¿Qué es una "película clásica de época de Hollywood"? Dé ejemplos.
Las películas mudas se convirtieron en cine sonoro. 1930--1960 fue considerada la época dorada de Hollywood, y 1967--1976 fue el período del Nuevo Hollywood.
Lo siguiente es una reproducción de Baidu Know:
Las películas de Hollywood han ocupado una posición importante en el mundo poco después de su nacimiento. Hoy en día, se han convertido en el señor supremo de la industria cinematográfica mundial. están activos en el mundo. A lo largo de la historia del desarrollo de Hollywood, el estilo estético de las películas de Hollywood experimentó un cambio importante en las décadas de 1960 y 1970. Antes de eso, podría llamarse el período clásico de Hollywood, y después podría llamarse el nuevo período de Hollywood.
Los diez años posteriores al final de la Primera Guerra Mundial fueron un periodo de prosperidad para el cine americano que conquistó el mundo. Las películas extranjeras han sido completamente eliminadas de la programación de 20.000 salas de cine en Estados Unidos. En varios países del mundo, las películas estadounidenses representan entre el 60 y el 90% de las proyecciones, y se utilizan alrededor de 200 millones de dólares para producir más de 800 películas cada año. La inversión en cine superó los 1.500 millones de dólares estadounidenses. Una cantidad tan grande de dinero convirtió a la industria cinematográfica en una industria a gran escala en los Estados Unidos. Su capital se puede comparar con las industrias más grandes de los Estados Unidos, como la fabricación de automóviles, latas, acero, petróleo y cigarrillos. Grandes estudios como Paramount, Lowe, Fox, MGM y Universal dominan la producción cinematográfica y el estreno y distribución de películas en todo el mundo. Están estrechamente integrados con gigantes financieros de Wall Street como Cohen Loeb Bank, General Motors, DuPont de Nemours, Morgan, Rockefeller, etc.
Desde que Griffith perdió el poder, lo que los capitalistas financieros valoran ya no son los directores, sino las estrellas de cine. Este último se convirtió en una herramienta o marca registrada de la productora. A partir de ese momento, los verdaderos dueños de la película fueron los productores, aquellos empresarios apreciados y seleccionados por los banqueros de Wall Street. Los directores de cine, al igual que los técnicos de iluminación, los fotógrafos y los escenógrafos, son simplemente empleados que reciben una determinada cantidad de dinero cada semana. El productor utilizó la amenaza implícita de rescisión del contrato para quitarle la mayor parte del poder real que tenía el director en el pasado, como la selección de temas, estrellas y técnicos, la cuidadosa elaboración de guiones y montajes, la supervisión de decorados. y disfraces, etc. pasados.
De esta manera, el productor se convierte en dueño de todos los factores que determinan el éxito o el fracaso artístico. Su principal preocupación es cómo ganar más dinero, y su junta directiva sólo evalúa su valor en función del margen de beneficio de la película. Por lo tanto, la producción cinematográfica se basa exclusivamente en los ingresos de taquilla como principio rector. Despreciaban las críticas de los críticos de cine independientes y, de hecho, ese tipo de críticas cinematográficas casi no existían en los Estados Unidos en ese momento.
Pero el propio productor sólo dirige todo detrás de escena. Son las estrellas de cine las que aparecen en Hollywood, y el "star system" se ha convertido en la base para que Hollywood conquiste el mundo. La admiración del público por las estrellas de cine se sustenta en millones de fotografías firmadas, y la publicidad y la publicidad crean un aura de leyenda en torno a estos íconos. Las aventuras amorosas y divorcios de las celebridades, así como los cosméticos que utilizan, sus hogares y sus animales favoritos, se han convertido en temas de preocupación y deleite para el público en general en algunos países. El "star system" incluso convirtió a Rudolph Valentino, Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Gloria Robinson, Wallace Reid, John Gilbert, May... Maurai, Norma Talmadge y otros en verdaderos ídolos.
Algunos grupos religiosos destacados están profundamente perturbados por esta competencia. Los puritanos lanzaron un ataque contra Hollywood, que fue alimentado por la difusión de escándalos de celebridades (la muerte de Wallace Redd por abuso de drogas y alcohol, la aparición de una bailarina en una fiesta a la que asistía la estrella gorda Arbuckle) que han sido asesinadas y algunas celebridades han cometido asesinatos. o crímenes de amor, etc.), y se vuelven más violentos.
En ese momento, los capitalistas establecieron una organización llamada "Asociación Estadounidense de Productores y Distribuidores", que fue organizada por William Hayes, un devoto puritano, *** y líder del partido. Según Hayes, las películas se han convertido en comerciantes ambulantes: "Los productos siguen a las películas. Dondequiera que las películas estadounidenses profundicen, podremos vender más productos estadounidenses".
A medida que Hollywood conoció esta misión internacional, los personajes interpretados por algunas estrellas estadounidenses también cambiaron.
Douglas Fairbanks una vez interpretó con humor a un héroe estadounidense fuerte, ingenuo y optimista amado por las mujeres cuando estaba en "Triangle Pictures", pero luego interpretó un papel en "La marca del Zorro" de México y "Los tres fuegos" de Francia. ", el británico "Robin Hood", el oriental "El Ladrón de Bagdad" y "El Pirata Negro" se convierten en un hombre fuerte invencible, un caballero intrépido e intachable y una persona que defiende la justicia y siempre vence. A medida que crecía, Fairbanks se aficionó cada vez más a los decorados enormes, al lujo extremo y al poder misterioso.
Son muy pocos los directores que se niegan a vincularse con las estrellas. A medida que se estableció Hollywood, los pioneros del cine declinaron o desaparecieron. Thomas Ince ha fallecido; aunque Mike Senat continúa produciendo excelentes obras, su reputación no ha crecido, en cuanto a Griffith, está decayendo gradualmente en este momento; La obra que marcó la culminación de Griffith fue su "El nacimiento de una nación" en Estados Unidos, su "La flor destruida" en Europa y, en términos de arte cinematográfico, fue "Partido contra la diversidad". Sin embargo, el fracaso comercial finalmente condenó el trágico destino de Griffith. Este gran artista, que estaba en la lista negra del estudio, nunca tendría la oportunidad de dirigir una película en los veinte años que le quedaban de vida. El culto al dinero de Hollywood destruyó a sus fundadores.
El declive de Griffith contrasta marcadamente con la prosperidad del profesor Demir. La vulgar atmósfera de hombre de negocios y el estilo exagerado de este último se han convertido en las características de las películas de Hollywood durante cuarenta años. Hizo películas que van desde la ingeniosa comedia "Hombres y mujeres" y otras protagonizadas por Gloria Simpson hasta la fastuosa película de propaganda antisoviética "Los barqueros del Volga" y la farsa antiatea "La muchacha sin Dios" (que contenía una excelente representación de una prisión para niños) y cualquier película que pueda generar ingresos. Las obras más exitosas de DeMille son algunas películas de gran formato con una fuerte atmósfera de parque de atracciones. En estas películas de gran formato, además de historias de la Biblia, DeMille también añadió algunas descripciones eróticas. Hollywood le dio una suma de dinero que no estaba disponible para Griffith para hacer las grandes películas "Los Diez Mandamientos" y "El Rey de Reyes". DeMille heredó la antigua tradición del cine italiano y se convirtió en uno de los directores de películas comerciales de mayor éxito. Fred Nieblo imitó su ejemplo e hizo una película de gran éxito llamada "Ben-Hur" para Godwin y Mayo. El rodaje de esta película costó 6 millones de dólares. Aunque fue un éxito, los ingresos fueron sólo 4 millones de dólares.
Hollywood, una ciudad que de repente tuvo suerte, tiene el gusto bajo de los nuevos ricos. Construyeron lujosas villas, forjaron anfiteatros romanos y fortalezas rococó, catedrales católicas y rascacielos combinados. Este interés exagerado por el mosaico arquitectónico, junto con el interés simbólico didáctico, es más destacado en la película "Los cuatro jinetes del Apocalipsis", basada en la obra original de Brasco Ibáñez. Dirigida por Rex Ingham, el mega éxito que convirtió a Valentino en una estrella batió récords en el momento de su estreno. Ingram también mostró este enfoque formal en otras películas, como las que hizo en Niza al final de su carrera en el cine mudo, hacia el final de su carrera.
Después de que Hollywood se convirtiera en una fuerza poderosa en el mundo, los temas que producía también se hicieron internacionales. Entre sus películas mudas más taquilleras, pocas se desarrollaron en Estados Unidos. Entre estas películas, sólo la famosa "Caravana" dirigida por James Cruz está basada directamente en la historia estadounidense. Es una epopeya que elogia a los pioneros de la Región Occidental. Las películas del oeste deben su popularidad a Thomas Ince y W. S. La contribución de Hart se ha elevado al nivel de arte, pero en este momento, las películas occidentales, excepto películas extremadamente excepcionales como "The Rider" de John Ford, se han convertido en sinónimo de películas baratas. un público civil y actores desconocidos. Esta tendencia de las películas estadounidenses a "perder su identidad nacional" se ha convertido en una tendencia extremadamente común.
Aunque Henry King todavía podía seguir la tradición de Thomas Ince y Griffith y dirigir una película perfecta, "David", que retrata la vida local en los Estados Unidos, la gente no sólo no lo animó a avanzar en esta dirección, sino que lo llevó a filmar algunas películas populares. novelas románticas (como "Stella odia la historia"), o películas que rodó posteriormente en Roma, para evolucionar hacia películas italianas con grandes escenas (como "Rumania", "La monja blanca", etc.).
Debido a la alianza internacional del capital financiero, la estricta censura, la adaptación sistemática de novelas populares a la pantalla, el star system, la intención de lograr éxitos de taquilla y el culto al dinero de los productores, el cine estadounidense es arte. cada vez más pobres, y esta pobreza es aún más prominente en comparación con la abundancia material. Pero hay al menos una escuela de comedia con obras ricas y algunas obras excepcionales en el cine estadounidense. Casi todas estas películas son producidas por directores extranjeros. Léonce Perret dio a los estadounidenses el gusto por la comedia llamativa y Gasnier fue uno de los creadores de la serie. Además de estas dos personas, también podemos nombrar a Shortard, Albe Caplani y Abadie D'Arrast, que ayudaron a Chaplin en la dirección de "Una mujer en París".
Después de 1920, para derrotar a sus competidores, Hollywood atrajo a Estados Unidos a un gran número de destacados directores y actores extranjeros. Moritz Stiller trajo a Greta Garbo a Estados Unidos. Pero dirigió películas específicamente para los actores Paula Nigri y Jonnings de Alemania. Las dos películas que dirigió, "Empire Hotel" y "Street of Sin", no fueron trabajos de gran éxito ni artístico ni comercial. A diferencia de Stiller, Garbo tuvo un gran éxito en Estados Unidos. Esta famosa trágica es de hecho una fuente de ingresos en Hollywood y también trajo arte a los estudios de Hollywood. La campaña publicitaria convirtió a Garbo en una figura legendaria. Los títulos de las películas que protagonizó tienen en sí un carácter promocional, tales como: “La Mujer Seducida”, “El Diablo”, “El Hada Viene a la Tierra”, “Dama Misteriosa”, “Orquídea Salvaje”, “El Beso”. " etcétera. En su legendaria historia, retrata a la mujer apasionada más famosa de la historia.
Con la excepción de Garbo, los inmigrantes de Escandinavia hicieron poca contribución a Hollywood. Pero los inmigrantes de Alemania, especialmente Strauchen, Lubitsch y von Sternberg, hicieron grandes contribuciones al cine estadounidense. El papel ejemplar del cine europeo ha llevado a varios directores americanos a tender a producir películas más artísticas que comerciales. Algunos de ellos realmente alcanzan el nivel del arte. En vísperas del auge del cine sonoro, apareció en los Estados Unidos un grupo de nuevos directores de cine talentosos, que comenzaron a asumir hasta cierto punto la posición de los pioneros.
Durante el período más próspero de la historia de Hollywood, sus pioneros del cine y los artistas cinematográficos más importantes de Europa fueron más bien excluidos que explotados. A medida que Hollywood estableció su hegemonía mundial, gran parte de su producción cayó en un estado de estancamiento de falta de sentido y espectáculo.
El 23 de octubre de 1927, el primer estreno de "The Jazz Singer" con sonido, diálogos y canto, filmado por Alan Crossland, marcó la entrada del cine en su historia. El uso de la tecnología del sonido hizo posibles narrativas complejas y diálogos fluidos en las películas, todo lo cual contribuyó al fuerte estilo dramático de las películas clásicas de Hollywood. Al mismo tiempo, este estilo también era coherente con el sistema de estudio de la época. El sistema de estudio creado por el gigante de Hollywood Mike Senat exige objetivamente que las películas satisfagan las necesidades estéticas del público más amplio, y la estética dramática tradicional familiar al público es obviamente la mejor opción. En este contexto surgieron las películas de género. Estas películas, que Krakauer llama atender la "profunda psicología colectiva" del público, ocupan rápidamente la atención del público a través de tramas estilizadas y personajes estereotipados que se pueden ver en los cines del mundo. .
Como género más "americano", los westerns ocuparon una posición importante en el período clásico de Hollywood. Las películas occidentales elogian y promueven el espíritu del individualismo rudo y la supervivencia del más fuerte, y encarnan el ideal moral de que el bien debe triunfar sobre el mal. Por lo tanto, han sido populares durante mucho tiempo en la industria cinematográfica estadounidense. "High Noon" de Fred Zinnemann, filmada en 1952, encarna las características de las películas occidentales de muchas maneras, o encarna las características de las películas clásicas de la época de Hollywood. Sin embargo, aunque "High Noon" tiene la sombra del Hollywood clásico en muchos aspectos, de ninguna manera es una auténtica película clásica de Hollywood.
De hecho, esta película, rodada en 1952, marcó un punto de inflexión en la historia de Hollywood, entre lo viejo y lo nuevo. La diferencia más obvia con las películas tradicionales de Hollywood en "High Noon" es la interpretación de Kane. La imagen heroica en las películas occidentales tradicionales a menudo representa justicia absoluta y justicia, pero Kane se encuentra en una posición incómoda en la película. Debido a que los residentes de la ciudad no están dispuestos a ayudar al Sheriff que una vez los protegió, los oponentes de Kane no son sólo villanos, sino también residentes de la ciudad. La película hace muchas descripciones psicológicas de Kane. Él comienza a pensar en su posición y comportamiento, y adónde irá. Los personajes de "High Noon" evitan ser demasiado estereotipados y subvierten en cierta medida la imagen anterior del jefe de policía. La película también abandona el final feliz habitual de las películas del oeste y opta por terminar con Kane tirando su placa de policía y abandonando el lugar. ciudad. Mejora la objetividad de la historia.
"High Noon" se filmó en 1952, justo después de la época dorada de Hollywood, y Hollywood entró en un período de dificultades y reflujo. Hasta las décadas de 1960 y 1970 del siglo pasado, con la intensificación de la postindustrialización y la postsocialización en la sociedad occidental, proliferaban las nuevas tendencias del arte social. Estas nuevas tendencias de pensamiento agitan los pensamientos de las personas y cambian su apreciación y aceptación del arte. La audiencia de películas también ha cambiado y el estilo de las películas del período clásico de Hollywood ya no puede satisfacer sus necesidades de visualización. El movimiento del neorrealismo italiano en la década de 1940 y la Nueva Ola francesa en la década de 1950 impactaron e influyeron en la industria cinematográfica estadounidense en ese momento, acelerando los cambios en las películas de Hollywood. Como resultado, surgieron una serie de películas de "nuevo estilo", representadas por "Bonnie y Clyde" de Arthur Penn, que también iniciaron la era del Nuevo Hollywood.
La forma típica de describir a los personajes en la era del Nuevo Hollywood es que los protagonistas de la película ya no son personajes estereotipados con claras distinciones entre el bien y el mal, sino que tienen un mundo interior más complejo. New Hollywood se centra en los aspectos tridimensionales y psicológicos de los personajes, añadiendo capas y profundidad a la película. Las características narrativas de las películas del Nuevo Hollywood son que, sobre la base de heredar la tradición de buena narración de Hollywood, la historia de la película se integra en un trasfondo social amplio, integrando autenticidad y sociabilidad en la película, lo que hace que las películas de Hollywood tengan más significado social que antes con profundidad.
Las nuevas películas de Hollywood también están profundamente influenciadas por el cine europeo. La artísticoización de películas comerciales y la comercialización de películas artísticas se convirtieron en una tendencia en el desarrollo cinematográfico durante este período. En las películas de Hollywood se utilizaron muchos métodos europeos de procesamiento de películas artísticas.
Desde la era clásica hasta la nueva era, el cine ha experimentado medio siglo de evolución en la tierra de Hollywood, y se han producido grandes cambios en la estructura de la historia, los personajes y los conceptos. Las técnicas del período clásico de Hollywood ya no pueden satisfacer las necesidades del público contemporáneo, mientras que las películas del Nuevo Hollywood que se adaptan mejor a las necesidades de la era social han ocupado silenciosamente la atención del público.
En el período de transición de los años 1970 a los años 1980, New Hollywood completó su misión. En los últimos 10 años, Estados Unidos ha producido alrededor de 200 películas cada año y la competencia entre el cine y la televisión por la audiencia ha alcanzado un equilibrio. La película mantiene una audiencia de entre 1.000 y 1.200 millones de personas y tiene su propio mercado extranjero, cada vez más amplio. Según las estadísticas de 1993, los ingresos de taquilla nacional de las películas estadounidenses alcanzaron los 5.200 millones y los ingresos por distribución fueron de 2.600 millones. El superávit comercial de productos audiovisuales ocupa el segundo lugar después de la industria de fabricación y exportación de aviones, lo que la convierte en la segunda industria más grande de los Estados Unidos. Entre las 100 películas con mayor asistencia en las pantallas del mundo a lo largo del año, las películas estadounidenses representaron 88.
Las películas de Hollywood han completado la transición a la era postindustrial a través de sus propios ajustes y todavía se encuentran en la cima de la pirámide de la industria cinematográfica mundial, lo que demuestra su gran vitalidad. Una inspección exhaustiva de Hollywood nos ayudará a pensar en las películas de la vida diaria y a juzgar nuestras propias películas nacionales. Para el público en general, las películas de Hollywood pueden verse como entretenimiento; para los creadores de películas, pueden aprender las reglas de la forma artística única de las películas comerciales al estilo de Hollywood; para los productores, pueden aprender de las reglas comerciales al estilo de Hollywood. conceptos y operaciones cinematográficas; y para los teóricos, pueden reflexionar sobre la historia y los problemas a través de la comprensión de las características de Hollywood. Examinar la historia de las películas de Hollywood es de gran beneficio para el desarrollo de la industria cinematográfica china.