Algunos temas sobre apreciación musical
1600 es el año en que nació la ópera. El período comprendido entre 1750 y 150 años después de la muerte de Bach, el gran compositor alemán, se denominó "período Barroco".
La música barroca hace referencia a un estilo de música que se originó en Italia desde el siglo XVII hasta mediados del XVIII y se extendió por Europa y América Latina. El significado original de barroco es "perlas extrañas" o "ideas absurdas". A finales del siglo XVIII, los teóricos de la literatura y el arte lo descartaron como arquitectura, escultura, pintura y otras artes italianas desde el siglo XVII. convertirse en el término general para el estilo artístico de este período. Se caracteriza por ser noble y solemne, majestuoso y dinámico, dando a menudo a la gente una sensación de urgencia. La música de la misma época generalmente también presenta estas características, por eso se le llama música barroca. Debido al uso generalizado de la notación del bajo digital, el período de la música barroca también se conoce como la "era del bajo digital". En el último siglo y medio han aparecido un gran número de compositores, los principales representantes son: Monteverdi, Vivaldi, Lurie, Purcell, Handel y J.S. Aunque sus campos creativos y personalidades artísticas son diferentes, todos contienen algunas características de la música barroca.
Características musicales del periodo Barroco
La palabra Barroco proviene del vocablo portugués Barroco, que originalmente hacía referencia a la peculiar forma de las perlas. Originalmente se usó para describir el estilo de las obras del escultor italiano Bernini. Posteriormente, generalmente se refiere al estilo arquitectónico magnífico y brillante que prevaleció en Alemania y Austria entre los 17 y 18 años, integrando escultura y pintura. El término barroco se introdujo en la crítica musical en el siglo XVIII y se tomó prestado para describir el estilo de la cultura musical europea en comparación con este período, que contenía una connotación despectiva de decadencia y decadencia. Después del siglo XIX, los historiadores del arte lo reconocieron como una tendencia artística, generalmente refiriéndose a la música desarrollada por Bach y Handel entre 1600 y 1750, es decir, el período barroco en la historia de la música. El arte barroco es noble y conmovedor, más rico y dramático que el Renacimiento. La música barroca tiene las siguientes características:
1. En la Edad Media, el sistema de modos de la iglesia se desintegró y los modos mayores y menores fueron reemplazados. El bajo digital formado por el nuevo concepto de función armónica se utiliza ampliamente y también se denomina era del bajo digital;
2. El desarrollo musical y el movimiento de textura de la estructura de dos partes están integrados en principio. contrapunto;
3. El desarrollo continuo de la melodía musical está lleno de fluidez, el ritmo es estable en toda la música, y la fuerza, la intensidad y la rigidez contrastan con el conjunto
>4. Han tomado forma inicial muchos géneros importantes de la música europea, como óperas, suites, sonatas, conciertos, oratorios y oratorios (grandes suites vocales), etc., que han adoptado formas clásicas.
2.
Una vez, después de escuchar este estudio interpretado por su alumno Gutmann, Chopin suspiró con infinita emoción: "¡Ah, patria mía!" nostalgia en la canción Después de eso, este estudio se llamó "Adiós", que es un lamento espiritual, lo cual es raro en los estudios de Chopin. La armonía simple suena, como el sonido de una gaita proveniente de una ciudad natal lejana; Cálida, pero llena de melancolía. En el medio, la música tiene un clímax dramático, y pronto vuelve a un tono significativo y triste. La característica caída de seis tonos aparece en una melodía descendente con suspiros, que profundiza aún más el estado de ánimo triste y melancólico. El propio autor amaba mucho esta obra. Una vez dijo que nunca podría escribir nada más hermoso que esto.
Los estudios para piano se desarrollaron a un nivel muy alto en la época de Chopin. Sin embargo, hay que decir que Chopin comenzó a realizar estudios técnicos de gran carácter artístico y con un alto grado de integración técnica. Chopin escribió veintisiete estudios a lo largo de su vida, entre los que se encuentra el "Estudio en do menor" (Estudio revolucionario) escrito en 1831. Ha sido una de las interpretaciones más comunes en conciertos. Este estudio expresa los sentimientos internos de Chopin después del fracaso de la Revolución de Varsovia, por lo que las generaciones posteriores lo denominaron estudio "revolucionario", justo después de que Chopin abandonara su patria en 1838. +10. Menos de un mes después, la Revolución de Varsovia sacudió a Polonia. Chopin estaba tan emocionado que no podía esperar a volver a casa inmediatamente. ¡Por qué no puedo estar con ustedes! En septiembre de 1831, la Revolución de Varsovia, que duró diez meses, fue finalmente brutalmente reprimida por el ejército ruso. Chopin estaba en ese momento de camino a Europa occidental y se estaba volviendo loco.
Escribió en su diario: "¡Ah! Dios, ¿todavía estás allí? ¡Existes, pero no los devuelves! ¿Crees que los crímenes de Moscú no son suficientes? ¡O tú mismo eres un demonio de Moscú! ... Yo Estoy aquí con mis propias manos y no aporto nada. Sólo suspiro y derramo mi dolor en el piano." Chopin vertió todas sus emociones en la música y escribió este famoso estudio. Esta es una obra musical de una sola imagen. Hay emociones de ira y pena a lo largo de la canción, de principio a fin. Toda la imagen musical se refleja a través de la combinación del turbulento flujo sonoro de la mano izquierda y la melodía resuelta de la mano derecha. El tema de la segunda mitad tiene características narrativas obvias, como si estuviera derramando el dolor interior. En medio de la música, el sonido de gritos de subir y bajar escalones con un poco de ritmo se repite en medio de los rápidos altibajos del acompañamiento, haciendo que la música sea cada vez más emotiva. Al final aparece una melodía triste, que expresa una profunda melancolía y dolor.
En julio de 1931, Chopin decidió abandonar Viena y regresar a Polonia. Sin embargo, al pasar por Stuttgart, de repente recibió la triste noticia de que el levantamiento fracasó y Varsovia cayó. Esta desafortunada noticia rompió el corazón de Chopin como un martillo. Regresó solo al hotel, inquieto por la tristeza y la ira. Caminó por la habitación. La patria se llenó de humo, Varsovia estaba en llamas y los rebeldes cayeron en un charco de sangre... Estas escenas persistieron en torno a Chopin y lo inquietaron. Cerró los ojos de dolor y su corazón se apretó.
Cuando oscureció, Chopin encendió las velas sobre la mesa, abrió su diario y escribió:
"...¿Se convertirán los demonios de Moscú en los gobernantes del mundo? Pisoteando las tumbas llenas de miles de cadáveres, prendieron fuego a la ciudad. ¿Por qué no puedo matar a un demonio de Moscú...? De repente dejó la pluma y se levantó en silencio con todas sus fuerzas. Golpeó el piano con todas sus fuerzas y gritó: "¡No! ¡Polonia no morirá! ¡Nunca morirá!"
Concentró este sentimiento ardiente en las notas y vertió todo su dolor y su ira en el piano. La pieza para piano de Chopin "Estudios en do menor" se creó con esta mentalidad en mente. Esta pieza musical es triste y apasionada, con la melodía subiendo y bajando, haciendo un rugido feroz, como un caballo feroz peleando y galopando en las olas de la emoción. Esta pieza está llena de fortaleza, perseverancia y espíritu heroico intrépido, por lo que la gente suele llamar a esta pieza para piano "Estudio Revolucionario". En esta pieza musical, Chopin vinculó estrechamente su dolor e indignación con el destino de su patria, expresando la voluntad indomable de la nación polaca tras el fracaso del Levantamiento de Varsovia. Esta es la famosa obra maestra de Chopin y tiene una gran influencia.
Toda la canción es apasionada y enojada, reflejando profundamente el estado de ánimo de Chopin después de la caída de Varsovia y el fracaso del levantamiento. La inspiradora melodía expresa el grito y la lucha del pueblo polaco, por eso se llama "Revolutionary Etude".
Como decía el músico Schumann, “las obras de Chopin son como cañones escondidos entre flores”. En esta pieza musical, Chopin vinculó estrechamente su dolor e indignación con el destino de su patria, expresando la voluntad indomable de la nación polaca tras el fracaso del Levantamiento de Varsovia. Esta es la famosa obra maestra de Chopin y tiene una gran influencia.
3.
Esta es la obra más destacada de Debussy. Presenta claramente la forma de atención de impresión y se convierte en el pináculo de su música orquestal. Tiene características más singulares que otras obras. y habilidades de cálculo meticulosas.
Es bien sabido que Debussy amaba el océano. En su diario dejó muchas palabras alabando al océano. En esta pieza musical, Debussy conectó hábilmente las tres formas del océano, representando las posturas siempre cambiantes del océano, lo cual es una oda al poder y la belleza del océano.
1. Todavía amanece hasta el mediodía
La música describe primero las tranquilas fluctuaciones del océano antes del amanecer. Pronto amanece sobre el mar, oboes y clarinetes tocan motivos estridentes, y luego las melodías de corno inglés y trompeta adquieren sonidos y colores aún más gloriosos. Esto volverá en la tercera canción. Al principio, la tenue luz de la mañana brilló gradualmente y luego varias luces brillaron a través de todo el océano. Con el revuelo de la música, el vasto océano inicia una nueva actividad del día.
2. El juego de las olas
Los instrumentos de viento y de cuerda representan una escena oceánica tranquila y en movimiento. Como olas juguetonas, son excitantes y excitantes. Por un momento parecieron enredados y ruidosos, pero luego cayeron en un silencio somnoliento.
Tres. Diálogo sobre el viento y las olas
Los timbales trinan al principio, expresando un sentimiento de aburrimiento y disgusto.
Las cuerdas tocaban las olas azotadas por el viento, y el oboe tocaba el huracán, que golpeaba con fuerza el mar. Luego se utilizó una trompeta muda para tocar el primer tema, y luego toda la canción evolucionó gradualmente hasta convertirse en un paisaje marino turbulento.
El cuadro sinfónico "Mar" fue creado en marzo de 1905 y estrenado en octubre de 1905. Esta canción es la sinfonía más grande de Debussy y consta de tres movimientos con contenidos diferentes, pero cada movimiento está intrínsecamente conectado y fusionado en una obra completa. Muestra el escenario de "The Sea" y su carácter dinámico, y demuestra con fuerza los colores de las distintas escenas de "The Sea" a través de las diferentes áreas vocales de toda la banda. La música da la impresión y la fantasía de un mar completo en el tiempo y el espacio. Armonías novedosas, melodías cortas, timbres ricos y desarrollo libre, todas estas técnicas impresionistas pintan vívidamente una imagen vívida del mar.
Hay tal anécdota sobre esta canción. A principios de este siglo había en París un señor que nunca había visto el mar con sus propios ojos. Al apreciar el cuadro sinfónico de Debussy "El mar", le pareció ver en realidad la escena del mar con olas rompiendo y chapoteando, lo que le dejó una impresión imborrable. Más tarde, cuando viajó a la playa y vio el mar real, se sintió un poco "no lo suficientemente fuerte". Cuando regresó de su viaje y volvió a admirar el cuadro sinfónico "El mar" de Debussy, recuperó su sentimiento original. En ese momento, no pudo evitar exclamar: "¡Oh! ¡Este es el mar!"
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Sin tiempo= =....