Introducción a Lei Nai
La mayoría de las películas de Lei Nai se centran en los recuerdos de las personas y expresan sus ansiedades internas a través de videos visibles. Esto probablemente explica por qué a menudo utiliza la estrategia narrativa de la inversión del tiempo y el espacio y técnicas de expresión relacionadas en sus creaciones. También revela algo de misticismo. En una entrevista con la revista francesa Atelier, le preguntaron: "¿Siempre se ha considerado un ateo místico?" Genet respondió: "Robé esta cita de un filósofo alemán humorístico. Es una buena definición. Tenemos una idea clara de que la hay". algo más allá de nosotros. Nos enfrentamos constantemente a preguntas complejas sobre la composición de la naturaleza, los hábitos de los insectos y la reproducción de la vida... ¿Quién es responsable de todo esto? La transición a otro lugar, eso no es malo. inventar todas las máquinas que nos permitirán viajar en el espacio. Estas máquinas son parte del plan cuando pienso en todo esto... si no creo en la existencia de un dios fantasma, no lo creo. Creo en Dios o en Jesucristo, y no estoy seguro de que todas las manifestaciones de la vida sean pura coincidencia”. El 3 de junio de 1922, nació Alain Lesnais en Watts, Bretaña. Proviene de una familia de clase media de una pequeña ciudad. de Na, y su padre es farmacéutico. A Lei Nai le gustaba leer cómics desde que era niño y le fascinaban aún más las películas. Frecuentaba un cine llamado "Rabbit Forest". En 1935, cuando Resnais tenía 13 años, sus padres le regalaron una cámara de 8 mm como regalo de cumpleaños. Su primera película, "Fang Thomas", fue un cortometraje mudo de tres minutos adaptado de una novela popular de la época, protagonizado por niños de la ciudad de Wanan. Ese mismo año también filmó un cortometraje llamado "Las aventuras de Guy". Aunque quedó inacabado, mostró el gran interés del joven Renai por el cine.
Lei Nai era frágil y enfermizo desde que era un niño y ha vivido con la enfermedad toda su vida. Esta puede ser la razón por la que no pudo completar sus estudios con normalidad y luego hizo una pequeña cantidad de películas. . Recordó: "Desde que tenía cinco años, tuve ataques de asma todas las noches... A veces los ataques duraban tres días, así que tuve que dejar la escuela y sentarme en un sillón todo el día. Ni siquiera podía acostarme. , fue insoportable ". Por razones físicas, Renais ni siquiera pudo tomar el examen de graduación de la escuela secundaria. A los 14 años dejó su ciudad natal y llegó a la capital, París, principalmente a causa de su asma, porque en comparación con Bretaña, París no era tan húmeda y era menos probable que ocurrieran ataques de asma. Otro motivo por el que Resnais vino a París fue que estar fuera de casa también era muy importante para su recuperación. Habiendo crecido en una familia católica, Resnais no pudo evitar sentirse frustrado: "En la familia reinaba una atmósfera de catolicismo demasiado serio y tenían opiniones muy concretas sobre las películas proyectadas en París. Cuando vine a la capital para conocer gente de la industria del entretenimiento, tengo una maravillosa sensación de libertad. Es un mundo donde las personas con diferentes opiniones pueden expresarse plenamente. Tienen curiosidad por todo y buscan constantemente algo nuevo... Sí, me encanta este círculo".
Al hablar de su sueño de niño, Resnais dijo una vez: "Quiero ser escritor y actor, pero siento que mi talento no es suficiente, o más importante, todavía no lo sé". Cómo llegar a ser un buen actor en lugar de uno malo. Es una preocupación terrible. Después de todo, tomé lecciones de canto con René Simon... a veces podía hacerlo bien, pero de repente me desempeñaba mal en un ambiente tan caótico. En ese estado, me sentí exhausto y rápidamente abandoné la idea de convertirme en actor.
Entonces, comencé a trabajar como empleado en prácticas en una librería en Lively Street. Pensé que pronto podría abrir una pequeña librería. Al mismo tiempo, también puedo grabar películas de 16 mm en mi tiempo libre, lo cual me resulta muy satisfactorio. "Cuando trabajaba como dependiente en una librería, un montador le dijo que la Escuela Superior del Cine estaba a punto de crearse y le sugirió que no lo enterraran en la librería.
Del 65438 al 0944, Renais ingresó en la recién nacida Academia Ecole Supérieure du Cinema para estudiar edición. Poco después de matricularse, abandonó porque estaba decepcionado porque su enseñanza era demasiado teórica. Más tarde, un productor al que Resnais conoció como asistente de edición accedió a dejarlo. Al principio, René rodó una serie de documentales para mostrar la vida del pintor y sus pinturas, por ejemplo, Van Gogh (1948) reconstruyó la vida del pintor a través de una disposición razonable de las obras del pintor, "Guernica" (1948). ) ). Este tipo de película se llamaba película de arte en Francia en ese momento, y en chino se puede traducir literalmente como "película de arte". Debido a que este tipo de película utiliza pinturas como objeto de expresión, también se puede traducir como ". "película de pintura", o "película de pintura". Debido a que este tipo de película pertenece a la categoría de documental, también se puede traducir como "documental de pintura". Este tipo de documental tiene tres propósitos: escribir una biografía o contar una historia para el pintor, rodar una película poética y actualizar los medios de crítica pictórica. Varios otros documentales, como "Memoria del mundo" (1956) y "La canción de estireno" (1958), también participaron como editores. la creación de películas de otros directores durante este período, especialmente "Sina", la película debut de la directora Anise Huada "The Village" (1954) la concepción artística única de la película, como la interacción entre la conciencia, la pasión y el. mundo real, inspiró directamente la inspiración creativa de René 1955 En 2007, Renai completó el rodaje de "Night and Fog", un documental que se quejaba de las horribles atrocidades en los campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial. película documental. Un crítico de cine escribió: "Sin descripción, sin imagen. No hay manera de recrear fielmente la verdadera dimensión de esos horribles acontecimientos: el terror interminable y continuo. Para hacer esto necesitamos encontrar colchones que se usan para esconder restos de comida y mantas por las que la gente se pelea, necesitamos gritos y maldiciones repetidas, órdenes constantes en varios tonos y la aparición repentina de las SS para realizar controles al azar o simplemente para molestar. los prisioneros. Sólo podemos mostrarles los estantes vacíos y las sombras de aquel cuartel de ladrillo y su gente asustada y somnolienta. Sin embargo, Renai logró mostrar las crueles escenas de la época a través de técnicas únicas.
Primero, separe el pasado del presente (es decir, cuándo ocurrieron las atrocidades y cuándo Renai hizo la película). Los documentales en blanco y negro que René rodó mientras las tropas francesas y aliadas liberaban los campos de concentración muestran el pasado brutal, mientras que las películas en color que rodó muestran la cara actual del mismo lugar: escenas pacíficas de la vida cotidiana, tan cálidas y encantadoras. que son difíciles de reconocer. Huellas de los horrores del pasado. Estos coloridos fragmentos son como reminiscencias del pasado en mapas turísticos y postales, y no reflejan mucha verdad histórica. Sin embargo, al compararlo con las crueles escenas del pasado, el público inevitablemente se preguntará: ¿Esta hierba verde y exuberante se nutre del fertilizante particularmente fértil que quedó del pasado?
En segundo lugar, utilice el empalme cruzado para fortalecer el contraste entre los dos períodos. Las tomas que muestran el pasado tienden a ser unas pocas fotografías unidas y agitadas con la cámara para enfatizar algunos detalles; cuando se fotografía la escena actual, la cámara se mueve continuamente; El pasado estaba estancado y muerto; ahora es fluido y aún no está finalizado. Nuestro conocimiento del pasado y del presente es lamentablemente inadecuado.
Cuando Resnais pasa rápidamente del pasado al presente, los comentaristas suelen hacer preguntas que sugieren lo poco que recordamos del pasado y lo poco que sabemos sobre el presente: "¿Quién puede saberlo todo? ¿No es una tontería pedirnos que sepamos todo?". ¿Hacer todo lo posible para recordar el pasado?" ? ¿Es difícil para quienes construyeron los campos de concentración comprender lo que realmente quedó de ellos? ” Esta pregunta parece ser una de las pocas afirmaciones que probablemente serán aceptadas. Porque se puede respóndelo de cualquier manera.
En tercer lugar, inspire a la audiencia a pensar en explicaciones inspiradoras. Mientras la narración enumera horribles atrocidades, el director organiza las experiencias mediante la edición, tal como los nazis documentaron cuidadosamente los eventos en la película en blanco y negro que vemos. Para mantener sus registros en orden, estos nazis daban a sus víctimas estrellas doradas, patrones, triángulos rojos o las primeras letras de las palabras alemanas para "noche" y "niebla" (la abreviatura NN en alemán significa persona con nombre desconocido). , incluso la sociedad de los campos de concentración estaba estrechamente organizada en una sociedad jerárquica con signos claros: en la parte inferior estaban los prisioneros (la columna estaba dividida en muchos detalles, como las víctimas) y luego los prisioneros que dirigían a los prisioneros, en la parte superior estaba el oficial de las SS; ; en la cima estaba el comandante de las SS.
Sin embargo, esta jerarquía de lenguaje cuidadoso queda completamente destruida en la película. Lo que vemos son montones de cadáveres mutilados, dispersos y desnudos, y no podemos determinar la edad y el sexo de los fallecidos. Escuche la misma respuesta de las personas que son administradores en esta jerarquía: "¡No es mi responsabilidad!" El interno que administra a los internos dice: "¡No es mi responsabilidad!" "El oficial nazi dijo: "¡Esto no es mi responsabilidad! "Todas las partes involucradas lo dijeron... El narrador de la película es el único que plantea objeciones, que podrían expresarse significativamente como la pregunta: 'Entonces, ¿quién es el responsable?' "En 1959, Resnais completó el rodaje de "Hiroshima Mon Amour", que fue su primer largometraje. La historia tuvo lugar durante la noche en Hiroshima, Japón. La heroína "ella" es una actriz francesa. Fue a Japón para rodar una película sobre Paz El protagonista "Él" era un arquitecto japonés. Se acababan de conocer el día anterior y ambos tenían familias felices, pero inmediatamente se enamoraron de él en su casa. Cuenta sobre su primer amor cuando se enamoró de un. Soldado alemán en su ciudad natal de Navel, pero el soldado alemán fue asesinado el día de la liberación de Navel. Ella perdió el cabello porque se enamoró de un soldado alemán, sufrió humillaciones y se volvió loca por un tiempo. Se fue a París, y "ella" regresó después de romper con él el día en que bombardearon Hiroshima. En el hotel, incapaz de soportar la soledad, volvió a la calle y se encontró con "él" vagando por las calles. quedarse, pero no podía olvidar su hogar en París. Finalmente, los dos se despidieron y llamándose afectuosamente por sus nombres simbólicos, dijo: “¡Hiroshima! "Él: "¡Nahuel!"
La película abandona por completo la historia tradicional y la estructura narrativa lineal, rompe los límites de la descripción externa del tiempo, el espacio y la trama a través de una gran cantidad de "flashbacks" y voces en off. , y combina el pasado y el pasado. El presente, la experiencia y la descripción de la experiencia se entrelazan, mostrando la pesadilla provocada por la guerra en la discusión sobre la memoria y el olvido, la experiencia y el tiempo. La representación del pasado en la película no se limita a la memoria del pasado, sino que está profundamente "incrustada" en el presente, lo que constituye una estructura metafórica. La combinación de pasado y presente constituye el tema temporal de la película. El amor entre los dos protagonistas, quienes tienen familias felices, obviamente no es amor en el sentido ordinario, sino un símbolo. Las experiencias personales de las niñas Nahuel no se pueden comparar con el impactante desastre de Hiroshima. Sin embargo, Lei Nai conectó deliberadamente estos dos mundos dispares, enfatizando la crueldad de la guerra con un contraste único. Dos eventos que ocurrieron en lugares diferentes se conectan a través de pistas temporales ("ella" es el día en que "él" sufrió un desastre en Japón cuando este fue liberado de Francia), rompiendo así aún más los límites espaciales entre eventos y convirtiéndose en un recuerdo eterno de humanidad.
En términos de expresar la "corriente de conciencia" interna de los personajes, se puede decir que "Hiroshima Mon Amour" es una película excepcional.
Marguerite Dura, una famosa escritora de la Nueva Escuela de Novela francesa, proporcionó una sólida base argumental para la película. La técnica del "flash cut" (es decir, un flashback muy corto) creada por Resnais mostró con éxito el flujo instantáneo de la conciencia del personaje. . El recuerdo del pasado de la heroína altera por completo el orden cronológico, mostrando una gran aleatoriedad y saltos. Esta película es también un exitoso intento de combinar a la perfección literatura y cine. La hermosa narración y el tono lírico fuera de la pantalla aportan un fuerte color literario y artístico a la película. Además, la exploración de Resnais de los temas de la memoria y el olvido en esta película se convirtió en el tema de una serie de importantes películas posteriores. La película ganó el Premio de la Sociedad Internacional de Críticos de Cine en el Festival de Cine de Cannes en 1959 (por alguna razón, no compitió por la Palma de Oro) y el Premio Mélie francés, y ganó el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por Mejor Película en Lengua Extranjera en 1961. En 1961, Resnais colaboró con Alain Robbe-Grillet, otro famoso escritor de la Nueva Escuela de Novela, para completar otra obra maestra, el año pasado en "Marion Bard". La película cuenta la historia de un nutrido grupo de invitados que se reúnen en un lujoso edificio barroco. Uno de ellos, el Sr. X, le dijo a una mujer llamada A que se habían conocido el año pasado en un lugar llamado Marionbad. En ese momento, la Sra. A le prometió al Sr. X que dejaría a su marido M y se fugaría con él. Ahora que ha pasado un año, el Sr. X no está dispuesto a esperar más, por lo que convence a la Sra. A para que se vaya con él. Al principio, la Sra. A no podía recordar esos acontecimientos pasados y se negó a admitir que había estado en contacto con X. Más tarde, después de repetidas persuasiones por parte de X, finalmente abandonó a M y se fue con X.
Otra película sobre la relación entre la memoria y el olvido, otra película sin un argumento coherente tradicional, un paso más allá de Hiroshima Mon Amour, en la que la identidad de los personajes y su lugar en la historia son muy confusos. Parece que Lei Nai está explorando la relación entre realidad y fantasía y otras cuestiones filosóficas en la película: los límites tradicionales entre realidad y fantasía, verdad y falsedad, presente y pasado han desaparecido, todo es tan borroso y lleno de contradicciones. x nunca dejó claro si el acuerdo con A en Marienbad el año pasado fue un recuerdo real o pura imaginación, y A nunca afirmó explícitamente que realmente sucedió. Los lugares de encuentro mencionados por X fueron cambiando: ahora en Hildbad, ahora en Karls, tal vez incluso en esta habitación de invitados. La relación entre A y M no está clara. Este hombre puede ser el marido de A, su amante o amigo, o incluso su hermano. Además, los lujosos edificios de la película también son un laberinto. La película parece mostrar que no existen límites claros entre la fantasía y la realidad, el pasado y el presente, la memoria y la imaginación, y que estas cosas pueden convertirse fácilmente entre sí, y que el lenguaje o el pensamiento humano pueden convertirse en realidad: es decir, X finalmente convence a A y a él de irse juntos.
Escuchemos la explicación de Resnais: "Un hombre mencionó el pasado a una mujer, la mujer negó lo que dijo y luego pareció estar de acuerdo. Quizás no hubo reconocimiento. La historia de esta película puede ser Se utilizan algunas frases para volver a contar. Este recuento suena realmente torpe, y el hecho es que nada en la película es específico de lo que sucedió hoy, ayer o hace un año. Escenas, es imposible saber qué pensamiento pertenece a qué personaje. Realidad y emoción, todo es dudoso, todo es incognoscible, ya sea algo real o una escena de ensueño... todo parece un puro experimento, tal vez un experimento. Pensé que estábamos haciendo esta película en una época francesa. Se suponía que el cine trataba sobre la guerra de Argelia. Sin embargo, una vez me pregunté qué era tan represivo en Marienbad el año pasado, ¿no es que la atmósfera de aislamiento está estrechamente relacionada con estas contradicciones? Las películas clásicas no pueden transmitir el verdadero ritmo de la vida moderna. donde puedes hacer cientos de cosas diferentes, como ir a trabajar, ir al cine y tener reuniones de grupo. La vida moderna es incoherente y la pintura y la literatura ya muestran esta característica. ¿Por qué no podemos reflejar esta incoherencia en las películas y seguir adelante? ¿La estructura tradicional de una sola línea? En "El último año de Marion Bard", el presente y el futuro, la memoria y la fantasía, la verdad y la ilusión se entrelazan con las actividades psicológicas del protagonista, lo cual es confuso y difícil de resolver.
Por lo tanto, estas dos películas se consideran la cúspide de las películas sobre la corriente de la conciencia (esta última ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1961). Es precisamente por el amplio y profundo impacto de estas dos películas en la industria cinematográfica francesa e incluso en la industria cinematográfica mundial que Resnais es reconocido como uno de los directores modernos más destacados y ha tenido un impacto importante en el desarrollo del arte cinematográfico moderno. Se puede decir que lo más importante es que una gran cantidad de flashbacks y el entrelazamiento del pasado y el presente se han convertido en el vocabulario básico del arte cinematográfico.
Aunque el número de obras de Lei Nai no es grande, cada una es innovadora y la mayoría de ellas son obras maestras. Muriel (1963) aborda el tema de la Guerra de Argelia. La narrativa se entrelaza entre el pasado (el período de la Resistencia) y el presente (el auge del capitalismo) en la ciudad portuaria francesa de Boulogne, y la protagonista Muriel nunca aparece en la pantalla. "El fin de la guerra" (1966) es una obra maestra limpia y perfecta. El protagonista es un viejo revolucionario español que viaja de ida y vuelta entre Francia y España para derrocar al gobierno del general Franco. El tema de la influencia del pasado en el presente vuelve a ocupar un lugar destacado en esta película, pero esta vez Resnais apuesta por el realismo. Otras películas de Reyza incluyen: "I Love You", "I Love You" (1968), "Stavisky" (1974), "Destiny" (1977), "My American Uncle" (1978), "Life is Novel" (65438 ). Quiero volver a casa (1989), Fumar/No fumar (1993), Todo el mundo canta esta canción (1997). Entre ellos, "My American Uncle" fue elogiado por explicar el comportamiento humano desde una perspectiva biológica, y "Destiny" describe el conflicto entre el mundo interior y el mundo exterior cuando el escritor escribió la novela.
En todo momento, Raynais se preocupa por el tiempo y su impacto en la capacidad de las personas para controlar sus vidas. Es muy bueno utilizando los medios de expresión únicos del cine para combinar la realidad con hechos y cosas que han cambiado de forma en la memoria. En comparación con el trabajo de cualquier otro director de cine moderno, el enfoque de Raynais hacia la narración cinematográfica no sólo cuenta la historia directamente, sino que también hace uso de más elementos inherentes a la forma cinematográfica. El teórico del cine estadounidense Lee R. Bobbook resumió los elementos de las películas de Resnais como: 1. El tema del tiempo: la influencia del pasado en el presente. 2. Utilizar guiones complejos y de alto valor literario creados por escritores famosos (Dura, Robbe-Grillet, Semplon). 3. Combine pistas simples de la trama con exploración de temas complejos. 4. Confíe en gran medida en imágenes visuales y menos en diálogos claros. 5. Capte firmemente el ritmo y la velocidad. 6. El uso exitoso de flashbacks subconscientes, especialmente para crear contraste visual.
(Publicado originalmente en "China Screen", número 5, 2003)