[Lectura] Director Storytelling - El arte y la creación de los directores de cine y televisión
1. El marco de este libro: preparación-rodaje-postproducción-convertirse en director
Preparación - desglosar el guión según la historia
2. Director Sidney ·Pollack: "El director es el narrador de la película. El director cuenta la película tal como cuenta la historia, pero cuenta la película".
3. Consta de tres partes: acción ascendente, clímax y final.
La acción incitante da inicio a la historia, mientras que las complicaciones de la trama mantienen la atención.
4. Sigue leyendo de forma interesante y comprende la situación general de la historia. La primera lectura debe ser puramente por diversión. En este punto, cada elemento de la historia será nuevo para ti. A menudo tienes una resonancia emocional con la historia. Presta atención a los lugares que te emocionan. Fueron clave para dirigir el programa y tomar varias decisiones de dirección.
Después de leerlo por primera vez, necesito resumir la historia en una frase. Los escritores la llaman línea logarítmica.
5. A la hora de filmar, siempre debes tener presente de qué trata la serie, o cuál es el tema central, para que cada escena pueda expresar la idea central de la serie.
El tema es diferente de la trama. El tema debe mostrarse a través de la trama.
6. Cuando leas el guión por primera vez, presta atención a la estructura básica de la historia.
Los dramas procedimentales seguirán el mismo procedimiento y formarán la línea principal de todo el drama. (Por ejemplo, Ley y Orden significa "ley; orden")
7. El director está creando una historia y planificando cuidadosamente cada detalle para que el público tenga la misma sensación cuando ve la televisión que cuando la lee. guión. Lo que el director tiene que hacer es transmitir sinceramente al público su primer sentimiento después de leer el guión.
8. Aclarar el nivel de la historia. Identifica la trama principal o “historia principal” de la historia, para luego analizar si también incluye “historias secundarias”, “historias secundarias” o tramas de series. A menudo, estos se relacionan con la vida personal del protagonista, a veces haciéndose eco, replicando o complementando la "historia principal".
9. "Nombrar escenas", es decir, darle a cada escena un nombre corto para recordar cómo cada escena promueve la trama principal.
Los nombres pueden recordarle al director la importancia de cada escena para el episodio general, en lugar de simplemente documentar el conflicto entre los personajes de cada escena.
10. Los guiones de dramas televisivos tradicionales se dividen en seis actos, pero ahora la estructura de los dramas de cinco actos se está volviendo cada vez más popular.
Alrededor de 1990, los programas de televisión solían dividirse en cuatro actos, y ahora muchas películas y dramas tienen tres actos.
Por eso cada escena debe ser una unidad completa e independiente.
El primer acto presenta brevemente el tema y los personajes principales.
El protagonista y el antagonista)*** *viajan juntos, es decir, conflicto); en el guión el protagonista y el antagonista tienen objetivos opuestos. Cuanto más fuerte es el conflicto entre ellos, mejor se vuelve la historia.
11. Climax: la clave para contar una buena historia.
El contenido de Hechos 2 a 5 es similar. Alguien le hace algo a otra persona que lleva la trama a un clímax.
Como director, debes velar por la lógica de la trama y asegurarte de que todo tenga sentido. Desea asegurarse de que aparezca nueva información en cada escena y de que esta nueva información se introduzca adecuadamente en la siguiente escena. -Esta etapa requiere de una reunión temática con el guionista y el creador (productor).
La continuidad requiere de la coherencia y la lógica de la trama. Observe cómo cada sección inicial utiliza información para avanzar en la trama; ¿cómo crea suspenso al final de cada escena?
Cuando el drama alcanza su clímax, es necesario que tenga sentido y planifique presagios o deje deliberadamente pistas por adelantado.
12. Conclusión: Completa las partes inacabadas.
El subtexto es la acción real de la escena, que no necesariamente se revela en la trama y el diálogo, sino que es la expresión de las emociones y relaciones internas de los personajes.
Un buen guionista puede crear contrastes entre la trama y el subtexto que añaden nuevas dimensiones a una escena.
Si el diálogo de un personaje revela demasiado obviamente el subtexto de una escena, es necesario ajustarlo.
Preparación - Desglose el guión por rol
13 Para analizar un personaje, comience por hacer un formulario de evaluación del personaje.
Incluye principalmente las siguientes tres preguntas:
1) ¿Cómo evalúas tu personalidad?
2) ¿Cómo evalúan los demás a los personajes?
3) ¿Cómo valora el guionista a este personaje?
Después de completar la información básica de la tabla de ganado, puedes comenzar a analizar los datos.
14. Imagina los personajes y haz un tablero de ideas para cada personaje. En revistas u otros lugares, puedes recortar imágenes y palabras que ayuden a aclarar las características del personaje y utilizarlas como referencia durante las discusiones.
Las necesidades se pueden expresar en una palabra, que es intención. Los conflictos en cada escena se pueden dividir en niveles 1-10.
15. Explora los obstáculos del personaje. Además de los obstáculos de los personajes negativos, hay que tener en cuenta cualquier otro obstáculo que encuentre un personaje para conseguir lo que quiere.
16. Para contar la mejor historia, el director necesita priorizar las escenas.
Preparación-Casting
17. El trabajo del director de casting es negociar bajo la supervisión del productor. Los directores de casting utilizan su creatividad y criterio para seleccionar actores que audicionan para papeles guionados. Cuando comienzan los preparativos, el director de casting celebra una reunión para discutir ideas sobre el casting.
18. El casting requiere sopesar dos cosas: el talento del actor y sus problemas. Los problemas no deben superar al talento.
Preparación - Diseño artístico
19. Para la mayoría de las películas, las partes relacionadas con el diseño artístico son: arte, utilería, vestuario, maquillaje/estilismo y transporte.
Dependiendo del guión, también se pueden incluir otros componentes: efectos visuales, efectos especiales, coreografías y movimientos especiales.
Durante la etapa de producción cinematográfica, la fotografía, la electricidad y el trabajo de campo se han convertido en departamentos de primera línea.
20. Los tres elementos del diseño artístico: estilo, color y efecto.
21. Según las marcas y símbolos del libro, los colores y sus propiedades correspondientes son los siguientes:
22 Existe la necesidad de equilibrar las necesidades creativas y financieras en el set. - elección artística o comercial.
23. El primer subdirector ayuda al director en el trabajo logístico. Es el canal de comunicación entre el departamento de producción y el director, asegurando que los jefes de cada departamento preparen con antelación lo que el director necesita.
24. Software recomendado: Movie Magic. (Primer asistente de dirección/productor)
25. El tiempo ideal de rodaje por día es dentro de las 12 horas (almuerzo fuera).
26. Al realizar un guión gráfico, es necesario tener en cuenta los siguientes factores:
27. La hoja de trabajo del actor define el tiempo de trabajo de cada actor. Ichigo también puede hacer una lista de necesidades especiales, enumerando el equipo especial o el personal necesario a diario.
Preparación: actores caminando y storyboard
28 El director determina los siguientes dos aspectos antes de filmar cada escena:
1) Cómo se mueven los actores— —Ir. ;
2) Cómo mover la cámara: haz un guión gráfico o guión gráfico.
29. Para obtener el mejor efecto, el director debe enmarcar el chiste: no permita que los actores se muevan o se muevan al contar las líneas donde el chiste es muy importante.
30. Nombre de cada toma
Preparación: los actores caminan y hacen guiones gráficos.
31 Los guiones gráficos se escriben de acuerdo con la secuencia de rodaje que planeas, no con el montaje. orden. Sin embargo, al revisar, los números de toma que marca junto al diálogo o las instrucciones se refieren al orden de edición.
32. La lente también dará a las personas dos impresiones diferentes: objetiva o subjetiva.
Objetividad significa que la cámara es como un espectador invisible, que no participa en la historia, sino que simplemente registra la escena.
Subjetividad es hacer que el público sienta que está ahí. Las tomas tomadas desde la perspectiva de los personajes de la película son las más subjetivas.
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