Composiciones clásicas europeas-Composiciones del período barroco

Descripción general del estilo musical barroco

1. Una introducción al significado de la palabra "Barroco" en la historia de la música.

La palabra portuguesa barroco originalmente significaba perlas no redondas y de forma irregular, y ahora se refiere al lujoso estilo arquitectónico de Europa en el siglo XVII y principios del VIII. Este término fue utilizado por los músicos para describir en general el estilo musical del mismo período (ver más abajo).

2. ¿Cuáles son las características de la melodía de la música en el período barroco?

Las frases varían en duración y la respiración es más larga, ya sea música vocal o música instrumental, la melodía es hermosa y compleja sin precedentes, con bastantes sonidos decorativos y patrones de sonido progresivos. Al igual que las melodías del Renacimiento, la progresión de la melodía suele tener un carácter figurativo y simbólico. Lo que llama la atención es la clara naturaleza armónica de la melodía.

3. ¿Cuál era el ritmo de la música durante el período barroco?

Se divide principalmente en dos tipos: ritmo libre y ritmo claro y regular. El primero se utiliza para recitativos, toccatas, preludios, etc., y el segundo para arias, fugas, danzas, etc., y permanecerá durante todo el movimiento. Estos dos ritmos se utilizan a menudo juntos, como el recitativo y el aria, el preludio (o tocata) y la fuga.

4. ¿Qué modo se utiliza en la música barroca?

El sistema de tonalidades mayores y menores ha sustituido al "modo eclesiástico" del pasado.

5． ¿Cuál es la armonía de la música barroca?

Se ha formado un completo sistema de armonía funcional de tonalidades mayores y menores centrado en dominante, subordinada y subordinada, utilizando disonancias para la conversión tonal y haciendo que la armonía sea dinámica y emocional. La invención de los doce temperamentos iguales en el siglo XVII está íntimamente relacionada con el pleno desarrollo del sistema armonioso.

6． ¿Qué es un bajo completo (también llamado bajo figurado o bajo continuo)?

Técnicas de composición propias del periodo Barroco. Escriba una nota clara en la parte de bajo de la partitura de un instrumento de teclado (generalmente un clavicordio) y márquela con un número que indique la armonía encima (por ejemplo, el número 6 significa que la nota debe tener su sexta y tercera nota). encima de él). El intérprete toca el bajo y la armonía de acuerdo con esta indicación, y el intérprete elige la disposición y la textura de las notas del acorde.

7. ¿Cuál es la textura de la música barroca?

La textura polifónica juega un papel dominante y su tecnología de escritura ha alcanzado un pico sin precedentes. Se diferencia de la polifonía renacentista en que es un contrapunto basado en la armonía funcional. Al mismo tiempo, también hay muchas obras que utilizan la textura del tono principal.

8． ¿Cuál fue la forma musical del período barroco?

Las estructuras de múltiples movimientos que contrastan entre sí en ritmo, velocidad y estilo, como suites, variaciones, conciertos, cantatas, oratorios, etc., se utilizan comúnmente en preludios, fugas, recitativos y La relación. entre arias. La estructura interna de la pieza polifónica es un continuo escrito de manera imitativa (no segmentada), pero se aprecian elementos claros de presentación, desarrollo y representación. También hay estructuras segmentadas, variaciones, pasacalles y formas de carbón que son variaciones de una melodía de bajo fija.

9． ¿Cuáles fueron los principales géneros musicales del período barroco?

Música vocal: Misa, motetes, himnos, óperas, oratorios, cantatas, Pasiones y diversas piezas solistas y corales. Música instrumental: Toccata, preludio, fantasía, fuga, variación, suite, sonata (principalmente sonata solista y sonata trío), concierto (concierto orquestal, concierto grosso, concierto solista).

10. ¿Cuál era el estado de ánimo de la música en el período barroco?

Mantener un estado de ánimo básico dentro de un movimiento, y sólo formar contraste entre movimientos. >

11. ¿Cuál fue la intensidad de la música en el período barroco?

En lugar de buscar cambios sutiles en crescendo y decrescendo, se adoptó una "intensidad escalonada" más clara.

Sección 1. El nacimiento de la ópera y sus inicios

1. ¿Cuándo y dónde nació la ópera? ¿Cómo nació?

Nació en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI y principios del XVII. Nació sobre la base de una extensa investigación sobre las tragedias griegas antiguas realizada por Badi, Vincenzo Galilei, miembros de la Camerata (que significa club o camarilla) en la corte de Badi y el erudito florentino May of.

2. ¿Qué formas musicales son las antecesoras de la ópera?

La combinación de música y teatro se remonta a la antigüedad, incluyendo la tragedia griega antigua, el drama ritual medieval, el drama de misterio religioso, el drama de milagros, las suites pastorales renacentistas, el drama pastoral, los interludios y otras formas.

3. Introducción al teatro intermedio y pastoril.

Un interludio es una obra musical corta que se realiza entre dos actos de una obra. Las obras pastorales son obras de teatro con música sobre temas legendarios o rurales.

4. ¿Cuál fue la primera ópera de la historia? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa la historia?

"Daphne", escrita por Rinuccini y compuesta por Perry en 1597, está basada en la mitología griega. Pero la puntuación se ha perdido.

5. ¿Cuál es la primera ópera que se conserva? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa la historia?

En 1600, "Euridice" fue escrita por Nuccini y compuesta por Pelli y Caccini. Basado en la mitología griega.

6. ¿Cuál era la forma musical en las primeras óperas?

La parte vocal es principalmente un recitativo cercano a la recitación, acompañado de un pequeño número de instrumentos musicales, y adopta el bajo continuo. La forma musical es relativamente simple.

7. Introducción a los conceptos de escritura de ópera de Monteverdi y la forma de ópera temprana que estableció.

Principalmente para potenciar la musicalidad y la expresión emocional. El método específico consiste en alargar la línea melódica del recitativo para hacerlo cantable y alternarla con canciones cortas, dúos y re-cantaciones pastorales para formar un contraste. Usó acompañamiento orquestal a mayor escala y creó un fuerte efecto dramático mediante el uso de trémolo, pizzicato y armonías disonantes de instrumentos de cuerda. Añade pasajes instrumentales a la ópera, como la "Toccata" al principio (más tarde la obertura), la música de baile en el medio, etc. En su creación se formó el modelo básico de la ópera.

8. Enumera dos obras maestras de Monteverdi.

"Orfeo" (o traducido como "Orfeo"), "Arianna".

9. Después de Monteverdi, ¿quién fue la figura representativa de la ópera veneciana del siglo XVII (la escuela veneciana en el ámbito de la ópera)?

Los alumnos de Monteverdi, Cavalli (1602-1676) y Cesti (1623-1669).

10. ¿Quién es el principal representante de la ópera (escuela napolitana o escuela napolitana) en Nápoles (Nápoles), Italia en el siglo XVIII? ¿Cuáles son las características de sus creaciones?

Alessandro Scarlatti (1660-1725). Dio gran importancia al papel lírico de la música en la ópera, enfatizó el poder expresivo de las arias y creó la estructura formal ABA, que se llama "aria de retorno" o "aria de reaparición" (aria da capo). Su orquesta era más completa y también creó la obertura de ópera "rápido-lento-rápido" (llamada "sinfonía" en ese momento).

11. ¿Cuáles son las características de la ópera napolitana?

Céntrese en la belleza de la voz del solista y el efecto externo de la música, y busque la estilización del lenguaje y la forma musicales. La textura musical es relativamente simple, principalmente melodía solista y acompañamiento armónico simple. La desventaja es la falta de autenticidad y de intensidad dramática. Esta tendencia provocó el declive de la ópera en el siglo XVIII.

12. Introducción al recitativo y al aria.

El recitativo se utiliza para el diálogo de los personajes y el desarrollo de la trama en la ópera (u oratorio). Su melodía es cercana a la recitación, y el aria se llama It. Expresa las emociones de los personajes y muestra habilidades para el canto. La música es hermosa y hermosa, y el rango vocal es amplio.

13. ¿Qué son los recitativos vernáculos (también traducidos como recitativos claros, recitativos secos, recitativo secco, recitativo seco) y los recitativos de acompañamiento (recitativo obbligato, accompagnato)? Recitativo acompañado únicamente de un clavicémbalo y un instrumento bajo, y se utiliza principalmente para diálogos largos y monólogos. Este último utiliza acompañamiento de banda y se utiliza para escenas dramáticas tensas. Debido a que tiene las características de un aria hasta cierto punto, también se le llama aria (arioso o recitativo arioso).

14. ¿Qué es "Da Capo Aria"?

El aria de tres secciones de ABA se puede reproducir con algunas habilidades deslumbrantes y gratuitas según las preferencias del cantante.

15. A. ¿Qué es la obertura de ópera italiana establecida por Scarlatti?

(Ver pregunta 10 de este apartado)

16. ¿Cómo surgió la ópera francesa?

Tras ser introducida desde Italia en el siglo XVII, adoptó inmediatamente características francesas: énfasis en el recitativo, que resaltaba el ritmo y ritmo únicos del francés añadiendo una gran cantidad de escenas de danza a las óperas; la decoración es extremadamente hermosa y muestra la grandeza de la vida imperial; la obertura de la ópera adopta la disposición de tempo opuesta a la de Italia: lento-rápido-lento.

17． ¿Qué compositor estableció la forma de la ópera francesa?

Lully (1632-1687) era originaria de Italia. (Consulte la pregunta 15 anterior para conocer el estilo de ópera)

18. Una introducción a la contribución histórica del compositor francés Rameau.

Escribió un gran número de óperas y obras para clavicordio, pero lo más importante es que publicó "Teoría básica de la armonía" en 1722, que sentó las bases de la teoría de la armonía moderna.

19. ¿Quién es la figura representativa de la creación de ópera británica? Por favor nombre una obra representativa.

Purcell (1659-1695), cuya obra representativa es "Didon and Ini".

20． Una introducción al "singspiel" alemán (singspiel).

Es una ópera de comedia popular alemana con diálogos, y la música tiene características nacionales distintivas. Tuvo una importante influencia en el desarrollo de la ópera alemana.

21. Introducción al Oratorio, Pasión y Cantata.

Oratorio: Letras sobre temas religiosos o épicos se musicalizan. Las formas musicales incluyen música solista, a dúo, coral y orquestal, y se interpretan en iglesias o salas de conciertos. A diferencia de una ópera, un oratorio no tiene dispositivos escénicos complejos ni representaciones de acción dramática.

Pasión: La forma musical es la misma que el oratorio, centrándose en la historia de la Pasión (crucifixión) de Cristo.

Cantata: También traducida como cantata, es un género con música solista, a dúo, coral y orquestal, con contenido tanto religioso como profano. Al igual que el oratorio, no hay recurso escénico ni acción dramática.

Sección 2. Música instrumental, música de teclado

1 Introducción a la variación coral luterana alemana (chorale variation) y la fantasía coral (chorale fantasia).

Música de órgano con variaciones o desarrollo libre en base a la melodía del himno.

2. Introducción a la tocata y la fuga.

Toccata: un género musical para teclados con un ritmo más libre y carácter virtuoso.

Fuga: género musical polifónico de estructura estricta y ritmo estandarizado, compuesto principalmente por la imitación del contrapunto sobre un tema.

3. Introducción a la chacona y la pasacalles.

Chacona, también traducida como Xia Kong, es una música de baile de tres tiempos con un estilo solemne. Suele escribirse con variaciones sobre un bajo fijo (o un patrón de progresión armónica) que aparece varias veces. Passacaglia y Chaconne son a menudo indistinguibles.

4. Introducción a las suites en el Barroco.

Género que organiza la música bailable de diferentes velocidades, ritmos y estilos nacionales.

5. ¿Quiénes son los compositores de fortepiano más famosos del periodo barroco?

F. Couperin (Francois Couperin, 1668-1733) y Rameau de Francia, D. Scarlatti (1685-1757) de Italia, Bach y Handel de Alemania.

6. ¿Qué es el temperamento igual?

Método de afinación en el que todos los semitonos dentro de una octava se afinan a la misma distancia (centésimas) en un instrumento de teclado.

Pequeño conjunto

1. Una introducción a la sonata de iglesia (sonata da chiesa) y la sonata de cámara (sonata da camera) durante el período barroco.

Una sonata es una pieza instrumental solista o conjunto. El primero tiene un estilo más serio y rara vez utiliza música de baile, mientras que el segundo es más animado y utiliza música de baile en todas las secciones.

2. Una introducción a la sonata solista y la sonata trío.

Una sonata solista consta de un violín (o flauta u otro instrumento) más un instrumento de continuo, a veces con un solo instrumento solista (como una sonata para violín sin acompañamiento o una sonata para clavicordio). Una sonata en trío la tocan dos violines, un instrumento de continuo (instrumento de teclado) y un violonchelo (o fagot). Los dos violines tocan dos melodías de contrapunto y los otros dos instrumentos tocan el bajo y la armonía.

Música de conjunto grande

3. Introducción al concierto grosso, concierto solista y concierto ripieno.

Concierto Grosso: Concierto compuesto por varios instrumentos para grupo solista y orquesta.

Concierto Solo: Concierto para instrumento solista y orquesta.

Concierto para orquesta (también traducido como Concierto para orquesta): No destaca un determinado instrumento o un determinado grupo de instrumentos. En realidad es una pieza orquestal. El método de escritura general es que la parte del primer violín toca la. melodía principal y utiliza un bajo digital.

4. Introducción a A. Vivaldi (1675-1741) y su concierto "Las cuatro estaciones".

(omitido)

Sección 3. Bach y Handel

Los amigos pueden discutir los siguientes temas.

1. ¿Cuál es la técnica de escritura más destacada de J.S Bach (1685-1750)? O: ¿Cuál fue la mayor contribución de Bach a la historia de la música?

2. A Bach se le conoce como una persona que "lleva adelante el pasado y abre el futuro".

3. Bach tiene una amplia gama de obras. Cite sus principales obras representativas de música religiosa, música para órgano, música para clavecín, música instrumental solista y música orquestal.

4. ¿En qué dos géneros musicales tuvo logros destacados Handel (1685-1759)?

5． ¿Por qué sufrió reveses la escritura de ópera de Handel? ¿Cuáles son las características de sus óperas?

6． ¿Cuáles son las características de la creación del oratorio de Handel? Por favor presente "Mesías".

7. ¿Cuáles son las obras instrumentales importantes de Handel?

8． ¿Cuáles son las diferencias entre la música (incluidas las técnicas de escritura y las personalidades) de J.S Bach y Handel?

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Compositor principal

Italia:

Ke Arcangelo Corelli (1653-1713)

A Scarlatti (Alessandro Scarlatti, 1660-1725)

Antonio Vivaldi (1678-1741)

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D. Scarlatti (Domenico Scarlatti, 1685-1757)

Alemania:

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Handel (George Frideric Handel, 1685- 1759)

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Francia:

Lülly (Jean -Baptiste Lully, 1632-1687)

François. Francois Couperin (1668-1733)

Jean-Philippe. Rameau (Jean-Philippe Rameau, 1683-1764)

Gran Bretaña:

Henry Purcell (1659-1695)