Biografía de Mark Rothko
En muchos escritos sobre la historia del arte moderno occidental e incluso sobre la historia del arte moderno estadounidense, Mark Rothko es más influyente que sus pintores expresionistas abstractos contemporáneos Pollock y De. El estatus y la valoración de Kunin y Newman parecen ser sólo un papel secundario, y su influencia en el mundo del arte chino es que sólo unos pocos pintores dedicados al arte abstracto lo consideran un maestro. Este fenómeno es como el destino y es difícil analizar las razones creíbles. Sin embargo, según los datos de la investigación, el famoso crítico estadounidense Greenberg presentó el arte modernista que representa el estilo nativo americano en forma de crítica de nombre. Rothko no estuvo del todo de acuerdo con sus palabras y siempre dudó de la autenticidad del uso de este nombre. aunque también compartió la fama y se benefició de ella durante su vida. La definición de un movimiento artístico es a menudo presupuesta y vaga, y no puede iluminar con precisión a los artistas más profundos del movimiento, incluso si ilumina con éxito a otros.
Estrictamente hablando, el estatus de maestro de Mark Rothko se estableció después de la década de 1990. Se puede decir que dos acontecimientos de la escritura tuvieron un impacto decisivo. "Biografía de Rothko" de B. Breslin (1993). Esta biografía de casi 600 páginas presenta el arte y la vida de Rothko con información personal detallada, entrevistas de investigación y narrativas críticas; Revela las complejas tensiones, contradicciones y conflictos de su personalidad liberal. fuerzas sociales, históricas y culturales de la forma en su vida y obra; muestra cómo la vida afecta el trabajo, y cómo el trabajo afecta la vida; proporciona al mundo del arte una interpretación panorámica altamente profesional de ver y pensar sobre el trabajo de Rothko que trasciende poderosamente los símbolos anteriores de Rothko. Genio rebelde y autodestructivo. El segundo es el trabajo teórico de Rothko "Filosofía del arte: la realidad del artista" publicado en la Universidad de Yale en 2004. Su hijo Christopher. Mark Rothko enfatiza en el prefacio del libro que no es una guía del trabajo de Mark Rothko. Sin embargo, este libro sin duda puede servir como la llave para abrir la misteriosa puerta del arte de Rothko. Esto se debe a que Rothko abandonó por completo su pasada creación pictórica de estilo surrealista en 1940 y 1941 antes de dedicarse a la abstracción. Y continúa con sus escritos teóricos. Aunque este libro no es una explicación específica de sus propias ideas creativas y el significado de sus obras, presagia profundamente sus ideales artísticos. El popismo y el materialismo criticados en el libro también son la causa fundamental de la muerte. Colapso del arte de vanguardia. Como concluyó el filósofo analítico Arthur C. Danto en "El fin del arte", hemos entrado en un período artístico poshistórico y la necesidad de que el arte se revolucione continuamente ha desaparecido. La atmósfera artística poshistórica orientará el arte hacia el propósito de la naturaleza humana. El arte contemporáneo ha entrado en un período de actividad artística más estable y feliz. Aquellas necesidades básicas a las que el arte siempre ha respondido pueden volver a unirse. Se puede decir que la "necesidad básica" a la que "responde" la filosofía artística de Mark Rothko es también el espíritu eterno y trágico del arte.
El mercado del arte nunca ha sido un marco de referencia positivo, pero la práctica de la externalidad confirma que se alimenta de la ilusión de la novedad, confirmando el nihilismo esencial y la codicia del capitalismo, que requiere constante El objetivo de convertir El capital simbólico del arte de vanguardia en capital monetario no es más que la continuación cíclica del mito del capital. Por ejemplo, en septiembre de 2007, la casa de subastas Sotheby's celebró una subasta de pinturas famosas en Nueva York la noche del día 15, hora local, y subastó 45 pinturas de valor incalculable de maestros impresionistas, modernos y contemporáneos. Uno de los cuadros de Mark Rothko, "Centro blanco: amarillo, rosa y lavanda sobre rosa", se ha convertido en un tema candente. Los conocedores de la industria habían estimado anteriormente que la pintura de Rothko de 1950 podría alcanzar los 40 millones de dólares, sin embargo, debido a ofertas competitivas de varias partes, finalmente se vendió por 72,8 millones de dólares; Según las estadísticas, entre 1998 y 2007 el número de obras sin vender de Mark Rothko fue de sólo 9. Las estables condiciones del mercado también fueron testigo del rápido desarrollo de los sectores del arte contemporáneo y de posguerra.
En 1966, "Red No. 22" de Mark Rothko se vendió por 15.500 dólares y 20 años después, obras similares comenzaron a superar la marca del millón de dólares. Un aumento tan rápido de los precios se hizo aún más evidente después de 1999. Tomemos como ejemplo las obras de alto precio: en 1999, su obra "15 grados norte: amarillo y rojo" superó por primera vez la marca de los 10 millones de dólares. Nueve años después. , una obra similar "Nº 15" ha alcanzado los 50.441 millones de dólares. En la subasta de primavera de Sotheby's en Hong Kong el 15 de mayo de 2007, el "Centro Blanco" de Mark Rothko estableció un precio récord por su obra: 72,84 millones de dólares. Este logro también creó el récord de precios más alto para obras de artistas contemporáneos y de posguerra en 2007.
“Cuando era joven, el arte era un camino solitario. No había galerías de arte, ni coleccionistas, ni críticos, ni dinero, pero fue una época dorada, porque todos no teníamos nada, excepto nosotros. Podría aprender más. Búsqueda sin escrúpulos de ideales. La situación actual es diferente. Esta es una era de incomodidad, ociosidad y consumismo. En cuanto a qué situación es mejor para el mundo, no estoy calificado para comentar, pero sé que muchas personas no pueden. No podemos evitar vivir este tipo de vida. Necesitamos un espacio tranquilo para echar raíces y crecer. Debemos vivir con la esperanza de encontrarlo". Esto es lo que Rothko le dijo a un visitante en el estudio en 1955: "Puedo. hacerlo en cien. No puedo ganar dinero exhibiendo mis pinturas en varios lugares. Pero no me pagan por hablar. Ni siquiera puedo ganar 1.300 yuanes al año exhibiendo mis obras. que la enorme reputación y riqueza que Mark Rothko ganó después de su muerte contrastaban marcadamente con las dificultades, la ansiedad y la lucha durante su vida. Al igual que Van Gogh, durante su período de lucha durante su vida, en realidad solo tenían la "libertad de morir de hambre". hasta la muerte" y se adhieren a su conciencia artística. La libertad, este espíritu trágico elige a aquellos artistas que tienen las cualidades de los santos. No tiene ninguna posibilidad o extravío en absoluto. Por lo tanto, lo que demuestra no es el destino, sino la justicia y la gracia de Dios. La ignorancia No es condición para que el genio sea premiado divinamente, invente conceptos, establezca paradigmas, martirio para el futuro y establezca aspiraciones para el cielo y la tierra. Esto puede estar lejos de la visión materialista y realista de la realidad, pero por lo tanto se ha convertido en una proposición ideológica compleja y profunda en la filosofía del arte de Rothko: ¿Cómo elige y persigue un artista su propia verdad? ¿Cuál es la autenticidad del arte? ¿Dónde reside la conciencia y la responsabilidad de los artistas? Mark Rothko escribió en este libro: "La diferencia con el destino de los artistas en el pasado es precisamente que tenemos derecho a elegir. Esto se debe a que la elección puede reflejar si una persona es responsable de su propia conciencia y del artista. Para la conciencia , lo más importante es la autenticidad del arte.” Este pasaje puede considerarse como un índice conciso de su filosofía artística bastante oscura.
Sin embargo, para comprender verdaderamente la filosofía artística de Mark Rothko, es necesario primero comprender su vida y luego leer sus obras, especialmente aquellas posteriores a la transformación abstracta de los años cincuenta. Por supuesto, también hay una clave ya preparada, que es el prefacio escrito para este libro por el hijo de Rothko, Christopher. No solo describió en detalle los 34 años que les llevó a él y a su familia encontrar el manuscrito completo y el proceso de edición de este. libro, pero también utilizó expertos del museo de arte para Identidad, haciendo una interpretación y análisis creíbles del contenido de este libro. Esta doble lealtad es muy necesaria y valiosa en la biografía y la escritura teórica. Comencemos con la vida y la creación de Mark Rothko y entremos en su filosofía artística. Mark Rothko nació en una familia judía en Dvinsk, provincia de Vitebsk, Rusia, el 25 de septiembre de 1903. Era el menor de cuatro hermanos y pasó su infancia en un fuerte ambiente religioso y de cultura judía. En 1913, la familia se mudó a Oregón, EE. UU. Pronto, su padre, que había llegado a los Estados Unidos para iniciar un negocio, falleció y Mark tuvo que vender periódicos para ganar dinero y subsidiar su matrícula. A la edad de 21 años recibió una beca para asistir a la Universidad de Yale. Debido a sentimientos antisemitas, su beca fue cancelada seis meses después. Por ello, tuvo que estudiar mientras trabajaba en un restaurante propiedad de su prima. En su primer año de universidad, abandonó repentinamente la escuela y se puso a trabajar como cortador en una fábrica de ropa en Nueva York. Al año siguiente, ingresó en la Asociación de Estudiantes de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York para estudiar arte. Al mismo tiempo, trabajó como actor de reparto, pintor de fondos de escenario e ingeniero de iluminación en un teatro de Broadway.
En 1929, trabajó como profesor a tiempo parcial en la Academia Central de Bellas Artes de Brooklyn, Nueva York, y comenzó una carrera docente de 30 años. Ese mismo año expuso sus cuadros por primera vez en la galería "Chance". Se casó a principios de la década de 1930. Su esposa, Edith, diseñó joyas y tuvo bastante éxito comercial. Sin embargo, despreciaba a sus amigos pintores y criticaba duramente sus obras. Así se sembraron las semillas del desdén de Rothko por la cultura popular y el arte aplicado.
En 1933, realizó varias exposiciones individuales, recibió financiación del programa de arte federal del gobierno de Estados Unidos y fue empleado del gobierno con un salario semanal de 23,50 dólares. Durante este período conoció a Asier Gorky, de Kooning y Jackson Pollock, quienes más tarde se convertirían en famosos pintores expresionistas abstractos. En 1935, se convirtió en uno de los fundadores del grupo de pintores expresionistas "Diez Personas". Las obras de Mark Rothko de los años 30, como "Paisaje", "Figuras sentadas", "Escena callejera", "Mujer sentada con las piernas cruzadas", etc., presentan colores sutiles, composiciones simples y formas deliberadamente deformadas y exageradas, urbanas. La escena es onírica y tiene las características del surrealismo.
Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1938. Durante este período, el estilo de sus obras comenzó a cambiar. Los personajes de "Underground Rhapsody" (1940) eran casi simbólicos, un anticipo de su paso hacia la abstracción. Desde entonces, expresar "el dolor de la vida" se ha convertido en el tema principal de la pintura, y se cree que debe expresarse con formas fragmentadas y retorcidas, presentando una apariencia abstracta de gráficos "orgánicos". Como "Sin título" en 1940, así como "Water Play", "Source", etc.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Rothko se divorció de Edith y pronto se casó con Mary Alice (Mel), una ilustradora de libros infantiles de 23 años. En 1945, realizó su primera gran exposición individual en el Museo de Arte Guggenheim, que recibió elogios de la crítica. El estilo pictórico de Rothko cambiaba constantemente y, en 1947, comenzó a surgir un estilo maduro y puramente abstracto. A partir de 1949, abandonó sus hábitos de modelado y pintó algunas grandes obras rectangulares con imágenes simples, colores superpuestos y bordes borrosos.
A pesar de su rápido ascenso en la fama, Rothko siguió siendo muy pobre. Para mantener a su familia, fue al Brooklyn College como profesor de arte a tiempo completo en 1950. Dimitió en 1954 por discordias con sus compañeros. Es terco por naturaleza y tiene una actitud paranoica y rígida ante la vida. Cuando el Museo Whitney quiso comprar dos de sus cuadros en 1952, no sólo se negó a venderlos, sino que también llamó al importante museo de arte una "tienda de chatarra". Ese mismo año, fue invitado por el Museo de Arte Moderno a participar en la exposición "15 pintores americanos". Durante la exposición, las pinturas enviadas eran completamente diferentes a las obras acordadas de antemano, lo que hizo que el director artístico del museo se sintiera muy satisfecho. enojado. Al mismo tiempo, su relación con Pollock y Newman era muy tensa. Una vez afirmó que le enseñó a Newman "a pintar", dañando así su amistad. En la década de 1950, la reputación de Mark Rothko aumentó constantemente y su situación económica mejoró enormemente. En 1958, fue seleccionado como representante estadounidense en la Exposición Internacional de Venecia y tenía un estudio en Provincetown, una colonia de artistas en Massachusetts. En ese momento, su depresión estalló y se volvió cada vez más neurótico y deprimido. Necesita concentración total para pintar esas enormes obras que parecen tranquilas y silenciosas. Para él, el proceso de pintura es similar a una ceremonia religiosa. Mantuvo el proceso de pintura estrictamente en secreto y nunca se lo mostró a nadie hasta que se completó el trabajo. A menudo se quedaba despierto toda la noche, trabajando desde las 5 de la tarde hasta las 10 de la mañana del día siguiente. Pintó bajo luces potentes como el escenario de un teatro, pero durante la exposición dispuso las luces para que fueran más oscuras, de modo que sus grandes bloques de colores fuertes sobresalieran del entorno, como si estuvieran suspendidos en el aire, causando una fuerte conmoción a la gente. En 1961, Mark Rothko realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, alcanzando la cima de su carrera artística. Coleccionistas, comerciantes, críticos e incluso el presidente Kennedy acudieron a apoyarlo y mostrarle su respeto.
Después de eso, el auge del arte pop supuso un desafío para el expresionismo abstracto, junto con la relación matrimonial gradualmente tensa, el estado de ánimo de Mark Rothko se deterioró y comenzó a beber alcohol, lo que dañó gravemente sus nervios y su salud. El día de Año Nuevo de 1969, Mark Rothko salió de casa y se trasladó a su estudio, donde pasó un año entero pintando su última tanda de obras.
Rothko, que era cínico, salvaje y rebelde, tenía pocos familiares y amigos. Estaba rodeado de sus amigos y de su esposa Mel, que había vivido veinte años de carrera artística con él, y los amigos murieron uno a uno. En 1948, Gorky, su amigo que había vivido veinte años de carrera artística con él, se suicidó; en mayo de 1953, Tomlin, de 54 años, fue a una fiesta en la casa de Pollock en Long Island y al día siguiente fue ingresado en el hospital; un día después de regresar a casa, murió de un ataque cardíaco; en agosto de 1956, Pollock, de 42 años, murió en un accidente mientras conducía un Oldsmobile convertible; en 1962, Klein, de 34 años, murió de un ataque cardíaco en París; en 1963, a la edad de 51 años, Baziotes falleció; en 1965, David Smith murió en un accidente automovilístico; el 25 de febrero de 1970, se cortó los vasos sanguíneos y los nervios de la muñeca con una navaja y acabó con su vida suicidándose. Sin embargo, cuando el artista se suicidó en su estudio de Manhattan debido a una enfermedad y desesperación, también desencadenó el escándalo artístico más sensacional del siglo XX. Su agente Lloyd adquirió en tres meses más de 800 cuadros de la propiedad de Mark Rothko a precios muy inferiores al mercado. Posteriormente, el agente pasó a ser demandado, iniciando la batalla legal más larga y costosa de la historia del arte, que duró cuatro años de litigio y ocho meses de juicio penal. El acusado finalmente pagó una multa de 9,2 millones de dólares, más 200 horas de servicio comunitario. La herencia se redistribuyó y aproximadamente la mitad pasó a manos de los dos hijos de Mark Rothko. Este incidente expuso plenamente el turbio mundo de las transacciones de arte elegantes y respetables. Esta es la demanda que Christopher mencionó en el prefacio y que más odia y duele.