¿Qué etapas ha pasado el desarrollo del cine mundial?

El surgimiento y desarrollo del cine mundial

(1) En la década de 1830, el cine inició su período de preparación técnica antes de su nacimiento, también llamado período de invención.

Ya en 1829, el famoso físico belga Joseph Prado descubrió que cuando un objeto desaparece delante de los ojos de una persona, la imagen del objeto permanecerá en la retina de la persona durante un período de tiempo. Se llama "principio de persistencia de la visión". Prado inventó el "tramposo" en 1832 basándose en este principio. El "Trick Board" puede hacer que las imágenes dibujadas en la placa de cartón en zigzag cobren vida debido al movimiento, y también puede descomponer las imágenes en movimiento producidas visualmente en varias imágenes diferentes. La aparición del "tramposo" indica que la invención del cine ha entrado en la fase de experimento científico. En 1834, el experimento del "videodisco móvil" del estadounidense Holner tuvo éxito; en 1853, el general austríaco von Uchatyos utilizó una diapositiva para mostrar dibujos animados originales basados ​​​​en la invención anterior.

La mejora de la tecnología de la fotografía es un requisito previo importante para el nacimiento de las películas. También se puede considerar que el desarrollo de la tecnología de la fotografía proporciona las condiciones necesarias para la invención de las películas. Ya en 1826, el francés W. Niepce tomó con éxito la primera fotografía del mundo "Vista desde la ventana" con un tiempo de exposición de 8 horas. Después de la aparición del daguerrotipo, la duración de la fotografía se redujo a unos 30 minutos. Debido a la continua actualización y al uso de materiales fotosensibles, el tiempo de fotografía también se reduce constantemente. En 1840, solo se necesitaban 20 minutos para tomar una fotografía. En 1851, después de hacer la placa de tintura coloidal húmeda, la velocidad de la fotografía se redujo a 1 segundo. En ese momento, ya se tomaban "fotos deportivas". Claudette, Dubos, etc. El rodaje experimental de personas fue un éxito. De 1872 a 1878, Edward Muebridge, un fotógrafo de San Francisco, EE. UU., utilizó 24 cámaras para tomar fotografías de las acciones descompuestas de caballos al galope. Después de más de seis años de innumerables experimentos fotográficos, finalmente lo logró y luego hizo una presentación de diapositivas. Selección exitosa. Es decir, vio caballos al galope en la pantalla. Inspirado por esto, en 1882, el fisiólogo francés Marais mejoró el método de fotografía continua y produjo con éxito una "pistola fotográfica" basada en la "cámara de negativos en movimiento". También creó la "cámara continua negativa móvil". En septiembre de 1888, dedicó las fotografías en movimiento tomadas con película de disquete a la Academia de Ciencias de Francia.

Durante el período comprendido entre 1888 y 1895, Francia, Estados Unidos, Gran Bretaña, Alemania, Bélgica, Suecia y otros países experimentaron con la toma y visualización de imágenes. En 1888, el francés Renault produjo a prueba una "cámara de cine óptica" y la utilizó para filmar la primera caricatura del mundo, "Una taza de deliciosa cerveza". En 1889, el inventor estadounidense Edison inventó la cámara de cine después de cinco años de experimentos. Las imágenes cinematográficas que filmó se proyectaron en Nueva York y causaron sensación en Estados Unidos. Pero su alcance de película sólo puede ser visto por una persona a la vez, y puede mostrar docenas de pies de película a la vez, incluidas carreras de caballos, espectáculos de danza, etc. Su visor cinematográfico utiliza la rotación continua de la película para crear la ilusión de movimiento. Se puede decir que el invento cinematográfico más original pertenece a Edison. Su diorama cinematográfico se llamó "diorama" después de su introducción en mi país.

En 1895, los hermanos franceses Auguste Lumière y Louis Lumière desarrollaron un telescopio basado en el "mirador de película" de Edison y su propia "cámara continua". La "máquina de película en movimiento" tuvo éxito. La "máquina cinematográfica móvil" tiene tres funciones principales: fotografía, proyección e impresión. Graba y muestra películas a una velocidad de 16 fotogramas por segundo, con imágenes claras y estables. El 22 de marzo de 1895 estrenaron la película "Las puertas de la fábrica Lumiere" en la Conferencia Francesa de Ciencia y Tecnología en París y lograron un éxito. El 28 de diciembre del mismo año, estrenaron oficialmente al público en el Grand Café nº 14, rue Capucine de París, una tanda de cortometrajes documentales producidos por ellos mismos, entre ellos "El tren llega", "Regando al jardinero", " Baby", "Lunch", "Factory Gate" y otras 12 películas. Los hermanos Lumière fueron los primeros en proyectar películas en las pantallas. Los historiadores creen que el rodaje y proyección de los hermanos Lumière ha abandonado la etapa experimental, por lo que consideran el 28 de diciembre de 1895, fecha del primer estreno del cine mundial, como el nacimiento de la película. Naturalmente, los hermanos Lumière merece serlo. llamado el "padre del cine".

(2) De 1896 a 1912, el cine se convirtió rápidamente en una forma de arte desde su infancia

El cine temprano aún no ha roto con las huellas de su nacimiento. Se caracteriza por los malabarismos. y magia. El gesto hace que la gente se sienta novedosa. Desde “El tren llega a la estación” y “El hombre que camina de rodillas” hasta “El dragón de agua”, “El dragón de agua apaga el fuego”, “Apagando el fuego”, “Rescatando a las víctimas” y otras películas Lumière creó los primeros noticieros, películas de viajes, documentales, comedias y otros estilos cinematográficos. La característica más destacada de las películas de Lumière es el documental. Filma directamente la vida real, brindando a la gente una sensación de inmersión. Se ha convertido en un pionero en el estilo cinematográfico realista y naturalista y formó la tradición del cine documental. Después de que el cortometraje documental sobre la vida de Lumiere se proyectara continuamente durante un año y medio, el interés de la gente disminuyó significativamente y, al final, a nadie le importó. Esto no puede dejar de decirse que se debe a las limitaciones de los tiempos y las limitaciones de la época. naturalismo. Sin embargo, las dificultades iniciales no afectaron la tendencia general de la película. Otro pionero del cine francés, Georges Méliès, salió en el momento adecuado. Condujo la película desde una "fotografía en movimiento" documental (también conocida como imagen en movimiento). cine de arte. Hizo muchas contribuciones creativas al desarrollo del cine.

Como maquinista, Méliès creó un conjunto completo de mecanismos, máquinas y accesorios escénicos; como pintor, creó innumerables decorados y disfraces, Méliès utilizó su rica imaginación para crear. Ha realizado muchos; nuevas escenas de acción; como escritor, crea constantemente nuevos guiones; como actor, desempeña un papel importante en su espectáculo; como director, sabe diseñar y movilizar una pequeña compañía. Georges Sadoul dijo en "Historia del cine mundial": "La característica del genio de Méliès radica en la descomposición sistemática de la mayoría de los métodos dramáticos, como guiones, actores, vestuario, maquillaje, escenografía y mecanismos, en escenas. Espera, apliquémoslo a las películas. ”. La experiencia que adquirió en esta área todavía se conserva en películas en diversas formas hasta el día de hoy.

Méliès sustituyó los dispositivos mecánicos del escenario por trucos fotográficos. Del mismo modo, debido a las necesidades del cine mudo, Méliès también inventó una nueva técnica interpretativa para los actores. Aunque este tipo de actuación es diferente de la pantomima, se centra en la exageración y resalta los gestos porque presta gran atención a los movimientos y poca atención a las expresiones faciales. La película "Cenicienta" es una obra maestra de las películas dramáticas de Méliès. Esta película está basada en un famoso cuento de hadas europeo. Utiliza hábilmente varias técnicas de acrobacias para convertir una calabaza en un coche y un ratón en un cochero. de es otra aportación de Méliès al cine.

En 1902, Méliès escribió y dirigió la famosa película de ciencia ficción "Un viaje a la Luna", basada en dos famosas novelas de ciencia ficción de Julio Verne y HG Wells. Este es su trabajo cumbre y ha tenido un profundo impacto en la historia del cine. La película describe la historia de fantasía de un grupo de astrónomos vestidos con trajes de astrólogos que viajan a la luna. Llegaron a una extraña fábrica de fabricación de máquinas, y unas hermosas marineras movían un gran avión con forma de cañón. Cuando los astrónomos se sentaron, se reflejaron en la luna. Los astrónomos descendieron del avión y admiraron el maravilloso paisaje de las llanuras cercanas al cráter de la luna; también fueron recibidos por los dioses estelares interpretados por hermosas mujeres; Al anochecer, despertaron de sus sueños y entraron en una gran cueva, donde vieron al dios de la luna, hongos gigantes y todo tipo de cosas extrañas. Después de varios giros peligrosos, volaron de regreso a la Tierra en un avión bala de cañón. Después de un extraño viaje bajo el mar, terminaron en la ceremonia de inauguración de una estatua. La contribución de Méliès al arte cinematográfico hizo del cine un gran paso adelante en el camino hacia convertirse en un arte visual y audiovisual independiente.

Durante este período hay que mencionar a Bott, quien filmó "El gran robo del tren". Por primera vez en "El gran robo del tren", Bout utilizó 14 escenas para formar una película, mientras que las películas anteriores de Méliès tenían sólo un plano de principio a fin. "El gran robo del tren" fue el primero en utilizar múltiples escenas para formar una película (estrictamente hablando, no era una película real, porque no hubo cambios de toma en ese momento). En la película de Bout hay un primer plano. Un plano famoso en la historia del cine es apuntar con una pistola al público. Este plano se intentó inicialmente en la película, pero no se comprende conscientemente la función y el papel estéticos de esto. filmado Así que esta es solo una etapa que espontáneamente comienza a avanzar hacia el arte cinematográfico.

En la etapa del cine mudo, quienes hicieron grandes contribuciones al desarrollo del cine fueron Griffith y Chaplin en Estados Unidos y Eisenstein en la Unión Soviética.

En 1908, David Griffith se unió a la Edison Company, primero como actor y más tarde como director. De 1908 a 1912 dirigió aproximadamente 400 películas. En "La villa solitaria", creó un "montaje paralelo", que marcó que la película se ha roto por completo con las limitaciones de la obra de teatro, y el tiempo y el espacio de la película se han ampliado enormemente.

La Escuela de Brighton que surgió en Estados Unidos durante este periodo también jugó un papel importante en el desarrollo del arte cinematográfico. William Paul, representante de la Brighton School, utilizó con éxito la fotografía móvil en el "Motorcycle Show at Piccadilly Circus". Williamson también utilizó con éxito las escenas dramáticas de persecución y rescate en "La incineración de la iglesia en China" por primera vez. El método de intersección de dividir los dos extremos creó una tensión gradual en la trama, que preparó el escenario para los thrillers posteriores. especialmente las "películas occidentales" estadounidenses. Una primicia de este tipo. En "La lupa de la abuela" y "Ver en el telescopio" de GA Smith, otro representante de la Escuela Bryton, se utilizó alternativamente la forma de montaje real original en la misma escena, con el uso alternativo de primeros planos y planos generales. al desarrollo y aplicación del lenguaje cinematográfico. Además, Collins y Habitat of the Brighton School filmaron respectivamente películas que representan verdaderamente la vida real, como "Miner's Life", "Coal Mine Explosion Tragedy" y "Prisoner's Escape". Durante este período, Vincennes, Francia, conocida como la primera ciudad cinematográfica del mundo, era conocida como la "capital cinematográfica del mundo" y tenía dos importantes productoras cinematográficas, EMI y Gaumont. Por lo tanto, el período comprendido entre 1903 y 1909 se conoce como el "Período EMI" en la historia del cine mundial.

En 1908, la segunda sala de cine del mundo, Hollywood, también tomó forma durante el rodaje de "El Conde de Montecristo". En aquella época era sólo un pequeño estudio construido por el fotógrafo Thomas Persons y el director Francis Boggs. No tomó forma hasta 1913.

(3) De 1913 a 1926, el cine mudo maduró

Después de completar su película número 430, Méliès se retiró de la industria cinematográfica en 1913 y murió trágicamente en la calle. Después de hacer una enorme contribución al desarrollo del arte cinematográfico, una generación de grandes maestros acaba de abandonar el mundo. La decadencia de Méliès y el ascenso de Hollywood marcaron el final de la infancia del cine y su entrada en la madurez.

Griffith utilizó el coraje de un artista para rodar la clásica película muda "El nacimiento de una nación" en la historia del cine mundial en 1915, y en 1916 rodó "Partido contra la diversidad". Estas dos obras son conocidas como los clásicos del arte cinematográfico, marcando el comienzo de que el cine se convierta en un arte, un hito en la historia del cine estadounidense, el nivel más alto de calidad cinematográfica en ese momento y dos clásicos en la historia del cine mundial.

La inmortal contribución de Griffith fue romper con algunos viejos malos hábitos del cine dramático del período Méliès. Como la primera persona en mover la cámara mientras filmaba, enriqueció enormemente el lenguaje cinematográfico, fue pionero en el uso de técnicas de "primer plano", "envolvente" y "corte", e hizo del montaje una parte importante del arte cinematográfico. . Basándose en las fotografías de acrobacias de Méliès y en el temprano descubrimiento del montaje por parte de la Escuela Británica de Brighton, Griffith creó un montaje alterno de montaje paralelo. En "El nacimiento de una nación", hizo pleno uso de las acrobacias y el lenguaje de montaje que desarrolló. La película encarna los logros de la exploración del arte cinematográfico europeo y estadounidense en ese momento. En las vastas y majestuosas escenas históricas, esta película hace buen uso de la libertad de saltar en el tiempo y el espacio del arte cinematográfico y, al mismo tiempo, encarna el contraste de múltiples líneas y la alternancia del montaje. La película completa se compone de más de mil tomas. El cambio de diferentes escenas y técnicas fotográficas flexibles son las creaciones audaces de Griffith en la historia del cine. En la película, la combinación de diferentes escenas como primeros planos y primeros planos es armoniosa y transformadora, y cada una está en su lugar adecuado. Por ejemplo, el plano general se utiliza para mostrar la escena bélica del enfrentamiento entre los dos ejércitos; el primer plano se utiliza para mostrar los movimientos detallados de los personajes; Al filmar la escena del galope del Ku Klux Klan, Griffith instaló la cámara en un camión y persiguió a los caballos al galope para seguirlos y filmarlos, logrando un efecto de imagen tenso, realista, vívido y único. Un año después, "Partido contra la diversidad" también fue una película que marcó el logro de toda la vida de Griffith. Rompió las "tres leyes" del drama clásico y creó la "ley de la pluralidad" que abrió el tiempo y el espacio de la pantalla. La película compara y concentra acontecimientos de diferentes épocas, enriqueciendo enormemente el lenguaje de la película y enriqueciendo y desarrollando el lenguaje del montaje paralelo.

Esta obra maestra clásica, con su ritmo alternativo, imágenes coloridas y fluidas, la belleza de la fotografía móvil y el concepto grandioso y audaz, ocupa una posición importante en la historia del cine y promueve el desarrollo del arte cinematográfico.

Durante este período, se ha reconocido que el cine se ha convertido en arte; por otro lado, durante este período, el cine se ha convertido en una empresa, y sólo en este momento el cine tuvo verdaderas obras de arte. Charles Chaplin, el maestro de las películas de comedia estadounidenses, fue también un destacado artista cinematográfico durante la época del cine mudo. En 1914 dirigió su primera película, "Veinte minutos de amor". Luego salió "Entre las duchas". En esta película apareció por primera vez la imagen de la errante Charlotte. En "Una calle feliz" de 1917, la imagen de Charlot mostraba una brillantez convincente. "Charlotte" marca la madurez de las artes escénicas de Chaplin. En 1919, reunió sus propios fondos para construir una fábrica y se convirtió en el primer productor verdaderamente independiente de Hollywood. En la década de 1920, rodó varias películas famosas, representadas por "La fiebre del oro". Chaplin protagonizó 80 películas de comedia a lo largo de su vida, entre las que destacan obras maestras como "El príncipe", "El gran dictador", "Monsieur Verdoux", "Tiempos modernos" y "La fiebre del oro" que tienen un encanto eterno. Las mayores características de las películas de Chaplin son su distintivo sentido de la realidad, su aguda ironía y su atractivo popular para los gustos tanto refinados como populares. Sadur hizo los siguientes comentarios sobre su obra: "Las películas de Chaplin son las únicas que pueden ser apreciadas por las clases pobres y las masas más ingenuas. Al mismo tiempo, pueden ser apreciadas por el público de más alto nivel y por los intelectuales eruditos. .

El famoso maestro del cine soviético Sergei Eisenstein fue un destacado representante que hizo una contribución importante y de renombre mundial al establecimiento y desarrollo de la teoría del montaje durante el período del cine mudo. En 1924, dirigió su primera película, "Strike", que utilizó creativamente un montaje de vodevil para combinar tomas de la policía militar rusa masacrando a trabajadores y sacrificando ganado, haciéndolos aparecer alternativamente, creando una metáfora impactante. En 1905 dirigió la película muda épica más destacada de la historia del cine mundial, "El acorazado Potemkin", en la que mostró con éxito la Revolución Rusa de 1905. La película ha ganado numerosos premios en selecciones cinematográficas internacionales. Las famosas escenas y pasajes de la película de la Escalera de Odessa se han convertido en ejemplos clásicos que han influido en varias generaciones de artistas cinematográficos. En 1927 dirigió también "Octubre". El aporte de Eisenstein radica en la elaboración teórica y práctica artística del montaje, convirtiéndolo en un sistema estético completo. Las características artísticas de Eisenstein son que dio un gran paso adelante con la técnica del montaje paralelo creada por Griffith; era bueno usando primeros planos para expresar la connotación de las cosas; usó la intersección de planos para formar un ritmo de montaje para revelar las emociones internas; de los personajes; dio pleno juego a Ha realizado la función metafórica del montaje y formó la tradición del "cine poético".

(4) De 1927 a 1945, el cine maduró como forma de arte

1927 fue un año que hizo época en la historia del cine. El nacimiento de la película "El cantante de jazz" marcó el inicio de la era del cine sonoro, y también fue un signo de la madurez del cine. El sonido ha permitido que las películas pasen de ser un arte visual puro a un arte en pantalla que combina audio y video, logrando una revolución en la historia del cine, desarrollando en gran medida la naturaleza del cine y abriendo un nuevo mundo para el arte cinematográfico. Fueron necesarios unos cinco o seis años para que el cine sonoro se promocionara entre el público desde sus inicios. Las razones fueron cognitivas, económicas y técnicas. En particular, un grupo de artistas cinematográficos famosos sentían nostalgia por los principios estéticos del período del cine mudo y se molestaban demasiado en algunas de las debilidades de las películas sonoras recién estrenadas. Sin embargo, con la mejora de la capacidad de los artistas cinematográficos para controlar el sonido y la mejora de los equipos de grabación y las condiciones técnicas, las películas sonoras han podido desarrollarse con normalidad.

Después de que el sonido entró en la película, el montaje no fue sólo una combinación de imágenes, sino que también se expandió hasta el contrapunto u oposición de sonido e imagen, enriqueciendo así la connotación y los medios del montaje. La sustitución del cine mudo por el cine sonoro está en consonancia con las leyes objetivas del desarrollo cinematográfico y tiene su inevitabilidad objetiva, porque el nacimiento del cine sonoro marca un período en el que el arte cinematográfico se desarrolla verdaderamente. Después de 1933, debido al avance tecnológico, la grabación simultánea en la producción cinematográfica pudo cambiarse a posgrabación, y la fotografía cinematográfica volvió a ser flexible y vibrante. Al mismo tiempo, la teoría y las técnicas del montaje han logrado grandes avances. Cuando el maestro de cine soviético Pudovkin estaba filmando "El desertor", utilizó el contrapunto sonido-imagen y métodos de doblaje opuestos para mejorar el efecto de la película y refrescar a la audiencia.

En 1935, Marmolian produjo el primer largometraje en color del mundo, "El mundo de la vanidad".

La invención de la película en color llevó el arte cinematográfico a una nueva etapa de desarrollo. El sonido y el color acercan la película a la naturaleza. Algunos creadores de cine utilizan alternativamente películas en color y películas en blanco y negro en una película, obteniendo así efectos artísticos especiales.

La llegada de las películas en color marcó el período de desarrollo del cine desde su nacimiento hasta la perfección y madurez. A partir de entonces, el arte cinematográfico entró en una nueva etapa de desarrollo.

(5) De 1946 a 1959, el arte cinematográfico entró en un importante período de desarrollo

Durante este período, el cine mundial mostró un período de desarrollo tortuoso con múltiples desarrollos. Las películas estadounidenses recibieron una fría recepción en todo el mundo durante un período de tiempo después de la guerra; la Unión Soviética de la posguerra y sus países de Europa del Este formaron un partido de cuatro patas y, en general, se desarrollaron lentamente a lo largo de la vía tradicional del realismo socialista. La creación artística está influenciada por el dogmatismo y la sociología vulgar, con pocos avances y avances. Durante este período, algunos trabajadores del cine de la Unión Soviética produjeron una serie de películas de guerra con impacto emocional y películas biográficas con cierto atractivo visual. Como "Jóvenes guardias", "La conquista de Berlín", "Encuentro en el Elba", "Michulin", "Zhukovsky", "Almirante Ushakov". Después de la muerte de Stalin, las películas soviéticas comenzaron a romper con sus rígidos patrones bajo la influencia de la tendencia de pensamiento de la "literatura del deshielo". Después de "El ganso salvaje volando hacia el sur" de Karatozhov en 1957, el cine soviético experimentó otro gran desarrollo. Los principales países cinematográficos de Europa occidental, como Gran Bretaña, Francia, Alemania e Italia, formaban en aquella época el otro polo de la convivencia cuadrúpeda. Con la sombra dejada por la guerra y las limitaciones de las dificultades económicas, las películas occidentales entraron en un período especial. Ante las dificultades y desafíos de los oponentes, no sólo no retrocedieron, sino que estimularon la prosperidad y el desarrollo de las películas realistas de Europa occidental. En Oriente, las películas principalmente japonesas, chinas e indias han experimentado un desarrollo considerable y han entrado sucesivamente en las filas de las principales potencias del mundo. Las películas japonesas comenzaron temprano en el Este. Durante la Segunda Guerra Mundial, las películas japonesas se desviaron, pero renacieron poco después de la guerra. Especialmente después de "Rashomon" de Akira Kurosawa en 1950, las películas japonesas atrajeron la atención mundial. Las películas indias también se han desarrollado relativamente bien desde los años treinta. Después de entrar en este período, las películas indias pasaron gradualmente de ser lujosas películas de música y danza a convertirse en realidad debido a la influencia de las películas italianas, francesas y soviéticas. En 1953, películas como "Vagabond" dirigida por Raj Kapoor y "Two Acres" de Bimal Roy marcaron una nueva mirada en el cine indio. En 1955, la producción cinematográfica de la India alcanzó 285, ocupando el segundo lugar en el mundo después de Japón. Actualmente, la India produce alrededor de 700 películas cada año, lo que la convierte en el mayor productor cinematográfico del mundo.

Fueron las películas neorrealistas italianas las que tuvieron una importante influencia en la historia del cine mundial durante este período. Los representantes del centro cinematográfico neorrealista son Barbaro Santis y Chaitini, críticos de cine antifascistas de la revista italiana "Cinema". Sus respondedores son jóvenes directores que nacieron como periodistas y escritores, entre ellos: De Sica, Rossellini, Visconti, Lisani, Mocellini, etc. Exigieron la creación de un cine italiano realista, popular y nacional. Sus lemas son: "Devuélveme a una persona común y corriente"; "Pon la cámara en la calle". Dan gran importancia a la autenticidad de sus obras e intentan que las escenas y los detalles sean lo más fotográficos y realistas posible, utilizando básicamente tomas en exteriores y en la vida real, no prestan mucha atención a la gramática y no enfatizan el montaje; Se recomienda el uso de actores no profesionales, y los actores pueden realizar conversaciones improvisadas en la actuación. Entre sus obras representativas se encuentran principalmente: "Las once en Roma", "Ladrones de bicicletas", "Guerrillas", "Policía y ladrones", "La Tierra fluctúa", "No hay paz bajo los olivos", "El milagro de Milán". ", etc. . La característica de las películas neorrealistas es que se basan principalmente en representaciones documentales de la vida real en Italia. Las películas neorrealistas declinaron a mediados de la década de 1950, pero desempeñaron un papel extremadamente importante en la promoción del desarrollo del arte cinematográfico.

(6) Desde 1960 hasta el presente, el cine mundial ha pasado de una innovación revolucionaria a un desarrollo diversificado

Siguiendo las películas italianas del "neorrealismo", ha aparecido otra película a gran escala en el Historia del cine mundial. El tercer movimiento reformista. Este movimiento cinematográfico comenzó en Francia Desde el surgimiento de la Nueva Ola en 1959, las películas francesas han surgido como una forma nueva y eficaz de romper el monopolio de la producción cinematográfica comercial. Los lemas de la nueva ola son no tener grandes estrellas, romper el star system, no gastar mucho dinero en hacer películas de lujo, y las películas deben estar cercanas a la vida, etc. Esta ola se extendió por todo el mundo y aparecieron nuevas olas en muchos países. El movimiento cinematográfico "Nueva Ola" dejó muchos logros y tuvo un profundo impacto en el desarrollo del cine mundial.

Este movimiento cinematográfico tomó la antitradición como bandera y la irracionalidad como característica básica. Tuvo un impacto mayor en las películas dramáticas. Este movimiento cinematográfico comenzó con el estreno de "El hermoso Serge" y "Cousins", de Chabrol, "Los 400 golpes" y "Hiroshima Mon Amour" de Alain Resnais causaron sensación en el Festival de Cannes. Sus características artísticas cinematográficas son: la película presenta un nuevo estilo, una corriente de conciencia y flashbacks son métodos de expresión comúnmente utilizados por algunos creativos, la trama es vaga y muchos eventos de la vida se editan juntos de manera ilógica y sin habilidades para expresar las actividades subconscientes de Los personajes. Falta de integridad estructural.

En las últimas películas de la Nueva Ola, el realismo se abandonó por completo y las películas cayeron en un atolladero de locura, misterio y decadencia. Sus tendencias irracionales y no argumentales se volvieron cada vez más intensas, lo que llevó pronto a su declive. Sin embargo, debido a su enorme impulso y su coraje para abrirse paso e innovar, su influencia en la historia del cine es enorme. No solo estableció y fortaleció la posición central del director, sino que también exploró más a fondo las características de las películas, enriqueció el vocabulario de las películas, promovió el desarrollo global de las películas durante este período y realmente formó la diversificación de los temas cinematográficos y el desarrollo de Estilos cinematográficos. Enriquecimiento y personalización diversa de tendencias y géneros cinematográficos.

Durante este período, la industria cinematográfica en todo el mundo experimentó un gran desarrollo. Incluso las películas de América Latina, el Lejano Oriente, el mundo árabe y el África negra han logrado avances considerables. En el pasado, Brasil, Argentina y México habían ocupado un lugar en la historia del cine mundial. Durante este período se produjeron nuevos avances. . Chile, Cuba, Películas de países como Bolivia también han tenido novedades. Durante este período, las películas de Hong Kong se desarrollaron hasta llenar todo el mercado cinematográfico de Asia Central y del Sur e influyeron en la situación de todo el continente. Por lo tanto, durante este período, el cine mundial ha pasado del desarrollo de cuatro patas del pasado a un desarrollo global.

Hay dos términos que se deben discutir en el desarrollo del cine mundial, uno es Hollywood y el otro es Oscar.

Como ya hemos mencionado, los estudios de Hollywood comenzaron a gestarse en 1913. De hecho, en 1908, el fotógrafo Thomas Persons y el director Francis Boggs vinieron aquí para rodar "El Conde de Montecristo". Era solo un pequeño pueblo en las afueras de Los Ángeles en la costa oeste de los Estados Unidos. Este pequeño pueblo tenía un paisaje hermoso y agradable. Se llamaba Hollywood, que significa bosque de robles de hoja perenne.

Desde su creación en 1913, grandes estudios como Paramount, MGM, Fox, Universal y Warner se han reunido aquí, controlando al mismo tiempo la producción de películas y el estreno y distribución de películas en todo el mundo. Al mismo tiempo, también atrae a directores y actores de todo el mundo para filmar y actuar allí, lo que la convierte en una próspera ciudad cinematográfica en los Estados Unidos.

Hollywood es la base principal de la producción cinematográfica estadounidense. Según algunas estadísticas, las películas producidas se pueden dividir en 75 tipos. Entre las que estamos más familiarizados se encuentran las películas de detectives, las películas del oeste y los musicales. , comedias y thrillers, películas de ciencia ficción y películas líricas, estas productoras invirtieron mucho en películas, haciendo de la industria cinematográfica una industria a gran escala en los Estados Unidos y lograron el dominio del cine mundial.

Las películas producidas en Hollywood se basan exclusivamente en el valor de taquilla y los ingresos. Los productores están preocupados por cómo ganar más dinero y exigen "hacer brillar la luz donde hay dinero" y "apuntar la cámara". a la audiencia para adorar." cara". Por ello, las películas de Hollywood suelen alcanzar un gran éxito comercial. Estas películas prestan gran atención al drama, tejiendo diversos encuentros de varias personas en diversas vidas. La estructura es compacta y tortuosa, los personajes son complejos y únicos, y las tramas a menudo contienen malentendidos y coincidencias: son legendarias, románticas y extremadamente estimulantes. y ornamental, capaz de satisfacer la experiencia sensorial y las necesidades psicológicas del entretenimiento.

La primera película muda que se rodó en Hollywood fue "El Conde de Montecristo" adaptada de la obra original de Alexandre Dumas. Se rodó en un sencillo cobertizo construido en el desierto de Hollywood en 1908. Algunas personas consideran 1913 como el año de fundación de los Estudios de Hollywood. En este año, la Paramount Company estableció un estudio en Hollywood que comenzó a tomar forma, y ​​el gran director del este de Estados Unidos en ese momento, Sebel Dimir, vino aquí para filmar ". El mestizaje". "", el estudio se volvió a ampliar, por lo que la gente considera esto como el nacimiento de Hollywood en los anales de la historia.

Las décadas de 1930 y 1940 fueron la época dorada de Hollywood. Durante este período, se estrenaron muchas obras maestras, como "Lo que el viento se llevó", "Butterfly Dream", "Butterfly" y las obras maestras del maestro de la comedia. Chaplin "Tiempos modernos", "El gran dictador", etc., estas películas no sólo son consideradas clásicos de Hollywood, sino que también añaden una página gloriosa a la historia del cine mundial que el público mundial ha conocido; los personajes en la pantalla Estrellas con personajes distintivos: Chaplin, Bogart, Gable, Taylor, Lawrence, Joan Fontaine, Ingrid Bergman, etc.

Con el desarrollo anormal de la economía capitalista, Hollywood también ha sufrido varias crisis, inflación, aumentos sustanciales en los costos de producción, competencia en la industria de la televisión y cambios en la estética de la audiencia, que alguna vez llevaron a Hollywood a un nivel bajo. punto. Como resultado, algunas empresas han sufrido pérdidas y otras simplemente se han embarcado en operaciones diversificadas, convirtiendo los estudios en áreas turísticas y de exhibición. No fue hasta la década de 1970 que los productores adoptaron el sistema de producción europeo que sacó a Hollywood de su punto muerto. Al mismo tiempo, los productores también introdujeron nueva ciencia y tecnología, creando sonido estereofónico, pantalla panorámica y otros formatos cinematográficos; algunos fabricantes convirtieron a los enemigos en amigos de la televisión, lo que permitió que Hollywood se uniera a la industria televisiva y, así, la industria del cine y la televisión prosperó.

En cuanto a los Oscar, como todos sabemos, cada año, en marzo y abril, las estrellas de cine se reúnen en el Los Angeles Music Center, el nombre americano del Océano Pacífico, donde asisten a los Premios de la Academia organizados por Ceremonia de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Esta ceremonia anual de premios no es sólo un evento importante en la industria cinematográfica estadounidense, sino también un evento llamativo en la industria cinematográfica mundial.

En Estados Unidos hay dos premios de arte cinematográfico más famosos, uno es el Globo de Oro otorgado por periodistas extranjeros y el otro es el Premio de la Academia. Comparativamente hablando, se habla más de los Premios de la Academia porque es el honor más alto en la industria cinematográfica estadounidense. Una vez que llegas a la cima, valdrás cien veces más. Por lo tanto, la competencia por este premio es bastante feroz.

¿Por qué los Premios de la Academia se llaman "Oscar"? Esto tiene que empezar con el diseño de la estatua dorada: la forma de la estatua dorada fue concebida originalmente por Cedric Jimus, un artista de MGM, y luego fue completada por el joven escultor George Stanley en 1928. El cuerpo principal de esta estatua dorada es un hombre de pie sobre un carrete de película, sosteniendo una espada de guerrero en su mano. Mide 34,5 centímetros de largo y pesa 3,45 kilogramos. Está hecha de una aleación a base de cobre. Debido a que la estatua es dorada, se llama Premio Estatua Dorada. El nombre de Oscar se le dio en 1931, cuando la bibliotecaria de la Academia de Artes y Ciencias, Margaret, después de que Herridge miró detenidamente la estatua dorada, no pudo evitar exclamar: "¡Ah! Realmente se parece a mi tío Oscar". La Academia de Artes y Ciencias llamó a la estatua dorada Oscar y desde entonces su nombre se ha hecho famoso en todo el mundo.

Los Premios de la Academia tienen una historia de más de 73 años. De esto podemos ver el rápido desarrollo de la industria cinematográfica en los Estados Unidos e incluso en el mundo. Originalmente, los Premios de la Academia estaban programados para celebrarse cada dos años, pero desde 1934 se ampliaron a una vez al año. Al principio, la escala no era grande y las actividades se limitaban a la industria cinematográfica, y la noticia de la selección sólo se publicaba en Los Angeles Times. No fue hasta 1953 que todo el proceso de premiación se transmitió en vivo a nivel nacional a través de medios televisivos. Por primera vez, y un premio adicional a una película extranjera. En este punto, la selección del Oscar se ha convertido en un evento importante que atrae la atención mundial. Hoy en día, con el satélite como medio de transmisión, la selección de los Premios de la Academia se ha convertido en un nombre muy conocido. El 30 de marzo de 1989, se llevó a cabo en Hollywood la ceremonia de anuncio de la 61ª edición de los Premios de la Academia sin precedentes. El presentador anunció en el acto que había mil millones de espectadores en 91 países del mundo, incluidos espectadores de la ex Unión Soviética que vieron la transmisión en vivo. Por primera vez vía satélite. Mira esta ceremonia de premiación.

En definitiva, desde el final de la Segunda Guerra Mundial las películas han sido bastante perfectas técnicamente y han madurado en términos de expresión artística. Shao Mujun, un teórico del cine chino, propuso en el libro "Introducción a la historia del cine occidental" que el cine puede estudiarse en cuatro etapas durante su desarrollo centenario:

La primera es el período de formación ( 1895 ——1927), desde el día en que Edison y Lumière inventaron el cine en Estados Unidos y Francia, ha vivido más de 20 años de historia, desde cortometrajes hasta largometrajes, desde planos únicos hasta montajes en múltiples planos, formando así un lenguaje visual.

El segundo es el período de desarrollo (1927-1945).

En menos de veinte años, las películas adquirieron sonido y color y poseyeron todos los elementos expresivos necesarios del arte cinematográfico. La gente comenzó a resumir la experiencia de oponerse al cine mudo y lanzaron serias investigaciones y experimentos en el uso del sonido y el color, y en la exploración del potencial de la expresión de la imagen cinematográfica.

El tercero es el período de madurez (1945 hasta la actualidad). El cine ha alcanzado un punto de perfección técnica después del final de la Segunda Guerra Mundial, y los desarrollos tecnológicos posteriores ya no tienen un impacto significativo en la expresión artística. Desde entonces, el cine ha entrado en una etapa de lucha por la excelencia artística y, en su relación con otras artes, ha progresado desde el pasado de simple imitación y absorción a una etapa de toma de decisiones y sacrificios. Además, lo que es más digno de atención es que las películas ya no son simplemente productos de entretenimiento, sino una categoría de arte con gran influencia social.