¿Qué es la comercialización de arte?
Comercialización del arte El arte es producción de trabajo y riqueza espiritual humana. El rápido desarrollo social y económico de hoy ha mejorado continuamente el nivel de vida material de la gente, lo que también ha planteado mayores requisitos para las necesidades espirituales y culturales. La mejora continua de la calidad de la gente ha aumentado considerablemente la demanda de arte de la sociedad. Sólo cuando el arte alcance la comercialización podrá satisfacer las necesidades de gustos más elevados y de más formas. Independientemente del desarrollo de la sociedad, del desarrollo del arte en sí o del papel social del arte, la comercialización del arte es un resultado inevitable. Además, desde el arte primitivo hasta el arte contemporáneo, el arte más comercializado se vuelve más maduro. La comercialización del arte es inevitable y necesaria. Puede promover el desarrollo del arte y permitir que los seres humanos se den cuenta cada vez más fácilmente del valor del arte. Debemos hacer frente a los problemas que puedan surgir, surgirán y ya han ocurrido en la comercialización del arte, y todas las partes deben trabajar juntas para garantizar el sano funcionamiento de la comercialización del arte y el sano desarrollo del arte mismo.
Arte: una ideología social que utiliza imágenes para reflejar la realidad pero es más típica que la realidad. "Más típico que la realidad": es esta característica del arte que proviene de la vida y es superior a la vida la que determina el estatus del arte en la vida social. Y "usar imágenes para reflejar la realidad": esta función del arte determina el valor del arte. Como resultado, el arte, una ideología social, se ha convertido en el alimento del espíritu humano. Desde una perspectiva conductual y psicológica, las personas siempre primero llenan su estómago, luego definitivamente llenan su mente y su corazón, y luego llenan su estómago. De esta manera, un cierto nivel de vida material debería corresponder generalmente a un cierto nivel de civilización espiritual. En la sociedad actual, la vida humana ya ha alcanzado el nivel de alimentación y vestido adecuados, y el nivel de vida material de las personas en todo el mundo sigue mejorando, lo que plantea cada vez mayores exigencias de vida espiritual y cultural. Los artistas poseen riqueza espiritual al igual que los capitalistas poseen riqueza material. Los propios no artistas no sólo no tienen este tipo de riqueza, sino que también tienen una necesidad cada vez mayor de cultura espiritual, por lo que el intercambio es inevitable. El intercambio sólo puede ocurrir cuando hay necesidad y respuesta. ¿Por qué los artistas están dispuestos a intercambiar? Porque sólo a través del intercambio pueden los artistas obtener medios materiales de vida, que puedan utilizar para llenar sus estómagos o buscar mejores condiciones creativas para las actividades artísticas, creando así mejor arte. Por supuesto, esta forma de intercambio no es tan sencilla como intercambiar arroz por caligrafía y pintura. Hoy en día, con la moneda como medio de intercambio, el arte está destinado a comercializarse. Este es el resultado del desarrollo social y del desarrollo del arte.
1. El arte es también un tipo de producción laboral.
Aunque la gente sabe que el arte es el resultado de las actividades humanas, no es comparable a otras formas de trabajo. Esto se debe a la errónea negación del dinero por parte de la gente, a una comprensión estrecha del trabajo y a la falta de una reflexión profunda sobre el arte. Porque el trabajo subconsciente de las personas es una actividad con el objetivo directo de obtener información material o dinero. El arte es sagrado en el corazón de las personas y tiene el efecto de purificar el alma. Naturalmente, ha trazado una línea de aislamiento del dinero, que siempre ha sido considerado corrosivo para el alma de las personas. De esta manera se puede purificar el arte y admirarlo.
Trabajo: actividad humana para crear riqueza material o espiritual. Trabajo es el término general para las actividades de producción creativa humana. Está determinado por el proceso de "crear riqueza material o espiritual". La gente utiliza inconscientemente la motivación de "obtener materiales materiales o dinero" como criterio, y es inevitable que lo haga. ser insatisfactorio. La creación artística es la creación de riqueza espiritual, que sin duda pertenece a la categoría de trabajo.
"Siempre se ha pensado que el dinero corroe el alma humana." Esto es sólo una creencia, aún no está claro si es cierto o no. El dinero es moneda, utilizada como equivalente de todas las mercancías. Está separada de las mercancías generales y esencialmente no se diferencia de otras mercancías. Es una expresión concreta del valor de la mercancía, que convierte el valor de la abstracción en imagen. La razón por la cual frases como "el dinero es veneno" a menudo son "creadas" por personas es simplemente el resultado de una exageración en aras de su significado educativo. El tiempo es precioso, y nuestra metáfora actual, "el tiempo es dinero", ilustra indirectamente que el estatus del dinero no es tan humilde. De hecho, la identidad del equivalente general del dinero determina la gran función del "dinero" en la sociedad. Incluso si el dinero tiene la llamada “toxicidad”, el hecho de que el arte se asocie con él no necesariamente disminuye su valor. Así como el loto y las algas salen del limo pero son diferentes en claridad y turbidez, el loto puede mantenerse limpio y no tiene relación directa con si sale del limo. Entonces, si está relacionado con el dinero o no, no afecta el sano desarrollo del arte. La base económica determina la superestructura, lo que no quiere decir que el dinero pueda determinar el art.
La base económica es el sistema social y económico en una determinada etapa de desarrollo social, y el dinero son sólo unos pocos billetes. La moneda es la "medida" de todos los valores y, naturalmente, puede medir el valor de las obras de arte y las actividades artísticas. Dado que el arte, al igual que otras actividades de producción, puede utilizar el dinero para expresar su valor, otras actividades de producción son trabajo y, de manera similar, las actividades artísticas no son una excepción al trabajo. Si observamos el arte en sí, no es difícil descubrir que el arte es en realidad trabajo. "Arte" se refiere a habilidades, y las personas que tienen la capacidad de dar forma ideal a las cosas son artistas. "Shu" se refiere a habilidades y métodos, por un lado se refiere a la sistematización y teorización de "habilidades", y por otro lado, se refiere a "habilidades" con base teórica. El objeto del arte es la existencia objetiva y el proceso del arte es transformar cosas viejas y crear nuevas imágenes. Esta es la forma general de trabajo. Por tanto, no hay duda de que el arte es producción de trabajo. Entonces, las actividades artísticas son trabajo y los artistas no pueden disfrutar plenamente de los resultados del trabajo. Esto parece determinar el destino de la comercialización del arte.
2. El arte primitivo no reúne las condiciones para la comercialización
El arte primitivo nació en una sociedad primitiva, un entorno social con baja productividad y sin medios materiales de vida. La supervivencia es la máxima prioridad y las búsquedas espirituales son algo que los humanos primitivos no tienen tiempo para considerar. La vida humana es simple y pobre, los desastres naturales son severos, el poder de las personas para resistir los desastres naturales es débil, la productividad es extremadamente baja y la ropa no. Abundan, los alimentos no son suficientes y las enfermedades los invaden. Los ataques de las bestias salvajes redujeron la esperanza de vida media de los seres humanos en aquella época a menos de 40 años. En este momento, todas las actividades humanas están relacionadas con la resolución de problemas básicos de la vida.
También podríamos mirar este tema claramente desde los principales orígenes del arte que son básicamente reconocidos por la gente de hoy. 1. La teoría de la imitación: Hace más de dos mil años, el antiguo filósofo griego Demócrito creía que el arte es una imitación de la naturaleza. Dijo: "Aprendimos a tejer y coser con arañas, y aprendimos a construir casas con golondrinas...". 2. Teoría de juegos: Después de que los humanos antiguos obtuvieran presas, a menudo gritaban emocionados o recitaban "felicitaciones", mezcladas con expresiones alegres y movimientos corporales para celebrar, y gradualmente formaron el prototipo de un arte que integra poesía, música y danza. 3. La teoría de la brujería: Un gran número de pinturas rupestres prehistóricas descubiertas en Europa reflejan la vida de las tribus cazadoras y muchas veces tienen algún misterioso propósito de brujería. Las pinturas rupestres a menudo se pintan en lo profundo de cuevas oscuras, obviamente no para apreciarlas. La brujería cree que todo lo que se dibuje en la cueva antes de cazar será lo que la gente obtendrá durante la caza. Lu Xun dijo: "El bisonte pintado en la cueva de Altamira en España es una reliquia famosa de los pueblos primitivos. Muchos artistas dicen que esto es exactamente 'arte por el arte'. Los pueblos primitivos lo pintaron por diversión. Pero esta comprensión también lo es". moderno', porque los pueblos primitivos no son tan pausados como los artistas del siglo XIX. Pintó una vaca por una razón, porque se trataba de bisontes, o de cazar bisontes, o de prohibir el bisonte." IV. , teoría del trabajo; cuando los individuos trabajan, ya sea para Para expresar su entusiasmo o aliviar la fatiga, a menudo "cantan" mientras trabajan. Durante el trabajo colectivo, a menudo se gritan algunos cánticos laborales para animar a la gente o coordinar el ritmo.
No es difícil ver que las motivaciones del llamado arte primitivo son tan simples y realistas, que estaban determinadas por el entorno social de aquella época. En un entorno de vida con poca estabilidad y mucha hambruna, es imposible que la gente se dedique al arte tranquilamente. En otras palabras, las actividades artísticas primitivas no son puramente arte por el arte, sino actividades especiales de la vida llevadas a cabo debido a la hermosa fantasía del ser humano y la búsqueda de condiciones de vida, o de una existencia más segura y cómoda. Cuando los humanos primitivos crean actividades, no considerarán ni pueden considerar el contenido de su valor artístico, sino que solo se centrarán en si es práctico y práctico. Debido a que la motivación de la actividad está llena de bellas fantasías y objetivos, los resultados de la actividad tienen una cierta calidad artística. Hoy en día nos referimos colectivamente a las actividades humanas y a las reliquias históricas que tienen un "cierto grado de arte" como "arte" en el sentido moderno, pero los humanos primitivos no tienen ningún concepto de arte.
En resumen: 1. El arte, una sustancia espiritual, no se puede cambiar por las necesidades diarias en el duro entorno de vida humano; 2. La productividad extremadamente baja determina la cantidad limitada de actividades artísticas; No considerar este llamado arte como una especie de capital de supervivencia, no con el propósito de intercambiar otros materiales vivos, sino con el propósito de resolver los problemas de las condiciones de vida dentro de ellos mismos o de sus propias tribus (por ejemplo: las tribus primitivas tienen sus propias magos, generalmente solo realizan brujería para su propia tribu. Hay algunas brujas comunes en las alianzas tribales, que solo se utilizan como medio de alianzas diplomáticas para profundizar la afinidad entre tribus, y no con el propósito de intercambiar materiales 4); Humanos primitivos No existe ningún concepto de arte en la conciencia, y mucho menos de comercialización.
Por tanto, se puede decir que el arte primitivo no reúne las condiciones para su comercialización.
3. La "distancia" entre el arte antiguo y la comercialización
El paleoarte es un concepto relativo en términos de logros y desarrollo artísticos, entre el arte primitivo y el arte moderno. En términos de tiempo, ¿comienza desde la sociedad primitiva tardía o la sociedad esclavista, o desde la sociedad feudal? ¿Y cuándo parará? El tiempo es confuso en definición. Aquí el arte antiguo sólo puede considerarse arte relativamente maduro.
Los resultados del desarrollo del arte antiguo reflejan el progreso de la sociedad y la relativa abundancia de medios materiales de vida. Los seres humanos, que básicamente habían escapado de la pobreza, comenzaron a darse cuenta de las necesidades espirituales, especialmente la búsqueda del lujo y el disfrute por parte de los nobles de la corte. Donde hay demanda, habrá respuesta. El arte se crea para satisfacer las necesidades espirituales de las personas y al mismo tiempo se desarrolla, haciendo que el arte se embarque en el brillante camino del arte por el arte. Sin embargo, incluso en una sociedad feudal, la vida de la gente común y corriente no era optimista. Es más, en una sociedad esclavista, la gente común todavía estaba ocupada ganándose la vida. Aunque hay conciencia de las necesidades espirituales, no hay capacidad material para el disfrute espiritual. Si el arte no puede proporcionarles comida y ropa, no están dispuestos a participar en la creación del arte a menos que alguien les dé comida y ropa. "¿Por qué no puedo vivir?". Ya no somos mendigos, sino esclavos y sirvientes. Para satisfacer sus propias necesidades espirituales, los propietarios de esclavos o los nobles de la corte comenzaron a cultivar "artistas" para su propio uso. ?
En Europa, a principios del siglo XVIII, el estatus de los músicos durante el período clásico comenzó a pasar de "sirvientes" a "músicos libres". ¿Cuándo obtuvieron la libertad los artistas y escultores? En la antigua China, tanto el ejército como las familias prominentes tenían sus propias "geishas". Hasta mediados y finales de la dinastía Qing, las familias ricas todavía tenían sus propios grupos de teatro y otros temas artísticos, que se utilizaban para añadir alegría durante los festivales.
El arte en este período fue creado y producido para satisfacer necesidades espirituales. La fuerza impulsora dominante del arte era el arte por el arte. Las actividades creativas y de producción de los "artistas" eran para obtener los medios de vida y. el propósito secundario del arte era el arte por la materialidad. Sólo cuando ambos se unifican en las actividades artísticas se podrá lograr el desarrollo normal del arte. Los artistas crean arte para obtener los medios de vida, lo que no significa que el arte en este período haya sido intercambiado como mercancías. Los "esclavos" y los "sirvientes" intercambian libertad personal, dignidad y trabajo físico por los medios de vida. La capacidad artística es sólo un accesorio de la propia persona. La cantidad y el valor de la creación artística no son directamente proporcionales a los medios de vida obtenidos. Por ejemplo: si un sirviente canta una canción hoy, puede recibir un panecillo al vapor. Si canta dos canciones, puede recibir el mismo panecillo al vapor. Más o menos es lo que debe hacer un siervo, porque lo que vende es libertad personal, no sólo fuerza de trabajo. Evidentemente, aunque en la forma es un artista que intercambia arte para cubrir sus gastos de manutención, en realidad no lo es. Como no se trata esencialmente de un intercambio de arte, esta parte del arte no puede denominarse mercancía. Sólo cuando un artista tiene un "sirviente" y se convierte en un "artista libre", tiene libertad personal y derecho a controlar sus propias obras y su comportamiento artístico, considera la creación artística como una especie de capital y la voluntad subjetiva del individuo de crear artísticamente para arte, de modo que aquellos que deseen disfrutar del arte puedan utilizar el dinero para intercambiarlo por un disfrute igual y libre, y el arte pueda permanecer bajo el sol como una mercancía. No es difícil ver que la naturaleza comercial del arte refleja en realidad la libre voluntad subjetiva del artista de hacer arte por el arte y el derecho a controlar libremente las actividades artísticas y las obras de arte, así como la libertad de las personas de elegir el disfrute artístico.
Las familias adineradas de mediados y finales de la dinastía Qing todavía tenían temas artísticos como compañías de teatro. Pero esto no significa que el arte chino no se comercializara hasta finales de la dinastía Qing. No existe un único tipo de arte y el desarrollo de diversas formas de arte no se puede sincronizar. La caligrafía china, la pintura y la arquitectura occidental son artes maduras anteriores y también se convirtieron en arte mercantil en circulación antes. No existe un único grupo de personas que crean arte. Hay artistas sirvientes, artistas de la corte y artistas populares. Lo mismo es que todos crean arte, pero la diferencia es que los artistas populares satisfacen más o menos las necesidades espirituales de la gente común y promueven la comercialización del arte hasta cierto punto. En resumen, la naturaleza regional del arte, el orden de su nacimiento, las necesidades sociales, el desarrollo de la productividad y otros factores determinan el orden y la velocidad de la comercialización del arte. En lugar de decir que la madurez del arte, la voluntad subjetiva del artista y la libertad personal promueven la comercialización del arte, es mejor decir que la comercialización del arte es un reflejo del arte maduro y la única forma de perfeccionarlo.
4. La necesidad del arte contemporáneo
La base económica determina la superestructura, y la prosperidad y el desarrollo de la economía social actual determina la prosperidad y el desarrollo del arte.
Una economía próspera genera una mayor demanda de cultura espiritual por parte de la gente, y el arte próspero aporta un capital espiritual más rico a los artistas. Trabajamos duro para satisfacer todas las necesidades y finalmente el arte se comercializó como la inundación del río Amarillo. Ahora una pintura, una copla, una canción, una danza, una película, un edificio, un poema y una escultura pueden convertirse en mercancías y su valor puede expresarse a través del dinero. Y mientras tengas dinero, puedes elegir fácilmente poseerlos y disfrutarlos, porque son arte mercantilizado. El arte mercantil no sólo se refiere a la compra y venta de productos artísticos, sino que también incluye actividades artísticas. Por ejemplo: los actores que actúan en películas, los arquitectos que construyen edificios, etc., todos deben recibir un pago. ?
La comercialización del arte no es sólo un resultado inevitable del desarrollo del arte, sino que ahora se ha convertido en un hecho. Pero la comercialización del arte siempre ha sido un tema delicado y controvertido. Quienes se oponen a este hecho o no están dispuestos a aceptarlo creen que "el arte no tiene precio y los verdaderos artistas son 'ingenieros del alma humana'. La importancia y el papel del arte en la civilización espiritual humana no deben ni pueden medirse con dinero". Me preocupan aún más los muchos problemas que pueden surgir después de mercantilizar a los artistas, las obras de arte y las actividades de producción artística. Por ejemplo: el culto al dinero impregna la sangre del arte y el precio se utiliza para juzgar el valor del arte. Para adaptarse a la demanda, los creadores de arte se desvían de la intención original de la creación artística y del comportamiento de crear cuidadosamente arte elegante en su búsqueda. de beneficios económicos se va abandonando progresivamente. Esto conduce al arte impuro y al gusto artístico reducido. De hecho, este no es un problema que se encuentra solo cuando el arte se convierte en una mercancía, sino una mala práctica del mercado social. Otras mercancías también encontrarán problemas como "buscar primero las ganancias, centrarse en la cantidad pero ignorar la calidad", pero otras mercancías no se han retirado. El mercado debido a esto, por el contrario, las actualizaciones de productos son más rápidas y tienen más funciones. Este es el resultado positivo de la comercialización. El arte es también un tipo de trabajo, y también puede utilizarse como mercancía y existe como mercancía. Y existe una determinada razón para no retirarse del mercado por los motivos anteriores.
La comercialización permite que el arte innove, optimice y se desarrolle de forma saludable continuamente en un entorno competitivo. La demanda del mercado puede promover la expansión del campo de la creación artística; la comercialización puede proporcionar a los artistas más y mejores materiales creativos; la comercialización puede mejorar la calidad cultural de todo el pueblo, el arte sólo puede aprender de las fortalezas de los demás; mejor en circulación. El punto más importante es que la comercialización del arte permite que todas las personas tengan libre acceso al arte, cumpliendo la misión de valor de "el arte pertenece a toda la humanidad". Quienes no se atreven a afrontar la comercialización del arte temen no poder detener la inevitable tendencia de desarrollo de la comercialización del arte. El valor de cualquier mercancía determina su precio. El dinero es siempre una expresión de valor, no un juicio de valor. Primero debes saber cuánto vale una mercancía antes de anunciar su precio. El arte no puede, como se teme, degradar su gusto debido a la mercantilización y abandonar la creación elegante. Zheng Banqiao y Qi Baishi tenían abiertamente listas de escritura; Mozart firmó un contrato con el editor vienés Hoffmann para escapar de la pobreza, pero esto no disminuyó su gusto artístico. Porque además de tener riquezas emocionales, buena calidad, cultivo y responsabilidad, es más importante que el propio artista tenga su propio carácter artístico; la sociedad puede jugar un papel filtrante; la competencia tiene la ley de la supervivencia del más fuerte; las masas son agudas. Estos factores también permiten que el arte se desarrolle normalmente en un entorno comercializado. Sólo comprendiendo verdaderamente la comercialización del arte podremos resolver bien los problemas cuando los encontremos. Desde la perspectiva del desarrollo del arte, la comercialización del arte es necesaria.
La comercialización del arte no es el uso más sofisticado ni el mejor estado del arte. Garantizar el funcionamiento saludable de la comercialización del arte es un paso importante para hacer que el arte sea perfecto. Esto requiere el apoyo continuo de la economía social, la correcta orientación de la organización, la creación responsable del artista, la evaluación objetiva del crítico, el juicio e identificación del esteticista y otros aspectos de los resultados colaborativos.