¿Por qué se llama "ballet"?

Transliteración del francés (ballet), danza dramática originada en Italia, que utiliza la música, la danza y la mímica para representar tramas dramáticas. Las actrices suelen tocar el suelo con los dedos de los pies cuando bailan. Significado: ① Una forma de danza escénica, es decir, danza clásica europea, comúnmente conocida como ballet. Se trata de un arte de danza tradicional europea con estrictas especificaciones y formas estructurales, que se forma después de siglos de continuo procesamiento, enriquecimiento y desarrollo a partir de danzas folclóricas de diversas partes de Europa. Después del siglo XIX, una característica técnica importante fue que las actrices tenían que usar zapatos de baile especiales para bailar con las puntas de los dedos de los pies, por lo que algunas personas también lo llamaban baile con los dedos. ②La danza dramática originalmente se refiere a un arte dramático que utiliza la danza clásica europea como principal medio de expresión, integrando música, pantomima, arte escénico y literatura para expresar una historia o trama. Se llama ballet clásico (o danza dramática clásica). Tras el surgimiento de la danza moderna en el siglo XX, la danza moderna combinada con técnicas de danza clásica como principal medio de expresión para expresar el contenido o la trama de la historia se denomina ballet moderno. Poco a poco, la palabra ballet también se utiliza para referirse a danzas dramáticas que utilizan otras danzas como principal medio de expresión, aunque se diferencian del ballet clásico o del ballet moderno en términos de estilo de danza, características estructurales y técnicas de expresión. ③Un número considerable de obras de danza creadas por coreógrafos modernos no tienen contenido narrativo ni trama. Los coreógrafos utilizan la danza clásica europea o la danza moderna, o combinan ambas, para expresar determinadas emociones, concepciones artísticas o la comprensión de determinadas ideas del autor. pieza musical, etc., también se llaman ballets.

La palabra ballet proviene del latín antiguo ballo. Originalmente, la palabra sólo significaba bailar o realizar danza en público, y no tenía la connotación de una representación teatral. Como arte escénico, el ballet nació en los grandes banquetes y actividades de entretenimiento en Italia durante el Renacimiento. Se formó en la corte francesa en el siglo XVII. Este tipo de ballet de la corte es en realidad una danza, un canto y una música poco estructurados. un tema unificado. Una actuación integral de recitación y teatro, diseñada por profesores de danza profesionales, con reyes y nobles como actores, y papeles femeninos también interpretados por hombres. El lugar de la actuación está en el centro del salón del palacio, y el público observa. alrededor de la sala; los actores usan máscaras de cuero con diferentes signos de rol, por eso también se le llama ballet de máscaras.

En 1661, Luis XIV ordenó la creación de la Real Academia de Danza en París. En la década de 1670, comenzaron a realizarse representaciones de ballet en el Teatro del Palacio del Obispo Richelieu. Los cambios en los lugares de actuación y los ángulos de visión del público han provocado cambios en las técnicas de danza y las perspectivas estéticas. Las posturas de pie de los actores se han vuelto cada vez más hacia afuera, determinando formalmente las cinco posiciones básicas de los pies. Estas cinco posiciones hacia afuera se han convertido en los fundamentos del desarrollo. Técnica de ballet. Surgieron actores de ballet profesionales que gradualmente reemplazaron a los actores aficionados aristocráticos. Las actrices de ballet profesionales también comenzaron a actuar en el escenario y la tecnología de la danza se desarrolló rápidamente. Las representaciones de ballet se han transformado gradualmente de una actividad social básicamente de entretenimiento personal a un arte escénico teatral. El ballet durante este período estaba subordinado a la ópera. El compositor de la corte J.B. Lully añadió escenas de ballet a la ópera. En realidad se trataba de una serie de espectáculos de danza, y la trama parecía insignificante. En ese momento se llamaba ballet cantado o ballet de ópera. Esta situación duró hasta mediados del siglo XVIII. El maestro de ballet del siglo XVIII J.G. Nowell fue el innovador de la danza más influyente en la historia del ballet. Propuso por primera vez la idea de un "ballet argumental" en sus "Cartas sobre la danza y la danza dramática" publicadas en 1760, enfatizando que la danza no es sólo una habilidad física, sino una herramienta de expresión dramática y comunicación ideológica. La teoría de Nowell impulsó una ola de innovación en el ballet. Con el esfuerzo continuo de él y de muchos otros actores y coreógrafos, el ballet ha experimentado una serie de reformas en términos de contenido, temas, música, técnicas de danza, vestuario, etc. ballet finalmente pudo separarse de la ópera y formar un arte teatral independiente.

En la historia del desarrollo del ballet, hay dos puntos de vista estéticos principales que han estado presentes. Una opinión es que el ballet es "danza pura". B. de Beauroye, profesor de danza italiano del siglo XVI y coreógrafo de "The Queen's Comedy Ballet", cree que el ballet es "una combinación de patrones geométricos en los que varias personas bailan". juntos." Esta visión se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo el contenido o la trama del ballet, lo que a menudo conduce a la búsqueda pura de habilidades soberbias y belleza.

Antes de mediados del siglo XVIII, esta visión dominaba la creación del ballet. Otro punto de vista enfatiza que el ballet es una "danza dramática", y la teoría del "ballet argumental" de Nowell representa de manera más central esta visión. Considera que en una obra de ballet, la danza debe expresar contenido dramático, "la trama y la coreografía deben estar unificadas, tener como tema central una historia lógica y comprensible, y los bailes solistas y segmentos de danza que no tienen nada que ver con la trama deben ser eliminado.", en el drama de danza, "no es sólo la técnica de baile deslumbrante, sino también la actuación dramática lo que conmueve al público emocionalmente". Los dos puntos de vista principales anteriores todavía están vigentes en la actualidad. Muchos coreógrafos se comprometen a crear obras de ballet dramáticas o con trama, mientras que algunos prefieren los ballets sin trama y se centran en la belleza formal. Los excelentes repertorios de ambos tipos de obras son bien recibidos por el público. Apreciado y frecuentemente interpretado como parte del repertorio. Desde el siglo XX, la influencia de diversas corrientes literarias y artísticas en la creación del ballet se ha hecho cada vez más evidente y han aparecido muchas obras de diferentes estilos.

A la hora de crear una obra de ballet, el coreógrafo es la figura clave: concibe la estructura del drama de la danza o estructura de la danza a partir del guión literario (o de un cuento, un poema, una obra musical), y luego la estructura de la danza. los actores lo encarnan. Tanto el coreógrafo como los actores deben dominar el lenguaje del ballet (o vocabulario de ballet): habilidades técnicas de ballet y la capacidad de usar el lenguaje del ballet para expresar contenidos o emociones específicas. El coreógrafo debe tener una buena comprensión de lo que es bueno para expresar y. lo que no pueden expresar; mientras que los actores deben estar bien formados. Deben poder adaptarse y encarnar creativamente las ideas del director. Sólo con estas condiciones básicas se puede realizar y completar la creación del ballet. Las formas estructurales del ballet incluyen: danza solista, danza a dúo, danza en trío, danza en cuarteto, danza en grupo, etc. El coreógrafo utiliza danza clásica, danza de personajes (danza étnica y danza folclórica escenificada), danza moderna, etc. Se pueden coreografiar múltiples actos según a las formas anteriores Ballet (dividido o no, como "El lago de los cisnes"), ballet en un acto (como "La Sílfide"), bocetos de ballet (como "La muerte del cisne"), etc. Esta forma estructural de ballet se desarrolló hasta un alto grado de estandarización y estilización a finales del siglo XIX, lo que afectó y restringió el desarrollo del ballet. En la gran cantidad de obras de ballet creadas por coreógrafos en el siglo XX, estas normas y procedimientos se han roto en gran medida y continúan ocurriendo nuevas exploraciones y creaciones.

Resumen del desarrollo del ballet mundial

Ballet de banquete

El ballet apareció en Italia durante el apogeo del Renacimiento en los siglos XV y XVI. Lo mejor es imitar el estilo artístico de la antigua Grecia. La primera representación de ballet se realizó en un banquete de palacio. En 1489, "Orfeo" se representó en un pequeño pueblo de Italia para celebrar la boda del duque de Milán e Idabel, la princesa española de Aragón. El formato de las representaciones en aquella época era completamente diferente a las representaciones de ballet que vemos hoy en día. Cada representación estaba relacionada aproximadamente con el servicio de comida. Por ejemplo, después de que comenzara la representación de la caza simulada, se comía el jabalí; Aparecieron ríos y empezaron a comer peces. Luego, muchos personajes míticos subieron al escenario para ofrecer muchos platos y frutas, y finalmente todos los invitados participaron del animado espectáculo carnavalesco. Se trata de una forma de actuación que combina canto, danza, recitación y teatro. Se puede decir que es el prototipo del ballet. Las generaciones posteriores lo llamaron "ballet de banquete".

Ballet de la Corte

Con los matrimonios mixtos entre los nobles italianos y la corte francesa, las representaciones del "ballet" italiano llegaron a Francia en 1581, a cargo de la hermana de la reina Enrique III, Margarita. En la celebración especial de la boda se presentó "The Queen's Comedy Ballet". No había escenario y el público se sentaba en una galería de dos pisos con tres paredes. El rey y los dignatarios se sentaron en el altar y la actuación tuvo lugar en el suelo del salón. El coreógrafo y director Beauroye era un italiano contratado en Francia. El contenido muestra cómo la súcubo Silse conquistó a Apolo, pero tuvo que rendirse ante Su Majestad el Rey de Francia. La actuación es una mezcla de teatro, música, danza, recitación y acrobacia. Durante el período de Luis XIV (1643-1715), el ballet francés alcanzó su apogeo. Al propio Luis XIV le encantaba bailar y estaba bien entrenado. A los 15 años participó en la representación del ballet de la corte "Cassandra" y desempeñó el papel de Apolo.

Ballet Melodramático

La Ilustración europea del siglo XVIII afectó profundamente el desarrollo del ballet francés.

Sus ideas innovadoras se reflejan en su oposición a tratar el ballet como una decoración para el entretenimiento aristocrático. Quiere que el ballet exprese la vida real como un drama y defiende que el ballet debe tener contenido social y significado educativo. Este es el trasfondo de la era en la que se "trama el ballet". "nació. Nowell representa la corriente principal de la innovación del ballet europeo y encarna el espíritu democrático de la Ilustración. Presentó sus ideas innovadoras para el ballet en "Cartas sobre la danza y la danza dramática". La danza dramática "No Use of Caution", creada por el alumno de Nowell, Jean Doberval, todavía se representa hoy en día y se ha convertido en el repertorio de las principales compañías de ballet contemporáneo.

Ballet Romántico

El ballet romántico es la "edad de oro" en la historia del desarrollo del ballet. Ha experimentado una etapa espléndida en términos de habilidades de danza, coreografía y formas de interpretación. La aparición de dramas de danza como "La Sylphide", "Giselle", "Esmeralda" y "Pirates" ha creado una serie de talentos del ballet, como Perrault, Bournonville, Tagoni y Elsler. Las características del ballet durante este período se resumen en:

1. Cambios en contenidos y temáticas. Hadas y fantasmas de otro mundo reemplazaron a los personajes de mitos, leyendas y antiguos cuentos heroicos. Refleja una emoción de insatisfacción y decepción con la realidad, una búsqueda de un interés en otro mundo que trasciende este mundo, o la muerte para deshacerse de la decepción en la realidad, o una búsqueda poco realista para reemplazar el deseo de vivir. Entre las obras representativas se encuentran "La Sylphide" (1832) y "Giselle" (1841). "Giselle" reúne estilos franceses y se convierte en la cima del ballet romántico. Desde entonces, ha ido apareciendo poco a poco el fenómeno de combinar romanticismo y realismo.

2. Las habilidades y actuaciones de danza han experimentado un desarrollo significativo. Las habilidades de baile con los dedos de los pies se han convertido en un factor importante en la actuación de las bailarinas, y las habilidades de baile de los hombres también han mejorado aún más.

3. En cuanto a la forma escénica, se utilizó iluminación con lámparas de gas y grandes cortinas, y se reformaron los trajes y zapatos de ballet, creando un estilo poético y ligero.

La época dorada del ballet romántico duró extremadamente poco. Desde la década de 1830 hasta la de 1940, se estancó y se marchitó en poco más de 10 años. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, el centro del ballet europeo se trasladó gradualmente a Rusia.

Ballet Ruso

Con el desarrollo de la sociedad, el ballet pasó gradualmente de ser una danza de entretenimiento de la corte a un ballet con una trama y entró en el teatro, representando dramas de danza con contenido de vida social.

En el siglo XIX, el romanticismo también tuvo un profundo impacto en el arte del ballet. El ballet ha experimentado cambios fundamentales desde el contenido hasta la forma. Las historias que reflejan mitos y leyendas populares, hadas, dioses de las flores, elfos y fantasmas se han convertido en los temas principales de la creación del ballet. Las actrices se convirtieron en protagonistas, los trajes cambiaron a faldas cortas y la danza de puntas se convirtió en un elemento esencial del ballet. Esta técnica de ponerse de punta eleva el cuerpo del bailarín hacia arriba, lo que es adecuado para expresar una postura ligera y expresar emociones de búsqueda y deseo.

A finales del siglo XIX, las inmortales obras maestras "El lago de los cisnes", "La bella durmiente", "El cascanueces" y otros ballets compuestos por Tchaikovsky se representaron sucesivamente en Rusia y otros países, convirtiéndose en el centro del arte del ballet mundial. De París a San Petersburgo. En particular, la música de Tchaikovsky aporta un rico contenido de imagen, dinámica dramática y desarrollo sinfónico a la música dramática de danza. No es sólo una obra clásica del ballet, sino también una obra inmortal en la escena musical mundial.

En la segunda mitad del siglo XIX, el ballet romántico europeo decayó, y la misión de revivir el ballet históricamente recayó sobre los hombros de Rusia. Desde la década de 1940, los bailarines extranjeros han visitado Rusia con frecuencia. Las actuaciones y actividades coreográficas del padre y la hija Taglioni, Perrault, Saint-Leon y otros, especialmente las actividades docentes de los estudiantes de Bournonville Johnson (en San Petersburgo) y Brass (en Moscú), rindieron homenaje a la danza rusa. mundo la esencia de las dos principales escuelas de danza de Francia e Italia, y gradualmente formó una nueva escuela de pensamiento: la escuela de danza rusa. Matipa e Ivanov jugaron un papel decisivo en la construcción del repertorio. A finales del siglo XIX, ballets como "El lago de los cisnes", "La bella durmiente" y "El cascanueces" compuestos por Tchaikovsky se representaron sucesivamente en Rusia y otros países. El centro del arte del ballet mundial se trasladó de París a San Petersburgo.

En particular, la música de Tchaikovsky aporta un rico contenido de imagen, dinámica dramática y desarrollo sinfónico a la música dramática de danza. No es sólo una obra clásica del ballet, sino también una obra inmortal en la escena musical mundial. Ha realizado la innovación de la música de teatro de danza, haciendo de la música la base para dar forma a imágenes y narrar eventos en dramas de danza, inspirando y enriqueciendo los pensamientos sinfónicos del director de teatro de danza sobre la danza. El segundo acto de "El lago de los cisnes" alcanza la cima de la poesía danzaria y es considerado un ejemplo de danza sinfónica. Más tarde, Glazunov escribió "Raymunda" (1898) y "Cuatro estaciones" (1900). Estas obras no sólo heredaron la tradición del ballet romántico, sino que también reflejaron la tradición del realismo ruso.

A principios del siglo XX, el ballet ruso ya había ocupado una posición dominante en la escena mundial del ballet. Tenía su propio repertorio, estilo de interpretación y sistema de enseñanza, y contaba con varios coreógrafos y talentos interpretativos. surgió. Desde entonces, un grupo de jóvenes del mundo del ballet ruso ha exigido innovación y exploración de nuevos métodos de interpretación y caminos de desarrollo. Gorski y Fokine son sus líderes. Las ideas innovadoras de Fokine no pudieron materializarse en el Teatro Imperial, y sus principales obras fueron ensayadas y representadas en el extranjero para el Ballet Diaghilev. Diaghilev organizó temporadas de espectáculos rusos durante tres años consecutivos a partir de 1909, y estableció una compañía de teatro permanente con sede en Montecarlo en 1913: el "Ballet Ruso de Diaghilev", que realizó giras por Europa y Estados Unidos y tuvo una gran influencia en la música clásica y. El repertorio tradicional conservado en Rusia fue enviado de regreso a Europa, lo que contribuyó al resurgimiento del ballet europeo. Después de la disolución del grupo, sus miembros se dispersaron por varios países europeos y americanos. Lifar estaba en Francia, de Valois estaba en el Reino Unido y Balanchine y Fokine estaban en los Estados Unidos. Hicieron importantes contribuciones al resurgimiento o creación del ballet. en varios países.

Ballet Contemporáneo

A finales de 1929, Lifar se convierte en coreógrafo permanente y bailarín principal del Ballet de la Ópera de París hasta que lo abandona en 1958, realizando efectivamente una reforma, por ejemplo. , abolió el derecho centenario de los clientes a ir detrás del escenario y charlar con los bailarines antes de una representación de ballet. También hay una ceremonia de apertura semanal. En la reposición de Giselle en 1932, Lifar interpretó a Albert, un hombre de gran talento. Dos importantes coreógrafos franceses, Laurent Petit, coreografiaron "El jorobado de Notre Dame" basada en la música de Jarrar en 1965 y lograron un éxito brillante. "El pájaro de fuego", escrita y dirigida por Maurice Bayard en 1970, es una obra singular. El repertorio del Ballet de la Ópera de París también incluye "Giselle", "Coppelia", "Sylvia", etc.

El ballet británico se debe principalmente a la obra de toda una vida de tres grandes mujeres: Madame Adelina Genet, quien ejerció como primera bailarina en el Teatro Real durante muchos años; Madame Ninat de Valois. Su obra inmortal es el Royal Ballet; Lady Mary Lambert es la fundadora de la compañía de ballet que lleva su nombre. También hay Festival Ballet y Ballet Escocés.

No existía ningún Ballet Nacional en Estados Unidos. Balanchine se reunió con Lincoln Costin en 1933 y fue invitado a albergar la American Dance School. En 1948, se transformó en el Ballet de la Ciudad de Nueva York, con Balanchine como director artístico y coreógrafo principal, y el asesor artístico asociado Jerome Robbins. Se ha formado un estilo de baile típico americano. Otra compañía de ballet importante es el American Ballet Theatre, que inició sus actividades en 1940. Entre quienes han ejercido como director se encuentran Ford King, Marcin, Anthony Tudor, etc. También estaba el Joffrey Ballet, el Dance Theatre of Harlem de Arthur Mitchell, la primera compañía de ballet clásico negra.

El Ballet Real Danés es un excelente heredero de la tradición nacional danesa. La danza dramática creada por Bournonville hace cien años todavía se representa en Copenhague con un estilo puro. (En realidad, estilo francés antiguo) En el ballet danés, el sentido de tradición siempre ha sido muy fuerte. En 1932, Harald Randall fue nombrado director de ballet del Teatro Real hasta 1952. Su reorganización de "Etude" para Francia e Inglaterra fue una brillante exhibición de habilidades de ballet.

Los directores rusos influyentes de principios del siglo XX incluyeron a Gorsky, Puni y Fokine. Anna Pavlova encarnó idealmente la concepción de Fokine con "La muerte del cisne" en 1905.

En Rusia, tras la Revolución de Octubre, Gorsky insistió en el carácter expresivo del teatro, permitiendo a sus bailarines vivir los personajes al estilo Stanislavsky, que originalmente se producía en la corte. "Red Poppy" se representó en Moscú en 1927. Fue el primer drama de danza heroica de temática moderna en Rusia. Marcó la victoria de la escuela clásica y señaló los principios a seguir. El ballet clásico ganó una nueva reputación. Semyonova y Ulanova hicieron su debut. El drama de danza recién creado se centró en la estructura dramática e hizo un mayor uso de la danza folclórica para enriquecer el vocabulario del coreógrafo. El ballet ruso comenzó un renacimiento.

Durante más de 400 años desde la representación del "Ballet de Comedia de la Reina" en Francia en 1581, el ballet se ha extendido por todo el mundo y es reconocido como una parte importante del patrimonio cultural humano. Arte mundial con numerosas actuaciones en los cinco continentes. Los países han creado sus propias escuelas de ballet profesionales y grupos de actuación de ballet. En el mundo actual, el arte del ballet es próspero. Diferentes escuelas como el ballet clásico y el ballet moderno, el ballet dramático y el ballet sinfónico compiten por la excelencia. Han surgido una gran cantidad de talentos y repertorios. Muchos países han ido formando sus propios estilos. Características En términos de expresión artística del ballet, constantemente surgen nuevas exploraciones y creaciones.