Murales de pintura al óleo y pinturas en el techo de fama mundial

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci es un símbolo de la sabiduría humana. Albergó infinitos ideales como un dios y trató de recrear y crear la belleza del mundo. medir la inmensidad del mundo y explicar los misterios del mundo. Pero sólo tiene la vida y la fuerza de una persona común y corriente. Su ambición es descubrirlo todo, estudiarlo todo y crearlo todo. Su vida fue un camino inacabado, sembrado de fragmentos de nobles obras inacabadas. Dijo con tristeza antes de su muerte: "Nunca he terminado una obra en mi vida". Leonardo Nació en la pequeña ciudad de Vinci, en las afueras de Florencia. llamado Vinci A la edad de 5 años, podía dibujar de memoria un retrato de su madre en la playa. También podía componer letras y música improvisadas y acompañarse en el canto, lo que atraía la admiración de todos los presentes. El padre abogado Antonio reconoció el talento pictórico de su hijo y decidió enviarlo a estudiar al estudio del artista florentino Verrocchio. Allí no sólo recibió educación en las artes de la pintura, la escultura y la arquitectura, sino que también recibió la influencia de otras ciencias. Fincher estudió una vez la relación entre los cambios de luz y oscuridad en los huevos en el estudio de Verrocchio y descubrió el método de pintura gradual de luz y oscuridad. Pasó 6 años en Verrocchio Studio y se convirtió en un modelo de sabiduría humana con ideas científicas modernas y el coraje de explorar. Finch no pudo mostrar sus talentos en Florencia. Quería llevar su arte y sabiduría al mundo real y hacerlos brillar. Cuando tenía 31 años, escribió a Ludovico Sforza, el archiduque de Milán, en la que enumeraba sus diversos talentos. Finalmente, también dijo que podría construir una estatua ecuestre para el padre del archiduque, que se convertiría en la más grande jamás creada. el mundo. La estatua de barro, que el maestro completó cuando tenía 41 años, no se completó debido a una fundición insuficiente del cobre. Fue destruida durante la invasión francesa en 1499, de lo contrario se habría convertido en una maravilla del mundo. La recompensa del Gran Duque por su genio y arduo trabajo no fueron monedas de oro, sino palabras de oro, lo que inquietó mucho a Finch. Para consolarlo, el Gran Duque le pidió que pintara un cuadro para la cantina del Templo Grecchi en Milán. Esta es "La Última Cena". Si "La Última Cena" es el cuadro religioso más famoso del mundo, entonces "La Mona Lisa", que Vinci pintó cuando regresó a Florencia desde Milán a la edad de 51 años, es digna de ser el retrato más famoso y más grande del mundo. mundo. Estas dos obras de fama mundial han inmortalizado el nombre de Leonardo da Vinci en la historia. El lenguaje artístico único de Leonardo da Vinci es el uso de luces y sombras para crear una sensación tridimensional a partir de imágenes bidimensionales. Una vez dijo: "El mayor milagro de la pintura es hacer que un cuadro plano parezca cóncavo y convexo". Utilizó el principio del cambio de luz recibido por una esfera para crear el primer método de transferencia de luz y oscuridad (también conocido como gradual). método claro y oscuro), es decir, de claro a oscuro en la imagen, la transición de la oscuridad es continua, como el humo, sin límites claros. "Mona Lisa" es una obra modelo de este método de pintura. Vasari consideró este método de claroscuro un punto de inflexión en el arte de la pintura. Fincher ha estado explorando el noble temperamento del arte a lo largo de su vida. Sólo en la creación de la belleza puede sentirse satisfecho. En el siglo XV, la ciencia, la razón, la búsqueda de la belleza y la creación en Italia alcanzaron su apogeo gracias a Leonardo da Vinci. Sin embargo, los talentos del maestro no fueron tomados en serio ni apreciados en sus últimos años, y la indiferencia del Papa lo entristeció mucho. Cuando el rey Francisco I de Francia volvió a ocupar Milán en 1515, invitó al maestro a establecerse en Crucible, Francia, y postularse como pintor de la corte. El maestro murió en un país extranjero en 1519 a la edad de 67 años. Su alumno Francesco Muerchi dijo: "La muerte de Finch es una pérdida para todos. El Creador no puede crear otra persona como él."

" Mona "Lisa" (alrededor de 1503-1506) (pintura al óleo sobre madera 77 x 53 cm)

Se dice que el famoso Louvre en Francia tiene tres tesoros: uno es "Afrodita de Milos"; el primero es "Victoria de Samotracia"; el tercero es "Mona Lisa". La mayoría de la gente no está segura de quién creó las dos primeras obras, pero se sabe casi universalmente que la Mona Lisa fue creada por Leonardo da Vinci durante el Renacimiento italiano. La mirada mágica y concentrada de la "Mona Lisa", las mejillas suaves y rojizas, los labios que se mueven desde el corazón y la sonrisa implícita y ambigua son siempre difíciles de descifrar...

Según Según registros históricos, la "Mona Lisa" era la esposa de Zogondo, un famoso banquero de Florencia en aquella época.

Para despertar sus emociones internas, Leonardo da Vinci una vez contrató a un pianista para que tocara para ella y a un payaso para que actuara para ella. Sin embargo, esta mujer bien informada, fría y racional no permitió que el artista consiguiera lo que quería plasmar. Por este motivo, el artista tuvo que posponer la pintura de forma intermitente durante tres años. Un día, mientras la mujer rica estaba mirando los bocetos del artista, de repente encontró una imagen de la pata de un pato. Estaba muy desconcertada. El artista dijo que pintó esto con el propósito de investigar y diseñar aviones, porque el flujo de agua y el flujo de aire; la flotabilidad del agua y la flotabilidad atmosférica, los patos que se deslizan en el agua y los pájaros que vuelan en el aire tienen algunas similitudes. Aunque la acción del esquí acuático es sencilla, esconde algunos secretos del vuelo en avión. Cuando esta mujer fría y racional escuchó estas palabras, pensó en cómo una vez que el avión fuera diseñado con éxito, los humanos podrían volar libremente en el cielo... De repente, se sorprendió mucho y sonrió con sinceridad. Esta rara y sentida sonrisa fue inmediatamente capturada por Leonardo da Vinci y le dio forma con éxito. De hecho, esta inolvidable "sonrisa" escrita por Leonardo da Vinci ya no es la expresión específica de la señora Zogondo, sino una expresión abstracta, universal y típica, que es la "Mona Lisa", "Todo lo que fue propiedad de Leonardo da Vinci". También hay algo sutil en las cualidades humanas que todos compartimos. Quizás este sea el gran encanto de la Mona Lisa. Es muy obvio que la "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci heredó las normas de interpretación solemnes, elegantes, equilibradas, estables e idealizadas y racionales del clasicismo griego, pero rompió aún más las características humanistas del arte clásico griego. ejemplo para que el arte posterior avance más hacia la realidad, hacia la objetividad y hacia expresiones más profundas, más internas y más sutiles.

La Última Cena (c. 1498) (Fresco 460 x 880 cm)

En vísperas de la celebración de la Pascua, Jesús y sus doce discípulos se sientan a la mesa,* ** En una comida que celebra la Pascua. Había trece personas en la mesa del comedor y ésta era su última cena juntos.

En la mesa, Jesús de repente se sintió preocupado. Les dijo a sus discípulos que uno de ellos lo traicionaría, pero Jesús no dijo que era Judas, y los discípulos no sabían quién lo traicionaría;

La "Última Cena" del gran artista italiano Leonardo da Vinci es la más famosa de todas las obras creadas con este tema. Este cuadro fue pintado directamente en la pared del comedor de un monasterio en Milán. A lo largo de la mesa estaban sentados los doce discípulos, formando cuatro grupos, con Jesús sentado en el centro de la mesa. Extendió las manos en un gesto triste, indicando que uno de sus discípulos lo había traicionado.

La mayoría de los discípulos saltaron de emoción, pero la imagen de Jesús estaba muy tranquila. Podemos ver su contorno claro resaltado en las ventanas en la pared del fondo. A través de las ventanas, vemos el paisaje tranquilo y el cielo azul rodea la cabeza de Jesús como un halo.

En el grupo a la derecha de Jesús, vemos un rostro oscuro, inclinado hacia atrás, como si se alejara de Jesús. Tenía los codos apoyados en la mesa del comedor y agarraba una bolsa de dinero. Sabemos que él es el traidor, Judá Iscariote.

La bolsa de dinero en la mano de Judas es un símbolo de él. Nos recuerda que él es la persona que guardó el dinero para Jesús y otros discípulos. La bolsa de dinero contiene la recompensa de treinta monedas de plata por la traición. Jesús.

Incluso si no está sosteniendo la bolsa de dinero, aún podemos identificar a este malvado enemigo Judas a través de la forma en que pintó Leonardo da Vinci.

Junto a la sombra lateral de Judas se encuentra San Pedro. También podemos ver su cabello plateado y sus manos blancas inclinadas hacia el joven San Juan. La mano derecha de Pedro, colgada de su cadera, sostenía un cuchillo y, como por accidente, la punta del cuchillo apuntaba a la espalda de Judas. La cabeza de San Juan estaba inclinada hacia Pedro. De todos los discípulos, él era el favorito de Jesús. Juan estaba tan tranquilo como Jesús, habiendo entendido las palabras de su Maestro.

A la izquierda de Jesús está el pequeño Santiago. Él abre las manos y grita mientras intenta comprender las terribles palabras que escucha.

Mirando por encima del hombro de Little James, vemos a Santo Tomás, Tomás desconcertado, su mirada dudosa expresada por su dedo levantado.

Al otro lado de Santiago, San Felipe se inclinó hacia Jesús, poniendo sus manos sobre su pecho como diciendo: "Tú conoces mi corazón, y sabes que nunca te traicionaré". Su rostro estaba preocupado por el amor y la devoción.

Los seis discípulos que rodean a Jesús están en el centro de la historia.

Los cuerpos de Bartolomé y del viejo Jacob se inclinaban hacia ellos, mientras que el viejo Andrés que estaba a su lado no se levantaba, pero quería escuchar, por lo que levantó las manos como pidiendo silencio.

Los últimos tres discípulos quedan a la derecha. Están discutiendo lo que dijo Jesús y sus dedos señalan el centro de la mesa.

Todo lo que vieron sucedió en esta gran obra, pero cada vez que la admiramos, obtenemos un nuevo significado de las emociones y personajes de los discípulos.

La Virgen de las Rocas (ca. 1503-1506) (retablo 189,5 x 119,5 cm) se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres.

Este cuadro fue un retablo de una capilla de la Iglesia de San Francisco de Milán por encargo de un grupo religioso. En este cuadro, la Virgen está en el centro del cuadro. Ella sostiene al niño San Juan en su mano derecha, y el niño Jesús está sentado debajo de su mano izquierda. Un ángel está detrás de Jesús, formando una composición triangular, y ambos responden. entre sí con gestos. El fondo es una cueva profunda, salpicada de flores y plantas. El paso de la cueva revela luz. Aunque esta pintura tiene un tema tradicional, sus técnicas de expresión y diseño compositivo muestran el profundo nivel artístico de Leonardo da Vinci. La sutil representación de personajes y fondos, el uso de pinceladas que parecen humo, el realismo científico y la adopción de métodos técnicos como la perspectiva y la reducción muestran que ha alcanzado un nuevo nivel en el tratamiento de la relación dialéctica entre el realismo realista y el procesamiento artístico. . Esta pintura marca el comienzo del período creativo de Da Fenqi.

Leonardo da Vinci y sus cuadros

La Mona Lisa

La Última Cena

La Virgen con el Niño y Santa Ana

La Dama del Armiño

La Virgen de las Rocas

Madre y Niño

Miguel Ángel (1475～1564)

Miguel Ángel

Escultor, pintor y arquitecto del Renacimiento italiano. Nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma el 18 de febrero de 1564. En sus primeros años trabajó como aprendiz en el taller del pintor florentino D. Ghirlandaio. Posteriormente, debido a su afición a la escultura, se trasladó a trabajar en el Jardín de los Medici, que alberga el mayor número de reliquias de esculturas antiguas. Sus primeras obras fueron las esculturas en relieve "La Virgen junto a las escaleras" y "La batalla de Shandor", creadas cuando tenía 17 años. Son simples, robustas, tranquilas y solemnes, y capturan la esencia del estilo clásico, lo que indica que. Persiguió el cuerpo humano con fuertes movimientos desde el principio.

Estatua de Miguel Ángel

De 1494 a 1499, Miguel Ángel viajó a Venecia y Roma para crear "Baco" y "Lamentación de Cristo", que revelaron aún más su talento excepcional y atrajeron la atención de En toda Roma, al mundo del arte le costaba creer que estas obras maestras fueran obra de él. Principalmente en Florencia de 1501 a 1505, la estatua "David" y los murales del ayuntamiento "Batalla de Cassina" y "Sagrada Familia" son obras inmortales. Entre ellos, "David" tiene una altura neta de 4,1 metros y utiliza la desnudez total para representar la historia del legendario joven héroe judío David derrotando a su enemigo Goliat. David tiene una figura majestuosa y es tan fuerte como el acero. Simboliza al pueblo florentino que resiste al poder y defiende su patria, lo que tiene un significado político evidente. Esta obra fue originalmente planeada para ser colocada en la catedral como escultura decorativa, pero debido a su gran éxito, el gobierno decidió colocarla frente al ayuntamiento como símbolo de la ciudad posteriormente, con el fin de proteger el original. Obra, fue trasladada al Museo de Bellas Artes de Florencia. En 1505, Miguel Ángel fue invitado a Roma para diseñar y realizar tallas para la tumba del Papa Julio II. Debido a varios cambios en el plano, no pudo completarlo a pesar de que trabajó intermitentemente durante unos 40 años. mayor arrepentimiento de su vida.

En 1508, Miguel Ángel aceptó el encargo del Papa y del gobierno de pintar murales en la pared superior de la Capilla Sixtina.

Para llevar a cabo este enorme proyecto, después de muchas luchas, hizo prometer al Papa que no interferiría en su trabajo. Después de obtener plena libertad creativa, se dedicó a la creación con gran pasión. Todo el mural está enmarcado por una magnífica estructura arquitectónica, y el techo de toda la sala rectangular está dividido en dos partes: el centro y las partes circundantes. El centro es la parte principal, y todas están pintadas con historias y figuras religiosas. En el centro hay 9 pinturas basadas en la historia desde la creación del mundo hasta el diluvio y el arca en la Biblia. Rodeado por 12 profetas y profetas, Moisés, David, etc., el área total de pintura es de más de 500 cuadrados. metros, y la mayoría de los 343 caracteres se crean en una imagen más grande que la vida. Durante el proceso de pintura que duró cuatro años, se negó a cooperar con sus asistentes y lo hizo todo él mismo. La minuciosa creación fue muy elogiada. Después de que se dio a conocer el mural, fue ampliamente reconocido como una obra sin precedentes. El mundo del arte incluso cree que los numerosos personajes que creó con espíritu majestuoso, cuerpo fuerte, voluntad fuerte y fuerza son las creaciones más perfectas del alto arte del Renacimiento.

Techo de la Capilla Sixtina

Su diseño arquitectónico utilizó audazmente columnas clásicas, creando una nueva tendencia. También supo resaltar el sentido tridimensional de las estructuras de columnas, que tendrán. Una gran influencia en el diseño futuro tuvo una gran influencia.

Además de ser responsable del proyecto de construcción de la Basílica de San Pedro en sus últimos años, Miguel Ángel también participó en el diseño arquitectónico del Palacio Farnese, Porta Pia y la Plaza del Capitolio. Una de las obras representativas es la gran cúpula diseñada para la sala de la Basílica de San Pedro. La base de esta gran cúpula está decorada en un estilo clásico y el panel del alero está tallado con guirnaldas, dando a la gente una sensación de solidez y magnificencia. La forma de la cúpula en sí está llena de vitalidad y curvas, que es uno de los ejemplos. de su estilo artístico inherentemente majestuoso y poderoso en el diseño arquitectónico. Este trabajo sentó un modelo para la arquitectura de techos de catedrales y edificios gubernamentales en Europa y Estados Unidos. Otras obras importantes incluyen el retablo "El Juicio Final" creado en sus últimos años y las esculturas para la tumba del Papa Julio II, aunque esta tumba está inacabada, muchas de las esculturas son sus obras más maduras, como "Moisés", "; El esclavo moribundo", el "Día", la "Noche", el "Dan" y la "Tarde", que más tarde fueron tallados para la tumba de la familia Medici.

PHAELraphaell

Rafael

Rafael (1483～1520) Pintor italiano Rafael. Nacido en Urbino el 6 de abril de 1483, fallecido en Roma el 6 de abril de 1520. Su nombre original era Raffaello Sangio. Estudió pintura con su padre (pintor de la corte del duque de Urbino) desde niño, y posteriormente pasó a los discípulos de Perugino, graduándose en 1500. Las primeras obras de Rafael revelan un genio extraordinario. Las "Bodas de la Virgen", pintada cuando tenía 21 años, no sólo muestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y la creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la representación del fondo y la dignidad y elegancia de la imagen de la Virgen María y su esposo José son raros en las obras de pintores anteriores.

Vivió en Florencia de 1504 a 1508, donde le influyeron la una vez restaurada democracia y la política, el espíritu democrático y las ideas humanistas. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de las fortalezas de las demás. Se dedicó especialmente a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo poderoso de Miguel Ángel. haciendo cada vez más maduro su estilo único y hermoso de espíritu clásico, logrando así rápidamente grandes logros que lo sitúan a la par de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Sus series de retratos de Madonna se diferencian de temas similares pintados por pintores medievales. Todos encarnan ideas humanistas con ternura maternal y aptitud juvenil. Los más famosos entre ellos son "Madonna con Oriole" (recopilada en la Galería de los Uffizi, Florencia), "Madonna in the Grass" (recopilada en el Kunsthistorisches Museum de Viena) y "Madonna in the Garden" (recopilada en el Museo del Louvre). . La pintura al óleo a gran escala "Madonna Sixtina" pintada en 1512-1513, las figuras son similares a las de tamaño natural, la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada, la Virgen y Jesús tienen posturas fuertes y fuertes. mostrando el poder del amor maternal la felicidad y la grandeza. Otra más alta es la "Madonna de Foligno" en forma de retablo, y la "Madonna en la silla" y la "Madonna de Alba" creadas posteriormente, las cuales pueden considerarse sus obras impecables.

A partir de 1509, fue invitado por el Papa Julio II a pintar murales en el Palacio del Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Este lote de pinturas repartidas por las paredes y el techo de la sala representan cuatro aspectos de las actividades espirituales humanas: teología, filosofía, poesía y derecho. Además de mostrar su estilo pictórico único, las obras también prestan especial atención a la expresión pictórica y la arquitectura. La plena armonía de la decoración da a la gente un sentimiento solemne, rico y colorido. Entre las obras importantes de este período se incluyen "La expulsión de Eliodoro del templo" y "La misa de Porsenna" pintadas para la Sala Eliodoro, "La alarma de incendio en Borgo" pintada para la Sala de los Bomberos y "El triunfo de Galatea" pintada en la Villa Farnesina, etc. La creación de imágenes y el uso de la luz y el color en estas obras han alcanzado un nuevo nivel y son conocidas como la cúspide del arte mural antiguo y moderno. El autorretrato de Rafael, la "Madonna Sixtina", cuando tenía 23 años. También obtuvo grandes logros en el retrato. Se caracteriza tanto por la forma como por el espíritu y está lleno de encanto. En su mayoría utilizan una postura ligeramente lateral para ocultar el fondo, dejando solo el comportamiento natural y amigable de los personajes destacándose en la imagen. Las obras representativas incluyen "Retrato de Castiglione" y "Retrato de una mujer con velo". El primero representa a un erudito cuya elegancia y profundo conocimiento son evidentes. Este último representa a una niña cuya apariencia es similar a la imagen de la Virgen en las obras del autor, pero su vestimenta elegante y su cuerpo fuerte representan adecuadamente a la mujer en la vida. En la primavera de 1520, estaba gravemente enfermo y todavía estaba pintando "La Transfiguración". Aunque no estaba terminada, las partes que tenía en la mano todavía estaban radiantes y majestuosas, lo que indica que en el último momento de su vida todavía estaba explorando. y explorar. Enriquece y perfecciona tu propio estilo.

Botticelli (1445～1510)

Botticelli, Sandro

Pintor italiano. Uno de los representantes de la Escuela Florentina de Pintura. Nacido en Florencia y fallecido en el mismo lugar el 17 de mayo de 1510. Su nombre original era Alessandro di Mariano Filipepi y su apodo era Botticelli. Aprendió en sus primeros años oficios de oro y plata, y más tarde trabajó como ayudante en los talleres de A. Pollaiuolo y A. del Verrocchio, y pronto mostró su talento para la pintura. En 1470 abrió su propio estudio de pintura. Las obras reflejan el nivel artístico del Renacimiento tanto en contenido como en forma, y ​​tienen un estilo personal evidente. Usó ideas humanistas para expresar contenido religioso y llenó las pinturas religiosas de espíritu secular. Las obras que representan la vida de Cristo y los retratos de santos y personajes bíblicos de la década de 1470 fueron muy apreciadas por sus novedosas composiciones. Posteriormente, sus obras fueron encargadas principalmente por la familia Medici. Entre ellas, "Primavera", "El nacimiento de Venus", "Venus y Marte", etc., enfatizaron la belleza y pureza de la diosa, pero su expresión era un poco triste. y rica Debido a su belleza implícita, es una de las primeras obras de arte de temática clásica exitosas en el arte occidental. En la década de 1980 aceptó la invitación del Papa para pintar grandes murales para la Capilla Sixtina del Vaticano. También utilizó líneas simples para ilustrar la "Divina Comedia" de Dante, mostrando su profundo conocimiento del dibujo. Aunque su estilo elegante, sus colores vivos y brillantes y sus líneas suaves fueron únicos entre los maestros del Renacimiento, no fueron reconocidos en la historia del arte occidental durante mucho tiempo hasta que comenzaron el romanticismo y los movimientos prerrafaelitas británicos en el siglo XIX. Lo conocí y lo respeté como uno de los maestros del primer Renacimiento.

Klimt

Al igual que Böcklin, las obras del pintor de la Secesión austriaca Klimt también tienen un fuerte color melancólico, que alguna vez fue criticado por algunos críticos. Pero como reflejo psicológico de la turbulenta situación social en Europa a finales del siglo XIX, se trata de una tendencia universal.

Gustav Nimt (1862-1918) nació el 14 de julio de 1862 en Viena en una familia que fabricaba joyas de oro y plata. Las habilidades metalúrgicas heredadas de su familia tuvieron una profunda influencia en la vida del pintor. Las carreteras tuvieron un profundo impacto. A los 15 años ingresó con su hermano en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde recibió una formación sistemática en técnicas de pintura. Después de graduarse, se unió al gremio de arquitectos de Viena y se dedicó a trabajos de decoración arquitectónica y mural. En 1888 pintó el mural "Historia del drama" para el Burgtheater de Viena, que fue reconocido por el público.

Posteriormente pintó el mural del pasaje de escaleras "Atenea, la protectora del arte" para el Museo de Arte, con una composición inteligente y variada. En esta época, aunque Klimt utilizaba más técnicas decorativas, su estilo seguía siendo el clasicismo.

El mural que creó para la Universidad de Viena en 1897 supuso un cambio importante en su estilo. Este grupo de murales está pintado según los tres departamentos de la Universidad de Viena, a saber, "Medicina", "Derecho" y "Filosofía". La imagen utiliza técnicas simbólicas para representar el sufrimiento del mundo, con un tono gris negativo y cansado del mundo. Una vez finalizada la obra, fue criticada por la Asociación Académica Universitaria y rechazada. Durante este período, Klimt y algunos pintores jóvenes radicales se separaron de la Asociación de Artistas Clásicos y pasaron a ser conocidos como la "Secesión de Viena". Éste, junto con el "Art Nouveau" del sur de Europa y el "Estilo juvenil" de Alemania, tienden a perseguir la decoración y la formalidad, y son una fuerza importante en la promoción del diseño artístico y artesanal europeo.

En 1900, Klimt expuso los murales que fueron rechazados por la Universidad de Viena en la Exposición de París, y recibió entusiastas elogios de los jóvenes artistas. Esto estableció su posición de liderazgo en los círculos de la pintura austriaca. En 1902, él y el escultor Klingel emprendieron juntos los trabajos de decoración de la sala de conciertos de Beethoven. Klingel completó la estatua principal "Beethoven" y en la pared detrás de la estatua, Klimt creó un friso decorativo "Música". En 1909, Klimt creó el mural "Árbol de la vida" para el restaurante del Stocklet Apartment en Bruselas. Usó con audacia y libertad varios patrones decorativos planos para crear un efecto rico en color oriental y misteriosa concepción artística.

Aunque Klimt nunca ha estado en Oriente, tiene un gran interés en el arte oriental, especialmente en las imágenes populares chinas de Año Nuevo impresas en madera en color. Coleccionó muchas fotografías populares de Año Nuevo y las copió repetidamente. Se dice que en su estudio hay una pintura del "Dios de la puerta" con una filigrana de tablero de madera china. Le gustaban especialmente los colores fuertes de las imágenes de Año Nuevo sobre tablas de madera. Una vez utilizó personajes de ópera en las imágenes de Año Nuevo como fondo en muchos retratos, lo que le dio un gusto único.

El estilo oriental combinado con las habilidades ancestrales de artesanía en joyería de oro y plata han llevado el arte decorativo de Klimut a un nivel sin precedentes. Utilizó audazmente técnicas especiales como recubrimiento en polvo, láminas de oro, incrustaciones de bario y pegado de plumas en sus obras para lograr efectos artísticos especiales. La "Serpiente de agua - I" aquí fue pintada utilizando varios métodos, como temple al huevo, polvo de drenaje y dorado. En la pintura, el cuerpo humano de color cian claro se entrelaza con el cuerpo de la serpiente serpenteante, y entre ellos se intercalan patrones de hierba de agua dorada y esmeralda, formando un ritmo musical casi abstracto compuesto de puntos y líneas. Su otra pieza, "Water Snake-R", es una composición horizontal y también una composición decorativa casi abstracta. Estas dos obras de la serie Water Snake reflejan la tendencia de Klimt a buscar la rareza, la deformidad y el erotismo en sus últimas creaciones. Esto fue influenciado principalmente por su amigo, el famoso psicoanalista y psiquiatra Freud. Debido al impacto de la Primera Guerra Mundial, la economía austriaca estaba en depresión y la vida del artista también era bastante pobre. El 6 de febrero de 1918, Klimut, que estaba resfriado, murió de fiebre tifoidea. Sus principales obras fueron destruidas por la guerra durante la Segunda Guerra Mundial y pocas de ellas sobreviven en la actualidad.

Modigliani

A principios del siglo XX, cuando los maestros de arte y sus escuelas surgían sin cesar y se complementaban entre sí, el nombre de Modigliani no se consideraba prominente ni ruidoso. Pero mirando retrospectivamente a ese glorioso período de la historia, tiene un significado que no se puede ignorar; es un verdadero solitario, libre de todas las escuelas de arte de moda y mantiene una estrecha relación con los nuevos conceptos artísticos. El estilo artístico único creado por Modigliani no pertenece a una moda determinada, sino que trasciende las limitaciones del tiempo y el espacio y se convierte en una forma constante de belleza. Sus obras representan diversas personalidades humanas con el temperamento de un poeta y la visión de un escultor, creando un estilo especial. Fueron esas obras de líneas exquisitas, colores suaves y pinceladas vívidas las que establecieron y consolidaron su posición en la historia del arte moderno. La vida de Modigliani fue como un cometa radiante. Un momento fugaz.

Con el paso del tiempo, el nombre de Modigliani no sólo no ha sido olvidado por el mundo, sino que se ha vuelto más deslumbrante "porque, a principios de este confuso siglo XX, su arte cumplió con éxito la misión de un artista, que narra para siempre el dolor eterno". del alma que existe en el destino de la humanidad.

Aunque las obras de Modigliani están influenciadas por el neoimpresionismo, el cubismo y el arte primitivo, no es como Picasso, Matisse, Braque o los Cantins y la posguerra. Klee se convirtió visualmente en el abanderado de la revolución pictórica, pero pareció adherirse prematuramente al espíritu tradicional del arte italiano. Su temperamento poético único y su visión del escultor crearon profundamente un estilo artístico especial.

Paisaje religioso

En el panorama cultural, la imagen del paisaje religioso también es muy distinta. Sin embargo, cada religión a menudo tiene sus propias características y es bastante diferente entre sí. , los paisajes religiosos son prominentes en la arquitectura del templo, el diseño del cementerio, la estructura de los asentamientos y las características de los nombres de los lugares.

(1) Arquitectura del templo

La arquitectura del templo ocupa una posición importante en el paisaje religioso. Es un edificio construido para dioses y creyentes en términos de escala, estilo, decoración, materiales y funciones. Todos expresan sus propias características.

1. de Dios, y el altar es el lugar donde se llevan a cabo importantes ceremonias religiosas. Las iglesias católicas se esfuerzan por ser altas y lujosas en su arquitectura para ganar el gozo de Dios y dar a los creyentes una atmósfera solemne y solemne. Las iglesias católicas generalmente están ubicadas en el centro. de la comunidad y son impresionantes tanto en términos de arte arquitectónico como de estilo decorativo.

Las iglesias protestantes son obviamente diferentes de las iglesias católicas, formando un fuerte contraste en la mente de los protestantes, las iglesias son solo lugares donde. Los creyentes se reúnen para adorar. Vienen a la iglesia para encontrarse con los creyentes, pero no viven en la iglesia. Al mismo tiempo, los protestantes se oponen a la tendencia católica de buscar el lujo y el formalismo, y enfatizan la simplicidad y la practicidad. Son relativamente pequeñas y de decoración sencilla, lo que no resulta muy atractivo. Las iglesias que les prestan atención son más atractivas para los protestantes. Esto se debe a que los protestantes que son más devotos en la doctrina creen que sólo a través de la devoción y la vida sencilla se puede lograr el propósito de salvar. Para encarnar esta idea, las iglesias protestantes no persiguen una apariencia llamativa.

Hay tres estilos arquitectónicos principales de iglesias: el románico, el bizantino y el gótico. algunas catedrales después de que el cristianismo se convirtiera en la religión estatal del Imperio Romano. El estilo arquitectónico se basa en el estilo de la antigua basílica romana y la iglesia "basílica" paleocristiana. La basílica es una sala rectangular con un corredor separado por dos filas de columnas. El corredor medio más ancho se llama nave. Los dos lados del salón son estrechos y se llaman pasillos laterales. El salón mira hacia el este y el oeste, con una bóveda semicircular en el extremo oeste y un altar semicircular debajo. del mismo y es donde los misioneros realizan ceremonias. Posteriormente se construyó la bóveda en el extremo este y la puerta de la iglesia abierta en el extremo oeste. El altar mayor representa el cerro donde Jesús fue crucificado, y se coloca en el lado este para evitarlo. teniendo que cambiar de dirección cada vez que se reza la Pasión de Jesús. A medida que las ceremonias religiosas se volvieron cada vez más complejas, el espacio horizontal en el norte y el sur se amplió frente al altar, y su altura y ancho correspondieron al salón principal. Por lo tanto, se formó un plano en forma de cruz, corto horizontalmente y largo. verticalmente, con el punto de intersección cerca del extremo este. Se llama cruz latina para simbolizar la cruz en la que Jesús fue crucificado, lo que refuerza aún más el significado religioso.

El principal logro y característica de la arquitectura bizantina es que la cúpula está construida sobre una planta cuadrada, cubriendo la cúpula y colocando el peso sobre cuatro pilares independientes, lo que supone una importante contribución al desarrollo de la arquitectura europea. . Hagia Sophia es un edificio típico bizantino. La base de la iglesia es igual que la romana, rectangular, pero la parte central del techo está compuesta por una enorme cúpula circular y una cúpula semicircular en la parte delantera y trasera. La característica de la iglesia ortodoxa es que la base de la iglesia ha cambiado de rectangular a cuadrada, pero el estilo bizantino aún se conserva en el arte arquitectónico. Las iglesias de Europa del Este tienen cúpulas sobresalientes y bases de tambor elevadas para hacerlas más llenas. La Iglesia Vasily Borazheni en la Plaza Roja en la Unión Soviética es una famosa iglesia bizantina.

Se caracteriza por un gran muelle en el centro y ocho muelles más pequeños dispuestos en forma cuadrada a su alrededor, cada uno con una cúpula de diferentes tamaños en la parte superior. El edificio es un tesoro entre la arquitectura religiosa mundial.

La arquitectura gótica se desarrolló centrada en Francia. Desde el siglo XII al XV, la artesanía urbana y los gremios comerciales estuvieron bastante desarrollados, y se implementó un cierto grado de gobierno democrático en la ciudad. Los ciudadanos construyeron iglesias con gran entusiasmo para competir entre sí para expresar su ciudad. Además, en aquella época, la iglesia ya no era un edificio puramente religioso para convertirse en el centro de la vida pública urbana, ayuntamiento, auditorio público e incluso mercado y teatro. Durante las fiestas religiosas, las iglesias suelen convertirse en animados lugares para juegos.

La arquitectura gótica se caracteriza por agujas imponentes. En el diseño, se utilizan arcos transversales, cupones voladores, columnas delgadas y nuevas estructuras de marco para aumentar la resistencia del soporte superior, haciendo que todo el edificio siga una línea recta. línea La apariencia majestuosa y el espacioso espacio dentro de la iglesia, combinados con las largas ventanas con vidrieras, crean una fuerte atmósfera religiosa en la iglesia. El plano de la iglesia sigue siendo básicamente de cruz latina, pero se agregan un par de torres altas a ambos lados de la puerta del extremo oeste. Los edificios góticos famosos incluyen la Catedral de Notre Dame en París, el Gran Salón de Milán, Italia, el Gran Salón de Colonia, Alemania y el Gran Salón de Westminster, Inglaterra.

También existen diferencias entre las iglesias protestantes. En términos generales, los edificios de las iglesias son relativamente simples, en su mayoría auditorios rectangulares. Debido al énfasis en la predicación interna, el podio generalmente se coloca en una posición destacada. Las iglesias protestantes calvinistas ni siquiera tenían iconos, pinturas religiosas, vidrieras ni altares. Recientemente, el arte arquitectónico en los países europeos y americanos ha mostrado una diversificación, y los edificios religiosos también se han deshecho de los viejos estilos tradicionales y han surgido algunos estilos nuevos.

2.Mezquita islámica. Los principales edificios religiosos del Islam son las mezquitas. La mezquita es un lugar de reunión para los creyentes de la comunidad. A diferencia de una iglesia católica, no es un santuario, sino un lugar para que los creyentes adoren juntos.

Al principio, la mezquita utilizó el edificio cristiano existente de estilo basílica de este a oeste. Dado que era necesario mirar hacia la tierra santa de La Meca durante el culto, adoptó una construcción horizontal, por lo que la sala principal era pequeña. de profundidad y de ancho. Hay claustros en tres lados frente al salón principal, todos abiertos al patio. Por tanto, tiene la forma de una casa con patio en mi país. La característica importante de la arquitectura de las mezquitas islámicas es la cúpula, que se convierte en el cuerpo principal que domina todo el edificio y tiene una forma muy espectacular. Otra característica es la torre. Cada mezquita tiene una torre con muchos pabellones pequeños. Los imanes la utilizan para enseñar y llamar a los creyentes a orar, por eso se le llama minarete. Al principio, la torre estaba en un lado del patio delantero del salón principal. Posteriormente, se usó como decoración. Se construyó en un estilo simétrico y se colocó en las cuatro esquinas. La mayoría de las torres son poligonales y tienen decenas de metros de altura. La cúpula redonda forma un fuerte contraste con la torre puntiaguda e imponente, que se ha convertido en una característica importante del arte arquitectónico. El Islam se opone a los ídolos, por lo que en comparación con la iglesia católica, la mezquita parece simple y solemne. La mezquita absorbe características arquitectónicas locales, por lo que la forma y estructura no son exactamente iguales en distintos lugares. La mezquita más famosa es la Mezquita de La Meca.

3.Templo budista. Entre los edificios budistas, el más llamativo es la pagoda. Es originario de la India. La pagoda se construyó originalmente en la India para enterrar las reliquias de Buda. Pagodas de todo el mundo