¡Aprecia! ¡Las 100 pinturas al óleo más famosas de Occidente!
Desde la antigüedad, no han faltado buenas pinturas, especialmente pinturas al óleo occidentales. Permítanme echar un vistazo a las pinturas más famosas de la historia occidental. Cada una de ellas es un clásico.
1. "El beso de Judas" de Giotto 1305
"El beso de Judas" de Giotto se centra en el momento del enfrentamiento psicológico entre Cristo y Judas. La mirada firme de Cristo responde a la mirada de Judas, sólo con humildad y compasión por el traidor. En medio del tumulto de acusaciones, engaños y traiciones, Cristo permanece indefectiblemente misericordioso. Por primera vez, Giotto dio a sus imágenes motivos humanos distintos, así como una profundidad psicológica y un realismo del que carecían las pinturas tradicionales.
2. "Impuesto de plata" de Masaccio 1427
La imagen representa la historia del Evangelio de Mateo: el recaudador de impuestos le preguntó a Jesús si pagaba el impuesto. En el centro de la pantalla, el recaudador de impuestos pide dinero de los impuestos. La escena continúa en el lado izquierdo de la pantalla, donde Peter saca las monedas de la boca del pez. A la derecha, Pedro entrega el dinero de los impuestos al recaudador de impuestos. Masaccio condensó tres escenas independientes en una sola imagen, dando a los personajes emociones humanas y añadiendo innovaciones técnicas basadas en el clasicismo.
3. "Retrato de Arnolfani y su esposa" de Jan van Eyck, 1434
Este enigmático retrato doble representa la escena en la que Arnolfini y su nueva esposa toman sus votos, demostrando la extraordinaria personalidad de Jan van Eyck. Capacidad de transmitir detalle y luz. Las posturas de la pareja y los detalles inusuales tienen un significado y simbolismo únicos. Las espaldas de la pareja y del artista se reflejan en el espejo. La inscripción decorativa en latín dice: "En 1434 estuvo aquí Jan van Eyck". "Retrato del señor y la señora Arnolfini" no es sólo el primer intento de expresar la expresión profunda de nuevas pinturas al óleo, sino también el primer precedente. para pinturas de género posteriores y pinturas de interiores.
4. "La batalla de San Romano" de Paolo Uccello 1440
La obra maestra de Uccello "La batalla de San Romano" muestra logros sobresalientes en el campo de la perspectiva lineal. En primer plano están los dos bandos en guerra, detrás están las tropas con lanzas y armas y armaduras desechadas esparcidas por el suelo. El fondo está geométricamente abstraído y dispuesto en perspectiva, creando un fuerte efecto espacial. Por primera vez, Uccello exploró y resumió el "método de perspectiva de enfoque" a un nivel racional, que no sólo hizo que el arte espacial bidimensional fuera más visualmente científico, sino que también separó la gestión espacial de las pinturas orientales y occidentales.
5. “El nacimiento de Venus” de Botticelli 1482-1486
En la mitología griega, Cronos castró a Urano, y sus genitales gravemente heridos cayeron al mar, dio a luz a la bella. Venus. "El nacimiento de Venus" representa a Venus emergiendo de un caparazón dorado. El viento la llevó hasta la orilla y la bañó de rosas, mientras el hada la envolvía en su manto decorado con flores primaverales. Esta pintura es la representación del desnudo más importante desde la época clásica.
6. "Liebre" de Durero 1502
Las obras de Durero combinan la delicada y meticulosa representación del norte con el rigor científico de la escuela florentina de pintura del sur. Los meticulosos detalles de "Liebre" son extremadamente llamativos. La luz dorada que ilumina a la liebre proyecta sombras extrañas, resaltando las puntas de cada pelo individual. El extraordinario procesamiento presenta una cualidad mágica, como si el animal también estuviera pensando en el espectador. . La variedad y calidad de las obras conservadas de Durero dan fe de su importante lugar en la historia del arte.
7. "El jardín de las delicias" de Bosch 1500
El extraordinario tríptico de gran formato de Bosch "El jardín de las delicias": a través de la conexión entre perspectiva y paisaje, de izquierda a derecha a la derecha, narra todo el proceso del ser humano desde un paraíso de pura belleza, pasando por un mundo lleno de variables y luchas, y cayendo poco a poco en un infierno de pecado. La imaginación llena de fantasía tuvo un profundo impacto en el surrealismo del siglo XX.
8. "Adoración de los pastores" de Giorgione 1505
"Adoración de los pastores" es una de las pinturas de belenes más exquisitas del Alto Renacimiento. La Sagrada Familia acepta el culto de los pastores a la entrada de la cueva oscura. La suave luz que la baña simboliza a Cristo trayendo luz al mundo. María está vestida con preciosas telas rojas y azules. Los pálidos tonos dorados del cielo de Venecia y la rica atmósfera pastoral hacen que este belén sea único.
9. "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci 1506
La "Mona Lisa" de Da Vinci es sin duda el cuadro más famoso de la historia. No sólo rompe el método tradicional de composición, sino que también retrata a la mujer hasta el abdomen, presentando una imagen típica de elegancia y tranquilidad. Al mismo tiempo, el "método de desvanecimiento" se utiliza para eliminar las expresiones aburridas y rígidas de las pinturas desde la Edad Media y presentar una apariencia vívida y vivaz. Los contornos de los personajes están borrosos, como si se mezclaran con el fondo. Especialmente las comisuras de los ojos y la boca se sumergen en suaves sombras, creando un efecto artístico sutil y enriqueciendo enormemente el significado de la imagen. El reflejo de la profunda y noble calidad ideológica de la mujer también representa la dirección estética del Renacimiento.
10. "Madonna Sixtina" de Rafael 1513
Obra maestra de Rafael "Madonna Sixtina", las cortinas revelan a la Virgen abrazando al Hijo en disposición triangular. Las vestiduras de la Virgen son blancas, rojas y azules, simbolizando la pureza, el amor y la verdad respectivamente. En la parte inferior izquierda está el Papa Sixtino II, mostrando piedad y sinceridad. En la parte inferior derecha está la santa cristiana Bárbara. En un estilo lírico dulce y pausado, la pintura alaba el noble acto de la Virgen María de sacrificar a su amado hijo para salvar un mundo lleno de sufrimiento.
11. "Los Diplomáticos" de Holbein el Joven 1533
"Los Diplomáticos" es el retrato más inolvidable del arte renacentista, lleno de significados ocultos y una contradicción fascinante. La pintura muestra retratos de dos cortesanos franceses. En el meticuloso realismo, objetos como la navegación, los relojes de sol y los instrumentos musicales adquieren significados simbólicos. No sólo son símbolos de estatus, sino que también reflejan el gusto elegante de la sociedad de clase alta. El cráneo deformado en la parte inferior sirve como un recordatorio tradicional de la mortalidad, recordándonos que el éxito terrenal no tiene sentido: no importa lo que se gane, la vida eventualmente desaparecerá.
12. "El Juicio Final" de Miguel Ángel 1535-1541
El "Juicio Final" fue pintado por Miguel Ángel para la Capilla Sixtina por orden del Papa. Un enorme mural en el techo. Es de enorme escala y contiene más de 400 prototipos de personajes reales e históricos. La compleja estructura de intersecciones horizontales y verticales representa el momento en que Cristo juzgará a los vivos y a los muertos cuando venga, y aquellos que sean perdonados por él recibirán la vida eterna.
13. "El Milagro de San Marcos" de Tintoretto 1548
"El Milagro de San Marcos" muestra a un esclavo que está a punto de morir y es asesinado por el Santo Santo, el santo patrón de Venecia, que desciende del cielo. La trama redimible, de manera religiosa metafórica, simboliza la independencia de Venecia y su misión de salvar a los cristianos. La postura boca abajo del esclavo y el cuerpo invertido de San Marcos demuestran la capacidad de Tintoretto para expresar la perspectiva del cuerpo humano en rápido movimiento. La composición es fantástica, la luz y la sombra son fuertes y trasciende el estilo solemne y armonioso de la pintura renacentista, haciéndola única.
14. "Las bodas de Caná" de Pablo Veronese, 1563
"Las bodas de Caná" es una obra maestra de 70 metros cuadrados, originalmente para el restaurante del monasterio. Pinturas decorativas realizadas . Muestra a Cristo asistiendo al banquete de bodas. En el lujoso patio rodeado de edificios clásicos, cientos de invitados bebían y celebraban, con músicos y sirvientes intercalados entre ellos. Los personajes son realistas, los colores deslumbrantes y personas reales y la vida secular se mezclan en el banquete de la Sagrada Familia, presentando una escena magnífica.
15. "El saqueo de Europa" de Tiziano 1559-1962
En 1551, Tiziano creó la serie "Poesía" basada en "La Metamorfosis". Utilizando la mitología, el amor, el deseo y la muerte se presentan en forma de arte visual. Entre ellos, "El saqueo de Europa" representa la escena en la que Zeus se sintió atraído por la belleza de la princesa fenicia Europa, transformada en un toro blanco, y la saqueó hasta la isla de Creta. Fuertes composiciones diagonales y pinceladas sueltas ampliaron la amplitud emocional y las habilidades expresivas de la escuela veneciana.
16. Pieter Bruegel el Viejo, "Cazadores en la nieve" 1565
La famosa obra paisajística "Cazadores en la nieve" es el mayor logro de Bruegel en el campo del paisaje. Una vista desde la cima de una montaña nevada que domina un pueblo flamenco, con cazadores y perros de caza a la izquierda guiando la mirada del espectador hacia el vasto paisaje a la derecha. La estructura de composición ideal y el procesamiento de detalles sutiles le dan a este paisaje combinado una hermosa experiencia visual.
17. "Funeral del Conde Olgas" de El Greco 1586
El "Funeral del Conde Olgas" de El Greco es magnífico y representa dos Una escena de un santo enterrando al Conde Orgaz. La parte superior de la imagen es el cielo y la parte inferior es la tierra. El cuerpo desciende a la tierra y el alma asciende al cielo. Tonos deslumbrantes de amarillo mostaza, rojo cereza y azul tinta contrastan marcadamente con el fondo enterrado en la oscuridad. El uso de colores venecianos y expresiones corporales deformes y alargadas en las pinturas presagiaban el surgimiento del expresionismo en el futuro.
18. "Entierro de Cristo" de Caravaggio 1600
El retablo "Entierro de Cristo" es una de las obras más admiradas de Caravaggio. Representa a Cristo después de su crucifixión. , Nicodemo, María y otros lo enterraron. El fuerte naturalismo, los claroscuros de luces y sombras y la composición diagonal que rodea los acontecimientos combinan ambos matices clásicos con realismo.
19. Paul Rubens, "Guerra y paz" 1629
Paul Rubens, pintor representativo de la pintura barroca, sirvió una vez como mensajero de la paz en el cuadro político alegórico "Guerra y paz". Peace", mediando la paz entre Inglaterra y España. La diosa de la paz en el centro de la imagen, los niños en el Rincón de la Abundancia y el anillo de la rama de olivo significan que la paz trae prosperidad, riqueza, cosecha y felicidad. Con su estilo único de entusiasmo, grandeza, colores ricos y fuerte sentido del movimiento, Rubens se ha convertido en un merecido líder del arte barroco.
20. "Magdalena frente a una lámpara de aceite" de Georges Latour 1635
El pintor francés Latour fue el "maestro de la luz" en el siglo XVII "Magdalena frente a una lámpara". lámpara de aceite" "La" es su obra clásica, que representa a Magdalena sosteniendo su barbilla entre sus manos, meditando en una luz tenue y arrepintiéndose de sus pecados. La calavera sobre la rodilla es un recordatorio para afrontar la muerte, llena de sobriedad, calma y reflexión triste. La composición de la imagen es rigurosa, la expresión interior es delicada y tiene una sensación de plenitud escultórica. La luz nocturna de velas encendidas se utiliza para representar los cambios de luz y sombra de una manera extremadamente realista; la textura profunda única y la expresión espacial con un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad revelan una atmósfera misteriosa y conmovedora.
21. "La ronda de noche" de Rembrandt, 1642
Este retrato pintado por Rembrandt cuando era empleado de la Amsterdam Shooting Company muestra la hermosa escena tradicional de la tradición barroca. Rembrandt rompió con las convenciones de los retratos de grupo tradicionales mediante su uso magistral del claroscuro y las escenas dramáticas. Representa al Capitán de la Guardia liderando a los tenientes con armadura amarilla en formación. La luz, la sombra y la composición, parecidas a pinturas históricas, encarnan una maravillosa sensación de realismo, un fuerte sentido escénico y dinámico. La sinfonía visual de gestos, miradas, mosquetes y banderas, así como la gradación de la perspectiva con el color, hacen que la pintura esté llena de un encanto apasionante.
Rembrandt mezcló simbolismo y técnicas, escenas y metáforas realistas, transformando temas tradicionales y clichés en obras maestras que trascienden épocas, regiones y géneros.
22. "El pastor de Arcadia" de Nicolas Poussin, 1648
"El pastor de Arcadia" de Nicolas Poussin muestra el sol poniente, el legendario En Arcadia, cuatro personas discuten alrededor de la lápida. La inscripción en latín en la lápida es "Estoy allí incluso en Arcadia". Los pastores y las pastoras forman un contraste emocional visual. Los trajes al estilo de las esculturas griegas, el triste ambiente pastoral y las sublimes técnicas de expresión artística inspiran nostalgia por el pasado y también contienen discusiones y pensamientos más profundos sobre la "muerte".
23. "La Meninas" de Velázquez, 1656
La pintura altamente contagiosa de Velázquez, "La Meninas", utilizó el espacio reflejado en el espejo para registrar su propia pintura Escenas del Rey de España. , y momentos ocasionales de la repentina intrusión de la Princesa. Esta "pintura al óleo sobre pintura al óleo" cuidadosamente construida utiliza perspectiva, geometría, ilusiones ópticas, etc. para presentar un espacio de múltiples capas y ricos efectos visuales. Velásquez encontró un significado independiente para el creador. Todos los elementos avanzados de la creación moderna de vanguardia se pueden encontrar en la pintura, que continúa inspirando a los creadores de arte posteriores.
24. "El arte de pintar" de Vermeer 1666
"El arte de pintar" es el representante de las habilidades pictóricas de Vermeer, es rico en muchos elementos filosóficos y invita a la reflexión. .
El pintor, de espaldas al espectador, mira al modelo mientras pinta. La ropa y las posturas de los personajes, los objetos y el mobiliario de la habitación, todos los detalles son precisos, vívidos y meticulosos. Vermeer intenta expresar su talento, fuerza, habilidades y gusto a través de esta pintura, así como su control sobre las tendencias de la moda y las connotaciones clásicas.
25. "Ascanio cazando el ciervo de Sivia" de Claude Lorraine, 1682
La pintura cuenta la historia del mito clásico "La Eneida". Mientras Ascanio cazaba, Juno, enojada, dejó que su flecha matara al ciervo de Silvia, la hija de Delos, lo que desencadenó la guerra. Lorraine utiliza una atmósfera poética idealizada para mostrar la calma antes de la tormenta. La luz confiere a la forma una cualidad brillante y luminosa. El majestuoso paisaje y el horizonte brumoso crean una atmósfera ligeramente triste. Lorraine está a la vanguardia del desarrollo artístico en su tratamiento y comprensión de la luz.
26. "El barco a la isla de Cetus" de Watteau, 1717
La isla de Cetus es una hermosa isla donde juegan los dioses del amor y la poesía en la mitología griega. Watteau transformó sus pinturas en historias de fantasía románticas y oníricas. Se centra en una pareja de hombres y mujeres aristocráticos que se preparan para abandonar la isla de Cetus. Los amantes que estaban bajo el hechizo de amor se quedaron frente a Venus, y la mujer que estaba a punto de partir miró hacia atrás de mala gana. El codiciado paisaje paradisíaco y el amor eterno son, después de todo, sólo un espejismo, y una atmósfera melancólica de estilo rococó llena el espacio cómico.
27. "Oración antes del almuerzo" de Chardin 1740
"Oración antes del almuerzo" de Chardin es una obra maestra de la pintura de género del siglo XVIII, completamente diferente del pretencioso rococó del siglo XVIII. tiempo, mostrando una escena tranquila y piadosa en casa. La joven, vacilante durante sus oraciones previas a la comida, miró a su madre desconcertada. La atmósfera sencilla y piadosa está llena de emociones implícitas pero fuertes. La textura gruesa y rugosa de la imagen se acerca más a la textura original de la vida real y captura momentos tiernos que son fáciles de ignorar en la vida cotidiana.
28. "Bienvenida al embajador de Francia en Venecia" de Canaletto, 1740
El vasto paisaje de Canaletto "Bienvenida al embajador de Francia en Venecia" muestra al embajador de Francia en Venecia en 1726 cuando llegó el conde Gorki. para Venecia, era una escena grandiosa y solemne. Expresiones arquitectónicas de fuerte perspectiva, caleidoscopios de paisajes y detalles infinitos, cielo dramático y sombras de nubes, realzan góndolas ricamente decoradas y multitudes uniformadas.
29. William Hogarth, "Poco después del matrimonio" 1743
Hogarth es el retratista y satírico más influyente de la historia del arte británico. "No mucho después del matrimonio" es la segunda de seis pinturas de "Fashionable Marriage". El señor borracho y somnoliento todavía vestía la ropa de la noche anterior, mientras su esposa se estiraba. Su disgusto mutuo quedó claramente expuesto en la relación, y el mayordomo se iba enojado. La sátira revela las desventajas de los matrimonios concertados para las mujeres aristocráticas en el clima social de la época, y también muestra la sensibilidad, la perspicacia y el talento del artista.
30. Thomas Gainsborough, "Mr. and Mrs. Andrew" 1750
Gainsborough es famoso por sus representaciones de paisajes pastorales británicos. La obra representativa "The Andrews" sitúa a los recién casados a un lado del cuadro, con su gran propiedad privada al fondo, y el maíz simboliza la fertilidad y la exuberancia. Los Andrews y el artista se conocen desde la infancia y fueron compañeros de clase en la escuela secundaria, pero su relación nunca ha sido igual. La fuerte división social generó la arrogancia y el desprecio sin escrúpulos de la pareja por el artista.