Maestro del Drama Mesler

"Una breve historia de la música popular occidental" editado por You Jingbo (Editorial de la Federación China de Círculos Literarios y Artísticos)

"Guía de música popular europea y americana" editado de Wang Lei (World Book Publishing House)

"La sensación de la piel oscura" de Chen Mingdao (World Knowledge Publishing House)

"Historia de la música jazz" (EE. UU.) Frank Tiro (People's Music Publishing House)

I Love Jazz (EE. UU.) Lauren Clark (China International Broadcasting Publishing House)

"Crazy Rock" editado por Hong Man y Hong Liang (Current Affairs Publishing) House)

"Rock Pioneer (USA)" de Harry · Samoro (China Youth Publishing House)

Música rock apasionada del siglo XX, editado por Cheng Gong (World Book Publishing House)

Temporada de carnaval—— Hoy se publica "El huracán de la música pop del siglo" (Editorial del Pueblo de Guangdong).

Blues que puedes usar (EE. UU.) John Gnapps (Publicado por Hal Leonard)

Blue Piano Method (EE. UU.) Ron Payne (Publicado por Hal Leonard) )

"Tutorial de autoaprendizaje sobre guitarra de blues", editado por Liu Chuan (China Drama Publishing House)

Hualin "Modern Jazz Harmony and Piano Improvisation Techniques" (Shanghai Music Publishing House)

También puedes tocar jazz y blues (Provincia de Taiwán) Guo Zhengquan (Editorial de Arte y Literatura de Hunan)

Aprende a tocar la guitarra tú mismo fácilmente (EE. UU.) Blake Neely Jeff Schroeder (Nanhai Publishing Company)

Fácil de aprender a tocar el teclado (EE. UU.) Blake Nelligeri Messler (Nanhai Publishing Company)

Fácil de aprender a tocar el bajo eléctrico (EE. UU.) Blake Nelligeri Messler (Nanhai Publishing Company) )

Batería fácil de autoaprendizaje (USA) Blake Nerick Mattingly (Nanhai Publishing Company)

Kobayashi Katsumi Rock Electric Guitar Classroom High School and Low Complete Set (Japón) Kobayashi Katsumi (Material didáctico interno)

Bajo Bible (EE.UU.) Paul Westwood (Jilin Audio and Video Publishing House)

Guitarra solista de heavy metal (EE.UU.) Joey Standina

Guitarra rítmica de heavy metal (EE.UU.) Joey Standina

"Scrabble and Scramble Dictionary"; Picking Patterns (EE.UU.) Fred Sokolow (Publicado por Hal Leonard)

Nueva edición de Harmonic Acoustics - Harmony Textbook compilado por Shen (Shanghai Music Publishing) House)

"Música popular y armonía del jazz" de Ren Damin (Editorial de música popular)

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Técnicas de armonía de música pop de Tsai (Editorial de música de Shanghai)

Libro de texto de la Escuela de Música Contemporánea y Acústica de Berkeley (EE. UU.) (información interna)

Compilado por el libro de texto del curso de música del Berklee College of Modern Music (EE. UU.) (información interna)

Prólogo

La música pop europea y americana es colorida y floreciente, ya sea blues, jazz, country, rock, soul, pop, música mundial, reggae, gospel, new age, música dance, hiphop y contemporánea. Todos los RNB tienen sus propios escenarios, con sus propias expresiones y encantos únicos. Constituye una colorida cultura de música pop contemporánea europea y americana. Cada oyente puede encontrar su forma de música favorita y sumergirse en ella. Aquellos a quienes les gusta escuchar blues pueden liberar sus corazones en el blues, aquellos a quienes les gusta el rock pueden perseguir a sus propios héroes del rock y olvidarse de sí mismos con la música fuerte, aquellos a quienes les gusta el pop pueden ser cariñosos y aquellos a quienes les gusta el hiphop rnb pueden seguir el ritmo y sigue el ritmo de un rap hiphop. . . Cada uno puede encontrar su propio espacio musical para liberarse. Pero no importa qué forma de música, se puede decir que se compone principalmente de tres elementos musicales básicos. Se trata del blues de los africanos negros, la música country de los blancos del oeste americano y la música modal del sistema tradicional de pequeña y gran escala en Europa durante cientos de años. Además, también absorbe elementos de la música nacional de todo el mundo, como la música latinoamericana. Estos tres elementos son como los tres colores primarios del arte, se interpenetran y complementan entre sí, creando la colorida cultura de la música pop moderna europea y estadounidense.

Hoy en día, un músico europeo y americano no merece ser llamado músico si no comprende el blues y la armonía moderna desarrollada a partir del jazz. Incluso en las obras orquestales estadounidenses contemporáneas, también se utilizan ampliamente métodos musicales modernos desarrollados a partir del jazz, como la armonía moderna, los timbres de sintetizadores, los instrumentos electroacústicos y la batería de jazz. Debido a que el arte de la música no es estático ni está fijado en un tiempo y espacio determinados, se desarrolla con el desarrollo de los tiempos.

¿Cómo expresar los pensamientos de la gente moderna sin utilizar un lenguaje musical moderno y medios modernos? ¿Vida moderna, ritmo moderno? ¿Las alegrías, tristezas y alegrías de la gente moderna? ¿Los conceptos estéticos de la gente moderna? ¿La productividad científica y tecnológica de la gente moderna? ? Desafortunadamente, la mayor parte de nuestra educación académica todavía está estancada en el sistema de conocimiento de la música clásica. En la escena musical china, las obras son las mismas y la mayoría de las canciones son las mismas. La razón es que los lenguajes musicales utilizados son todos elementos tradicionales con funciones grandes y pequeñas y sistemas de armonía basados ​​en la tonalidad y el modo, y también hay algunas cosas en China con modos nacionales que configuran la armonía junto con las funciones y la armonía tradicionales. sistemas. Este modelo tradicional de música se ha escuchado durante cientos de años y es realmente difícil traer algo nuevo a los oídos de la gente moderna. La armonía moderna absorbe las técnicas del jazz y el blues sobre la base del clasicismo, haciendo la música más colorida y contrastante, cambiando el sentimiento solemne y estereotipado de la armonía tradicional que enfatiza la armonía.

El desarrollo de la electroacústica moderna ha cambiado enormemente la tecnología y los principios de la orquestación tradicional. Cualquier producto musical debe utilizar electricidad para grabar y restaurar. El reprocesamiento de obras musicales por parte de ingenieros de sonido es una intervención directa de la tecnología moderna en el arte musical, que cambia directamente el principio de orquestación. Por ejemplo, la orquestación tradicional presta atención al equilibrio del volumen. Por ejemplo, dos trompetas deben equivaler a cuatro trompetas y ocho instrumentos de viento deben equivaler a dieciséis violines para lograr el equilibrio de volumen. . . . . . Hoy en día, una guitarra acústica puede sonar más fuerte que toda una orquesta sinfónica. Los métodos de orquestación tradicionales prohíben las quintas paralelas porque el efecto de sonido está vacío; los fuertes acordes de heavy metal de las guitarras eléctricas modernas son exactamente paralelas a las quintas porque los efectos de la guitarra y los altavoces están conectados entre sí. Este tono distorsionado produce una gran cantidad de sonidos ricos en espectro. Los armónicos no sólo son huecos sino incluso ruidosos. La intervención de la electroacústica ha provocado cambios revolucionarios en la orquestación tradicional en términos de textura musical, organización y orientación de la banda, equilibrio de volumen y contraste tímbrico. Los hermosos y versátiles tonos producidos por las modernas unidades de efectos y sintetizadores analógicos han ampliado enormemente el concepto de orquestación. Desde que los Beatles comenzaron a explorar, crear e innovar, los factores electroacústicos han jugado un papel cada vez más importante en la música moderna.

Además, debido a la debilidad de la educación y el conocimiento musical chino, así como al limitado nivel de apreciación de la música china, la industria discográfica atiende ciegamente la demanda del mercado y la calidad de sus obras es baja. Imaginemos que en Alemania una educación de calidad exige que cada estudiante domine dos instrumentos musicales. ¿Existe todavía mercado para productos musicales de mala calidad? Además, también existen factores internos, como conceptos culturales y conceptos humanísticos, que impiden que la escena musical china produzca obras maestras clásicas como la música pop europea y estadounidense. Por lo tanto, es necesario agregar algunos conocimientos nuevos, nuevos elementos musicales y nuevos métodos musicales para mejorar el nivel de apreciación y enriquecer el mundo espiritual. En vista de esto, este artículo presenta sistemáticamente varios estilos de música pop europea y estadounidense contemporánea y algunas obras representativas, con el fin de inspirar a las personas e iluminar su pensamiento.

Uno. Música blues

El blues siempre ha desempeñado un papel importante en el desarrollo de la música pop europea y americana: desde las canciones folklóricas hasta las óperas, desde las canciones pop hasta las sinfonías, desde los himnos hasta la música rock, desde el jazz hasta la música country, todos están influenciados por la influencia del blues. De hecho, desde la música rugiente del jazz hasta la música pop y rock actual, hay pasión, improvisación, cambio y relleno continuos en el marco de acordes repetitivos, que es el tarareo improvisado arraigado en el blues.

Blues, blues, originalmente significaba “tristeza, melancolía”. A menudo se le llama Bruce por transliteración. Es una forma de canto producida por los negros después de la Guerra Civil estadounidense, como "canciones laborales" y "canciones gospel" en las iglesias. Tenga en cuenta que esta es una forma de canto, no una forma instrumental. Después de la Guerra Civil, los negros fueron liberados, pero todavía no tenían trabajo, vivienda digna ni derecho a la educación, y fueron empujados al final de la escala socioeconómica. Por lo tanto, cantaron notas de blues africano en el trabajo, sermones y funerales para expresar su insatisfacción y tristeza internas. La forma utiliza una persona para dirigir el canto (capataz o pastor), todos hacen eco y repiten, y cambia ligeramente la melodía original, agregando muchas notas de gracia y glissandi a los que los negros están acostumbrados. Este tipo de canción de "trabajo" de "llamada y respuesta" es el "blues" más original y original.

Más tarde, para expresar sus emociones personales, su amor, odio y sufrimiento, algunas personas negras sin hogar y artistas callejeros pasaron a tocar y cantar solos, y aún heredaron la "canción del trabajo". "Lloro-respuesta", pero el método de respuesta se cambia a música instrumental (generalmente guitarra), y la letra se basa en el simple principio de "tres poemas". La canción es una especie de música improvisada, llena de tristeza y desolación. Cantar es gratis. Los músicos tocaban y componían, los cantantes tocaban la guitarra y escribían sus propias letras, y se oían gritos y llantos.

Los instrumentos de acompañamiento incluyen guitarra, armónica, etc. , y a menudo imita voces humanas (el deslizamiento de la armónica de blues es muy distintivo), haciéndose eco de las canciones. Más tarde, algunas personas llamaron a este tipo de elegía "blues". Este tipo de blues que entra a la ciudad refleja principalmente el sentimiento de la vida urbana. Su estructura es fija, en compás de 4/4, y 12 compases se dividen en tres frases, lo que se denomina estilo blues de tres frases. El poema que rima de dos versos se divide en tres versos, uno cada cuatro compases, y el segundo verso se repite para dar tiempo a que se desarrolle el tercer verso, el segundo verso de poesía rimada. El acompañamiento puede ser una banda, algunos pueden utilizar un piano y el acompañamiento y las armonías tienden a estar estandarizados. Aquí está la forma más básica de blues: el blues de 12 compases.

Forma: A | A'; | B |

Parte: 1234 | 9 10 1112

Armonía: I I-| V IV I V |

En el desarrollo del blues, por un lado, se debió a que se unió al acompañamiento de la banda y evolucionó hacia el jazz instrumental, y al mismo tiempo, la síncopa de la música "random beat". como el ragtime Características, formando un swing típico del jazz. Uno de los ritmos de blues más comunes es el Shuffle (cambiando la duración de las notas de la tradicional mitad a una tercera y tocando las dos octavas como 2/3 y 1/3 de tiempo) y el Boogie-Woogie aporta más energía al ritmos de jazz. Entonces se puede decir que sin el blues no habría jazz. A través de la evolución de los años, la experimentación de los músicos y la influencia mutua de varios tipos de música, las escalas, acordes, ritmos, etc. utilizados en el jazz se han vuelto más diversos, dando como resultado una variedad de estilos de jazz.

Por otro lado, el ritmo de una rama del blues va tomando cada vez más fuerza, cambiando la tradicional velocidad lenta a velocidad media, debilitando su expresión y melodía melancólica original, y formando un ritmo con nuevas características blues. . (Rhythm &Rnb) es el predecesor de la música rock. El volumen suele amplificarse a un nivel muy alto con un altavoz y el ritmo es fuerte y áspero. Utilizando instrumentos electroacústicos, piano, guitarra eléctrica, saxofón, contrabajo y batería, la voz del cantante es áspera y ronca, y a menudo utiliza gritos y cantos deslizantes para expresar su experiencia emocional personal. La música rock de las décadas de 1950 y 1960 era en realidad ritmo y blues, y puedes escucharla en los discos de Elvis Presley de esa época. Tenga en cuenta que este ritmo y blues clásico (RnB clásico) todavía tiene características de la música blues, como el uso de escalas de blues y formas tradicionales de blues. ¿Rytm and blues moderno (RnB moderno) que ahora se escucha por todas las calles, o RnB urbano, como los llamados cantantes de RnB, Brandy & Monica y Brian? Los chinos siguen la música de Jay Chou, JJ Lin y otros. De hecho, ya no es realmente ritmo y blues. Si insistimos en un análisis teórico, sólo podemos considerarla música negra comercial que ha sido blanqueada por el mercado de la música pop. Entre ellos, no encontramos el blues de blues y el blues con características de blues. En ocasiones podemos encontrar algunas notas de blues sacadas a relucir durante el canto, enfatizando el ritmo de revés como cuerpo principal. De hecho, el RnB contemporáneo es una música negra que combina ritmos funk (con muchos riffs y cambios de acento en semicorcheas) y canto soul. En Estados Unidos, debido a la discriminación racial, toda la música negra se llamó RnB (Rhythm and Blues) durante un tiempo, razón por la cual todavía se llama RnB después de convertirse en la forma más convencional de música pop contemporánea, pero es diferente. desde el significado tradicional. La revista Billboard definió una vez el RnB como: Excepto el jazz y el blues, toda la música negra puede clasificarse como RnB, lo que muestra cuán amplio es el alcance del R&B.

Pero no todo el Rhythm and Blues es así, como los dos trabajos ganadores del Grammy en 1997: ¿Eric? ¿"Cambiar el mundo" de Eric Clapton Band y Tracy? "Give Me a Reason" de Tracy Chapman (Caso 17) es una obra representativa del Rhythm and Blues moderno, que incorpora elementos de la música pop manteniendo las características del blues. El ritmo y el blues, como una de las fuentes importantes de la música rock, se ha convertido en testigo de la historia. Después de influir en la música rock, su propio desarrollo continuo también la ha convertido en una de las músicas más queridas en el mundo de la música pop actual.

El blues se originó a partir del canto, y posteriormente se le añadió acompañamiento instrumental. Desde el principio, la música blues tuvo un aspecto muy vocal. En el blues, las notas 3, 7 y 5 deben cantarse muy bajo para apreciar el blues. Estos niveles degradados son los tonos estilísticos de Brewster y se denominan escala de blues.

También conocido como Bruce o Yuan Yin. Los tonos de estas tres notas son bajos e inestables, lo que se debe a una mala intuición y cambios emocionales durante el canto. Los tonos de estas notas se mueven entre notas estándar y notas bemoles de manera melancólica o curva. Sólo por simple notación, a menudo se escribe como una nota plana. El tono no fijo es una característica del blues, a partir del cual produjo muchas interpretaciones de improvisación libre. Debido a que la inestabilidad del tono es una característica importante del blues, y debido a que el blues se originó a partir de la música vocal más que de la música instrumental, permite el uso de tonos no promedio, como diapositivas, vibrato irregular, curvaturas de cuerdas, etc., lo cual es especialmente obvio en guitarras.

El estilo de canto del soul también tiene sus raíces en la música black blues, abogando por la libertad en la melodía y la flexibilidad en el ritmo. El estilo de canto es muy improvisado. Los cantantes de soul a menudo solo siguen el marco general de la melodía al cantar, improvisando a menudo una gran cantidad de cadencias en partes largas o intermitentes de la melodía, o modificando la melodía con portamento o portamento al final. Puedes sentir claramente esta característica al escuchar a Whitney Houston y Mariah Carey. El canto Rnb moderno hereda las características del canto soul, con ritmo y tono libres, siempre que no viole la melodía principal,

todos los cambios son razonables.

Así que en la música vocal, el blues da libertad al estilo de canto. Asimismo, musicalmente su escala única de blues también le brinda la posibilidad de libertad musical. La libertad es un concepto muy importante en los valores estadounidenses, por eso el blues y el jazz están tan profundamente arraigados en el corazón de la gente. Se puede decir que perseguir la libertad está en consonancia con la naturaleza estadounidense. La escala de blues es una escala mixta, lo que significa que la escala realmente proviene de dos escalas, la escala mayor y la escala menor de la misma tonalidad. Es decir, la escala de blues tiene propiedades tanto mayores como menores. Toma prestadas notas de ambos modos, pero no es estrictamente mayor ni menor. Es ambiguo, tolerante y compatible. Se puede combinar con acordes mayores para crear un blues mayor, o se puede combinar con acordes menores para crear un blues menor único. (La forma mayor de la escala fundamental de blues 1 b3 4 b5 5 b7 1 se considera la forma menor 61b3356). La tercera nota del blues es una nota menor, lo que le da un matiz de tono menor. Cualquier acorde de blues progresivo, I7 (1 3 5 b7) y IV7 (4 6 1 b3), utilizan respectivamente dos formas de notas de tercer grado (3 y b3), por lo que estos dos acordes están "opuestos" entre sí. Sí, viola ¡El principio de la escala diatónica! Así que el blues no sólo es estrictamente mayor sino también estrictamente menor. Toma prestados billetes de dos modos. La tensión del blues es causada por la confrontación entre la melodía de 3 bemol en 3er grado mayor y el acorde I7. B5 y b7 son iguales. En los períodos de "canción de trabajo" y "canción gospel", el blues tenía una sola melodía, y más tarde se añadió la armonía del sistema de modo musical europeo como acompañamiento, aunque la armonía del blues parece una tonalidad mayor a primera vista, lo es; en realidad ni una tonalidad mayor ni una tonalidad mayor. Tampoco una tonalidad menor, sino un "blues" único. Al principio, se utilizaban principalmente acordes de séptima, incluidas notas de blues: i7-IV7-V7-i7. A medida que avanzaba, las armonías del jazz blues se volvieron cada vez más complejas.

Por un lado, el blues fue absorbido por el jazz y se convirtió en una parte importante del jazz, por otro lado, como rama de la música popular, todavía se está desarrollando y continúa influyendo en otras formas de música popular;

El blues se originó a partir de la música folclórica negra, y la fuente de su canto determina sus características coloquiales y sus características vocales naturales. Su canto brusco proporcionó un modelo para el canto popular, y su escala única no estaba limitada por la música clásica tradicional. Durante los siguientes cien años, corrió por la escena musical como un caballo salvaje, ¡dejando sus huellas por todas partes! ! A lo largo de la historia de la música popular, el jazz, el rock, el soul, la música country estadounidense, la música rap y el R&B contemporáneo han sido influenciados por ella. Liberó el pensamiento de los músicos del estricto y rígido contrapunto armónico de la música modal clásica y restauró la forma de cantar del método de canto artístico occidental que enfatizaba el embellecimiento de la cavidad hasta el estado vocal natural más simple y humano, logrando el Regreso a la naturaleza. Se puede decir que el blues es la fuente de la música pop moderna. Por eso, todo músico, ya sea cantante o compositor, debería saber más sobre el blues.

Varios representantes de diferentes épocas de la historia del blues:

1. El compositor William Christopher Handy es conocido como el "padre del blues". Combinó el blues con la música ragtime, haciendo que el blues originalmente circulara entre los negros y fuera aceptado por oyentes de diferentes clases.

En 1960, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello conmemorativo en reconocimiento a sus contribuciones.

2. Bessie Smith (1894-1937)

Bessie Smith es la cantante de blues más famosa del período del blues clásico. Nació en Tennessee, Estados Unidos, entre 65438 y 0894. Al principio, Bessie se ganaba la vida cantando en clases de vodevil y clubes nocturnos. En 1923, el productor de Columbia, Flack Volcker, descubrió su potencial e hizo su primera grabación. Inesperadamente, este disco vendió 2 millones de copias tan pronto como se lanzó. Columbia Records vio que esto sucedía e inmediatamente la contrató y la elogió como su mejor cantante. Las canciones de Bessie cubren una amplia gama de temas, incluidos problemas sociales, humor libertino, confesiones sexuales explícitas y canciones de gánsteres. Debido a que dominó la tendencia de la música blues en la década de 1920, la gente la llamaba la "Reina del Blues". Después de 1929, su carrera musical entró en declive. Para conquistar al público blanco, comenzó a grabar canciones pop blancas. Pero en este momento, el mercado de la música blanca ha sido ocupado por el cantante country Jimmie Rodgers (consulte la sección de música country para más detalles). Bessie no fue rival para Rogers y no logró ganar el mercado blanco. Cuando miró hacia atrás, se dio cuenta de que había perdido una vez más a su público negro. Así que nunca grabó nada después de 1933. El 26 de septiembre de 1937, Bessie conducía ebria y chocó con un camión en la carretera. Le arrancaron viva el brazo y murió a causa de las heridas.

3. Lemon Jefferson (1897-1930)

Raymond Jefferson, un cantante ciego de Texas, era un gigante del blues. A finales de los años 20, dejó 81 discos de música blues. Raymond Jefferson era ciego desde pequeño, pero tenía mucho talento para la música. Aprendió a tocar la guitarra por su cuenta desde pequeño y cantaba en la calle. Fue artista callejero antes de 1926 y llegó a Chicago en el apogeo de la migración negra hacia el norte. Los comerciantes de discos pronto descubrieron a este talentoso cantante que sabía tocar la guitarra, cantar, escribir letras y arreglar música: "Blind Raymond" (como lo llamaban en el círculo del blues). Raymond cantó canciones tradicionales de country blues. Su estilo es más ligero, con guitarra y voz haciendo eco entre sí. Sus letras se centran más en el estilo y no tienen palabras vulgares. Con la promoción de la compañía discográfica, Raymond pronto se convirtió en un nombre familiar y ganó una enorme riqueza. Pero gastó mucho dinero en placer, despilfarrándolo en mujeres y vino. Una noche de invierno de 1930 terminó de grabar su último disco y se dirigió a una discoteca. Por alguna razón desconocida, el conductor no fue a recogerlo. Caminó solo a casa y al día siguiente lo encontraron muerto congelado en la nieve. Tenía 33 años.

4. Charlie Patton (1885-1934)

Charlie Patton (Charlie Patton), nacido en Cleveland, Delta del Mississippi, en 1885, fue un líder de la escena musical blues en el principios de la década de 1930. Cifras representativas. Button había sido frágil y bajo desde que era un niño, por lo que la gente lo llamaba "Botón Corto". Patton aprendió por sí mismo a componer música, absorbiendo nutrientes de su propio entorno de vida y componiendo varias canciones. Reformó la tradición musical y fortaleció su propia personalidad. La mayoría de sus canciones están relacionadas con sus propias experiencias. El tema de la tristeza del blues está omnipresente en su música. Desde 65438 hasta 0929, Patton comenzó a grabar, pero entre las abrumadoras voces de cantantes de blues, cantaba suavemente y tenía un estilo único. En el momento de su muerte en 1934, había grabado 60 álbumes en cinco años. El cuerpo delgado de Patton, su bajo rico, sus excelentes habilidades con la guitarra, una gran cantidad de discos y una corta carrera artística lo convirtieron en una leyenda en la historia del blues.

5. Muddy Waters Company (1915-1983)

Marty Waters nació en Rolling Fork, Michigan en 1915 como McKinley Morganfield. Uno de los más grandes músicos de blues entre Charlie Patton y B.B. King, fue apodado "Mud" porque solía tocar en agua turbia. Marty Waters aprendió armónica a la edad de 65,438+03 años, aprendió a tocar la guitarra a la edad de 65,438+09 años y se fue a Chicago a la edad de 65,438+0943 años para convertirse allí en un maestro de guitarra slide. Desde 65438 hasta 0944, comenzó a tocar la guitarra eléctrica, a actuar en clubes nocturnos, a trabajar en una fábrica de papel durante el día y, más tarde, como camionero.

De 1946 a 1954 grabó una serie de canciones pop potentes que tuvieron un profundo impacto en el R&B. A partir de 1950, casi todas las estrellas del blues de Chicago participaron en su banda. Después de la década de 1960, su música se volvió más madura y profesional, añadiendo una gran cantidad de pianos, armónicas y baterías, haciendo que el blues fuera aceptado por más blancos y negros. They Call Me Muddy Waters, lanzado en 1971, le valió su primer premio Grammy (el premio fue fundado en 1958, se otorga anualmente y es el premio más alto de la industria musical estadounidense). Nunca dejó de grabar durante su vida y dejó mucho material valioso para la música blues.

6.B.B. King (1925 -)

B.B. King nació en septiembre de 1925 en Itabina, Delta del Mississippi. Su nombre original era B. King (Riley B. King), y fue el músico de blues más influyente e importante de la historia del blues. "Jin" estuvo separado entre su madre y su abuela cuando él era un niño y su vida era difícil. Cuando era adolescente, aprendió a cantar en la iglesia. La música country y la música gospel tuvieron una influencia importante en él en sus conceptos musicales. A finales de 1948 llegó a Memphis. Pronto, las estaciones de radio locales tomaron en serio su música y él permaneció en la estación. Cuando su programa se transmitía en vivo por la radio, era conocido como "Beat Street Blues Boy", más tarde simplemente "The Blues Boy" y finalmente "B.B.", de donde provenía B.B King. Las obras de B.B. King incluyen blues puro, estilo de música country, pop y rock, pero cada forma está mezclada con blues. En la década de 1970, sus conciertos atrajeron a públicos de todas las razas y edades. En 1985, salió su álbum número 50 y, en 1987, ganó el premio Grammy Lifetime Achievement Award. Maestro del blues, sigue comprometido con la música blues.

7. John Lee Hooker (1917 - 2001)

John Lee Hooker nació en Mississippi en 1917. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, vivió en Detroit y allí se convirtió en un músico destacado en los círculos de blues. Al principio cantaba principalmente canciones gospel negras, pero pronto se sintió atraído por la música blues. La voz profunda de Hooker se destaca en medio de los nítidos sonidos de la guitarra y los ritmos dinámicos. En la década de 1960 combinó el blues con la música de baile, la música rock y otros estilos, de modo que el Boogie Woogie original (un instrumento de percusión y música de piano blues improvisada, que se caracteriza por el ritmo fijo de la mano izquierda para resaltar el tono del blues). de la mano derecha, produce un fuerte efecto rítmico) se fue desvaneciendo gradualmente de él. En la década de 1970, su estilo pasó al rock. Al igual que B.B. King, integró varios elementos musicales con el blues e hizo una contribución indeleble a la prosperidad de la música blues. El "Rey del Blues" nacido en los años 1990 comenzó a alejarse de los escenarios, pasando su vejez en casa y participando ocasionalmente en algunas actividades sociales. Hooke murió en 2001 a la edad de 84 años.

8. Eric Clapton Banda

¿Eric? Clapton, un famoso guitarrista, compositor y cantante británico, fue una vez uno de los mejores intérpretes de la escena musical blues. Posteriormente integró el blues, el rock y la música pop e hizo grandes contribuciones al desarrollo de la música popular.

Clapton nació en Surrey, Inglaterra, el 30 de marzo de 1945. Comenzó a exponerse a la música blues a los 15 años y empezó a tocar la guitarra a los 17, de forma principalmente autodidacta. Clapton se unió a una banda en 1963, pero pronto se disolvió. A finales de año se unió a la banda The Recruits como guitarrista principal. A medida que la banda se volvió más comercial, Clapton dejó los Recruits en marzo de 1965 para buscar un nuevo desarrollo. ¿Pronto por John? Por invitación de John Mayer, se unió a su banda "Bluesman", pero permaneció allí sólo por un corto tiempo. En 1966 formó la banda "Cream" y logró el éxito comercial. A finales de 1968, la banda "Elite" se disolvió, ¿y él y Steve? Winwood y otros formaron la banda Blind Faith, que fracasó. En 1970, como guitarrista independiente, lanzó su primer álbum en solitario, Eric? Clapton formó la banda "The Derek & Dominos" en mayo y grabó la famosa canción "Layla". La banda se disolvió nuevamente en mayo de 1971. Desde entonces, Clapton ha seguido desarrollándose de forma independiente bajo su propio nombre.

"Tears in Heaven", escrita en respuesta a la trágica muerte de su hijo de 4 años en 1991, ganó el 35º premio Grammy a la mejor canción, mejor grabación y mejor interpretación vocal masculina (1993). En marzo de 1992, Clapton realizó un concierto unplugged. El álbum en vivo lanzado ese mismo año volvió a causar sensación y lideró la tendencia de la música unplugged. Change the World en 1997 y Change My Father's Eyes en 1999 ganaron respectivamente premios Grammy ese año. Además de las canciones mencionadas anteriormente, las obras representativas de Clapton incluyen "Before You Accuse Me" y "Tonight's Wonderful".