¿Qué es el cine y la televisión?

lt;@.@gt;: La fotografía cinematográfica y televisiva toma entidades objetivas como objetos y utiliza la óptica, la luz, el color, el movimiento y la composición para crear imágenes visuales que expresen el acontecimiento, el desarrollo y el final de un proceso continuo. Esta imagen visual continua y en movimiento "es un arte, un lenguaje y una existencia".

Para convertirse en un fotógrafo de cine y televisión calificado, debe poseer dos cosas. Primero, debe tener un dominio competente de Tecnología de fotografía cinematográfica y televisiva, incluidos conocimientos básicos de mecánica, química, óptica, informática, etc. En segundo lugar, deben tener pensamiento de imágenes, conocimientos de psicología visual e incluso calidad cultural y logros artísticos integrales. Sólo así se puede lograr la creación artística "mientras se dispara".

Hay que tener claro que en cualquier época, la creatividad artística es lo más importante. Una obra de arte siempre está estrechamente relacionada con la personalidad y la cosmovisión del artista y lleva la huella de la personalidad única del creador. En el campo del arte de la fotografía cinematográfica y televisiva, la forma de establecer su propio estilo fotográfico y destacar radica en la forma única del fotógrafo de utilizar los elementos morfológicos fotográficos y el significado cultural detrás del lenguaje morfológico visual conciso y claro. El verdadero factor decisivo es el. creador conceptos creativos y formas de pensar.

El cine y la televisión son dos formas de arte diferentes. Tienen diferencias y similitudes. La diferencia radica en la estructura de narración de eventos. La similitud entre ellos es que ambos se crean con la fotografía. mismos medios, técnicas, luz, color, movimiento, etc. Pueden penetrarse y transformarse mutuamente en la forma. Comprender esto le ayudará a profundizar su comprensión de la fotografía de cine y televisión.

Un método de expresión de modelado de fotografía de cine y televisión

1 Método de composición de formas visuales de cine y televisión

La composición de formas de modelado de cine y televisión consiste en utilizar Fotografía de acuerdo con las reglas estéticas visuales de las personas. Los métodos de modelado tecnológico y artístico organizan orgánicamente diferentes elementos del modelado visual para crear una relación de estructura de organización de imagen de forma y color que cumple con un determinado propósito y se utiliza para expresar con mayor precisión una determinada idea o transmitir una determinada idea. El mensaje, a través de esta imagen, se traduce directamente en una imagen visual realista por el sistema de percepción de la audiencia, se percibe y existe objetivamente. Si la base del modelado cinematográfico y televisivo son las imágenes, entonces cada imagen cinematográfica y televisiva se compone de varios elementos de imagen, y la transmisión de todos los mensajes emocionales también se completa con imágenes.

En la captura de imágenes, en primer lugar, la narrativa se centra en un tema específico. Diferentes temas adoptan diferentes medios de expresión artística y utilizan diferentes medios de sonido, luz y fotosensibles para capturar la existencia real. .objetos (actores, otros, etc.), y hacer que las imágenes sean más connotativas y perfectas a través de la postproducción. De esta forma, se presentan al público imágenes con emociones y tramas que actúan sobre la percepción del público, ganando reconocimiento.

En el proceso de captura de imágenes, ¿cómo utilizar métodos fotográficos para construir diferentes elementos de imagen en la imagen? Primero, debe comprender los elementos básicos que afectan la composición de la imagen fotográfica.

a. La composición elemental de las lentes básicas

Cualquier imagen fotográfica se compone de lentes básicas. Las lentes básicas contienen todos los elementos de imagen efectivos y la composición organizada de este elemento de imagen. Se utiliza para guiar la atención de la audiencia.

Entonces, ¿qué es una inyección básica? El plano básico es la imagen básica que describe la escena en la imagen fotográfica: incluye varias panorámicas (LS), plano medio (MS), primer plano (close-up) (CU) y (La Figura 001 ilustra estas escenas).

Panorama enfatiza el entorno y la relación entre el sujeto y el entorno, que muestra toda la escena.

El plano medio es una forma de imagen entre el panorama y el primer plano. El plano medio tiene algunas características del panorama sin perder algunos de los detalles del primer plano, y es adecuado para expresar la trama y transmitir emociones. Por lo general, el plano medio contiene no sólo al sujeto, sino también parte del entorno.

Los primeros planos separan los elementos principales, como los actores, de los elementos que los acompañan (entorno).

Otra representación en primer plano de un primer plano es un primer plano. Un primer plano se refiere a una toma de la cabeza, la cara, partes del cuerpo humano o una determinada parte de una persona. la escena. Esta es una forma única de enfatizar los detalles locales en las películas y la fotografía efectiva.

Hasta cierto punto, estos términos están relacionados entre sí. Un plano puede denominarse panorama en una serie de planos, pero plano medio en otra serie de planos.

Quizás la forma más sencilla de describir diferentes escenas sea utilizar rangos. El panorama grande se llama plano más amplio y el primer plano grande se llama plano más cercano. Todos los demás tipos de espejos se distribuyen entre estos dos extremos.

El lenguaje utilizado para describir varios tipos de espejos suele basarse en el cuerpo humano. La vista panorámica incluye todo el cuerpo, con el plano de media distancia cubriendo el cuerpo desde las caderas hacia arriba y el primer plano cubriendo el cuerpo desde los hombros hacia arriba.

Otra forma habitual de describir una escena es basándose en el número de personas que aparecen en la toma. Por ejemplo, un plano con dos personas se llama plano de dos personas y un plano con tres personas se llama plano de tres personas. Plano de sombra en la cabeza, plano de cabeza y hombros y plano completo: estos términos se describen bastante bien (Fig. 002). Sin embargo, las personas dan diferentes connotaciones a la variedad de paisajes en diferentes situaciones.

El panorama (LS), el plano medio (MS) y el primer plano (CU) son la base del lenguaje cinematográfico y televisivo y los elementos básicos que constituyen toda la imagen del "evento" cinematográfico y televisivo.

En el rodaje de cine y televisión, la lente cambia constantemente, convirtiendo constantemente los elementos básicos de la imagen. Este cambio y conversión constante determina los atributos básicos de la fotografía de cine y televisión, que son la continuidad y el movimiento.

b. Introducir elementos subjetivos de la lente

En la composición morfológica del modelado visual en la fotografía de cine y televisión, el rendimiento de la lente subjetiva también es una parte importante. El tipo de lente subjetiva en la fotografía En la imagen, guías y obligas al público a ver lo que quieres que vea en condiciones que se ajusten a las leyes de la visión humana. La introducción de este tipo de elemento de modelado sólo puede utilizarse en fotografía de cine y televisión, y debe ser continua y "en movimiento".

Una toma en la que la cámara o la lente de la cámara en realidad se convierten en los ojos del personaje (en la dirección que mira) en el cine y la televisión se denomina toma subjetiva (POV). Las tramas narradas por personajes son difíciles de contar desde el punto de vista de los personajes del "evento" en el cine y la televisión. La toma en sí no te dice que esto es lo que está viendo el protagonista. Sin embargo, después del primer plano de los ojos del protagonista, se puede seguir una toma POV con una altura, ángulo y dirección similar a la mirada del protagonista, como la dirección de un objeto.

Si se utiliza este tipo de interpretación durante toda la película, la flexibilidad de interpretación de la historia se reducirá, lo que no es aconsejable en la mayoría de las películas. Si desea utilizar la toma POV, puede cambiar el enfoque de mover ligeramente la cámara para simular la cabeza o los ojos del actor para mejorar la realidad de la toma. Otra señal subjetiva común es filmar con una estructura de encuadre, como un telescopio simulado o un ojo de cerradura, como si el actor estuviera mirando a través de ellos.

El tiro por encima del hombro (0S) (ver Figura 003) también es un tiro realizado desde una posición específica.

Este tipo de plano consiste en mirar por encima del hombro del actor a otro actor u objeto. El plano OS es un método típico que se utiliza a menudo para fotografiar a dos personas hablando.

c. Seleccionar la lente de la cámara

Otro elemento de la forma de modelado visual es considerar la selección de la lente de fotografía o video y establecer la distancia focal de la lente de zoom. Esta elección es importante para determinar cómo representar algo en términos de distancia física y psicológica. Lo que está enfocado y lo que no también puede dirigir la atención.

Los fotógrafos utilizan una combinación de lentes ópticas y sus dispositivos adicionales (filtros, gasas de lentes, etc.) para lograr diferentes efectos artísticos en las imágenes. La cámara de cine original sólo tenía una lente óptica. Con el desarrollo de la física óptica, el rendimiento de las lentes fotográficas es cada vez más perfecto y cada vez hay más lentes disponibles de diferentes modelos y especificaciones. Las lentes no solo desempeñan el papel de obtención de imágenes y exposición, sino que también participan cada vez más activamente en la creación de lentes. Modelado de imágenes y creación de atmósferas artísticas. La lente estándar se llama así porque la perspectiva de la imagen que representa es cercana a la del ojo humano. Es quizás el menos práctico y el más realista de los distintos lentes, ya que produce la menor cantidad de distorsión en la escena.

La aparición de lentes de distancia focal larga y lentes de distancia focal corta (lentes gran angular) ha cambiado la relación espacial, la relación de perspectiva y el ritmo de la pantalla de cine, creando diferentes efectos artísticos a través del hipotético espacio de la pantalla. Los teleobjetivos (teleobjetivos) provocan una compresión de la distancia de visión entre el primer plano y el fondo en el objetivo. En términos generales, un teleobjetivo o teleobjetivo es probablemente el mejor objetivo a la hora de llamar la atención. Puede atraer al público a la escena y crear una sensación de intimidad y participación. Los superteleobjetivos producen distorsiones de perspectiva tan dramáticas que crean una escena de ensueño casi surrealista. Este tipo de lente también da a la gente una sensación voyerista, como si el público estuviera echando un vistazo a la escena. Algunas tomas se toman con una gran cantidad de teleobjetivos, lo que le da al público una sensación de proximidad y le hace sentir la tensión.

Las lentes gran angular (o lentes de enfoque corto) distorsionan la sombra y llaman la atención sobre ella. Proporciona una visión horizontal amplia y crea una sensación de escala y alcance. Esta característica se puede utilizar para describir las relaciones entre los personajes de una película. En el cine se utilizan lentes ultra gran angular para enfatizar la distancia física y psicológica entre los personajes. El objetivo debe ser elegir una distancia focal de lente que sea apropiada para la escena que desea fotografiar y que enfatice el tema a través del tamaño, la distancia y la perspectiva.

El uso adecuado de lentes con zoom no sólo elimina la necesidad de engorrosas herramientas móviles, sino que también crea un fuerte ritmo cinematográfico. El uso de varios dispositivos adicionales puede crear diversas atmósferas artísticas para resaltar el contenido específico de la trama. Es un método común para guiar la atención del público hacia las imágenes reflejadas en la imagen controlando la profundidad de campo. La gran profundidad de campo permite que los ojos del público vean cada imagen en todo el cuadro de la actuación, todas ellas enfocadas. Preste atención al rango de profundidad de campo al grabar vídeos. (Figura 005) es un ejemplo de profundidad de campo grande y pequeña)

La profundidad de campo pequeña limita al sujeto a un plano, desenfocando todos los demás planos. En el rodaje, a menudo se utiliza una pequeña profundidad de campo para separar al personaje principal de cualquier objeto visible en primer plano o en segundo plano. Aprovechar una pequeña profundidad de enfoque también permite cambiar el punto de enfoque durante el disparo, una técnica conocida como enfoque de deriva. Es tirar de la superficie de enfoque (es decir, cambiar la superficie de enfoque) durante el proceso de disparo. Por ejemplo, una toma puede comenzar con el primer plano claramente enfocado, pero cuando la superficie de enfoque se mueve, la estrella está desenfocada y se vuelve borrosa. , mientras que la estrella del fondo está claramente enfocada. En cambio, los actores que aparecen en ella quedaron claros.

d. Rendimiento del ángulo de la cámara

El ángulo de disparo también puede afectar la composición de la forma visual. Los diferentes elementos del ángulo de disparo tienen un profundo impacto en la imagen. La fotografía o la posición de la cámara se pueden colocar encima o debajo de la escena para formar una toma cenital o cenital. El significado estándar (o habitual) de estas lentes implica las correspondientes ventajas de diferentes ángulos de visión. Una toma desde arriba generalmente reduce o debilita al sujeto (o al personaje; por el contrario, una toma hacia arriba mejora el poder o el estatus del sujeto); En las películas narrativas, el ángulo de la cámara suele estar a la altura del pecho y no a la altura de los ojos. Este enfoque no coincide con la experiencia de observación diaria del público. Este ángulo coincide con la experiencia del público al ver películas: el ángulo de la cámara a la altura del pecho es la norma para filmar estrellas de cine "más grandes que la vida".

El disparo lateral, el disparo desde una dirección en ángulo recto con respecto al nivel de los ojos del sujeto, se denomina disparo lateral. Los planos laterales se dividen en lados izquierdo y derecho. Las características de las tomas laterales son beneficiosas para delinear el perfil lateral del sujeto.

Tiro oblicuo, el ángulo de disparo entre el frente y el costado es tiro oblicuo. Una toma oblicua puede mostrar ambos lados de un objeto en un cuadro al mismo tiempo, dando una clara impresión tridimensional. El disparo oblicuo es el ángulo de disparo más común en la fotografía de cine y televisión.

La dirección de disparo de la cámara es perpendicular al suelo. Hay algo único en utilizar el ángulo superior para fotografiar ciertos espectáculos acrobáticos o actuaciones de canto y danza. Puede convertir algunas formas expresivas en imágenes exquisitamente compuestas desde ángulos que normalmente son imposibles de lograr para las personas. La función de la fotografía aérea es cambiar el estado normal del sujeto, convirtiendo la posición espacial de las personas y el entorno en un patrón plano con líneas claras, dando así a la imagen cierto interés y belleza. Los ángulos de cámara superiores son raros en el cine y la televisión.

Método en el que la película de una cámara de cine corre en la dirección opuesta cuando pasa por la puerta de la película.

El proceso de movimiento de un objeto capturado de esta manera se puede proyectar hacia adelante para obtener un efecto opuesto a la dirección real del movimiento. La fotografía inversa se utiliza a menudo para fotografiar escenas emocionantes. En fotografía de televisión, el método de fotografía inversa también se utiliza habitualmente.

Disparar desde el costado y desde atrás del sujeto se denomina disparo lateral inverso. Con este método de fotografía, los personajes casi se convierten en figuras, con menos caras visibles, lo que puede crear una sensación maravillosa.

Uno de los métodos de fotografía instantánea de entrevistas: un método para filmar largometrajes en circunstancias especiales. Para aprovechar el tiempo para evitar cambios en las estaciones y el clima, o capturar a tiempo algunas actuaciones raras y sinceras de los actores, o aprovechar la escena real, se debe utilizar el método de fotografía instantánea. Las instantáneas requieren que los fotógrafos dominen el uso de la cámara y aprovechen al máximo los métodos de expresión del modelado, así como la capacidad de reaccionar rápidamente y tomar decisiones oportunas.

La composición de la lente fotográfica también se puede procesar mediante el grado de desviación horizontal relativa. Es inusual disparar con una lente inclinada, lo que puede marear fácilmente a las personas y crear una sensación de inestabilidad. A menudo se recomienda insertar una escena de un accidente automovilístico o de una persona borracha con esta toma POV de composición, porque una imagen inclinada siempre significa que algo está torcido y en malas condiciones. Se deben organizar diferentes ángulos de disparo según las diferentes historias. Las fotografías de (Figura 006) ilustran diferentes fotografías y ángulos, principalmente ordenando las tomas según las necesidades de la trama.

2 Continuidad y movimiento en la fotografía de cine y televisión

La continuidad es un método de expresión importante en la fotografía de cine y televisión. En lo que respecta a la continuidad en sí, si existen fallas de continuidad en ella. ¿El resultado final del rodaje? Este es un tema muy importante. Los elementos contenidos en la continuidad pueden parecer simples, pero en realidad son complejos, porque hay problemas con las leyes visuales. No hay ningún problema en mantener la continuidad del espacio y el tiempo cuando se filma con una sola lente, pero en el rodaje de cine y televisión con múltiples cámaras, la continuidad se convertirá en el problema más problemático de la escena, porque la mayoría de las escenas se filman en diferentes momentos y desde diferentes ángulos. ; están compuestos por varias lentes, por lo que mantener la continuidad durante la edición suele resultar difícil.

Para una película típica, la continuidad siempre es algo problemático. Los miembros del equipo de filmación, como los administradores de guiones gráficos, verifican constantemente si hay errores de continuidad. Algunos descuidos y errores más comunes incluyen el vestuario o el atrezzo: el color de la corbata cambia de un plano a otro, o un cigarrillo queda medio largo en un plano pero entero en el siguiente. Incluso algo tan simple como un cambio. en la iluminación puede alterar la continuidad y afectar seriamente el efecto.

Para mantener el disparo continuo, la técnica más común es el eje de movimiento, o el llamado principio de 180°. (Fig. 007) En cualquier plano, ya sea que contenga un diálogo entre dos personas o una persona caminando por la acera, se puede identificar el eje básico del movimiento. Consiste en una línea imaginaria entre dos personas hablando, o la dirección de la pantalla establecida por un personaje que camina u objeto en movimiento. Si la cámara se coloca en una instancia de esta línea imaginaria (en cualquier lugar dentro de los 180° en el mismo lado de esta línea), se mantendrá la continuidad espacial. Al editar una toma de eje transversal, el personaje A y el personaje B cambiarán repentinamente de dirección y estarán en lados opuestos de la pantalla. Dentro de 180°, las posiciones de los dos actores vistos por la cámara No. 1 mantendrán la misma relación espacial: A está a la izquierda y B está a la derecha después de saltar el eje, cuando se ve desde la posición de la cámara No. 2. , las posiciones espaciales se invierten o invierten. Los actores A y B están en lados opuestos de la pantalla.

De manera similar, disparar a través del eje de movimiento de un personaje que camina o de un automóvil en movimiento hará que la persona o el automóvil se mueva en la dirección opuesta de la pantalla durante la edición. Siempre que la cámara esté en el mismo lado del eje de movimiento (es decir, dentro de 180°), el personaje parecerá moverse en la misma dirección en la pantalla. Una toma exactamente en el eje (una posición neutral con respecto al eje) se puede utilizar como toma de transición entre dos tomas transversales o entre dos tomas con orientaciones de pantalla opuestas. La Figura 007 ilustra la orientación de la pantalla de objetos en movimiento.

Mantener constante la orientación de la pantalla también se extiende a la línea de visión establecida por el personaje que mira fuera de la pantalla. Ahora imagina dos personajes hablando. Vemos un primer plano del Personaje A hablando con el Personaje B fuera de la pantalla. En la siguiente toma vemos un primer plano de la reacción del personaje B hacia el personaje A, que está fuera de pantalla en ese momento.

A menos que haya una línea de visión coincidente entre las dos tomas, no parecerá que los personajes A y B estén hablando entre sí, sino como si estuvieran siendo interrumpidos por algo fuera de la pantalla. Personajes u objetos (como automóviles) en la imagen. dos planos antes y después Los cambios radicales de velocidad también pueden romper la continuidad. Cuando las personas caminan, los pocos pasos antes de alcanzar la velocidad normal (casi siempre al inicio del plano) son notablemente más lentos que cuando ya caminan a toda velocidad. Si estás editando imágenes juntas de dos personas caminando por la calle, querrás que sus velocidades relativas (y juego de pies) coincidan mientras editas de una toma a la siguiente. La edición coincidente (edición que mantiene una sensación de continuidad en el tiempo y el espacio de una toma a la siguiente) es extremadamente difícil de realizar a menos que uno aborde el material con un ojo editorial.

La garantía de que resistirá el paso del tiempo es el método de alargamiento de la película (que puede combinarse con el montaje) y el uso de técnicas de superposición durante el rodaje. Considere dos tomas que se van a editar. El personaje A (desde la esquina del pasillo) camina hacia la puerta y la abre. La siguiente toma muestra al personaje entrando por la puerta y entrando a la habitación desde la esquina de la habitación. Para poder disolver una acción, se debe capturar toda la acción mientras se dispara (caminar hacia la puerta, abrirla, entrar a la habitación), y esto se debe hacer en ambas tomas. El uso de este método de disolución de movimiento proporciona al editor una cantidad casi infinita de puntos de edición que pueden combinarse utilizando las dos tomas.

Por supuesto, además de considerar la posición de la cámara, hay muchos otros factores a considerar para la continuidad. También depende de cómo planificar la continuidad de la cámara antes del rodaje para sentar las bases para su posterior edición y producción.

Como medio de expresión del movimiento, la principal diferencia entre la fotografía cinematográfica y televisiva y otras artes plásticas como la pintura y la escultura radica en su movimiento. No solo las diferentes formas de movimiento de los cuerpos en movimiento en la imagen hacen que la composición de la imagen cambie constantemente, sino que también las diferentes formas de movimiento de las cámaras de cine o de televisión hacen que la imagen de composición múltiple cambie constantemente, como empujar, tirar, Temblar, moverse y levantarse amplía el campo de visión de las imágenes de cine y televisión, crea diversas relaciones espaciales y de perspectiva, y también produce diferentes métodos de expresión rítmica y dinámica, lo que ayuda a representar el verdadero proceso de ocurrencia y desarrollo de eventos, y. expresar los cambios de las cosas en la transformación del tiempo y el espacio. Relaciones causales y contrastantes, mostrando la escala, el ambiente y la atmósfera de la escena, creando diferentes ritmos y situaciones. Es beneficioso expresar la perspectiva mental de los personajes en el estado dinámico. , mostrar la visión subjetiva de los personajes y los sentimientos subjetivos; también puede proporcionar coherencia a las actuaciones de los actores y proporciona condiciones favorables.

Método de modelado de tres rayos

La luz es uno de los métodos importantes de modelado de expresión en la fotografía de cine y televisión, como otras fotografías, debe seguir sus características inherentes esenciales. , que es la relación entre la luz y la sombra. El modelado es la existencia de imágenes, colores y tonos naturales que expresan cosas objetivas. Al igual que la esencia de la pintura, la pintura debe usarse para describir la comprensión del pintor del mundo objetivo.

La luz es una radiación electromagnética (la energía se propaga de un objeto a otro sin ningún medio durante el proceso de propagación. Este modo de propagación de la energía se llama radiación) hasta el ojo humano y es convertida en luz por el nervio óptico. esa parte del espectro que se puede ver a simple vista. El rango de longitud de onda de este tipo de rayos está entre 400 y 700 nm, que es el medio a través del cual se pueden ver los objetos a simple vista. La luz se produce por el movimiento de electrones e iones en reacciones nucleares (como la energía solar), combustión (fuego), corriente eléctrica a través de un filamento (lámpara de tungsteno), descarga de gas (tubo de destello, relámpago), excitación (fluorescencia) y química. reacciones (fosforescencia). Figura 008

Los fotógrafos utilizan la luz para reproducir la forma tridimensional, la forma del contorno, los niveles de luz y oscuridad y el contraste de color del sujeto. Al procesar estos factores de modelado, pueden representar profundamente la personalidad del personaje y crear una imagen. atmósfera ambiental. Entre todos los métodos de modelado fotográfico, la luz es el método más básico. Generalmente, los fotógrafos utilizan tres formas de luz. Una es la luz natural. Es decir, en condiciones de luz natural, seleccionar el ángulo, orientación, temperatura de color, intensidad, etc. de la fuente de luz natural implicará varios aspectos, uno: la superficie receptora de luz, que también se llama luz solar; superficie y está iluminada directamente por la luz solar. Algunos de sus colores y tonos son también los más vivos y brillantes, reflejando la cromaticidad de la fuente de luz. Segundo: la superficie luminosa también es un lado oscuro, donde el sol no brilla, forma un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad y la superficie receptora de luz. Este contraste entre la luz y la oscuridad también depende de la intensidad reflectante del entorno. .

Tercero: Luz lateral, que es una superficie iluminada por la luz solar, es decir, la transición entre la superficie iluminada y la superficie no expuesta, también conocida como unión de luz y oscuridad. El contraste entre luz y oscuridad es particularmente obvio, y la unión. La línea es la parte más oscura del objeto. Cuarto: Cualquier objeto iluminado por luz solar intensa o luz concentrada producirá una proyección. Su dirección es opuesta. La longitud de la proyección depende de la altura de la fuente de luz. Quinto: Reflexión. El objeto iluminado por la fuente de luz refleja la luz al entorno circundante. La intensidad de la luz reflejada varía según el material del objeto y la intensidad de la fuente de luz reflejada. En la fotografía de cine y televisión con luz natural, la reflexión. se puede utilizar para aumentar el nivel de brillo de las partes oscuras y delinear contornos, etc. Al disparar con luz natural, debe prestar atención a los cambios climáticos. Por ejemplo, el tiempo nublado y los días nublados tendrán un impacto en las imágenes capturadas. Se debe adoptar al disparar por la mañana y por la noche bajo diferentes condiciones de luz, y se deben tener en cuenta los cambios en la temperatura del color. Además, en las fotografías con luz natural, los cambios sutiles en varios ángulos y orientaciones producirán diferentes efectos, que deben explorarse y acumularse experiencia en la práctica; el segundo es la luz natural asistida por luz artificial; En condiciones de luz natural, se utiliza la luz artificial (reflectores, lámparas de iluminación) para controlar la proporción de escenas claras y oscuras o modificar ciertos detalles; la tercera es la luz artificial, que se utiliza para toda la iluminación en ausencia de fuentes de luz natural. No importa qué método se utilice, el fotógrafo generalmente debe esforzarse por reproducir fielmente el patrón de luz especificado en la trama. Dependiendo de las necesidades del contenido, la luz también puede crear atmósferas especiales, como ilusiones y sueños. En ocasiones, la luz también puede aparecer como factor dramático en el cine y la televisión.

El aspecto más importante del uso de la fotografía con luz artificial es la iluminación. Todo sistema de imágenes (ya sea electrónico o fotoquímico) requiere una iluminación suficiente, lo que se denomina iluminación mínima. Esto es para asegurar una exposición adecuada. La iluminación básica estándar utiliza luz dispersa y toda la iluminación no puede distinguir de dónde viene. El nivel de luz mínimo para la mayoría de las cámaras está en el rango de 100 pies-candela, pero este nivel es pequeño para enfatizar un sujeto o definir un espacio. Simplemente significa que la cámara tiene suficiente luz para funcionar correctamente. Se discutirán más detalles en el Capítulo 3.

Cuatro. Métodos de modelado artístico de la fotografía de cine y televisión

El estilo es un atributo importante de la fotografía de cine y televisión. El cine y la televisión expresan imágenes visuales, concretas y realmente existentes, y esta imagen visual existente es el modelado del cine y la televisión. El modelado es muy importante para el cine y la televisión, al igual que otras categorías de arte, como pintura, escultura, arquitectura, etc., todas pertenecen a la categoría de modelado artístico visual.

Las fuentes del modelado artístico provienen de la naturaleza y la vida. El proceso de creación es también un proceso de resumir, concentrar, refinar y procesar la naturaleza y la vida. El modelado artístico consiste en integrar los elementos básicos de imágenes y formas objetivamente existentes en la vida y la naturaleza en los sentimientos, la comprensión, los deseos y las búsquedas de la vida del diseñador, y luego recombinarlos para formar una obra de arte más ideal.

"Forma" es una entidad objetivamente existente, y "forma" es el concepto de forma, color y textura. Las personas crean "formas" conscientemente. Por ejemplo, los pintores, escultores y arquitectos utilizan diferentes medios para crear obras de acuerdo con sus propios fines. Esto se denomina actividades de modelado, y el proceso de filmación de fotografías de cine y televisión también es una actividad de modelado creativo. Este tipo de creación modeladora se deriva de la "primera naturaleza" y absorbe la esencia de la "primera naturaleza" para crear una "segunda naturaleza" más idealizada aprovechando sus fortalezas y evitando las debilidades. Transformar los prototipos de vida natural objetivamente existentes en formas básicas y luego recombinarlos para formar una nueva imagen que sea más típica, más clara, más connotativa, más dinámica, no limitada por el tiempo y el espacio. Por ejemplo, en la Figura 009 se muestran "La lista de Schindler" y "Parque Jurásico" creados por Spielberg, que combinan la exploración de la tecnología y la búsqueda del arte.

La interpretación de la fotografía de cine y televisión se presenta en forma de un sistema de modelado visual, que se basa en la coherencia entre la percepción visual y la estructura del mundo material. Al mismo tiempo, sólo organizando eficazmente los elementos de estilo visual de acuerdo con las leyes de la belleza para formar una curva visual se puede tener un efecto infeccioso en las personas.

El objetivo final del modelado de fotografía de cine y televisión es presentarlo a la audiencia. Si el trabajo es atractivo y puede guiar la "tendencia de conciencia" ilimitada de la audiencia, es necesario considerarlo desde una perspectiva estética. , una discusión en profundidad sobre la esencia y las leyes de las artes plásticas visuales: en realidad la esencia y las leyes de la "belleza" ¿cuál es entonces la esencia de la belleza? La esencia de la belleza es un efecto armonioso formado por una cierta forma de relación de combinación. La ley de la belleza es "la disposición razonable de las diferencias". La diferencia se refiere a la diferencia entre las cosas, forma y forma, color y color. Es una manifestación concreta de la personalidad de las cosas existentes y la causa más directa de las relaciones contradictorias y contrastantes entre las cosas. Las diferencias en las cosas objetivas en el mundo natural son factores importantes que constituyen la diversidad, riqueza y belleza del mundo. Por lo tanto, no hay belleza en los ritmos sencillos, monótonos y sin vida. Si se enfatizan demasiado las diferencias, todo se volverá desordenado y caótico, y no hay forma de hablar de belleza, por lo tanto, sólo las diferencias y la riqueza en un cierto orden son hermosas.

Estudiar el modelado de fotografías de cine y televisión a partir de los dos aspectos de la diferencia visual y el orden puede crear elementos de relación estética, de modo que los elementos visuales se puedan utilizar con mayor precisión para asignar la imagen visual de la imagen y mediante arreglos razonables. de diversas diferencias visuales, para crear obras de arte que puedan satisfacer las expectativas internas de asombro y aventura de las personas y que tengan un interés estético duradero. Por ejemplo, la imagen de Charlie, un vagabundo con bombín, zapatos de cuero, sosteniendo un bastón de bambú y caminando como un pato (ver Figura 010), creada por Charles Chaplin en 1914, ha perdurado y adquirido un enorme éxito artístico. Según las estadísticas, 350 millones de personas en todo el mundo han visto cada una de las películas de Chaplin. No sólo son amadas y admiradas por el público, sino también muy elogiadas por los gigantes literarios y artísticos. Bernard Shaw elogió a Chaplin como "el único genio que tiene la industria cinematográfica". jamás producido."