¿Qué es el arte moderno?

Arte moderno

La desintegración del arte moderno se originó en el arte occidental a lo largo de la antigua costa mediterránea (Egipto, Grecia, Asia occidental). A finales del siglo XIX, hubo signos de cambio. , y este signo entró en el siglo XX. Un siglo después, se convirtió en la corriente principal del arte occidental. Este es el arte moderno occidental.

El arte moderno occidental puede considerarse como un edificio. Compuesto por varios tipos de estilos visuales, el edificio fue construido sobre la base de la ciencia y la racionalidad. Este es el núcleo del pensamiento y la cultura occidentales durante cientos de años, y también es algo de lo que nos falta relativamente aquí. Los occidentales han logrado avances rápidos en tecnología y gestión social, pero también trae limitaciones, lo que inhibe parte de la vitalidad; de la vida, como la relación entre hombres y mujeres. La alegría es inseparable de la atracción natural. Si solo consideras y calculas desde la perspectiva de la posición, los ingresos y el estatus familiar, tendrás una actitud racional, pero tus emociones se verán afectadas. . Por lo tanto, cuando se trata de emociones y espiritualidad humanas, no podemos limitarnos a escuchar a la ciencia.

La creación del arte moderno es inseparable del pensamiento científico, el estructuralismo y el cubismo, el pensamiento tecnológico industrial y el futurismo, De Stijl, la forma de fabricación mecánica y los dibujos y pinturas mecánicos dadaístas, Freud, la teoría de la interpretación de los sueños y el surrealismo, como así como el expresionismo abstracto, que utiliza técnicas racionales para expresar la irracionalidad, etc., son todos el resultado de la cooperación entre la ciencia y el arte. La gente considera la creación artística como un proceso de creación regular y seguida. De esta manera, el artista produce dibujos. y la fábrica produce obras de arte de acuerdo con los dibujos, lo que se convierte en un proceso de creación de arte razonable y razonable. Así era Estados Unidos después de 1960. En aquella época, muchos artistas se dedicaban a diversos experimentos industriales y materiales, inventaban nuevos materiales sintéticos, utilizaban dispositivos mecánicos como sistema de energía de sus obras, y el sonido, la luz y el electromagnetismo se convertían en nuevos recursos artísticos. Las siguientes actividades artísticas pueden ilustrar la situación. en ese momento:

(1) Arte de efectos ópticos (OPArt), que es un tipo de arte experimental psicológico basado en el conocimiento óptico. El creador crea efectos dinámicos de luz y color a través de colores y formas geométricas corregidas con precisión. que representa Los artistas son Bridgei Riley y Vasa-relev.

(2) Muy poco arte (nIlnlnlallsn1), el rasgo destacado es la producción industrial de obras de arte, la búsqueda de la precisión matemática, la figura representativa es Donald Judd, y las obras suelen ser repeticiones de las mismas unidades. .

(3) "Kinetic Art" (Arte Cinético), hay muchos representantes, como el suizo Jean Tit-ian, que produjo una variante de la máquina de pintar para la primera Bienal de París Creó un "coche morfo con aroma y sonido"; Len Iye creó una escultura móvil delicadamente equilibrada, y así sucesivamente.

(4) La escultura luminosa (Lighi Ari) es otra dirección de desarrollo de la escultura, su forma es similar a los anuncios de neón. La figura representativa es el joven artista Dan Fla-vin.

(5) En 1966, la Armería de Nueva York celebró la exposición experimental "Arte e Ingeniería", que mostraba muchas obras de arte diseñadas con medios de alta tecnología y, por lo tanto, condujo a una estrecha cooperación entre artistas y científicos y tecnológicos. trabajadores. Posteriormente se creó la organización 'Art and Technology Experiment', en la que participaron 3.000 personas.

Hay más actividades similares que aparecen con frecuencia en todo el mundo, formando tendencia. Por ejemplo, el Museo de Arte Moderno de Nueva York. tiene exposiciones de "Máquinas", el Museo Whitney tiene una exposición de "Luz", Londres tiene una exposición de arte "Poder" mecánico, Los Ángeles tiene una exposición de "Industria", etc. El poder de la ciencia y la tecnología se ha desarrollado desde la intervención en el arte hasta domina el arte, y el arte moderno occidental se basa en la ciencia. Si bien el poder crea nuevos logros, también se coloca en el camino sin retorno.

Los siguientes artistas son representantes de la combinación de arte e industria. Década de 1960:

(1) Abstracción de superficies de color. El pintor Newman (Barnetr-man) produce bloques de un solo color en una repetición casi constante.

(2) Escultor de metal David Smith (1906～65). ) trabajó en tanques militares en sus primeros años como soldador en una fábrica y más tarde desarrolló un tipo de escultura de acero que ofrecía al espectador su calidad mecánica sin función real.

(3) El pintor Ftankenthaler (1928-), que combinó el arte de acción con la abstracción colorida, reutilizó los recursos del expresionismo abstracto y convirtió el arte en la expresión de algún tipo de información física (4) Frank: tLixlla, 1936-), un pintor de rayas negras, utiliza cobre y aluminio para explorar diferentes formas de texturas de lienzos, principalmente rectángulos y prismas, para crear obras a gran escala codificadas por colores.

2. La naturaleza del arte moderno Algunos estudiosos resumen la historia del arte occidental en tres etapas, a saber: premoderna, moderna...posmoderna. En este método de periodización, todo el arte determina su período de tiempo en torno a la "modernidad", y la "modernidad" se ha convertido en la coordenada para dividir la historia. Este método de periodización es muy simple y fácil de recordar, por lo que también podríamos usarlo.

NaOki SakiIJi, un teórico literario japonés que vive en Estados Unidos, dijo en un artículo sobre la cultura posmoderna japonesa: "La secuencia premoderno-moderno-posmoderno implica un orden temporal. Debemos recordar que este El orden siempre ha estado integrado con la estructura geopolítica del mundo moderno, y ahora es bien sabido que este orden es básicamente el marco histórico del siglo XIX a través del cual la gente entiende las naciones, las culturas y las tradiciones y la posición de la raza en este. sistema." La división de las etapas históricas no es puramente temporal, sino que está entrelazada con el espacio. Esto significa que, al mismo tiempo, diferentes regiones pueden estar en diferentes etapas de civilización; por ejemplo, en el siglo XIX, China era un país imperial feudal, mientras que Occidente ya había entrado en el capitalismo. Por eso, algunas personas dicen que todo el arte contemporáneo. Es arte contemporáneo: eso está mal. Muchas de las obras de arte que aparecen en nuestras exposiciones nacionales ahora no tienen las características del arte contemporáneo, o incluso las características del arte moderno. Esto es el resultado de las diferencias regionales entre Oriente y Occidente. Oeste.

Ya sea "premoderno" o "posmoderno", es una visión que sólo puede generarse después de comparar con "moderno". Comprender qué es "moderno" es el requisito previo para tal comparación. . Podemos entender las razones de la transformación del "arte moderno" desde dos perspectivas.

Una es la perspectiva del estilo y la forma, que es un concepto de cantidad. Teóricamente, podemos calcular el número de formas y estilos visuales creados durante la etapa del modernismo occidental. Este número es enorme, superando por múltiplos a cualquier época anterior, y también es un número que no puede ser igualado por el número total de formas de arte existentes. y estilos en China.

La otra es la perspectiva del valor. El llamado valor es el estándar para juzgar lo que es bueno y lo que es malo. El valor es un concepto cualitativo y es de gran importancia. Diferentes valores conducen a diferentes resultados de evaluación. Por ejemplo, si miras las pinturas chinas actuales con los valores de los literatos Ming y Qing, pensarás que el presente no es tan bueno como solía ser.

Si observamos el arte moderno desde una perspectiva cuantitativa, encontraremos que los artistas occidentales se han desarrollado desde múltiples perspectivas en poco más de medio siglo. El espíritu integral de exploración ha puesto en práctica diversas posibilidades para la transformación de las formas de arte (arte de caballete), dejando poco espacio para que las generaciones futuras exploren. La revolución ha tenido éxito y los camaradas ya no necesitan trabajar duro. Los artistas posteriores tendrán que encontrar otro camino.

Si observamos el arte moderno desde una perspectiva de valores, encontraremos que básicamente pertenece a la categoría de cultura de élite, que puede adherirse a la integridad del arte elegante y desdeñar asociarse con lo común. Por su naturaleza, es históricamente un derivado de la cultura aristocrática, pero la sociedad ha cambiado. Los aristócratas espirituales han perdido su territorio hereditario y no tienen más remedio que luchar en el mundo.

En concreto, los valores del arte moderno se reflejan en los siguientes aspectos:

(1) Búsqueda de la pureza. El arte moderno persigue la pureza de los productos visuales, sólo considera elementos formales en la creación e ignora la participación de otros factores, como la historia, la religión, la literatura, etc., promoviendo así el desarrollo del arte abstracto. En términos generales, la búsqueda de ideas puramente elitistas y expertas tiene limitaciones y equivale a tirar de la cuerda floja.

(2) Promover la originalidad, que consiste en aplicar los estándares de la competición deportiva al arte, y considerar la creación artística como una competición que bate récords en la historia del arte. Sin embargo, el deporte trata de la supervivencia del más fuerte. , lo que no ocurre en el art. El desarrollo no es progreso, es cambio. Por ejemplo, no se puede decir que Rembrandt es inferior sólo porque existe Picasso.

(3) Dar importancia a la forma no es un hábito exclusivo del arte moderno. El arte clásico también presta gran atención al sentido de la forma, pero la forma del arte clásico obedece a la expresión del contenido. , o en otras palabras, la forma se esconde detrás de la imagen. El arte moderno trata de la forma por la forma, dándole a la forma valor y función independientes.

(4) Se llama egocentrismo.

Los artistas modernos a menudo trabajan a puerta cerrada para expresarse sin tener en cuenta al público. A menudo se distinguen por comportamientos extraños y vestimentas extrañas. Por lo tanto, sus obras también son muy personales y difíciles de entender. Esto ha ayudado a los críticos de arte a obtener el privilegio de interpretarlas. obras. .

(5) Monótono en general. Esto significa que durante el período popular del arte moderno, todas las obras no modernas, como las técnicas realistas tradicionales, las obras con características nacionales y regionales y las obras de países no desarrollados, fueron rechazadas, lo que provocó que artistas de todo el mundo utilizaran "cruces". -Lenguaje fronterizo”. Esto ha resultado en un cierto grado de pobreza del lenguaje artístico global.

De los aspectos anteriores, podemos entender que es natural que haya fuerzas que se opongan.

3. El surgimiento del arte posmoderno Las fuerzas que se oponen al arte moderno no aparecieron en los años sesenta.

Justo cuando el poder de la ciencia y la tecnología arrasó con todo y el arte elitista y depurado se agotó, surgieron nuevas actividades artísticas que eran tan diferentes de las tendencias de la época que en realidad provocaron que el arte occidental. Date la vuelta y abre una nueva situación mundial. A continuación se detallan varias actividades artísticas nuevas que surgieron en aquella época:

(1) Land Art (Land Art o Earth Art) puede verse como el resultado del desarrollo de trabajos de instalación de interiores a exteriores. Los primeros estilos se remontan a la antigüedad Las pirámides de Egipto y el Círculo de Stonehenge de Inglaterra, mientras que las vastas extensiones de América proporcionan un escenario para que los artistas contemporáneos muestren sus talentos. Utilizar desiertos, montañas y praderas como materia prima, modificar o agregar enormes formas geométricas es una de las primeras características del land art. La obra más famosa es "Espiral Breakwater" de Robert Smithson. Este terraplén tiene 15 pies de ancho. El público puede caminar varias veces a lo largo del terraplén, pero por lo demás no tiene ninguna función práctica.

(2) El arte de instalación (InstallatiOn) es un tipo de material de madera no artístico. Exposiciones tridimensionales que se pueden exhibir temporalmente en interiores, muy pocas de las cuales también se recogen en museos. Es un método para organizar exhibiciones en lugar de características o estilos artísticos, por lo que puede ser útil para muchas escuelas de arte. La instalación original derivó del abandono de los materiales escultóricos tradicionales, y su definición principal es: "(1) Están ensamblados, no dibujados, moldeados o tallados; (2) Todo o parte de sus elementos constitutivos son materiales preformados naturales o artificiales. , objetos o fragmentos no destinados a ser utilizados como materiales artísticos”. El representante de las primeras instalaciones fue el artista dadaísta alemán Kllrt Schw-Itter, que en los años 20 llenó su casa con diversos materiales.

(3) El arte corporal (BodV art) es cuando el creador utiliza su propio cuerpo como material de expresión artística, combinándolo con pintura, fotografía, video u otros métodos de grabación in situ. Se forma una especie de arte escénico no dramático. "No dramático" se refiere a la ausencia de ficción, performance y elementos artificiales. Por ejemplo, el trabajo de Barry Le Va consiste en correr de un lado a otro entre dos paredes separadas por más de diez metros hasta caer exhausto. Otro, Vito Acconci, alguna vez fue poeta y tenía tendencias masoquistas, por ejemplo, se esforzaba en morder las partes de su cuerpo que podía morder y no paraba hasta dejar una marca, y también se masturbaba en público. instalar altavoces para difundir el sonido, obligando al público a convertirse en "voyeurs" en un intento de romper los tabúes sociales. También está Chris Burden, que es aún más masoquista. Su obra maestra "Cinco días de prisión" implica encerrarse. una caja de hierro durante cinco días consecutivos; su otra obra maestra, "Disparar", consiste en hacer que su amigo le dispare al brazo izquierdo desde una distancia de pies de daga. Esta impactante técnica le valió un éxito inmediato y ganó reputación mundial.

(4) El arte conceptual, derivado del arte dadaísta de principios de la década de 1920, cree que el arte no tiene un valor sagrado y duradero. Su esencia son las ideas o conceptos, y las obras específicas en forma física no lo son. importante, por eso también se le llama arte idea, arte postobjeto o arte desmaterializado. Es un material escrito que se utiliza para registrar pensamientos o un registro fotográfico de un evento. Es una forma común.

Los artistas conceptualistas exploran la relación entre arte y pensamiento o arte y conocimiento. El punto final de esta investigación es el texto, las matemáticas o la estética y la filosofía. Lógicamente hablando, este tipo de trabajo en realidad no es para ver Exposiciones tradicionales. . Sin embargo, sigue siendo un problema de larga data mostrar pensamientos internos evitando formas externas. Aquellas obras que se consideran arte conceptual son en su mayoría instalaciones temporales exhibidas en galerías de arte y otros lugares públicos, como apilar al azar algo de madera, ladrillos o. otros escombros. Un ejemplo es una jaula de pájaros gigante con pájaros vivos y otros objetos expuestos en una galería de arte. También hay un grupo de arte conceptual de personas que escriben ensayos. Entre sus figuras representativas se encuentran Joseph Kosuth, MeI Bochner y Hanne DarbOven.

(5) El arte de proceso (Process art) cree que el proceso de producción del arte es más importante que la concepción previa. Es mejor experimentar el paso del tiempo que observar objetos estáticos y duraderos. para expresar la existencia fugaz del momento. Este tipo de arte utiliza principalmente materiales blandos que pueden reflejar fácilmente los cambios en el tiempo. La fuente original es la salpicadura accidental de pintura de Pollock y de Kooning durante su creación. cambios arbitrarios del autor a los materiales expuestos. La figura representativa es Robert Morris. Una de sus obras consiste en amontonar algunos materiales mezclados sin valor en la sala de exposiciones. Cambia la ubicación de estos materiales todos los días y los recoge y tira al final de la exposición.

Con las actividades anteriores, ha habido dos tendencias de desarrollo opuestas en el arte occidental desde entonces. Una es el arte puro, que permite al arte mantener su carácter independiente para distinguirlo de otras cosas. En el arte puro, existen definiciones cualitativas claras de qué es pintura y qué es escultura. Otra tendencia es confundir los límites entre arte y no arte, especialmente la diferencia entre arte y vida. La llamada "pureza" del primer arte es exactamente lo que el segundo se esfuerza por rechazar. El motivo del rechazo es que la esencia del arte es inspirar la creatividad, y dividir artificialmente el alcance del arte es una limitación a la creatividad. Sólo cuando el arte y la vida se integran se puede reflejar la creatividad del arte en la mayor medida posible.

Las nuevas ideas artísticas se difundieron rápidamente. En la época en que llegaron a Sichuan, las revistas de arte estadounidenses ya no estaban llenas de acero plástico y formas geométricas, sino de materiales naturales, el proceso de acción, el medio ambiente y la introducción de La audiencia, las personas, el análisis semántico y los registros fotográficos se han convertido gradualmente en el principal contenido informativo de los medios artísticos. En este punto, los conceptos, métodos y formas del arte moderno han sufrido cambios importantes. Lo que la gente llama arte posmoderno comenzó en este momento. El cambio de funcionarios del arte no es un traspaso militar. La situación formará dos finales completamente diferentes. Los llamados nuevos y viejos, el final y el comienzo, a menudo existen al mismo tiempo. Sin embargo, por conveniencia de la narrativa, los comentaristas están acostumbrados a separar los hechos entrelazados. A menudo vemos a los estudiosos hablando de muchas teorías sobre el inicio del llamado movimiento de género. Este artículo analiza el arte posmoderno porque si tenemos que buscar deliberadamente el orden del paso del tiempo, no podemos tener en cuenta el. División del espacio al mismo tiempo. Esto es algo a lo que los lectores deben prestar atención.

Hay muchas razones por las que el arte moderno occidental no cambió su forma en la década de 1960, que generalmente se consideran relacionadas con el siguiente trasfondo social:

(1) El fracaso de Estados Unidos en la guerra de Vietnam provocó un aumento del sentimiento contra la guerra, junto con el cambiante entorno internacional, la gente no tiene muchas esperanzas en la sociedad humana y la vida real, y además comienza a despreciar los estándares existentes de vida humana1. Existe una tendencia a ir en contra de la corriente principal y negar los valores eternos en el ámbito cultural.

(2) ¿Cuáles son los efectos secundarios del desarrollo industrial? El progreso de la industria ha mostrado perspectivas brillantes para la sociedad humana, pero los efectos secundarios son cada vez más obvios, incluida la contaminación ambiental, la escasez de energía, los desechos tóxicos y los peligros de las armas nucleares. La gente se da cuenta de que, si bien la ciencia y la tecnología resuelven algunos problemas. , también provocaron que surgieran nuevos problemas y la gente empezó a mirar claramente los pros y los contras del progreso industrial y empezó a dudar de los métodos científicos.

(3) Los problemas sociales son prominentes, la rica vida material no puede resolver los problemas espirituales y la "Generación Beat" surgió después de la guerra. En 1968 hubo un resurgimiento de los movimientos estudiantiles en Europa y Estados Unidos.

(4) La aparición de nuevas ideas.

Muchos filósofos en Europa han propuesto nuevos puntos de vista sobre la cultura contemporánea, teniendo así un impacto en el mundo del arte. Estos filósofos incluyen a Roland Barthes, Foucault, Derrida, Lacan, Lyotard y otros. La teoría de Dou Xue plantea dudas y se refiere a diversas formas culturales. , lo que lleva a dudar de cualquier marco teórico único y juicio final en el campo del arte, reafirma el valor de la concreción, lo que lleva a la separación del arte moderno que persigue la metafísica.

Además de los factores externos antes mencionados, el exceso de racionalidad y tecnología son las razones internas del cambio de dirección artística. Es necesario saber que el mundo espiritual humano es lo mismo que la ecología natural, que es a la vez cambiante y equilibrada. Si uno de ellos se desarrolla excesivamente, habrá una fuerza opuesta que lo superará. Si la ciencia interfiere principalmente con el arte, surgirán fuerzas anticientíficas.

4. Valores del arte posmoderno Desde la década de 1980, con Estados Unidos como centro, el arte posmoderno ha ido surgiendo y convirtiéndose en una nueva tendencia artística a nivel mundial. Si analizamos estos fenómenos artísticos de manera integral, podemos percibir claramente el nuevo valor que está creciendo ahora, que se refleja principalmente en los siguientes aspectos:

(1) Sin buscar la pureza, el arte contemporáneo no se limita a las formas visuales, al lenguaje , texto, teatro musical, medios de comunicación. Se utilizan sombras digitales, sonido y luz siempre que puedan transmitir información específica. Las pinturas trascienden las limitaciones de los planos, las esculturas integran paisajes y edificios, y los lugares de exposición no se limitan a galerías o museos en el llamado Occidente contemporáneo. El arte visual tiene Es difícil distinguirlo de otras categorías de arte.

(2) Servir bien a la tradición. La humanidad tiene ricos recursos culturales tradicionales y sería una lástima abandonarlos. Los artistas contemporáneos no se oponen a la tradición, sino que utilizan el pasado para renovarse. Después del cambio de tiempo y entorno, los símbolos antiguos pueden tener nuevos significados, como el "Libro del Cielo" de la separación del hielo y el "Bote de hierba acariciando flechas" de Cai Guo-Qiang. Eso es todo.

(3) La impersonalidad, por encima del arte, excepto en el período comprendido entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XIX, la "expresión personal" no fue el objetivo principal de la creación. El arte posmoderno enfatiza las funciones sociales. , haciendo que el arte salga de la torre de marfil y se acerque a la vida del público. Los artistas toman el mundo como su propia responsabilidad, se preocupan por los problemas sociales, participan activamente en actividades sociales y ya no son figuras independientes.

(4) Estándares múltiples. El "pluralismo" es el concepto central del arte contemporáneo. Aunque todavía existen tendencias artísticas dominantes en el mundo, los estándares unificados ya no se utilizan para juzgar los méritos, como el reconocimiento de diferencias. Se valora el valor del arte de un país, nación, región, el arte de las mujeres, el arte indígena, el arte de los países no desarrollados, etc. Sin embargo, esto resultó en una situación complicada y caótica difícil de sistematizar.

Basándonos en la discusión anterior, tal vez podamos tener una comprensión aproximada del arte posmoderno: se originó a partir de la rebelión contra el arte moderno, desarrolló nuevos métodos para expresar pensamientos y transmitir información, cambios en los conceptos, tecnología y transformación. del arte, así como la conciencia pública, los valores pluralistas y el espíritu creativo libre que representa, encarna la tendencia de desarrollo de la cultura occidental contemporánea. Sin embargo, debido a diferencias en la región, la cultura y el sistema, el mundo del arte chino aún no puede adoptar una. apariencia general en un corto período de tiempo La integración en este movimiento artístico global no impide el crecimiento de nuevos factores artísticos, ni nos impide adquirir conocimiento del arte contemporáneo occidental desde una perspectiva de sentido común.

5. La inspiración de Duchamp Cuando hablamos del tema del arte posmoderno occidental, debemos mencionar al pintor francés Marcel Duchamp, quien es descrito como el padre del arte posmoderno occidental. es de gran ayuda para comprender muchos fenómenos maravillosos del arte posmoderno occidental, pero comprender a Duchamp es un problema difícil) porque sus obras y su vida están demasiado alejadas de la gente común y es difícil de explicar razonablemente;

Aunque la práctica artística de Duchamp finalizó en los años 30. Murió en 1968, pero sus breves actividades artísticas durante el período seco tuvieron una influencia duradera más adelante. En 1913, completó su primer arte ready-made, "Rueda de bicicleta", para expresar su desprecio por el énfasis en la estructura en las obras tradicionales. Y sugiere que el factor más importante en la creación artística es el concepto más que las habilidades de producción. "Chocolate Grinder No. 8" es casi la última obra de caballete de Duchamp, una burla de la pintura al óleo académica. Duchamp se instaló en Nueva York después de 1915 y completó "Fountain" en 1917, que es un urinario; otra obra es L.II.O.O.Q, (1919), que añade un bigote a la "Mona Lisa" impresa. La obra más importante de Duchamp es "El gran cristal", también conocida como "La novia desnudada por su hombre". Esta obra comenzó en 1915 y aún estaba inconclusa en 1923.

Después de 1920, el interés de Duchamp por la óptica y el cine aumentó día a día. Después de la era de Sichuan, centró su interés en el ajedrez.

La aportación más importante de Duchamp es el arte "readymade". Aunque desde una perspectiva secular, es absurdo exhibir productos industriales u otros objetos prefabricados, de hecho ha cambiado toda la visión de la humanidad sobre el arte e incluso sobre el mundo, y la gente ha comenzado a cuestionar los valores tradicionales. conceptos y modos de creación artística, al menos. En el arte posmoderno occidental, la influencia de los "readymades" está en todas partes e inspira a las personas desde los siguientes aspectos:

(1) Ni la forma ni la belleza son importantes. Desde la antigüedad, los artistas han asumido como deber ineludible crear formas hermosas y han otorgado a ese trabajo un alto estatus y valor. Pero Duchamp creía que la belleza no existe y que no hay nada particularmente noble en el arte y en las personas que lo crean. Le dijo a la gente que no hay diferencia entre los objetos ordinarios y las obras de arte. Si el arte es bello, entonces los objetos ordinarios también lo son. hermoso Si los objetos ordinarios no son hermosos, entonces el arte no es mucho mejor. El llamado valor estético del arte es solo un prejuicio de la gente. Llevó el "urinario" a la exposición y jugó un papel importante en la ruptura de este estereotipo.

(2) El entorno y el tiempo son más importantes que la obra Los factores decisivos para convertir el producto acabado en una obra de arte son el entorno y el tiempo. No tiene nada que ver con el trabajo en sí. Esto demuestra que bajo ciertas condiciones. Cualquier cosa, incluso el comportamiento, puede ser arte; también se puede decir a la inversa, que cuando las condiciones cambian, cualquier cosa, incluso el comportamiento, no puede ser arte. Según un dicho chino, esto es lo mismo y lo mismo, y eso es lo mismo. porque el entorno y el tiempo siempre están presentes. Los botones del móvil están cambiando, por eso en el siglo XX, la clásica "Mona Lisa" del Renacimiento podía pintarse con bigote y convertirse en una broma, se pusieron ruedas de chimenea y taburetes en las galerías de arte; equivalían a esculturas estructuralistas.

(3) Devolver el arte a su estado espontáneo y natural. Las actividades artísticas iniciales de los seres humanos son espontáneas y naturales, no requieren una formación especial y no hay distinción entre artistas y no artistas. Pero más tarde hubo una división del trabajo y el arte se convirtió en un trabajo especializado y, por lo tanto, hubo estándares especiales para el arte. Obviamente, esta división del trabajo y las normas son producto de sistemas pasados. Es perjudicial para el desarrollo de la sana naturaleza humana. Si las condiciones sociales cambian, no sería razonable seguir tratando estos estándares existentes como leyes supremas que requieren que la gente las respete. El "arte ya hecho" significa ignorar por completo los estándares artísticos e incluso culturales existentes, con un efecto aparentemente divertido pero en realidad bastante. pensamiento profundo, se burla de la moderación y la destreza del ser humano en el campo cultural, reclamando así la llegada de una nueva era rica en espíritu libre y creativo.

(4) Se llama abolición de las restricciones técnicas. La gente está acostumbrada desde hace mucho tiempo a ver la creación artística como una operación técnica especializada. Por eso existen academias de arte y pintores profesionales. "El arte hecho" es diferente del Las habilidades personales del autor no tienen nada que ver con eso, solo requiere una visión de selección, y la selección es un proceso de pensamiento que no tiene nada que ver con la tecnología de fabricación de productos materiales. Duchamp dijo a la gente aquí que el valor del arte reside en el pensamiento. Con pensamiento, cualquier producto material puede convertirse en una obra de arte. Este enfoque de equiparar arte con pensamiento cancela objetivamente la disciplina artística en el sentido tradicional e implica el juicio teórico de que el arte y la historia del arte están a punto de terminar.

El pintor estadounidense De Koonig dijo: "Solo Duchamp inició un movimiento, un movimiento verdaderamente moderno, que lo implica todo: cada artista puede aprender de él. Allí me inspiré. Él cambió fácilmente la dirección del desarrollo". del arte occidental con "readymades" que parecían recogidos al azar. Fue la imagen pionera que Duchamp dejó a las generaciones futuras. Después de Duchamp, se opuso a todos los modelos artísticos establecidos y a los estándares de evaluación, y tomó el espíritu libre de libertad como objetivo de la creación artística, que se convirtió en sentido común en el mundo del arte occidental.