pertenece al tercer tipo. Abogan por el "desapego". En la creación artística, además del impulso de la empatía, también predomina un impulso opuesto: la "tendencia al desapego". La razón del desapego es que hay un conflicto entre las personas y el medio ambiente. Las personas sienten la inmensidad del espacio y el desorden de los fenómenos. Tienen miedo psicológico del espacio y les resulta difícil establecerse y vivir. Dado que las almas de las personas no pueden encontrar paz en los siempre cambiantes fenómenos externos, sólo pueden encontrar consuelo en el arte. Por supuesto, además de los factores para escapar de la realidad, el surgimiento de la abstracción también está impulsado por la industria, la ciencia y la tecnología.
En mi opinión, el dadaísmo fue un pequeño accidente en la historia del arte, pero también fue un cambio trascendental. El significado original del dadaísmo era oponerse al arte. La figura más famosa entre ellos fue Duchamp. Nunca tomó el arte en serio y bromeó sobre el arte serio de una manera divertida y humorística. , que siempre ha sido considerado una gran cosa por la gente, Duchamp usó sus obras de acción para decirnos que el arte no es nada. ¡Subvirtió el pensamiento inercial de la gente y tomó un urinario casualmente, colóquelo en diferentes entornos y se convertirá en una obra de arte! ! El dadaísmo tiene sus especiales razones políticas e ideológicas: durante la Primera Guerra Mundial, la vida cotidiana de la gente y su entorno fueron severamente destruidos, lo que llevó al colapso mental. La apariencia tranquila y estable de la pintura en el pasado ya no puede impresionar a la gente. Imagen visual extraña para expresar un reflejo del mundo.
Con la estabilización gradual de la sociedad, el entorno social ha mejorado enormemente. La mayoría de las escuelas de pintura que surgieron durante este período no tuvieron mucha innovación y fueron influenciadas por las escuelas anteriores. Cabe mencionar la Bauhaus, una escuela de diseño establecida en Alemania en 1919. Fue la primera escuela en el mundo creada íntegramente para el desarrollo de la educación en diseño. Aunque sólo duró catorce años, jugó un papel importante en la historia del arte, y el sistema de enseñanza superior y riguroso de la Bauhaus todavía se utiliza en la actualidad. Es una obra de arte en sí misma, tanto en apariencia como en connotación, y vale la pena aprenderla y apreciarla. Siempre ha sido conocida como la escuela de arte más influyente y controvertida del siglo XX. En ese momento, era el centro del pensamiento y el espíritu utópico. Creó el concepto educativo de diseño moderno y logró una excelencia irrefutable en la teoría y la práctica de la educación artística. La historia de la Bauhaus es el nacimiento del diseño moderno y el proceso de tender puentes entre el arte y la tecnología mecánica, dos categorías muy diferentes. El diseño nunca ha recibido tanta atención como la pintura en la historia del arte. Fue la Bauhaus la que atrajo la atención hacia el diseño, que también satisfacía las necesidades sociales de industrias altamente desarrolladas.
Entre las escuelas de arte posteriores hay que mencionar el Expresionismo Abstracto. No tuvo grandes innovaciones en cuanto a contenidos artísticos, pero fue el primer movimiento artístico que surgió en Estados Unidos. El auge de este movimiento artístico en los Estados Unidos estuvo influenciado por el deseo de Nueva York de reemplazar a París como centro de arte mundial. También es el primer movimiento importante de arte occidental después de la Segunda Guerra Mundial y goza de un estatus incomparable. Fue el comienzo de un largo período de experimentación estilística de posguerra y marcó la llegada de una nueva era. Desde entonces, el centro del arte moderno occidental se ha trasladado de París a Nueva York. El estudio de la historia del arte chino también revelará que los centros de arte a menudo representan centros económicos. Esto también refleja que con la transferencia de los centros de arte, el centro económico del mundo también ha cambiado.
Al igual que el arte pop, aunque se originó en el Reino Unido, realmente se desarrolló hasta su apogeo en los Estados Unidos. Dejando de lado la herencia cultural, la economía está controlada de manera invisible por una gran mano.
Los artistas pop estadounidenses afirman que el arte popular que practican es similar al arte primitivo y al arte indio de las Américas, y es la continuación y el desarrollo de las tradiciones culturales estadounidenses. Pop Art es también un movimiento artístico que explora la relación entre la cultura popular y el arte. Intenta derrocar el arte abstracto y recurrir a temas concretos de la cultura popular, como símbolos, marcas registradas, etc. En pocas palabras, el arte pop es el predecesor del mercado del arte de nivel inferior actual. En la década de 1960, la influencia del Pop Art comenzó a extenderse en el Reino Unido y Estados Unidos, creando muchos artistas contemporáneos. El arte pop tardío casi siempre explora la cultura popular estadounidense. Lo especial del Pop Art es que tiene una influencia muy especial y duradera en la moda. Muchos diseñadores de moda y diseñadores gráficos se han inspirado directa o indirectamente en el Pop Art o lo han plagiado. Se puede decir que si bien Pop no amplió sus estudios en el espíritu artístico, desarrolló otros caminos artísticos. La figura representativa es Andy Warhol, quien se ha convertido en sinónimo de parodia, vanguardismo, locura, popular y clásico.
Con la estabilidad social, el nacimiento de la alta tecnología también ha tenido un impacto significativo en el arte, del cual el realismo fotográfico es la mejor encarnación. Varias tendencias ideológicas que surgen en la sociedad también han afectado el desarrollo del arte. El feminismo, el fluxus, el minimalismo, el arte situacional y el grafiti son resultados de diversas tendencias sociales de pensamiento.
La llegada del arte influyente significa que la humanidad ha entrado en la era de la ciencia y la tecnología. El mayor progreso de la humanidad en el campo de la ciencia y la tecnología no es la explosión de bombas atómicas y el lanzamiento de transbordadores espaciales. pero el desarrollo de la tecnología de la información humanidad El avance más importante en el campo del arte no es la invención y el desarrollo de la tecnología cinematográfica y televisiva, sino el nacimiento de la tecnología de imágenes digitales. La imagen digital es una verdadera perfección de la ciencia, la tecnología, la cultura y el arte. Lo que sigue es el arte de los nuevos medios, que transforma el arte en un método que ya no es simplemente un espacio plano, sino que utiliza la dinámica para cambiar la naturaleza estática del arte.
El arte se desarrolla constantemente con el flujo de la historia. No importa el período del arte, los artistas utilizan su propia forma de transmitir información, que puede ser personal o social. El desarrollo del arte también está experimentando grandes y pequeñas divisiones y fusiones, así como convergencias e innovaciones. La historia del arte es otro lenguaje de la historia humana. Escribe los cambios de toda la historia en forma de belleza y traza los pasos del progreso humano uno por uno.