¿Cuál es el papel de los planos generales en los documentales?
Montaje es la transliteración del francés montaje. Originalmente era un término arquitectónico que significaba combinación y ensamblaje. A mediados del siglo XX, los artistas cinematográficos lo introdujeron en el arte cinematográfico y su significado pasó a ser edición y empalme combinado, que es el término general para las formas y métodos de composición cinematográfica. En la era del cine mudo, el contenido de las técnicas y teorías del montaje se limitaba a la edición entre fotogramas. Después de la aparición de las películas sonoras, las técnicas de montaje y teorías de las películas también incluyen las técnicas y teorías de montaje de las imágenes sonoras y el montaje sonoro, que tienen un significado más amplio.
1. El papel de la técnica de montaje en programas de cine y televisión
La técnica de montaje que combina lentes y efectos de sonido es un factor importante para determinar el éxito de una película. La actuación en la película incluye los siguientes aspectos.
(1) Expresa el significado y crea la concepción artística. La segmentación y combinación de planos, y la combinación e interacción orgánica de sonido e imagen pueden dar al público un nuevo significado psicológico. Un plano, una imagen, un sonido sólo pueden expresar su propio significado específico y no tienen ningún otro significado ideológico o contenido profundo. Sin embargo, si utilizas técnicas de montaje y técnicas de expresión, puedes hacer que una serie de tomas o imágenes no relacionadas tengan un significado especial, expresen el significado del creador o produzcan un significado específico.
(2) Selección y compensación, generalización y concentración. Se selecciona una película de decenas de minutos entre muchos metrajes. Estas tomas no solo son diferentes en contenido, composición y programación de la escena, sino que la velocidad de movimiento de la cámara también es muy diferente y, en ocasiones, hay algunas repeticiones. El director debe analizar y estudiar cuidadosamente los materiales de acuerdo con el tema y el contenido de la película, seleccionar, proyectar y recombinar cuidadosa y audazmente las tomas para garantizar la visibilidad.
(3) La técnica de combinación de montaje puede guiar la atención de la audiencia y estimular sus asociaciones de acuerdo con los hábitos psicológicos de la audiencia. Debido a que cada toma solo muestra un contenido específico, y hay un cierto orden después de la combinación, se puede regular y guiar estrictamente, afectando las emociones y la psicología de la audiencia e inspirando a la audiencia a pensar.
(4) Puedes crear el concepto de tiempo en la pantalla. El uso de la tecnología de montaje puede cortar, organizar, procesar y transformar la vida y el espacio reales, haciendo que el tiempo y el espacio del cine y la televisión sean extremadamente amplios en los campos de la vida real y el contenido cinematográfico, ampliando el espacio de la imagen y logrando la función de abarcar. tiempo y espacio.
(5) La técnica del montaje crea diferentes ritmos en las imágenes de la película. El montaje puede estudiar de manera integral factores objetivos (cantidad de información, velocidad de movimiento de personajes y lentes, color y efectos de sonido, efectos de sonido y efectos especiales, etc.) y factores subjetivos (sentimientos psicológicos de la audiencia). A través del empalme entre tomas, el ritmo interno y el ritmo externo, el ritmo visual y el ritmo auditivo se combinan orgánicamente, haciendo que el ritmo de la película sea colorido, vívido, natural y armonioso, creando un fuerte impacto.
2. Montaje del grupo de lentes
Este tipo de combinación de lentes no considera factores como los efectos de sonido. Según su forma de expresión, dividimos este montaje en dos categorías: montaje narrativo y montaje performativo.
(1) Montaje narrativo
También conocido como montaje narrativo en el arte cinematográfico y televisivo, combina planos, escenas, párrafos. Mostrar la continuidad de los acontecimientos, promover el desarrollo de la trama y guiar a la audiencia para que comprenda el contenido son los métodos narrativos más básicos y comúnmente utilizados en programas de cine y televisión. Sus ventajas son pulsos claros y una lógica coherente. El método narrativo del montaje narrativo también se puede dividir en varios métodos específicos, como montaje continuo, montaje paralelo, montaje cruzado y montaje repetido.
Montaje continuo, este método narrativo cinematográfico y televisivo es similar al método narrativo secuencial en las técnicas narrativas novedosas.
En general, tiene una línea principal única y clara, que se narra de forma rítmica y continua según la secuencia lógica de los acontecimientos. Este método narrativo es sencillo y claro, con pistas claras, lo que hace que los hechos a describir sean fáciles de entender. Pero también tiene sus propios defectos. Demasiados montajes consecutivos en una película pueden darle una sensación de aburrimiento. Por lo tanto, debemos tener en cuenta estos aspectos al realizar una edición no lineal, y es mejor combinarlos con otras técnicas narrativas para coordinar entre sí.
El montaje de igualdad es una expresión de clasificación. Dos o más hilos argumentales se narran por separado y se unifican en una trama completa. Este método es útil para resumir y condensar, ahorrar espacio y ampliar la capacidad de la película. Debido a la expresión paralela y al contraste mutuo, se pueden formar contrastes y ecos, produciendo una variedad de efectos artísticos.
Montaje cruzado, esta técnica narrativa es la misma que el montaje de igualdad. El montaje paralelo sólo se centra en la unidad de trama y tema, la conexión interna de los acontecimientos y la claridad de la línea principal. El montaje de intersección enfatiza la relación de intersección entre pistas paralelas y la simultaneidad y contraste de eventos, así como la influencia mutua y la promoción entre estos eventos. En las últimas pistas, esta técnica narrativa puede crear un fuerte contraste y una atmósfera feroz, fortalecer la agudeza de los conflictos y despertar el suspenso. Es un medio importante para captar las emociones de la audiencia.
El montaje de repetición es una técnica narrativa que repite escenas o situaciones que representan un determinado significado en momentos clave, produciendo efectos artísticos como énfasis, contraste, reacción y renderizado. Profundizar la impresión de un determinado significado.
(2) Montaje performance
Este tipo de montaje también se llama montaje simétrico en el arte cinematográfico y televisivo. Se basa en la secuencia de planos y cambios de forma o contenido a través de ellos. Tomas conectadas o superpuestas El contraste mutuo y el impacto mutuo producen un significado que es más significativo que un solo disparo en sí. Para expresar algunos de los sentimientos emocionales del creador, también crea una fuerte impresión en la audiencia visual y psicológicamente, aumentando el atractivo emocional. Su función estética es estimular la asociación del público e inspirarlo a pensar. El propósito de esta técnica de montaje no es describir la trama, sino expresar emociones, expresar moralejas y revelar el significado de la memoria. Este tipo de montaje tiene principalmente las siguientes formas:
Montaje metafórico clasificado por la cola o intersección de planos (o escenas), expresa implícita y vívidamente la moralidad o subjetividad del creador hacia un determinado evento. A menudo muestra características similares entre cosas que son similares entre sí, lo que despierta la asociación de la audiencia, comprende el significado del creador y aprecia el color emocional subjetivo del evento.
La característica estética de esta forma de expresión es que combina una gran expresión sumaria y concisa, y es altamente contagiosa y expresiva. En el programa que queremos producir se deben combinar factores metafóricos con pistas narrativas para lograr el efecto artístico que queremos expresar. Los elementos utilizados en la metáfora deben ser coherentes con el tema a expresar. El tema puede complementarse en la forma de expresión y no puede insertarse fuera de la trama. Este método requiere que sea apropiado, natural, implícito y novedoso.
Montaje de contraste, esta técnica de expresión del montaje consiste en crear un efecto de contraste en el contenido o la forma de la toma, dando a las personas una sensación de contraste. También es la coordinación mutua y el conflicto de contraste del contenido utilizado. expresar los sentimientos del creador. El contenido, la concepción artística y los pensamientos expresados en un determinado significado o conversación.
El montaje psicológico es una combinación de lentes que expresa directa y vívidamente las actividades psicológicas y el estado mental del personaje, como el aura, la memoria, los sueños, las alucinaciones, la imaginación y otras actividades psicológicas e incluso subconscientes. la psicología del personaje. Desempeño del estilismo. Esta técnica se utiliza a menudo en tomas de recuerdos.
El montaje psicológico se caracteriza por la fragmentación de las imágenes y la incoherencia de las narrativas. Se utiliza principalmente para expresar intersecciones, colas e interludios, con un fuerte color subjetivo.
3. Normas y métodos generales de montaje de lentes
Como todos sabemos, no importa qué película o programa de televisión sea, está compuesto por una serie de lentes conectadas en un determinado orden. Estos planos pueden continuar, permitiendo al espectador ver en la película que están integrados en un todo completo. Esto se debe a que el desarrollo y cambio de lentes debe seguir ciertas reglas, que describiremos en detalle más adelante.
(1) La combinación de planos debe ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de las actuaciones cinematográficas y televisivas.
La combinación de lentes debe ajustarse a la lógica de la vida y del pensamiento. Si no es lógico, el público no lo entenderá. Los temas e ideas centrales a expresar en los programas de cine y televisión deben ser claros. Sobre esta base, podemos decidir qué planos elegir y cómo combinarlos en función de las necesidades psicológicas del público, es decir, la lógica del pensamiento.
(2) El cambio de escenario debe adoptar un método "paso a paso".
En términos generales, al filmar una escena, el desarrollo del "escenario" no debe ser demasiado intenso, de lo contrario no será fácil conectarse. Por el contrario, la "escena" no cambia mucho, el ángulo de disparo no cambia mucho y la lente no es fácil de montar. Por las razones anteriores, debemos adoptar un enfoque paso a paso para el desarrollo y cambio de la "escena" durante el rodaje. Cambiar gradualmente las lentes con diferentes distancias de visión puede crear conexiones fluidas y formar varias frases de montaje.
Patrón de oración progresiva: este patrón de oración narrativa se refiere a la transición del paisaje desde una vista lejana y panorámica a un primer plano y un primer plano. Se utiliza para expresar el desarrollo de emociones y tramas de menor a mayor.
Patrón de oración hacia atrás: este patrón de oración narrativa va de cerca a lejos, indicando emociones deprimidas de mayor a menor, y se expresa desde los detalles a todos en la película.
Patrón de oración circular: Es una combinación de oraciones positivas y negativas. Desde panorama-plano medio-plano cercano-plano cercano, y luego desde plano cercano-plano cercano-plano medio-plano lejano, o también podemos usarlo al revés. Expresa emociones de menor a mayor y luego de mayor a menor. Este patrón de oraciones se utiliza a menudo en largometrajes de cine y televisión.
Al montar la lente, si se encuentra el mismo plano, no se pueden montar imágenes de la misma escena y del mismo sujeto. Debido a que las escenas en las tomas no cambian mucho, cada par de fotogramas se ve igual, como si la misma toma se repitiera una y otra vez. Por otro lado, cuando se conectan dos tomas con pocos cambios en la ubicación y el escenario, siempre que el paisaje en la imagen cambie ligeramente, saltará en el campo de visión de las personas o parecerá que una toma larga ha sido interrumpida muchas veces. provocando que se tenga la sensación de "tirar de películas extranjeras" y de "linterna giratoria", lo que destruye la continuidad de la imagen.
Si se encuentra en una situación así, filme estas tomas desde el principio (esto puede resolver el problema para programas con pocas tomas, para otras películas con las mismas ubicaciones y escenas, requerirá mucho tiempo y dinero). Recursos. La mejor manera es utilizar lentes de transición. Por ejemplo, filmar desde diferentes ángulos y luego ensamblarlo, intercalando subtítulos, permite cambiar la posición y los movimientos del intérprete antes del montaje. De esta manera, las imágenes ensambladas no se sentirán nerviosas, discontinuas o dislocadas.
(3) Reglas de dirección y eje de disparo en el montaje de lentes.
Cuando el sujeto entra y sale del encuadre, debemos prestar atención a la dirección general de disparo y disparar desde el lado del eje; de lo contrario, los dos encuadres se conectarán y el sujeto "se estrellará". ".
La llamada "ley del eje" se refiere a si existe un fenómeno de "salto del eje" en la toma. Al disparar, si la posición de la cámara siempre está en el mismo lado del eje de movimiento principal, entonces la dirección de movimiento de la imagen y la dirección de ubicación son consistentes, de lo contrario, debe ser "salto de eje". Las imágenes de salto de eje no se pueden montar.
(4) El conjunto de la lente debe seguir las reglas de "sigue el movimiento" y "seguimiento estático"
Si las acciones del mismo sujeto o de diferentes sujetos en la imagen son coherente, la acción puede ser seguida por Siga los movimientos para lograr una transición suave y concisa, lo que se denomina "movimiento y movimiento". Si el movimiento del sujeto en las dos imágenes es incoherente, o hay una pausa en el medio, entonces la combinación de las dos tomas debe tener una toma en movimiento desde la imagen fija hasta el comienzo después de que el sujeto completa una acción completa en la imagen anterior. , este es el llamado "de la quietud a la quietud". En la combinación de "foto y foto", el momento en que termina la toma anterior se llama "imagen izquierda", y el momento en que la siguiente toma está quieta antes del movimiento se llama "encuadre". La imagen de la izquierda dura aproximadamente uno o dos segundos. La combinación de lentes móviles y lentes fijas también debe seguir esta regla. Si a un plano fijo le sigue un plano oscilante, el plano oscilante debe comenzar desde un fotograma; por el contrario, a un plano tembloroso le sigue un plano fijo, por lo que el plano oscilante debe tener un "marco izquierdo", de lo contrario la imagen aparecerá; Dar a la gente la ilusión de sentir el salto. Para efectos especiales, también existen tomas estáticas o dinámicas.
(5) La duración del tiempo de montaje de la lente
Cuando filmamos películas y programas de televisión, la duración del tiempo de inactividad de cada lente se basa primero en la dificultad y la dificultad del el contenido a expresar está determinado por la aceptación de la audiencia y, en segundo lugar, también se deben considerar factores como la composición de la imagen. Por ejemplo, debido a las diferentes escenas seleccionadas en la pantalla, el contenido de la pantalla también es diferente. Una imagen con un plano grande, como un plano largo o un plano medio, contiene más contenido, y el público necesita ver el contenido de estas imágenes con claridad, lo que lleva más tiempo, mientras que una imagen con un plano pequeño, como un primer plano. o el primer plano contiene menos contenido y la audiencia puede ver claramente en poco tiempo, por lo que el tiempo en la pantalla puede ser más corto.
Además, otros factores en una imagen o en un grupo de imágenes también limitan la duración de la imagen. Al igual que las partes brillantes de una imagen atraen más la atención que las partes oscuras. Por lo tanto, si la imagen va a mostrar las partes brillantes, la longitud debe ser más corta; si va a mostrar las partes oscuras, la longitud debe ser más larga; En la misma imagen, las partes móviles atraen la atención visual antes que las partes estáticas. Por lo tanto, si el foco está en la parte en movimiento, la imagen debe ser más corta; al mostrar la parte estática, la duración de la imagen debe ser ligeramente mayor;
(6) Unificación del tono de color en la combinación de lentes
El tono se refiere a la imagen en negro. El paisaje en la pantalla negra, sin importar el color que sea, está representado por muchos niveles de blanco y negro de diferentes tonos suaves y duros. Para las imágenes en color, además del problema del tono, también existe un problema de color. Ya sea que combine imágenes en blanco y negro o en color, mantenga la coherencia en el tono y el color. Si se conectan dos grupos de lentes con fuerte contraste de luz y oscuridad o de color (excepto para necesidades especiales), se sentirá rígido e incoherente, lo que afectará la expresión fluida del contenido.
(7) El ritmo de combinación de planos
El tema, estilo y estilo del cine y programas de televisión, así como la atmósfera ambiental de la trama, las emociones de los personajes, y los altibajos de la trama, están de acuerdo con el ritmo general de los programas de cine y televisión. El ritmo de la película no sólo se refleja a través de la actuación de los actores, el cambio y movimiento de la cámara, la coordinación de la música y los cambios en el tiempo y el espacio de la escena, sino que también requiere el uso de métodos combinados para estrictamente controlar el tamaño y número de disparos. Reorganice y ajuste el orden de las tomas y elimine detalles redundantes para completar. También se puede decir que el ritmo combinado es el último eslabón del ritmo general de la película educativa.
Cuando se trata cualquier trama o un grupo de escenas en un programa cinematográfico, el tema del ritmo debe abordarse en función del contenido expresado en la película. Si utiliza cambios de cámara rápidos en un ambiente tranquilo y pacífico, hará que la audiencia se sienta brusca y difícil de aceptar. Sin embargo, en algunas escenas con un ritmo fuerte y emociones emocionantes, se deben considerar varios factores que influyen para que la velocidad de cambio de las tomas cumpla con los requisitos psicológicos del público joven, a fin de mejorar la emoción del público joven y lograr el propósito de atraer y imitación.
(8) Métodos para ensamblar lentes
Además de los principios ópticos, la combinación de lentes también se puede cambiar directamente entre lentes a través de la ley de conexión, lo que hace que la trama sea más natural y fluida. . Aquí presentamos varios métodos de combinación efectivos.
Unir y ensamblar: Serie de dos o más tomas conectadas que muestran el mismo sujeto en acción.
Conexión en cola: tomas conectadas pero no el mismo tema. Debido al cambio de tema, aparecerá el siguiente tema y el público pensará en la relación entre las imágenes superior e inferior, que desempeña el papel de eco, contraste y metáfora. A menudo revelan creativamente nuevos significados.
Combinación de cuadrícula en blanco y negro: crea un efecto visual especial, como un rayo, una explosión, un efecto de flash de estudio fotográfico, etc. Al ensamblar, podemos reemplazar las piezas que necesitan ser iluminadas con marcos blancos, ensamblar una serie de marcos negros en el momento en que se encuentran varios vehículos, o usar marcos en blanco y negro en los momentos adecuados, lo que ayudará a fortalecer el ritmo de la película. , crear la atmósfera y mejorar el suspenso.
Combinación de lentes en dos etapas: Es un modo combinado en el que un primer plano salta directamente a una panorámica o cambia directamente de una panorámica a un primer plano. Este método puede hacer que el desarrollo de la trama cambie de dinámico a estático o en silencio, dando al público una fuerte sensación de franqueza, formando un cambio repentino de ritmo y produciendo efectos visuales y psicológicos especiales.
Ensamblaje de tomas de flashback: utilizando tomas de flashback, como insertando tomas de personajes que recuerdan eventos pasados, esta técnica de ensamblaje se puede utilizar para revelar los cambios internos de los personajes.
Análisis de la misma lente: utilizando la misma lente en varios lugares. Cuando se utiliza esta técnica de combinación, muchas veces se debe a las siguientes consideraciones: ya sea porque los materiales pictóricos requeridos no son suficientes o porque una escena se repite deliberadamente para mostrar el cabello y la memoria de un determinado personaje o porque el significado simbólico único de él; se enfatiza una imagen para imprimir y distribuir los pensamientos del público o hacer que el final se satisfaga entre sí, logrando así un sentimiento completo y riguroso en la estructura artística.
Costura: A veces, aunque fotografíemos muchas veces en exteriores y el tiempo de disparo sea bastante largo, las lentes disponibles son muy cortas y no consiguen conseguir la longitud y el ritmo que necesitamos. En este caso, si hay tomas con contenido igual o similar, podemos combinar algunas de ellas para conseguir la longitud necesaria de la pantalla del programa.
Insertar combinación de tomas: cambia entre una toma e inserta otra toma que represente un sujeto diferente. Si una persona camina por la carretera o está sentada en un automóvil y mira hacia afuera, de repente inserte una lente que represente la línea de visión subjetiva del personaje (lente subjetiva) para mostrar lo que el personaje ve inesperadamente, sus sentimientos intuitivos y la lente que despierta. asociaciones.
Combinación de acciones: utilizando la conexión de acciones y dinámicas de personas, animales, vehículos, etc. Además de la coherencia y la similitud de acción, se utiliza como medio de transición de tiro.
Combinación de primer plano: El último plano finaliza con un primer plano de una determinada parte de una persona u objeto (cabeza u ojos), y luego a partir de este primer plano, el campo de visión. Se amplía gradualmente para mostrar otra Las circunstancias de la trama. El propósito es cambiar inconscientemente la escena y el contenido narrativo cuando la atención del público se centra en la expresión de una persona o algo así, sin que la gente se sienta incómoda.
Combinación de lentes de paisaje: Entre las dos lentes, con la ayuda de lentes de paisaje, hay lentes con paisajes como tema y objetos como fondo, que también pueden expresar diferentes entornos geográficos y características del paisaje. como el tiempo y los cambios estacionales, también puede expresar la naturaleza lírica del paisaje. Por otro lado, hay tomas que se centran en objetos y utilizan el paisaje como lámina, que a menudo se utilizan como medio de conversión de lentes.
Transición de voz: Utiliza la transición de narración. Esta técnica es generalmente más común en películas de ciencia y educación. Utilice transiciones alternas entre voz en off y voz en off, como algunas de las actuaciones de las escenas de llamadas telefónicas. Además, también se utiliza el canto para lograr el efecto de transición y se utilizan varios contenidos para cambiar de escena.
Transición multipantalla: este método se llama multipantalla, multipantalla, multipantalla, es un método nuevo en el arte cinematográfico y televisivo moderno. partes, lo que puede hacer que tramas dobles o múltiples vayan de la mano, reduciendo considerablemente el tiempo. Por ejemplo, en la escena del teléfono, hay personas a ambos lados del teléfono. Después de hacer la llamada, el drama de la persona que llama termina, pero el drama de la persona que llama comienza.
La técnica de combinación de lentes es una variedad de pétalos, que se crean según la intención del creador y el contenido y necesidades de la trama. No existen regulaciones ni restricciones específicas. En la posedición específica, puede hacer lo mejor que pueda según la situación, pero no puede desviarse de la situación y las necesidades reales.
4. Lente de distancia focal larga
La lente larga, también conocida como toma segmentada en el cine y la televisión, se refiere a las tomas continuas tomadas por la cámara después de un largo período de inactividad. detener el movimiento. La lente larga puede durar más de varios minutos.
La teoría del plano largo fue propuesta por primera vez por el teórico del cine francés André Bazin. Él cree que el movimiento de lentes y lentes puede evitar limitar estrictamente el proceso de percepción de la audiencia, centrarse en el movimiento verdadero, normal y completo de las cosas, garantizar que se respete el tiempo y permitir que la audiencia vea la imagen completa del espacio de exhibición. y la conexión real de las cosas. Su importancia no sólo puede reducir en gran medida el número de montajes, sino que también desempeña un papel importante en el desarrollo y estudio del potencial artístico del montaje dentro de la lente. Especialmente las emociones que deben expresarse constantemente, las tomas que deben ser coherentes y coherentes y las tomas que deben introducir continuamente espacios amplios, todas tienen su propio valor artístico especial.
Pero Bazin absolutaiza el significado estético de los planos generales, enfatizando sólo la realidad e ignorando la esencia artística de las técnicas de montaje externo. Podemos utilizar múltiples técnicas de combinación de montaje para seleccionar tomas típicas y representativas para crear tomas novedosas que abarquen el tiempo y el espacio y acorten el espacio sin sentido, de modo que la audiencia pueda recibir su efecto artístico en lugar de simplemente copiar y observar el tiempo objetivo.
Los dramas televisivos nacionales utilizan muchos planos generales, lo que a menudo da a la gente una sensación de arrastre y no son tan intensos como los de Hong Kong, Taiwán u Occidente.
La teoría de planos generales y las habilidades de actuación son parte del arte cinematográfico y televisivo y pueden complementar las habilidades de montaje de montajes. Pero no podemos abusar de ello, especialmente en largometrajes y MTV. Podemos usarlo apropiadamente en documentales, películas educativas o algunos noticieros para mostrar algunos detalles.
En tercer lugar, el montaje del grupo de audio y vídeo