División de movimientos de música sinfónica

La música sinfónica no es un nombre de género específico, sino un término general para los géneros musicales instrumentales. Las características comunes de este género son:

1. Interpretación de gran orquesta;

2. La música tiene connotaciones profundas, dramáticas, épicas, trágicas y heroicas, o el estilo es solemne. Narrativa, descriptiva, lírica y convencional.

3. Tiene una estructura rigurosa y ricos métodos de expresión.

Según la convención, la música sinfónica se refiere principalmente a cinco géneros: sinfonía, concierto, suite orquestal, obertura y poema sinfónico. Pero su alcance se extiende a menudo a alguna música orquestal con características propias, como la fantasía, el capricho, la rapsodia, la balada, la marcha, la variación, la música de baile interpretada por una orquesta sinfónica, etc. Además, la música sinfónica también incluye música orquestal titulada, como "Buenas noticias de Beijing a la aldea fronteriza" de los compositores chinos Lu Zheng y Ma Hongye.

2. El origen y desarrollo de la música sinfónica

El gran escritor francés Romain Rolland dijo: “No existe el concepto de progreso en el arte, porque por mucho que miremos hacia atrás, encontraremos que nuestros predecesores han alcanzado un estado de perfección.... Sería ridículo pensar que siglos de esfuerzo nos han acercado a la perfección..."

Los orígenes de la música sinfónica van atrás un largo camino. Su nombre proviene de la antigua Grecia, que en ese momento era el término general para "armonía" y "armonía". En la antigua Roma, evolucionó hasta convertirse en sinónimo de todos los conjuntos y conjuntos instrumentales. En los siglos XV y XVI, durante el Renacimiento europeo, el nombre sinfonía se consideraba un símbolo de toda música armoniosa multiórgano. En los primeros días de la música barroca, se refería principalmente a las oberturas e interludios de óperas, dramas y oratorios. A principios del siglo XVIII, la música y el arte se desarrollaron rápidamente en Europa. Con el proceso de la Revolución Industrial europea, la música y el arte comenzaron a popularizarse y socializarse paulatinamente. Durante este período, la sinfonía, como forma de arte independiente, fue adquiriendo gradualmente un significado claro en términos de escala y forma. La ópera italiana "Obertura" se convirtió en ese momento en el prototipo básico de la sinfonía clásica con sus tres secciones únicas de "rápido-lento-rápido". A mediados del siglo XVIII, los compositores del Conservatorio de Música de Mannheim, Alemania (el centro cultural del sur de Alemania), mejoraron aún más la forma básica de la sinfonía con una serie de creaciones activas e innovadoras. En 1740, el compositor austriaco Monte (1717-1750) añadió por primera vez un minueto (tercer movimiento) entre el movimiento adagio y el movimiento allegro. Esta suite de cuatro movimientos evolucionó gradualmente hasta convertirse en el tercer movimiento. El diseño de los cuatro movimientos es el siguiente:

El primer movimiento: forma sonata (Nota: es la forma básica de las obras de música clásica y debe usarse como un movimiento importante en sonatas, sinfonías, conciertos y conjuntos.) Consta de tres partes:

La primera parte: (parte de declaración) tiene dos temas: el tema principal (primer tema) y el subtema (segundo tema). Estos dos temas a menudo se forman. un claro contraste. Por ejemplo, el tema principal puede ser conflictivo y dramático, y el subtema puede ser lírico o cantado. En algunas sonatas los dos temas son complementarios y ambos se cantan.

La segunda parte: (la parte de expansión) consiste en dividir y dar forma continuamente al tema de la parte presentada, y compararlo y expandirlo en varios aspectos como orquestación, ritmo, intensidad y tonalidad.

La tercera parte: (parte de reaparición) reproduce los dos temas de la parte de presentación, que están muy relacionados en tonalidad. Por ejemplo, en la parte de presentación, el tema de la parte principal es la melodía principal (do mayor), el tema de la parte auxiliar es la tonalidad principal (sol mayor), y en la parte de reproducción, el tema de la parte auxiliar. también vuelve a la melodía principal (do mayor). La forma sonata suele comenzar con una obertura y terminar con una coda. Estas formas musicales a menudo expresan grandes ideas y reflejan filosofías profundas. Por supuesto, también son muy líricas y descriptivas.

Segundo movimiento - Andante o Adagio. Lírico y bueno cantando música.

El tercer movimiento - Minueto. Son ligeros, divertidos, elegantes y divertidos.

El cuarto movimiento-final. Generalmente allegro, a menudo en forma rondó (A+B+A+C+A) o forma rondó sonata. (La diferencia entre la llamada forma sonata rondó y la forma sonata es que el tema aparece dos veces en la parte de presentación, es decir, tema-subtítulo-tema, y ​​luego en la parte de desarrollo y en la parte de reproducción.)

La pieza escenificada de la que acabamos de hablar. El estilo estuvo relativamente fijo sólo durante el período sinfónico clásico. Pero hay excepciones. Por ejemplo, Haydn escribió una sinfonía de seis movimientos.

En cuanto a la comparación entre cámara rápida y lenta, también habrá cambios. Escribió una sinfonía de despedida que terminó con un Adagio. En cuanto al número de movimientos, el compositor también tiene muchos cambios según los requerimientos de las distintas creaciones. Hay tres movimientos y dos movimientos. Por ejemplo, la "Sinfonía Pastoral" de Beethoven, con la que todo el mundo está familiarizado, tiene cinco movimientos, y la "Sinfonía n.º 14" de Shostakovich tiene hasta once movimientos. Por tanto, el contraste entre composición sinfónica y movimientos rápidos y lentos no es estático.

A mediados y finales del siglo XVIII, el surgimiento de la Escuela Clásica de Viena y las grandes creaciones de algunos compositores talentosos llevaron la forma de arte sinfónica a una etapa de plena madurez. Aquí mencionamos primero al compositor austriaco Haydn. Compuso más de 120 sinfonías a lo largo de su vida. Su contribución al arte de la sinfonía es que estableció completa y rigurosamente la forma y escala de la sinfonía, por lo que alguna vez fue conocido como el "Padre de la sinfonía". Sus logros artísticos influyeron directamente en sus dos descendientes: Mozart y Beethoven. Forma, escala, connotación, etc. Fue en la creación de estos dos últimos compositores donde verdaderamente maduró y perfeccionó.

Mozart escribió 41 sinfonías a lo largo de su vida. En comparación con las sinfonías de Haydn, sus sinfonías han mejorado mucho en términos de integridad de forma, riqueza de connotaciones y profundidad de pensamiento. Usó su exquisita pluma para inyectar nueva vitalidad a la forma instrumental independiente de la sinfonía. Sus últimas tres sinfonías, la Sinfonía n.° 39 en mi bemol mayor, la Sinfonía n.° 40 en sol menor y la Sinfonía n.° 41 en do mayor (Júpiter), son la cúspide de toda su obra sinfónica. Estas tres sinfonías combinan una musicalidad genial, un pensamiento rico y una creatividad novedosa, y se han convertido en ejemplos brillantes de la creación de sinfonías clásicas.

El genio Beethoven, venerado como el "Santo de la Música" por generaciones posteriores, elevó los logros de la creación sinfónica a alturas sin precedentes en sus cortas décadas de creación. En la historia del arte musical sinfónico mundial, su creación se considera un hito sumamente importante. Su obra es un ejemplo destacado del vínculo entre clasicismo y romanticismo.

Romain Rolland elogió una vez a Beethoven como: "El mayor poeta musical durante la Revolución Francesa y el Imperio Napoleónico, el artista que describió más vívidamente la tormenta del período napoleónico; sus descripciones incluyen el sufrimiento humano y la tristeza; la la tensión de la guerra y el embriagador carnaval del espíritu libre "

Las sinfonías de Beethoven son más rigurosas en la forma, más ricas en el contenido y más hábiles que las de Haydn y Mozart. Lo sorprendente es que sus sinfonías son profundas y filosóficamente complejas. Por primera vez, le dio a la sinfonía una profunda connotación de ilustración y lucha social. Su logro en la creación de sinfonías radica en su gran creación basada en la herencia. Por ejemplo, en términos de estructura de la forma musical, amplió y mejoró el marco organizativo de la forma sinfónica-sonata. Al mismo tiempo, el scherzo más enérgico (nota: también llamado scherzo, generalmente en tres tiempos, con un ritmo brillante, velocidad rápida y, a menudo, un contraste repentino entre fuerza y ​​debilidad) reemplazó al minueto tradicional demasiado suave, dándole así un La sinfonía es más orgánica. Desde otra perspectiva, para lograr el propósito de expresar los principales temas sociales y el ámbito espiritual de la lucha humana, amplió la organización de la orquesta sinfónica a un nivel más razonable. Al mismo tiempo, para lograr su concepción artística global, incluso añadió voces humanas. En su Novena Sinfonía, el coro cantó "Oda a la Alegría", revelando un reino espiritual extremadamente elevado. Esta ingeniosa concepción y audaz práctica ilustran plenamente el extraordinario coraje y el genio sobresaliente de Beethoven como generación de maestros sinfónicos.

Solemos dividir las nueve sinfonías de Beethoven en dos categorías: sin título y con título. Sus sinfonías Primera, Segunda, Cuarta, Séptima y Octava no tienen título. El tercero (héroe), el quinto (destino), el sexto (pastoral) y el noveno (coro) tienen títulos. Sus dos sinfonías formaron dos líneas creativas que tuvieron un profundo impacto en las creaciones sinfónicas posteriores.

La creación tímbrica de Beethoven también tuvo una gran influencia en la creación sinfónica posterior. Por ejemplo, la quinta canción (Destiny), que todos conocemos, es el tema más corto hasta el momento. Tiene sólo cuatro tonos y este fatídico motivo aparece en los cuatro movimientos.

Además, Beethoven mejoró y amplió la organización de la orquesta. En sus sinfonías lo encontramos utilizando instrumentos que no utilizaban Haydn y Mozart. Por ejemplo, flautín, fagot, trombón y algunos instrumentos de percusión como triángulo, platillo, tambor, etc. Es más, citó la voz humana en la Novena Sinfonía. Cuando nos enfrentamos a las sinfonías de Beethoven, lo que sentimos con más fuerza es el espíritu de Beethoven.

El lema de Beethoven es "A través del sufrimiento, a la alegría; a través de la lucha, a la victoria". Su música es para toda la humanidad, y nuestra era todavía necesita a Beethoven, que es un espíritu decidido, valiente y persistente.

Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, el pensamiento artístico romántico comenzó a penetrar en el campo de la música. La "Sinfonía en si menor" de Schubert (inacabada), que tiene el carácter de una sinfonía lieder, la sinfonía principal de Berlioz y Liszt, "Fantasia" y "Dante", la "Sinfonía poética de la primavera" de Schumann, cuatro sinfonías de Brahms que están completas. De espíritu tradicional pero lleno de connotación romántica, una serie de sinfonías con fuertes características nacionales de Tchaikovsky y Dvořák, Saint-Saëns, Mussorgsky, Rimsky y otras sinfonías de otros compositores. A finales del siglo XIX, el compositor austriaco Mahler compuso diez sinfonías. En estas sinfonías, para expresar su complejo mundo espiritual interior, desarrolló al extremo la expresión de las sinfonías. Por ejemplo, su Octava Sinfonía se llama "Sinfonía de los Mil". Además de Mahler, a finales del siglo XIX, muchos compositores de géneros musicales nacionales de diversos países también deberían ser llamados maestros sinfónicos. Por ejemplo, Sibelius de Finlandia, Janacek de la República Checa, Glazunov y Rachmaninov de Rusia, etc., han hecho contribuciones destacadas al mundo de la música sinfónica hasta cierto punto.

En la intersección de los siglos XIX y XX, comenzaron a surgir cada vez más muchas tendencias ideológicas que simbolizaban el estilo artístico de la nueva era. El impresionismo de Debussy (Francia), el romanticismo de Richard Strauss (Alemania) y la atonalidad de Schoenberg (Austria) han penetrado en la creación de sinfonías y han proporcionado la base para el desarrollo de diversas músicas sinfónicas en el siglo XX. sienta las bases. Entre los muchos compositores del siglo XX, hay innumerables que han hecho contribuciones destacadas a la creación de sinfonías y otros géneros. Entre ellos, los compositores rusos Prokofiev, Khachaturian y Shostakovich, el compositor británico Britten, el compositor húngaro Bartok, los compositores estadounidenses Stravinsky y Gershwin, etc., tienen el mayor impacto. Sus sinfonías, conciertos, poemas sinfónicos, rapsodias, caprichos y muchas otras obras han enriquecido enormemente el tesoro de la música sinfónica mundial. Este constituye un capítulo importante en la creación de música sinfónica en el siglo XX.

El surgimiento y desarrollo de la música sinfónica están estrechamente relacionados con el rápido desarrollo de la civilización social humana. Desde una perspectiva histórica, surge con el desarrollo cultural y económico de toda la sociedad humana. Desde una perspectiva de desarrollo, en el nuevo siglo e incluso en el futuro, también será considerado un clásico cultural y artístico elegante y un rico alimento espiritual, que contribuirá en mayor medida al progreso de la sociedad humana y al desarrollo de las necesidades espirituales de las personas. vidas.

3. Sentido común de la orquesta sinfónica

1. La composición y establecimiento de la orquesta sinfónica

La verdadera formación de la orquesta sinfónica se produjo en los últimos cientos de años. En sentido estricto, la formación de la orquesta sinfónica fue durante el período en que floreció la música clásica en Viena. Antes de eso, la estructura de la orquesta sinfónica no era perfecta y era simplemente una orquesta incompleta. Por ejemplo, en las creaciones de Haydn y Mozart, el establecimiento y escala de la orquesta se limitaban a pequeñas orquestas con características de música de cámara. La forma y organización de la orquesta sinfónica finalmente se perfeccionaron en las composiciones de Beethoven. Por ejemplo, en la creación sinfónica de Beethoven se ha determinado básicamente si la orquesta sinfónica tendrá dos o tres tubos. Posteriormente, a lo largo del proceso de la música romántica desde principios hasta finales del siglo XIX, se mejoraron aún más los arreglos y la forma combinada de la orquesta sinfónica. El surgimiento de una gran orquesta sinfónica de cuatro vientos y la incorporación de varios instrumentos especiales han enriquecido los efectos acústicos y la expresión artística de la orquesta sinfónica. Estas características se reflejan plenamente en las obras de Mahler, Richard Strauss y compositores modernos del siglo XX como Profetev, Shostakovich y Stravinsky.

2. La organización de la orquesta sinfónica

La orquesta sinfónica es una gran familia de música instrumental en el reino de la música. Generalmente se divide en cinco grupos de instrumentos: grupo de cuerdas, grupo de viento de madera, grupo de metales, grupo de percusión y grupo de instrumentos de color. Los siguientes grupos introducen varios instrumentos musicales (desde agudos hasta bajos):

Grupo de cuerda: violín, viola, violonchelo, doble violonchelo.

Sección de instrumentos de viento: flautín, flauta, oboe, corno inglés, clarinete y fagot.

Sección de metales: trompeta, trompa, trombón, bombardino.

Grupo de percusión: timbales, gongs, platillos, pandereta, triángulo, etc.

Juego de instrumentos musicales de colores: piano, arpa, xilófono, carillón de aluminio, etc.

Debido a que la orquesta sinfónica utiliza tantos instrumentos, es muy expresiva.

La orquesta sinfónica se divide en diferentes arreglos según el estilo de la obra. Como tubo simple, tubo doble, tres tubos, cuatro tubos, etc.

Historia del desarrollo

La sinfonía se originó durante el Renacimiento, pero su significado en ese momento era completamente diferente al que tiene ahora. La sinfonía en aquella época se refería generalmente a toda la música polifónica. Incluye música vocal e instrumental.

En los siglos XVI y XVII d.C., las sinfonías se utilizaban para manejar oberturas e interludios en óperas y oratorios. En este momento, la música vocal ha sido excluida del concepto de sinfonía, y desde entonces la "sinfonía" se ha convertido en música puramente instrumental.

A principios del siglo XVIII se empezaron a interpretar oberturas e interludios en conciertos sin ópera. Esto jugó un papel importante en el desarrollo de la sinfonía. Scarlatti, el compositor napolitano en Italia, estableció el estilo de tres secciones "Allegro-Adagio-Allegro (estilo de danza)" para la obertura de su obra, que sentó el formato más básico para el formato de movimiento de sinfonías posteriores.

En la segunda mitad del siglo XVIII, la Escuela Alemana de Mannheim fue pionera en la técnica de la música melódica en la creación de oberturas, mejoró la expresividad de los instrumentos y el dramatismo de la música, y añadió Allegro a las tres oberturas. . Finale, formando así el prototipo de una suite instrumental de cuatro movimientos.

Tres músicos posteriores desarrollaron la sinfonía clásica hasta su etapa más madura: Haydn, Mozart y Beethoven. Estos tres maestros llevaron la Escuela de Viena y el clasicismo a su apogeo, y también llevaron la sinfonía a una edad de oro. Beethoven desarrolló las connotaciones y las ideas de la sinfonía a un nuevo nivel, y durante este período se formó el concepto de sinfonía en el sentido moderno.

Posteriormente, tras heredar la esencia del clasicismo, los compositores románticos europeos innovaron en diversos grados el contenido, la forma, la disposición de la banda e incluso el título de la sinfonía. Durante este período, la sinfonía se volvió más libre en forma, más rica en color y más diversa en expresión.

Después de entrar en el siglo XX, la sinfonía todavía se está desarrollando y cada vez se añaden más elementos nuevos a la sinfonía. La sinfonía, majestuosa, emocionalmente delicada y expresiva, todavía cuenta con un gran número de seguidores incondicionales.

La estructura de una sinfonía clásica es la siguiente:

Primer movimiento: forma sonata, Allegro

Segundo movimiento: trilogía compleja o variaciones, Adagio

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El tercer movimiento: Minueto o Scherzo, Allegro.

El cuarto movimiento: sonata o rondó, allegro.

La orquesta que toca la sinfónica es la orquesta sinfónica. Cada país e incluso cada ciudad está orgulloso de tener una magnífica orquesta sinfónica.