Red Americana de Películas Bananeras
El cine independiente se originó en Estados Unidos en la década de 1960. Al principio, eran sólo una rebelión contra el sistema de producción de Hollywood. Pero con el desarrollo de la industria cinematográfica, las películas independientes ya no pueden distinguirse únicamente por su sistema de producción. Las películas independientes de hoy se parecen más a las "películas de autor" y muestran algunas características inherentes en la forma y el núcleo espiritual. No importa si los productores lo incluyen en el sistema de la industria cinematográfica. En otras palabras, el llamado "cine independiente" debería examinarse más desde sus características artísticas e ideológicas. En cuanto al sistema de producción, es sólo un indicador de referencia. Si una película se puede crear de acuerdo con el libre albedrío del artista desde el principio, y el productor solo aparece como inversor y no interfiere con el contenido específico de la película, entonces ya sea "Lion" de MGM o "Snow" de Paramount. Mountain" " no afectará su condición de película independiente.
Hoy en día, el cine independiente se ha convertido en un concepto ampliamente aceptado. De hecho, existen las llamadas "películas independientes" en todo el mundo. En términos generales, siempre que la película se cree fuera del sistema cinematográfico principal (comercial/oficial) del país, puede clasificarse como una película independiente. Esto también resulta en la calidad desigual de las películas independientes. Dependiendo de la habilidad individual del creador, puede ser un arte excelente o una basura de mala calidad. Pero, relativamente hablando, la región donde las películas independientes están más desarrolladas y logran mayor éxito es Estados Unidos, donde las películas comerciales están más desarrolladas. Por lo tanto, tomando como ejemplo las películas independientes estadounidenses, podemos tener una comprensión relativamente completa y profunda de las películas independientes. Por supuesto, desde un punto de vista puramente conceptual, tanto los documentales como los dibujos animados pueden considerarse películas independientes, pero, de hecho, las películas independientes generalmente solo se refieren a largometrajes. Aquí también nos referimos a "películas independientes" en el sentido de películas de teatro.
Almas diversas
Estados Unidos es una sociedad diversa, donde diversas culturas, ideas y valores pueden encontrar su lugar. Esta es también una razón importante para el surgimiento interminable de lo estadounidense. películas independientes. Por supuesto, todavía existen voces "autorizadas" de la corriente principal, pero para los artistas apasionados por la creación cinematográfica independiente, esas voces no son más que "mierda de vaca". Lo único que tienen que hacer es hacer oír su voz. Para las películas independientes, no es lo que dices, sino lo que dices.
Esta forma cultural abierta y diversa también conduce directamente a la apertura y diversidad de las películas independientes estadounidenses. Básicamente, no existen restricciones sobre el tema de las películas independientes estadounidenses. La política, la violencia, el erotismo, la ciencia ficción, el crimen e incluso los sueños inexplicables pueden convertirse en temas de películas independientes. Como resultado, es difícil cubrir películas independientes con un género específico; esas clasificaciones de género generalmente solo son válidas para películas comerciales de Hollywood.
Las diversas características del cine independiente pueden ser confirmadas incluso por sus creadores. Si miras detenidamente, encontrarás que los directores de cine independientes a menudo provienen de diferentes razas, clases y regiones, y cada uno tiene sus propias áreas temáticas en las que son mejores. Estos campos se entrelazan para formar el complejo panorama del cine independiente estadounidense. Por ejemplo, John Cassavetes, el "padre del cine independiente estadounidense", nació en una familia de inmigrantes griegos. Los griegos valoraban los conceptos y las relaciones familiares, lo que naturalmente influyó en las creaciones de Cassaveti.
Por ello, en sus obras podemos ver claramente su meticulosa observación e interrogatorio de las familias americanas, que recorre las obras de Cassavetes. Es esta reflexión sobre la familia y las diversas relaciones que conlleva la que cala profundamente en el corazón de los personajes. El famoso Woody Allen nació en una familia de intelectuales judíos en Brooklyn, Nueva York. Este ambiente familiar hace que la obra de Woody Allen respire sinceramente una atmósfera intelectual. Por tanto, podemos ver que siempre está criticando. Desde Annie Hall hasta Melinda y Melinda, el sentido de responsabilidad intelectual de Woody Allen no se ha desvanecido en absoluto. Spike Lee, que también nació en Nueva York y es también un director famoso, se encuentra en un ángulo completamente diferente. Debido a su color de piel, la raza se ha convertido en un hilo temático persistente en las películas de Spike Lee, y el trasfondo de una familia civil le da a las películas de Spike Lee una sensación callejera. La superposición de ambos hace que el estilo cinematográfico de Spike Lee sea muy diferente al de Woody Allen, ambos son la ciudad de Nueva York, pero a través de los ojos de ambos artistas. Su padre es húngaro y su madre es iraní, lo que hace que las películas de Jia sean un poco más "exóticas". Claramente, la forma de pensar no cristiana contenida en la obra de Jia está relacionada con sus antecedentes familiares, especialmente su madre iraní. La turbulenta infancia de David Lynch y sus experiencias de vida en los barrios marginales de Filadelfia siempre han llenado sus obras de colores oscuros y miedo a la corrupción y la violencia. Esto es completamente diferente al estilo de otros directores y se conoce como "Linchismo".
Incluso si se trata del mismo tipo de tema, diferentes directores independientes suelen tener diferentes perspectivas y opiniones. Tomemos como ejemplo el sexo. En "Sexual Assemblage" de Woody Allen, una farsa sin sentido deconstruye el modelo sexual tradicional y los chistes reemplazan la discusión seria original. Para llevar esta farsa hasta el final, Woody Allen incluso interpretó el papel de un esperma parlanchina (Dios, sólo este tipo puede pensar en eso), en Soderbergh el sexo se ha convertido en un símbolo de la crisis espiritual de la gente contemporánea; Así, en "Sexo, mentiras y cintas de vídeo", el sexo está distorsionado y sólo pone a la gente ansiosa, pero nunca será tan fácil y divertido como Woody Allen. En la época de "Tres camas en una cama" de Greg Agrak, el sexo se había convertido en una forma eficaz para que los jóvenes hicieran alarde de sí mismos y expresaran su individualidad. No es ni pesado ni divertido, y ni siquiera tiene un modelo ya hecho, lo que casi conduce a una especie de "nihilismo sexual" en el cortometraje independiente de Richard Cohen, todo sexo es un medio de autoexpresión pervertido y deformado; que es completamente decadente... En resumen, todos los directores de cine independientes tienen sus propios estilos y temas. Esta mirada diversa se mezcla y se convierte en el panorama general de las películas independientes.
Por supuesto, a pesar de la diversidad, todavía hay un centro relativo. Desde un punto de vista geográfico, el centro del cine independiente estadounidense es Nueva York, lo que puede resultar irónico: Nueva York es el centro económico de Estados Unidos y del mundo, y el lugar con la atmósfera comercial más fuerte. ¿Cómo pueden proliferar las películas independientes anticomerciales? Las razones principales son las siguientes: En primer lugar, desde una perspectiva cultural, Hollywood pertenece al círculo cultural del Pacífico en la costa oeste, mientras que Nueva York pertenece al círculo cultural del Atlántico en la costa este. Las diferencias culturales entre los dos lugares han sentado las bases culturales para la prosperidad del cine independiente en Nueva York. En segundo lugar, desde un punto de vista económico, aunque Nueva York tiene una economía desarrollada, el centro de la industria cinematográfica está en Hollywood. York no puede ni puede establecer un sistema cinematográfico comercial, que también proporcione una buena base para las películas independientes. Además, como ciudad enorme, el consumo cultural de Nueva York es diverso y multinivel. Una sola película comercial de Hollywood no puede satisfacer los múltiples gustos de "The New Yorker", y la aparición de películas independientes simplemente llena este vacío. Pero con el desarrollo de películas independientes en los últimos años, la posición central de Nueva York ha comenzado a tambalearse. Creo que en los próximos años el cine independiente estadounidense verá una tendencia de desarrollo descentralizado.
Humor negro
El humor negro en las películas independientes estadounidenses es más bien una especie de humor trágico, que sirve como sustento espiritual de aquellas personas marginadas y de clase baja. El efecto emocional que provoca este tipo de humor es la lástima por uno mismo o la burla de esos hipócritas "grandes".
El mismo ejemplo es Quentin Tarantino. El genio del cine estadounidense obsesionado con el kung fu chino también es famoso por su estilo de humor negro. Desde su famosa obra "Reservoir Dogs", este tipo de burla y sátira con las pandillas, el crimen y la violencia como contenido principal se ha convertido en la marca registrada única de Tarantino. En las novelas pulp, todos los miembros de las pandillas son retratados como sucios, estúpidos y sin la capacidad de pensar normalmente. A menudo fanfarronean delante de los débiles, pero cuando se encuentran con personajes más fuertes que ellos, se sienten perdidos e incluso están dispuestos a aceptar insultos personales y físicos para salir del problema. Todos son bufones que hacen reír a la gente. En el nuevo trabajo de Quentin Quentin, "Kill Bill", esta "estética de la violencia negra" se ha desarrollado al extremo. La heroína controla una ciudad montañosa y es más fácil matar a una persona que aplastar una hormiga. ¡Esta escena es probablemente la burla de Quentin del abuso del kung fu chino por parte de Hollywood!
Este tipo de humor negro también es común en las obras de Jim Jarmusch. Por ejemplo, en su "Perro fantasma", el protagonista de la película es un estadounidense negro que es un asesino al estilo samurái japonés, pero Jia encontró un hombre gordo para desempeñar este papel. Ver a este negro que pesa varios cientos de libras pelear contra Yamashiro en la pantalla es divertido en sí mismo, pero no es suficiente. Jia también le pidió al asesino que se pusiera en contacto con el propietario utilizando "palomas voladoras para entregar mensajes", además de música hip-hop. Además de "Ghost Dog", "Ghost in Paradise", "Mysterious Train", "¿Has visto el color de la muerte" e incluso la reciente "Broken Flower", si lo pruebas con atención, encontrarás que hay muchos Una escena de humor negro. Si bien las películas de Jia siempre han sido conocidas por ser frías, ajenas y alienadas de la cultura estadounidense, el humor negro que contienen es verdaderamente estadounidense.
El representante más típico del cine de humor negro en el cine independiente americano es "Clerks" de Kevin Smith. Esta producción independiente costó sólo 27.000 dólares, suficiente para avergonzar a las comedias de Hollywood de 1994 e incluso de toda la década de 1990. La historia es sencilla. Los protagonistas son dos dependientes de tienda corrientes. No ocurrió nada trascendental en sus vidas, pero el ingenio del director permitió a los dos protagonistas vivir una serie de anécdotas aparentemente ridículas pero razonables: abrir una tienda sin negocio; cerrarla para jugar al golf pero hacer el ridículo; funeral, incluso derribar el ataúd... la historia de esta película tiene lugar el mismo día. Aunque no existe una conexión directa, se explica en detalle. La capacidad del director para escribir y contar historias es realmente admirable. La historia es muy ordinaria, pero llena de profunda filosofía. En esta serie de cuentos, la comunicación entre personas se refleja constantemente y finalmente revela una verdad aparentemente simple pero a menudo pasada por alto: trata bien a tus familiares y amigos y nunca los olvides. Clerks debe gran parte de su éxito a su brillante diálogo. Kevin Smith es imaginativo, no rehuye la carne y capta firmemente los gustos de los jóvenes.
Además, en las películas independientes, suele haber uno o varios personajes de comedia ingeniosos para llevar el humor negro a lo largo de la película. Por ejemplo, Tom Cruise en "Magnolia", Dustin Hoffman en "I Love Huckabee", Samuel L. Jackson en "Do What You Gotta Do", etc. La ambientación de estos personajes añade un toque de color a la película originalmente seria, haciéndola parecer insignificante. De hecho, es un vínculo entre lo anterior y lo siguiente, tiene una estructura general y mucho espacio de expresión. Por eso también es un placer apreciar a estos personajes y ver a sus actores realizar maravillosas actuaciones.
Libertad, rebelión y violencia
Para el cine independiente, la libertad debería ser su elemento central. La libertad aquí se refiere no sólo a la libertad de las trabas comerciales, sino también a la libertad de expresar los propios pensamientos. En este sentido, las llamadas "películas independientes" son en realidad "películas gratuitas". Por supuesto, la libertad también significa romper las cadenas, y romper las cadenas significa resistir lo existente. De esta manera, la connotación espiritual única de las películas independientes es esta "rebelión libre".
Así encontraremos que en muchas películas independientes, el protagonista es incompatible con el sistema social existente, y a menudo utiliza formas de resistencia cínicas y desenfrenadas. Tomemos como ejemplo Wild at Heart de David Lynch. Los protagonistas de la película son un hombre y una mujer. Para romper las conspiraciones y la resistencia seculares, trabajaron juntos y no dudaron en utilizar varios métodos sensacionales.
En esta película, Lynch utiliza escenas surrealistas de violencia sangrienta y fantasías eróticas para mostrar el estado mental ansioso y deprimido de la gente moderna. Está llena de psicoanálisis freudiano y de colores extraños, pero también revela de vez en cuando una especie de romanticismo. pasión y una obsesión amorosa extremadamente alternativa. "Wild at Heart" es también una típica road movie y rock movie. El estado más común del protagonista es conducir por la autopista y presentarse ante el mundo como un cantante de rock rebelde. La posterior "Lost Highway" puede considerarse básicamente como una continuación de "Wild at Heart". El estilo, las características, las técnicas de imagen e incluso el protagonista (Nicolas Cage) de la película no han cambiado. Sólo que esta vez, las presiones mundanas conceptualizadas de manera abstracta en "Wild at Heart" se cristalizan en una serie de videos reveladores. Esta es una película experimental y de pesadilla que describe la psicología oscura, extraña y caótica de los personajes. Es la más extraña e incomprensible de las películas de Lynch. Vale la pena señalar que, además de la rebelión del protagonista, este tipo de revelación desnuda que va directo al corazón del personaje es en realidad una forma de rebelión en las películas independientes. El uso que hace el artista de esta forma para liberar los sentimientos más íntimos de los personajes es en realidad una rebelión contra la falsa "Fábrica de Sueños" de Hollywood. Esta situación es común en las películas independientes, pero es más obvia y extrema aquí en "David Lynch".
Pero comparado con Oliver Stone, David Lynch es mucho más amable. Al menos no puedes encontrar a los violentos y hoscos asesinos natos en "Wild at Heart" y "Lost Highway". "Natural Born Killers" puede ser la película independiente estadounidense más violenta de los años 90. En esta película, Oliver Stone rompió todas las reglas e incluso ignoró la experiencia visual del público, llevando al extremo la estimulación sensorial de la violencia. Esto no es sólo una sátira de Hollywood, sino también un completo contraataque al lado oscuro de la sociedad y la cultura estadounidenses. Sin embargo, este contraataque es inútil. En comparación con la sociedad, el poder de los individuos es siempre muy pequeño y los protagonistas sólo pueden expresar su ira y resistencia matando o incluso matando a personas inocentes. Por supuesto, la violenta Hiiragi no está absolutamente embellecida. Cuando el protagonista mata a un viejo indio amable, la actitud de la película cambia decididamente hacia menospreciarlo, en marcado contraste con la representación heroica del protagonista en la escena del motín en la prisión.
La violencia pura, simple y desnuda de "Natural Born Killers" es similar a las películas policiales de Quentin Tarantino. En las pocas obras de Quentin, la violencia también se ha convertido en una poderosa pista a lo largo de la película. Quentin, especialmente en "Kill Bill", no puso mucho esfuerzo en la narrativa, pero describió la violencia misma en detalle, dándole incluso un cierto color poético. Esta estética de violencia extrema es mucho más cómoda para los sentidos que Natural Born Killers, pero no hay diferencia en el efecto ideográfico.
También vale la pena mencionar "Shooting andy Warhol", una película independiente filmada en 1996 por la directora Mary Harron, basada en hechos reales. Basada en el libro, básicamente utiliza bocetos para volver a contar los hechos de manera simple y veraz. presentándonos con calma la trágica vida de una feminista. Para Andy Warhol, una figura importante en la historia del arte popular, la película no tiene demasiadas representaciones positivas. En cambio, se centra en el asesinato de Vermily y se centra en las motivaciones internas del asesinato de Vermily, un pionero. feminismo, al frente. Wimiley no fue una pionera feminista consciente de sí misma. Su resistencia proviene más de su experiencia personal, y precisamente porque esta resistencia emocional proviene de un impulso profundo, tiene un impacto más fuerte y violento. Como estudiante universitario, la mendicidad y la prostitución de Wei Mili en las calles eran en sí mismas una rebelión contra el sistema. En este sentido, la violencia en "Disparando a Andy Warhol" no es la violencia que Wimely infligió a Andy Warhol, sino la violencia que la sociedad estadounidense infligió a Wimely. Filmar a Andy Warhol como representante del cine feminista expresa la acusación y la resistencia de las mujeres estadounidenses modernas a la sociedad patriarcal, lo que significa el resurgimiento de la conciencia femenina a finales del siglo pasado.
En este sentido, "Shooting Andy Warhol" puede considerarse una obra rebelde incluso entre las películas independientes, porque el patriarcado al que la película resiste y denuncia no sólo prevalece en las principales películas de Hollywood, sino también en las principales películas de Hollywood. en películas independientes. El éxito de fotografiar a Andy Warhol también inspiró a quienes le sucedieron. Poco después, aparecieron películas feministas como Boys Don’t Cry, Devils, Million Dollar Baby y otras. Aparecieron en la pantalla grande uno tras otro y lograron un gran éxito.
Por supuesto, la violencia no es el único medio de resistencia. A veces, la gentileza es también una pistola silenciosa. Por ejemplo, en la película independiente "Buffalo 66", que Vincent Gallo escribió, dirigió, actuó, cantó y cantó, casi no hay escenas de violencia. Toda la película solo nos cuenta la historia de un niño deprimido que regresa a casa en una atmósfera discreta y triste, complementada con un débil sonido de piano, baladas sentimentales y una banda sonora de claqué. Sin embargo, en esta atmósfera aparentemente cálida, afloró la indiferencia y la alienación de las relaciones interpersonales de las familias estadounidenses. Lo que más me impresionó fue la escena en la que el protagonista, sus padres y su novia comían en la misma mesa. La cámara muestra deliberadamente sólo a una cuarta parte de las personas sentadas a la mesa, y luego la siguiente persona dice tonterías. Aquí se muestra vívidamente la incomodidad de una familia sin comunicación ni emociones. En esta sencilla edición de planos, el público puede sentir fuertemente la existencia de una especie de "violencia fría". La llamada "el silencio es mejor que el sonido". Aunque no hay un lenguaje corporal fuerte, en esta situación aburrida y sin palabras, el. El protagonista realmente ha expresado su propia declaración de rebelión.
Al igual que Buffalo 66, "Do What You Should Do" de Spike Lee también utiliza la expresión "violencia fría". Esta es una película sobre la raza. Desde el principio de la película se muestra claramente la marcada oposición entre la comunidad blanca y la comunidad negra. Pero a diferencia de otras películas callejeras, Spike Lee no dejó que este enfrentamiento se convirtiera rápidamente en un fuerte conflicto físico, sino que lo ocultó, transformó la violencia en un montón de fragmentos de imágenes e intentó prolongar el momento del incidente tanto como fuera posible. , formando así una fuerte tensión dramática, permitiendo que el público se involucre inconscientemente en el incidente durante el proceso de visualización de la película. En Do What You Gotta do de Spike Lee, la resistencia violenta sigue una progresión clara. Hervir como una rana en agua tibia, culminando con un orgasmo moderado. No es ni tan cálido como Buffalo '66 ni tan violento como Natural Born Killers. Se puede decir que la creación de Spike Lee es única. En sus manos la violencia es justa, rebelde y libre.
El dolor del pensamiento
No es en absoluto un lobo misterioso con una gran cola. La razón por la que uso una palabra tan amarga como "el dolor del pensamiento" es en realidad porque no puedo encontrar una manera más apropiada de expresarlo. Los judíos decían que "los seres humanos se ríen cuando piensan en Dios", pero todavía hay un grupo de personas que se aferran a la caña del pensamiento. En lo que respecta al cine americano, no existen grupos como "películas artísticas" y "películas poéticas". Las funciones ideológicas y artísticas de las películas las desempeñan principalmente películas independientes. Por supuesto, no estoy diciendo que las películas convencionales no tengan funciones ideológicas y artísticas, pero en comparación con la estimulación sensorial pura de la mayoría de las películas comerciales, las películas independientes tienen un temperamento mucho más fuerte en este sentido.
Además, a diferencia de las películas artísticas en Europa y otras partes del mundo, las películas independientes estadounidenses están arraigadas en el suelo cultural del Occidente contemporáneo y están acostumbradas a reflejar directamente los problemas existentes de las personas. Este tipo de exploración profunda de la naturaleza humana y las ansiedades existenciales del presente es común en las películas independientes estadounidenses, independientemente del tema y el género de la película.
Tomemos como ejemplo "Lone Star" de John Sayles. La película adopta la temática de una película de gánsteres y combina elementos comúnmente utilizados en películas comerciales como suspenso, western y terror. Al principio realmente hace que la gente sienta que se trata de una película comercial ordinaria, pero a medida que avanza la película, emerge gradualmente el temperamento de una película independiente. La narración de la historia trae un misterio tras otro a la audiencia a medida que los misterios se resuelven uno tras otro, la verdad del asunto emerge gradualmente. En el proceso, la película reflexiona profundamente sobre el papel de la política en la sociedad estadounidense contemporánea y su impacto en la gente común y corriente. Se puede decir que "Lone Star" es esencialmente una película política seria disfrazada de película de gánsteres.
Del mismo modo, "Summer of Sam" de Spike Lee también es una película independiente con una temática criminal.
En esta película, la historia también es desencadenada por el asesinato y es impulsada por el asesinato como refuerzo de la trama. El protagonista de la película está involucrado en la agitación provocada por el asesinato, pero la atención no se centra en el asesinato en sí, sino en la relación entre las personas que lo rodean. A medida que se desarrolla la trama, el asesinato como trasfondo finalmente se desdibuja por completo. Lo que Spike Lee quiere contarnos no es de ninguna manera una historia de razonamiento criminal, sino una cuestión ética donde la familia, la amistad, la traición y la lealtad se entrelazan ante la crisis. Este doloroso reflejo es palpable en "El verano de Sam". De hecho, el propio Spike Lee no tiene una respuesta. Simplemente nos señala algunas posibilidades. Probablemente la audiencia debe descubrir cómo hacer esto.
Summer of Sam es similar a "Elephant" de Gus Van Sant. En "Elephant", Gus Van Sant también contó esta historia con un lenguaje frío. Aunque toda la película se centra en tiroteos en escuelas, no hay muchas escenas que describan directamente el incidente. Al igual que Spike Lee, Gus Van Sant lleva al público a pensar por sí mismo. Lo único que hizo fue restaurar la escena original del evento de la manera más realista posible.
También vale la pena mencionar que "Far From Las Vegas" de Mike Figgis, una película independiente llena de colores sentimentales, lleva al público al escenario del director desde el principio. Cuando lo veas fuera de Las Vegas, lo que sentirás nunca será la falsa emoción de una fábrica de sueños de Hollywood, sino un dolor real. Figgis nos organiza una historia de amor entre una prostituta y un alcohólico, pero en la película ni a la prostituta ni al alcohólico les falta humanidad. Al contrario, lo que sentimos es la represión y contención de toda la sociedad sobre los dos protagonistas. Aquí, las prostitutas y los borrachos son en realidad sólo metáforas de la identidad. Lo que realmente quiere decir el director es la ansiedad por la situación actual de la vida de las personas.
Magnolia de Paul Thomas Anderson está a más de un paso de Las Vegas. En "Magnolia", el director nos presenta una imagen de gente contemporánea temerosa, ansiosa y decadente. En más de tres horas, Anderson conectó hábilmente nueve eventos que se desarrollaron en paralelo las 24 horas del día, centrándose en padres e hijos, la ira y el perdón, el mundo ilusorio de la televisión y la vida real, las expectativas y las pérdidas, las oportunidades y la falta es el punto de partida. , mostrando verdaderamente la confusión y la lucha de la gente. Esta expresión moderna de "Magnolia" es muy diferente de las películas comerciales de Hollywood.
El género modernista más típico pertenece al Kafka de Soderbergh. Esta película, protagonizada por el famoso escritor Kafka, no tiene nada que ver con el propio Kafka. Soderbergh reescribió la historia de un thriller político y Kafka fue sólo uno de los ideogramas que tomó prestado. Toda la película tiene una estructura compacta y un ritmo claro, mostrándonos claramente un mundo interior paranoico, confuso y frenético. Para poder adaptar la historia de Kafka hasta tal punto, las habilidades coreográficas de Soderbergh son realmente asombrosas.
Llegado a este punto, hay una película que tengo que mencionar. Esa es “¿Has visto el color de la muerte?” de Jim Jarmusch. A diferencia de otras películas independientes, esta película está ambientada en los Estados Unidos de finales del siglo XIX y cuenta la historia de la fuga de un joven inocente. En el proceso de escapar, la trama se vuelve cada vez más surrealista y los personajes se vuelven cada vez más increíbles. La película utiliza las escenas y la atmósfera utilizadas en las películas occidentales. Las exquisitas imágenes en blanco y negro reproducen perfectamente el Occidente primitivo y desolado y también purifican el pensamiento espiritual de la película. Cuando el protagonista finalmente yace en el barco y acepta su muerte, la película tiene una sensación de apocalipsis redentor. Viste la muerte