Música vocal de ópera
La parte vocal en una ópera incluye solo, dúo y coro. La letra son las líneas de los personajes de la obra (dependiendo del estilo, también pueden ser habladas); obertura o preludio al comienzo de la obra, las primeras óperas también tenían prólogos de dedicación (incluida la música vocal). En cada escena, la música instrumental no sólo sirve como acompañamiento del canto, sino que también juega un papel conector. Los interludios se utilizan a menudo para conectar actos, o cada acto tiene su propio preludio. También se pueden insertar bailes en la progresión de la obra. La estructura musical de una ópera puede estar compuesta de piezas musicales relativamente independientes conectadas, o puede ser una estructura unificada que se desarrolla continuamente.
Los estilos vocales importantes en la ópera incluyen recitativo, aria, aria, recitativo, dúo, coro, etc.; sus estilos de género incluyen ópera seria, ópera cómica, gran ópera, zarzuela, opereta, comedia musical, cámara. ópera, drama con banda sonora, etc. Un dúo es cuando varios personajes diferentes cantan al mismo tiempo de acuerdo con las emociones específicas y las tramas dramáticas de los personajes. Cuando dos personas cantan al mismo tiempo, se llama dúo. En ocasiones se organizan los personajes que tienen opiniones favorables y contrarias. en una sola obra; puede ser un trío, cuarteto, quinteto, hay un sexteto en "El barbero de Sevinia" de Rossini, e incluso hay un septeto en "Las bodas de Fígaro" de Mozart. a veces en grupos, un grupo de tres o cinco personas, cada una con sus propias opiniones, algunas simpatizando con Fígaro, otras simpatizando con el conde y otras riéndose del chiste. La extraordinaria habilidad del compositor se refleja en su capacidad para organizar tantas obras dramáticas diferentes. e imágenes musicales en una al mismo tiempo. El sonido armonioso y los pasajes musicales expresivos son muy diferentes de nuestras óperas.
Otra forma es el coro en escenas masivas como se mencionó anteriormente, puede ser masculino, femenino, mixto o infantil según los requerimientos de la trama.
La ópera tiene un argumento y el canto tiene letra. Su letra es inseparable del desarrollo de la música y el teatro. Por lo tanto, al introducir óperas occidentales en China, ¿es mejor utilizar la traducción o cantar el texto original para mantener su "sabor original"? Siempre ha habido dos opiniones, cada una con sus propios méritos. Después de la fundación de la República Popular China, los trabajadores de la ópera chinos hicieron grandes esfuerzos en la traducción al introducir las óperas occidentales. Aquí hay una cuestión importante, es decir, el lenguaje literario no sólo debe traducirse bien, sino también cuándo está ambientado. a la música. Sólo cuando se ajusta a las reglas de la música el público puede sentirse cómodo y ser aceptado. Esta es una ciencia y un trabajo muy arduo que requiere un traductor con grandes conocimientos musicales, o la cooperación de un traductor y un músico. bien. Mi punto de vista personal es: dado que el público viene al teatro a ver una obra, la gente debe entenderla. Al presentar óperas occidentales en China, es mejor traducirlas al chino para que la gente pueda comprender más fácilmente el dramatismo de la trama y la música de ópera en cualquier momento, y disfrutar de actuaciones que al menos nos hagan sentir cantando y actuando. El público chino siente que nuestros músicos realmente entienden el encanto de la ópera occidental. En los últimos años, la moda social es utilizar el texto original con subtítulos en chino para cantar. Aunque puede mostrar el nivel de nuestros actores cantando el texto original, puede ser favorecido por agentes extranjeros y ser invitado a actuar en el extranjero, pero As. Hasta donde yo sé, para el público, la aceptación de las óperas occidentales está más lejos y el público es más reducido. La gente pensará que olvídalo, no quieres que lo entendamos de todos modos, sin mencionar el nivel del idioma original. De hecho, nadie puede entenderlo, lo que no favorece la difusión de la ópera occidental en China.
Una forma de drama. Consiste en un texto dramático (letra) musicalizado, generalmente con acompañamiento musical cuando se canta. Además de solistas, dúos, coros y miembros de orquesta, desde sus inicios las representaciones de ópera a menudo incluían bailarines. Esta forma compleja y costosa de entretenimiento teatral musical ha sido popular entre el público durante cinco siglos. Su diferencia obvia con otras formas dramáticas es que sus líneas se cantan en lugar de expresarse con palabras. Su diferencia con los dramas de estilo musical, como las operetas y las comedias musicales, radica en la solemnidad de sus obras, la estructura estricta y la seriedad de sus obras; los sonidos que lo acompañan.
En la antigüedad existían obras que combinaban poesía, teatro y música.
Los dramaturgos griegos antiguos Esquilo, Sófocles y Eurípides ya utilizaban coros en sus obras. Los dramas religiosos medievales basados en la Biblia, como las obras de milagros y las obras de milagros, generalmente tenían algún tipo de acompañamiento musical. Estas y otras formas de teatro musical pueden considerarse las precursoras de la ópera. La ópera se originó en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI. La primera ópera fue "Dafne" coescrita por el poeta pastoral renacentista Ottavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri, que se ha perdido. El libreto de ópera más antiguo que se conserva es "Dafne". Euridice también es obra de ellos; Sin embargo, las obras de estos dos padres de la ópera fueron exploratorias tanto en género como en estructura. Unos diez años después, se estrenó la obra maestra de la ópera de Claudio Monteverdi "La favola d'Orfeo". Entre ellos, el acompañamiento instrumental se convirtió en un factor dramático; los temas de las óperas de esa época eran principalmente mitos, leyendas e historias históricas de ficción griegas y romanas. El primer teatro de ópera del mundo, el Teatro di San Cassiano, se inauguró en Venecia en 1637 y se abrió al público en general. Esto puso fin a la era en la que la ópera estaba monopolizada por la familia real y los aristócratas y promovió en gran medida el desarrollo de la ópera. Francesco Cavalli, alumno de Monteverdi, fue el compositor de ópera más famoso de esta época. Compuso alrededor de 40 óperas para la Ópera de Venecia entre 1639 y 1669, entre las que se encuentra la más famosa Para "Jason" (Giasone). El escritor de ópera italiano Pietro Antonio Cesti, que trabajó al mismo tiempo que Cavari, también escribió muchas óperas, la más famosa de las cuales es "Il pomo d'oro" (La manzana de oro). Después de mediados del siglo XVII, el género de la ópera veneciana comenzó a declinar, aunque en esta época todavía aparecían varios compositores talentosos, como Baldassare Galuppi, a quien a menudo se le llama el "padre de la ópera cómica".
Otras ciudades italianas, como Roma, pronto desarrollaron sus propios estilos locales de ópera. La ópera romana se diferencia de la ópera veneciana. No pone mucho énfasis en la grandeza del escenario. En cambio, le gusta utilizar interludios interesantes para aligerar la atmósfera trágica de toda la obra, centrándose en la obertura instrumental y los movimientos de interludio al estilo de la obertura. . En Roma también hay muchos escritores de ópera famosos, como Virgilio Mazzocchi y Marco Marrazzoli, quienes crearon la primera ópera cómica completa "Chi soffe speri" (Chi soffe speri).
En el siglo XVIII, el centro de ópera italiano se trasladó a Nápoles y surgieron varios géneros de ópera uno tras otro, influyendo así en los centros de actividad de la ópera italiana y en muchos extranjeros. El objetivo es hacer que la música obedezca a la letra para que la gente pueda entenderla. A ello contribuyeron los letristas Apostolo Zeno y Pietro Metastasio. Dominan las arias de ópera, especialmente las arias tripartitas. La ópera napolitana tiene armonías simples, es más melódica y aireada y tiene los tonos majestuosos del estilo rococó. Los escritores representativos incluyen a Alessandro Scarlatti, Nicola Antonio Porpora, Leonardo Vinci y Leonardo Leo.
En 1720, el veneciano Benedetto Marcello escribió "El drama de moda, también conocido como el método infalible de componer e interpretar la ópera italiana" (Il teatro alla moda, o sia metodo sicuro e facile per ben) compuesto eseguire opere italiane in musica), que satirizaba los crecientes estereotipos en la ópera que diluían el drama, lo que llevó a experimentos de reforma de la ópera, pero con poco éxito.
En el siglo XVII se desarrolló la ópera cómica satírica con una forma independiente. Al principio, a menudo se intercalaba entre los actos de la ópera principal. En el proceso de maduración, ha recuperado algunas de las características emocionales y serias de la ópera formal, dando así a muchas óperas cómicas una naturaleza mixta. "El barbero de Serbia", "Las bodas de Fígaro" y "El matrimonio secreto" (Il matrimonio segreto) son obras representativas de este período.
La ópera se introdujo en Francia antes de 1650. La primera ópera francesa, "Pomone", se estrenó en 1671 en la ceremonia de apertura de la Real Academia de Música (ahora Ópera de París). Pero la ópera no se convirtió en un arte verdaderamente francés hasta la época de Jean-Baptiste Lully. El italiano Lully fue a París y creó una ópera al estilo francés tomando prestadas las características del teatro y el ballet franceses. No le gustaban las arias italianas y abogó por el uso de canciones breves y animadas. Reformó el recitativo según el método de recitación de la Comédie Française y desarrolló una obertura de estilo francés. El estilo de Lully alcanzó su apogeo en las óperas de Jean-phlippe Rameau, cuyas obras principales incluyen Hippolyte et Aricie.
Después de la introducción de la ópera en Alemania y Austria en 1627, surgió la "ópera popular" y surgieron varios escritores de ópera, como Mozart, Handel, Beethoven, etc. Las principales obras incluyen "La flauta mágica". ", "La Flauta Mágica" y "La Flauta Mágica". Orlando", "Las Bodas de Fígaro", "Don Juan", "Fidelio" (Fidelio), "Il mondo della luna" (Il mondo della luna), etc. . En 1769, Ranieri de'Calzabigi y Gluck publicaron un documento importante sobre la innovación de la ópera: el prefacio de la ópera "Alceste". Creía que las arias redundantes y extravagantes de tres partes deberían ser abolidas y reemplazadas por expresiones simples y sentimientos verdaderos. El deber de la música es "servir a la poesía". Las obras representativas de Gluck incluyen "Iphigenie en Aulide" (Iphigenie en Aulide) e "Iphigenie en Tauride" (Iphigenie en Tauride). Sus ideas reformistas tuvieron un gran impacto.
Después de que la ópera se introdujo en el Reino Unido, tardó mucho tiempo en echar raíces en el país. La primera ópera inglesa fue Dido y Eneas de Henry Purcell; rompió los límites entre el recitativo y el canto. La representación de "The Beggar's Opera" finalmente acostumbró al público británico a escuchar una obra de teatro cantada en su propio idioma.
Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, la ópera cómica francesa tuvo un gran desarrollo. En 1752, se representó la ópera cómica en un acto de Rousseau "Guerre des Bouffons". Escribió la partitura en forma de popurrí, combinando melodías que reflejaban un amor romántico muy popular y actuaciones de vodevil. Estilo francés. Desde entonces, este nuevo tipo de ópera cómica ha dominado los escenarios de la ópera en París y otras regiones. Entre los dramaturgos famosos se encuentran Pierre-Alexandre Monsigny, André Gretry, Etienne-Nicolas Mehul y Francois-Adrien Boieldieu.
La ópera cómica francesa se volvió más italiana después de Boisierdieu, reflejando la influencia de Rossini. Durante este período, la ópera italiana decayó durante un tiempo y compositores de ópera talentosos como Johann Simon Mayr, Rossini, Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini crearon varias óperas famosas en todo el mundo, como "El barbero de Serbia", " Anna Bolena" (Anna Bolena), "Il pirata" (Il pirata), "I puritani" (I puritani), etc. han vuelto a ser populares.
La "Gran Ópera" se originó en París en el siglo XIX. Es una ópera a gran escala con un estilo internacional que utiliza historias históricas o ficticias como temas. magníficos disfraces, ballet y más, y varias formaciones de falange. Prácticamente prescinde de las sutilezas del bel canto y amplía enormemente la propia orquesta y su papel en el drama. La primera gran ópera reconocida fue Robert le Diable de Giacomo Meyerbeer. Después de Meyerbeer y Fromental Halevy, la gran ópera comenzó a reflejar nuevas tendencias musicales y se desarrolló hacia una variedad de formas híbridas. Los escritores de ópera franceses de este período también incluyeron a Berlioz y Offen Bach, cuyas obras principales incluyen "Orphee aux enfers" (Orphee aux enfers), "Los troyanos" y "Les Contes d'Hoffmann" (Les Contes d'Hoffmann). ) et al.
Las óperas románticas alemanas incluyen Der Freischutz (Der Freischutz) y otras obras, que son las precursoras de la música romántica alemana. Durante este período también surgieron las operetas, como John. La obra maestra de Strauss, "Bat", lo llevó a su apogeo.
Los compositores de ópera famosos posteriores al siglo XIX incluyen: Verdi, Puccini, Busoni, etc. de Italia; Wagner, Richard Strauss y Hans Pfitzner de Alemania y Austria), Schombek, Berg, etc.; , Bizet, Thomas, Jules Massenet, Debussy, Ravel.
Después de la introducción de la ópera en Rusia, la mayoría de las obras extranjeras se interpretaron al principio. Más tarde, surgieron varios compositores de ópera destacados como Mikhail Ivanovich Glinka, el padre de la ópera rusa, como Rimsky-Kosa Kov. , Borodin, Modest Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky y Prokofiev, etc.
A mediados del siglo XX, la ópera casi se había convertido en un arte de museo, en su mayoría rerepresentaciones de obras antiguas y rara vez obras nuevas. El futuro de la ópera reside, según lo ven algunos escritores, en obras de teatro similares a la ópera y otras formas operísticas híbridas que sorprenden y sorprenden al público; otros lo ven en pequeñas óperas escritas para representaciones en fábricas y escuelas; Si utilizamos la terminología narratológica estándar para distinguirla, la narrativa de la ópera a menudo "muestra" en lugar de "contar" en la superficie. Pero debido a que esta exhibición es multimedia, los estudiosos creen que tiene la misma función que contar.
A diferencia de la narrativa novedosa, la narrativa de ópera existe en dos formas diferentes: una es lo que Kier Elam llama texto "dramático" (es decir, la partitura musical y el texto de la ópera)/guión dramático), la otra es la Texto de "actuación": cada actuación diferente interpreta el texto dramático dentro de un período de la misma duración, haciéndolo intuitivo y dando a su encanto una vida vívida y tangible (Elam 1980: 3). En esencia, la obra operística en escena es una reconciliación de dos textos dramáticos, con un nivel de complejidad semiótica más o menos igual al que aporta el narrador en la novela. Muchas personas diferentes, desde los guionistas y compositores originales hasta todo el elenco, participan en la configuración de la historia que vivirá la audiencia.
Directores, conductores, intérpretes, cantantes, diseñadores (iluminación, vestuario, escenario, etc.) y otros individuos y grupos trabajan juntos para contar narrativas de ópera en el escenario a través de una variedad de medios y de diversas maneras.