Enséñame algunos conocimientos básicos de música clásica.

Hay dos tipos de música, una es la música sinfónica y ligera, y la otra es la música dance, la música pop y el jazz.

La música clásica a menudo se refiere a música seria, y también hace referencia a algunas obras clásicas reconocidas.

Generalmente el número de intérpretes es inferior a 10, y tocar música clásica se llama música de cámara. Cuando cada instrumento desempeña una parte, dos instrumentos se denominan dúo, tres instrumentos se denominan trío y ocho instrumentos se denominan octeto, pero el trío de piano, el cuarteto de cuerdas y el quinteto de piano son los más populares. Las de más de diez personas se denominan orquestas de cámara. Las actuaciones de música instrumental a gran escala se denominan orquestas, y las orquestas modernas también se denominan orquestas sinfónicas y orquestas sinfónicas. Las orquestas sinfónicas clásicas tienen más de 30 miembros, a veces hasta 100 o 150 miembros. Las bandas que tocan música ligera y música jazz, comúnmente conocidas como pequeñas bandas de jazz, suelen tener un número reducido de personas, pero también hay bandas de música ligera con más de 30 personas. La banda de danza moderna no utiliza instrumentos de cuerda, sino que simplemente utiliza instrumentos de viento de madera y de metal como instrumentos melódicos principales, lo cual es completamente diferente de la banda de vals vienesa.

En la configuración de una orquesta grande, los instrumentos de cuerda representan aproximadamente el 60%, los instrumentos de viento de madera representan aproximadamente el 15%, los instrumentos de metal representan aproximadamente el 15% y los instrumentos de percusión representan aproximadamente el 10%. Por lo general, el violín está al frente a la izquierda, el alto está en el medio a la derecha, el violonchelo está al frente a la derecha y el violonchelo está en el extremo derecho. Detrás de los instrumentos de cuerda está la sección de instrumentos de viento y los timbales están en el centro de la última fila. La caja, los platillos y otros instrumentos de percusión están a la izquierda de los timbales. La banda de música está a la derecha de los timbales. El arpa y el piano están a la izquierda del centro.

La orquesta tiene cuatro partes principales:

(1) Instrumentos de cuerda

Violín, viola, violonchelo, contrabajo (contrabajo).

(2) Instrumentos de viento madera

Flauta (flauta travesera), flautín, oboe (flauta imperial), clarinete (clarinete, clarinete), fagot (fagot, fagot).

(3) Instrumentos de metal

Trompeta, trombón (tubo telescópico), corno francés (trompa) y tuba.

(4) Instrumentos de percusión

Timbales, tambores, panderetas, platillos, triángulos, campanas, gongs, xilófonos, pianos, etc.

El elemento de la música es el sonido. Los compositores no pueden expresar sus sentimientos tan claramente como las palabras. Sólo pueden utilizar la expresión sonora para despertar las emociones de las personas. Los cuatro elementos básicos de la música son ritmo, melodía, armonía y timbre. El ritmo recuerda a los movimientos físicos y la melodía a las emociones espirituales. La música expresa emociones a través de diferencias en melodía, ritmo, sonido, armonía y timbre. Por ejemplo, las tonalidades mayores representan felicidad y grandeza, las tonalidades menores representan tristeza y melancolía; los ritmos tensos y cortos representan ira, los ritmos suaves y largos representan suavidad, los tonos fuertes representan entusiasmo y los tonos bajos y débiles representan silencio; Los sonidos armoniosos significan paz y tranquilidad; la trompeta representa la guerra, el oboe representa el pastoreo, etc.

¿Cómo disfrutar de la música?

Cada uno escucha música según sus diferentes capacidades de apreciación y aficiones. Para facilitar el análisis, dividimos la apreciación musical en tres aspectos.

(1) Belleza

Escuchar música es puramente el placer de la música. Sólo es agradable para los oídos, sólo una apreciación perceptiva, sin ninguna forma de pensamiento. La música te lleva a un mundo de fantasía. Por ejemplo, cuando hagas cosas, enciende el estéreo y sumérgete distraídamente en la música. En esta época, el atractivo de la música por sí solo lleva a la gente a un estado mental inconsciente pero atractivo.

La estética juega un papel muy importante en la música, pero no se debe permitir que ocupe demasiado lugar. Incluso en esta etapa temprana de escuchar música, es necesario adoptar un método de escucha más significativo.

(2) Expresión

Toda música tiene la capacidad de expresar. Siempre hay algún significado detrás de las notas, que constituye el contenido de la obra y puede despertar emociones. apreciación.

(3) Música pura

Además de los sonidos agradables y las emociones expresadas, la música también existe en las notas y en el procesamiento de las mismas. Para seguir el pensamiento del compositor y explorar conscientemente la estructura de la música, los cambios en los temas y el uso de las técnicas del compositor, se trata de una especie de apreciación racional y una etapa avanzada de apreciación musical.

La mayoría de los oyentes no comprenden del todo este tercer aspecto. Un oyente sabio debe estar preparado para aumentar su conocimiento del material musical y su desarrollo. Debe escuchar la melodía, el ritmo, la armonía y el timbre de forma más consciente. Es particularmente importante seguir las ideas del compositor y comprender los principios de algunas formas musicales.

El oyente ideal es alguien que pueda entrar y desconectarse de la música. Mientras escuchaba la música, continuó profundizando su comprensión de la música.

La única manera de entender la música es escuchándola. Escuche atentamente de principio a fin hasta que se familiarice con él y luego podrá profundizar su comprensión. Cuando escuchas una melodía y puedes reconocerla, tienes las condiciones para apreciar la música. Si puedes escuchar las diferencias entre diferentes intérpretes que tocan la misma pieza musical y comprender las ideas del compositor, entonces ya has entrado por la puerta para apreciar la música.

La música tiene la capacidad de expresar, por lo que tiene un cierto significado, pero no se puede expresar claramente con palabras y no es necesario encontrar las palabras adecuadas para expresar el significado de la música.

Los métodos de expresión musical se pueden dividir a grandes rasgos en dos categorías: música absoluta y música de programa. La música cuyo propósito es la música misma se llama música pura. La música pura se compone únicamente de sonidos y formas y no tiene una conexión clara con nada más que la música misma. La mayoría de la música instrumental, como las sinfonías y las sonatas, entran en esta categoría. La música que implica literatura, pensamiento, pintura, etc. con títulos específicos se denomina generalmente música de título.

Una sonata es una pieza musical instrumental compuesta por cuatro movimientos independientes, cada uno con su propia estructura y estilo, interpretados por el piano, el violín y el violonchelo respectivamente. La interpretación de piano se llama sonata para piano, la interpretación de violín se llama sonata para violín, la interpretación de violonchelo se llama sonata para violonchelo y la música de cámara también es una sonata.

Un concierto es una pieza musical instrumental interpretada por un instrumento solista y una orquesta a partes iguales. Los conciertos suelen utilizar violín, piano, violonchelo o flauta como instrumento solista.

Una sinfonía es una música instrumental de estilo sonata interpretada por una orquesta. Generalmente dividido en cuatro movimientos, la complejidad del timbre y la riqueza de los colores son las más altas entre todas las piezas musicales.

Una suite es una suite para orquesta o piano compuesta por varias secciones cortas, cada una de las cuales es relativamente independiente.

Obertura originalmente se refiere a la música instrumental tocada por la orquesta antes del inicio de una ópera, oratorio o partitura dramática, pero en los tiempos modernos existen oberturas orquestales de un solo movimiento producidas especialmente para conciertos.

Los preludios son en su mayoría música orquestal corta, a menudo utilizada como preludio de música y películas a gran escala.

El intermezzo es la música que se reproduce entre escenas de una obra de teatro u ópera, que tiene la función de sugerir la escena y cambiar la atmósfera del público. También hay obras independientes, de forma relativamente libre y de menor duración.

Toccata es una música de teclado de forma libre que muestra varias técnicas magníficas.

Una serenata es un tipo de música solista o instrumental que se toca al aire libre al anochecer o de noche. La música es conmovedora, eufemística y sutil.

Nocturne es un tipo de música elegante y romántica. La melodía está llena de canto, a menudo con una ornamentación exquisita, y va acompañada de arpegios o acordes. Es una rama de la serenata.

Improvisación (1mpromptu) es una pieza instrumental improvisada.

La balada es un tipo de música instrumental con características líricas y románticas y tiene su significado narrativo original.

El aprendizaje es un tipo de música que se utiliza para mejorar las habilidades de interpretación instrumental.

El scherzo, también conocido como scherzo, es un tipo de música instrumental de gran velocidad, ritmo activo y claro, y contraste frecuente y repentino entre fuerte y débil.

Un drama humorístico, libre y desenfrenado, con características de humor y fantasía.

Capriccio es un término general para la música creada por un compositor basada en la fantasía. Es un tipo de música que expresa cambios de forma libre.

La rapsodia es música instrumental compuesta por un compositor sobre temas heroicos, nacionales o líricos.

Fantasia es un tipo de música instrumental caracterizada por la fantasía y la libertad. Es una música instrumental corta con color romántico y sin forma fija.

Los cantos pastorales, de suaves melodías, son música idílica desarrollada tras imitar los instrumentos musicales utilizados por los pastores.

Gondola es una música lenta y oscilante con una hermosa y suave melodía.

Las variaciones son sinfonías instrumentales basadas en un tema, interpretadas de diferentes maneras. También se les llama poemas sinfónicos y fueron iniciados por Liszt. Por lo general, expresan contenido poético y artístico, tienen un solo movimiento, se pueden tocar libremente en estructura y no están restringidos en forma musical. Son obras sinfónicas mucho más breves que las sinfonías.

March es la música que se utiliza para acompañar el avance del grupo, mayoritariamente en cuatro tiempos, con énfasis en el tiempo fuerte. Generalmente tocado con instrumentos de viento, se usa a menudo en el ejército para mantener a las tropas en orden y elevar la moral. También hay procesiones como bodas, funerales y celebraciones triunfales.

Las canciones de cuna, también conocidas como nanas, tienen una forma sencilla, un tempo lento, una melodía principal suave y lírica, y un ritmo oscilante, simulando el ritmo de una cuna para dormir a un bebé.

El coro era originalmente una canción popular alemana y un himno cristiano, y más tarde se convirtió en una pieza instrumental.

Existen seis tipos de música de baile. (1) Vals, también traducido como vals, es un baile de tres tiempos con una nueva versión en cada sección, que es a la vez práctico y artístico. Su acompañamiento consta del primer tiempo del bajo y el segundo y tercer tiempo del acorde de agudos. La melodía principal es suave y alargada, y la armonía y estructura musical son simples y claras. Gavit, música de baile francesa, en 2/2 tiempos, llena de ambiente animado. ⑧El minueto, originalmente una danza folclórica francesa, con una velocidad media de 3/4, es una danza lenta y elegante. (4) La mazurca es un tipo de música de danza folclórica polaca con tres tiempos de medios a rápidos y es popular en las zonas rurales. ⑤ La polonesa, como la mazurca, es un representante de la polonesa. Es popular en la sociedad aristocrática. Tiene tres tiempos únicos, velocidad moderada y ritmo solemne. También traducido como polonesa. ⑥Polka, un baile rápido de doble ritmo popular en Bohemia en el siglo XIX.

Suite es una suite relajada y agradable.

El romance era originalmente unas canciones líricas y música instrumental con poemas narrativos legendarios como letra.

La obertura es uno de los géneros musicales instrumentales más antiguos y juega un papel importante en el desarrollo de otros géneros musicales instrumentales, especialmente las sinfonías y los poemas sinfónicos. Como sugiere el nombre, una obertura puede compararse con un prefacio o una introducción a una obra. En música, originalmente se refiere al preludio musical instrumental antes de la representación de ópera, oratorio, coro, ballet u otras obras dramáticas, es decir, es principalmente un tipo de música ruidosa. Sin embargo, esta cacofonía musical temprana era muy simple, en realidad solo unos pocos toques fuertes de trompeta, el equivalente a tres toques antes de una representación teatral en la actualidad. Esto se aplica a los escenarios de ferias folclóricas o espectáculos de marionetas más antiguos, e incluso a las óperas italianas de principios del siglo XVII, como las de Monteverdi (1567-1643).

A finales del siglo XVII comenzaron a aparecer dos tipos diferentes de oberturas dramáticas: las oberturas francesas y las oberturas italianas. La llamada Obertura Francesa fue creada por Luli Lure 65438+Y (1632-1687), fundador de la Ópera Nacional Francesa. Este tipo de obertura comienza con una introducción grandiosa, solemne, lenta y a menudo musical, seguida de una pieza musical rápida y activa, a menudo escrita en estilo polifónico, y finalmente repite la música lenta al principio, o termina con un minueto lento. . Esta obertura de ópera francesa tiene una estructura "lento-rápido-lento". Por otro lado, la obertura italiana también se puede dividir en tres partes diferentes, pero su primera parte es rápida y activa, en la que se inserta una melodía lenta, parecida a una canción, y al final se utiliza un pasaje de baile de ritmo rápido. y se utiliza a menudo El ritmo de la tarantela o jig folclórico italiano. De esta manera, la obertura italiana forma una estructura "rápido-lento-rápido". Esta obertura de ópera italiana fue compuesta principalmente por el compositor italiano A. Scarlatti (1660-1725). Se puede decir que es el prototipo de la sinfonía de múltiples movimientos que apareció un siglo después. Dado que la ópera francesa en ese momento se usaba principalmente para las celebraciones festivas de la dinastía Borbón, mientras que la ópera italiana tenía una audiencia más amplia, naturalmente, las oberturas de la ópera italiana no eran tan elegantes y nobles como las francesas en estilo y contenido. Sin embargo, estos dos tipos de oberturas de ópera de los siglos XVII y XVIII no tienen una conexión profunda con el contenido y la concepción artística de la ópera misma. Debido a que el público frívolo en ese momento siempre estaba ocupado entreteniendo a los amigos antes de la presentación de los personajes, el orden del teatro no podía estar tranquilo. El compositor sabía que el público nunca prestaba atención a la interpretación de la obertura, por lo que no quería gastar. más tiempo en este aspecto. De esta forma, es habitual que una obertura de ópera se utilice muchas veces en distintas óperas. A nadie le importa, ni al autor ni al público.

Como forma de arte, la obertura se ha convertido en una parte importante del teatro, que se inició en la segunda mitad del siglo XVIII. En aquella época, el compositor de ópera alemán Gluck fijó un criterio que hizo época para la obertura cuando estaba reformando óperas: escribió en la introducción a su ópera "Arctic": "Creo que la obertura debe insinuar el tema de la obra y ... Preparar emocionalmente al público para el drama que están a punto de ver." La obertura de la ópera Ifigenia de Gluck es uno de los mejores ejemplos de este tipo de obertura operística de la época. Este tipo de obertura de ópera clásica, iniciada por Gluck, no se finalizó hasta finales del siglo XVIII y básicamente adopta la estructura de la forma de sonata. La mayoría de las oberturas de ópera de Mozart entran en esta categoría.

Para mantener la conexión orgánica entre la obertura y la ópera en sí, la forma más sencilla es seleccionar directamente los fragmentos de la ópera que están estrechamente relacionados con el desarrollo del drama o el desarrollo de la melodía (como como arias, etc.) que mejor reflejen el carácter del tema protagonista de la ópera. La "Obertura Don Giovanni" de Mozart y la "Obertura Roslan y Lyudmila" de Glinka son ejemplos de esto. Pero algunas oberturas no tienen nada que ver con el tema de la ópera en sí, como la obertura de "Las bodas de Fígaro" de Mozart y la obertura de "El barbero de Sevilla" de Rossini.

La obertura de Beethoven tiene una gran importancia en la historia de la música. En el pequeño género de la obertura, expresó un profundo contenido ideológico con imágenes musicales simples, concisas y muy resumidas. Su obertura dramática ha ido mucho más allá de la función general de "introducción" y se ha convertido en la expresión concentrada del contenido central de toda la obra.

Pero el talento de Beethoven todavía se reflejaba en la sinfonía, y el desarrollo de la obertura finalmente recayó en su joven contemporáneo, el padre de la ópera romántica alemana, Weber. Las oberturas de la ópera de Weber están estrechamente relacionadas con la ópera misma, tanto en términos de temas musicales como de colores emocionales, convirtiéndose en un sonido y una imagen exquisitos que introducen al oyente en la atmósfera emocional de la ópera. Las óperas de Weber "El tiro libre", "Oberon" y "Yoranti" son obras representativas de este tipo.

La primera mitad del siglo XIX fue la época dorada de las oberturas de ópera romántica. Después de eso, la influencia de las oberturas obviamente se desvaneció. Hay dos razones: primero, en la segunda mitad del siglo XIX, algunos compositores, como Wagner, creían que la ópera en sí era suficiente para ilustrar la trama de la historia dramática, y que la obertura no necesitaba involucrar el contenido de la historia. la historia. Por tanto, muchos compositores tienden a reducir el tamaño de sus oberturas. Prefiero cambiar a un género de preludio más corto, que se limita a generar una emoción frente al telón; en segundo lugar, el nuevo público del Teatro Lírico en ese momento generalmente venía a ver la representación con sinceridad y tenía cierta capacidad de apreciación. por lo que no fue necesario utilizar música alta para retrasar la apertura. El resultado es que, al igual que la ópera "La Bohème" del compositor italiano Puccini de finales del siglo XIX, casi inmediatamente pasa al primer acto de la ópera con sólo unos pocos compases de introducción.

Además de las oberturas de ópera, muchos compositores del siglo XIX también quisieron crear un nuevo tipo de obertura que no desempeñara el papel de "preludio". Esta obertura no está afiliada a ninguna obra dramática, pero a menudo tiene un título relacionado con cierto contenido poético, como imágenes y tramas creadas por la literatura clásica u obras populares, imágenes de la vida popular, etc. Esta obertura de título independiente se llama obertura de concierto. Su fundador fue el compositor alemán Mendelssohn. La primera obertura escrita específicamente para un concierto fue su obertura "El sueño de una noche de verano". Hay muchas oberturas para el concierto principal, como "La cueva del dedo" de Mendelssohn, "Obertura española" de Glinka, "Obertura solemne de 1812" de Tchaikovsky y "Obertura fantástica de Romeo y Julieta". Algunas de estas oberturas son en realidad títulos sinfónicos o variaciones de una sinfonía.

En la historia de la música, la clasificación de los instrumentos musicales suele estar muy relacionada con la orquestación. La clasificación de los instrumentos musicales no sólo refleja los hábitos y costumbres de vida de las personas (naciones, humanos), sino que, lo que es más importante, refleja el contenido de la vida musical, las formas musicales, los niveles tecnológicos y la productividad en las diversas etapas de la comprensión humana en ese momento. Los instrumentos musicales antiguos chinos más importantes La clasificación es el "método de clasificación de ocho tonos", que divide los instrumentos musicales chinos antiguos en ocho categorías según los materiales utilizados para fabricarlos. Apareció en la dinastía Zhou Occidental (alrededor del siglo XI a. C. - 771 a. C.).

"¿Putonghua? ¿Bajo el gobierno de Zhou Yu? "Lingzhou On Music" dijo: "Entonces, el instrumento musical más importante es pequeño y el instrumento musical más importante es grande, por lo que el carruaje dorado, el sedán de piedra y las tejas del palacio (las tejas son de tierra, cerámica, etc.), las de bambú aún están en discusión y las de madera han sido cambiadas. "Los ocho tonos son oro (como campana, Tudor), piedra (como Qing), seda (como Qin, zi), bambú (como Xiao, Chi), Shu (como Sheng, Ru), tierra ( como Ru, Ru), Ge (Ruru)

También existe una clasificación en la música folclórica, que divide aproximadamente los instrumentos musicales en cuatro categorías: soplar, tirar, tocar y tocar, tales como: tocar (suona , flauta), tocar (huqin) y tocar (Sanxian, pipa), tocar (dulcimer, platillos)

La música occidental se divide en cinco categorías:

(1) Instrumentos de viento de madera: clarinete y flauta, de lengüeta simple o doble (utilizados posteriormente) Instrumentos musicales fabricados en metal, como oboes y fagotes;

(2) Latón: Fabricado en metal, originalmente de madera.

Los primeros objetos físicos solo podían reproducir armónicos dentro de la escala completa o incluso dos octavas, como trompetas, trompas y tubas;

(3) Instrumentos de percusión: tambores, platillos, castañuelas;

(4) Teclado: desde el teclado natural original hasta el posterior teclado de cuarto Yankee (no muy similar a los instrumentos orientales tradicionales), como piano, clavecín y órgano;

Instrumentos de cuerda: Gama de instrumentos de cuerda desde textiles, tripas, ballenas, acero hasta nailon... como laúdes, violines, guitarras y arpas.

Kut. Saxofón (Kurt Sachs 1881-1959) y Hornbostel estudiaron y clasificaron instrumentos musicales de diferentes épocas y culturas basándose en principios acústicos, y en 1914 (al estallar la Primera Guerra Mundial) diseñaron un conjunto de términos para distinguir cinco categorías de instrumentos musicales [más tarde llamado "Saxofón" (Saxofón

(1) Instrumentos de canto corporal: instrumentos musicales hechos de materiales de pronunciación natural, como hierros verdes y triangulares (2) Instrumentos de canto de membrana: instrumentos musicales con membranas estiradas, como timbales, caja, tambor de cintura;

(3) Instrumentos que suenan en el aire: incluidos instrumentos con vibración sin lengüeta e instrumentos que utilizan lengüetas que vibran libremente, como órganos, shengs, etc.;

(4) Instrumentos de cuerda: instrumentos de cuerda, como violín, instrumento de tres cuerdas, etc.

(5) Instrumentos musicales electrónicos: de tipo electrónico y electroacústico, como teclados electrónicos y órganos eléctricos.

La división octogonal es una clasificación que ha existido en la historia y ahora no es necesaria. Refleja el nivel de ciencia y tecnología en la antigua China, y también refleja la situación social en ese momento que valoraba la tecnología. sobre la teoría (y su impacto en las formas humanísticas). La división de octavas es en realidad una división técnica relativamente rudimentaria en la historia de China. La "ciencia" solo incluye la tecnología y la artesanía, por lo que desafortunadamente esta clasificación no refleja ni implementa los principios científicos. , los tambores y las campanas de bronce pertenecen al oro, y las campanas de cerámica y las campanas de bronce pertenecen a la tierra y al oro, por lo que en la práctica el método de la octava puede no ser práctico en la interpretación, organización y actividades musicales. sus intentos de ordenar la música: soplar, tirar y tocar reflejan vívidamente los métodos de interpretación del instrumento musical. Para el entretenimiento personal, no existe una disposición de banda fija. El número de participantes y el método son relativamente flexibles. Los instrumentos al mismo tiempo pueden tocar este tipo de pipa y ruan. El tipo maestro-aprendiz tiene fuertes características artesanales y la clasificación de las balas es fácil de entender y es similar a la diferencia. entre albañiles y curtidores.

De hecho, la clasificación de los instrumentos musicales clásicos occidentales también tiene fuertes características artesanales y no es científica; por ejemplo, los instrumentos de viento de madera actuales son todos de metal, mientras que los instrumentos de metal originales estaban hechos de metal. madera, pero los nombres de instrumentos de viento de madera y metales ya están fijos, no son sistemáticos. La razón por la que existe es que detrás de ello hay otra ley sistemática y teórica: el método de coordinación, que hace que esta clasificación tenga su valor práctico y su ley de orquestación. la orquesta. El arte de la composición presta atención al timbre, la técnica, la interpretación y el rango efectivo de los instrumentos musicales, así como a la combinación, uso y combinación de los instrumentos musicales. Fundamentalmente, la orquestación se basa en esta clasificación de los instrumentos musicales. También hace que los instrumentos musicales occidentales sean más populares. Esta clasificación se ha aplicado de manera efectiva; esta aplicación puede no ser estrictamente científica, pero encarna el espíritu y el concepto de la ciencia.

La llamada "clasificación de saxofón (instrumento)". "En realidad no es una clasificación precisa de instrumentos musicales. Es simplemente la clasificación de instrumentos musicales de Saxofón basada en los cinco términos (ni siquiera conceptos) que propuso. Aunque inicialmente ha sido sistemática y estructurada, aún no ha sido completamente precisa. y científico. Es que los materiales sonoros utilizados en la música son extensos, complejos y diversos… Esto determina que las herramientas utilizadas para producir este sonido sean cada vez más sofisticadas y complejas (incluidos los métodos de interpretación). Nuestra clasificación siempre se pondrá al día. Este es el orgullo de la ciencia humana y el prurito del arte. Por un lado, la clasificación de los instrumentos musicales está sujeta a un riguroso sistema científico y, por otro, debe guiarnos eficazmente. -Cambiar la música y la vida musical no se puede lograr de la noche a la mañana. La "Clasificación de saxofón (instrumento)" es la mejor clasificación que existe. Es la clasificación más científica y rigurosa entre todas las clasificaciones de instrumentos musicales. Deberíamos seguir construyendo este edificio, enriqueciéndolo, mejorándolo. Esto incluso requiere el esfuerzo de varias generaciones, porque este tema incorpora cada vez más componentes científicos y contenidos técnicos. Más importante aún, la estructura se vuelve cada vez más compleja, el contenido se enriquece y se vuelve cada vez más vívido. . de la música moderna y del futuro.