¿Cuándo puedo convertirme en un pilar?

Sección 1 Espectáculo de danza: la presentación de la imagen de la danza es un vínculo importante en el proceso de dar forma a la imagen del arte de la danza.

Las actividades creativas específicas de una obra de arte de la danza pueden ser dividido aproximadamente en dos etapas, a saber, la etapa de concepción artística (creación) y la etapa de comunicación artística (ensayo y representación). Si consideramos todo el proceso creativo como un sistema completo, entonces la concepción artística y la comunicación artística son subsistemas de este sistema completo. Están interconectados y son relativamente independientes. La interconexión se refleja en el hecho de que si el bailarín no obtiene sentimientos e inspiración de la vida, no tiene pasión por la creación, no concibe creativamente el concepto y forma la imagen estética de la danza, entonces los requisitos para la comunicación artística serán no surge en absoluto; y si Con concepción artística pero sin comunicación artística, no importa cuán exquisita sea la concepción artística, solo puede permanecer en la mente del director y no puede materializarse en una imagen artística concreta y tangible. La relación inseparable entre concepción artística y comunicación artística se manifiesta en el proceso de creación artística de la danza de la siguiente manera: 1. Cuando el coreógrafo de danza lleva a cabo la concepción y creación artística, debe estar restringido por diversos factores como la comunicación artística, el ensayo y la interpretación ( como cuántos actores hay disponibles para el ensayo; qué tan receptivos y expresivos son los actores; cuáles son las condiciones escénicas; cuál es el nivel de coordinación de la música y el arte escénico, etc.), es decir, el director debe considerar; ello a la hora de disponer los movimientos, estructura y disposición si existen condiciones materiales para la realización de su concepción artística. En segundo lugar, después de ensayos específicos o incluso actuaciones formales, las actividades creativas del bailarín no se detienen; al contrario, se vuelven más activas, más profundas y más específicas. Por tanto, en cierto sentido, la comunicación artística es a la vez una manifestación y una prueba de la concepción artística. Porque la imagen concebida por el coreógrafo de danza, cuando sólo existe en la forma de representación y movimiento en el concepto del coreógrafo, esta imagen todavía tiene muchos aspectos vagos e inciertos, y todavía está en un estado confuso que sólo puede transmitirse a través de actividades. , es decir, ensayo. Después de que la actuación la transforma en una forma física, el director puede "ver realmente" si su idea es conmovedora y perfecta. Lo que sucede a menudo es que durante el proceso de ensayo y actuación, el director modifica sus propias ideas para hacerlas más satisfactorias. Por tanto, aunque en teoría la creación de imágenes de danza se puede dividir en dos etapas antes y después, en la práctica resulta difícil separarlas en el proceso de práctica específico, y en ocasiones se llevan a cabo de forma escalonada. Se puede decir que la concepción artística es un requisito previo necesario para la comunicación artística, y la comunicación artística es la encarnación y profundización de la concepción artística. Sin embargo, existen diferencias evidentes entre estas dos etapas: si la actividad de concepción artística se centra en el coreógrafo, entonces el centro de la actividad de comunicación artística es el actor. En todo el proceso de comunicación artística, todas las actividades artísticas giran en torno a la performance. Esto es especialmente cierto en el arte de la danza.

Algunos estudiosos modernos utilizan la perspectiva de la teoría de la información para estudiar imágenes artísticas y plantean la proposición "¿Qué es el arte?". Creen que "el arte, en última instancia, es un proceso de información que se lleva a cabo". entre personas. Un medio de comunicación social, la información artística tiene tanto forma material como contenido espiritual. Es un tipo especial de "forma material que contiene contenido espiritual y el contenido espiritual se presenta a través de información estética". ” ① Al mismo tiempo, conceden gran importancia al papel de la audiencia en la creación y apreciación del arte, y creen que la audiencia es el final de la relación entre el artista y el destinatario de la información artística en el proceso de apreciación del arte. , el público no es solo un receptor pasivo de información. Al mismo tiempo, también puede retroalimentar la información recibida al artista a través del juicio estético, de modo que el artista no solo puede corregir y ajustar la información artística que envía a tiempo. pero también hacer ajustes basados ​​​​en la retroalimentación de la información, es decir, el gusto y las expectativas estéticas de la audiencia. Formule el tema y el objetivo de la próxima creación artística. Dado que la creación del artista está influenciada y restringida por la audiencia, vale la pena señalar que la audiencia. No es solo el receptor de información artística, sino también el creador de información artística hasta cierto punto. Las opiniones anteriores de la estética de la teoría de la información son muy similares a las opiniones de otra escuela académica occidental contemporánea: la estética de la recepción se refiere a la creación. comunicación y valoración del arte como proceso.Este proceso consta de dos partes la primera parte es el autor y la obra es decir la segunda parte es la obra-lector y público, es decir el proceso de recepción. Estas dos partes juntas forman un proceso completo, es decir, el autor-obra-lector y la audiencia, al igual que la estética de la teoría de la información, la estética de la recepción concede gran importancia al proceso, creyendo que el valor estético y el significado social de las obras de arte sólo pueden expresarse. en el proceso de aceptación.

Algunos teóricos de la estética recepcionista incluso creen que la vida de una obra de arte no comienza cuando el escritor o artista comienza a crearla, sino que comienza después de que se completa la obra. Cuando conoces a tu audiencia y lectores. Desde la perspectiva de los investigadores de la estética de la recepción, la vitalidad de una obra de arte es inimaginable sin la participación del público. Dado que se requiere la participación del público, por supuesto se requiere comunicación artística, ensayo y performance. Como arte escénico, la danza tiene como principal portador de su tarea de comunicación artística, los actores. Desde este punto de vista, la propuesta de esta nueva teoría ha cambiado la naturaleza unilateral de la investigación artística que en el pasado solo se centraba en el lado de la creación, y ha ampliado la perspectiva de la investigación a todo el proceso de circulación de información estética. Dado que es necesario estudiar todo el proceso, se destaca la importancia del bailarín como creador y divulgador de información estética.

Se puede observar que la exhibición y comunicación de imágenes artísticas de la danza ocupan un lugar indispensable e importante en todas las actividades de creación y apreciación de la danza.

Sección 2: El valor y el papel de los bailarines en la creación y presentación de imágenes de danza

A lo largo de los tiempos, los esteticistas y bailarines han aportado el arte de danza A través de diversas definiciones, se aclaran las características de este arte desde diversas perspectivas. Por ejemplo: "La danza es el arte del movimiento humano"; "La danza es el uso de movimientos rítmicos del cuerpo humano para dar forma a la imagen de la danza y expresar los pensamientos y sentimientos de las personas en la sociedad"; es "pinturas y esculturas vivientes que fluyen"; la danza es "la poesía del ritmo del cuerpo humano", etc. Estas generalizaciones hechas por personas en su práctica artística y experiencia estética a largo plazo no sólo señalan algunas características esenciales del arte de la danza y sus similitudes y diferencias con otras formas de arte, sino que también afirman el importante papel de los bailarines en este arte. Se dice que la danza es el arte del “movimiento del cuerpo humano”, entonces, ¿de quién son los movimientos del cuerpo humano que se utilizan para moldear la imagen artística en una obra? Otro ejemplo es que la danza es "música visible", "pinturas fluidas y esculturas vivientes", "poesía del ritmo del cuerpo humano", etc. Entonces, ¿quién hace que la música, la melodía y el ritmo esquivos se condensen en una imagen visual concreta y tangible? ¿Y quién hace que las esculturas e imágenes fijas fluyan y se conviertan en escenas vívidas, suaves y en constante cambio? Por supuesto, todos estos son bailarines. Si los poetas usan palabras y lenguaje para escribir poemas, nuestros bailarines usan sus cuerpos enérgicos y en constante cambio para escribir poemas, pintar y cantar canciones...

Los hechos vívidos suelen ser mejores que los aburridos. La teoría es Más convincente cuando la gente habla de bailarines en la antigüedad y en los tiempos modernos, tanto en el país como en el extranjero, la mayoría de las primeras cosas que mencionan son aquellos bailarines que actuaron con gracia en palacios, plazas y escenarios. En la antigua China, algunos eran tan ligeros como nubes flotantes y podían bailar en las palmas de sus manos; otros eran majestuosos y magníficos, bailando en todas direcciones; En la Europa y los Estados Unidos modernos, algunos artistas tienen habilidades sobresalientes y sorprendentes, y han dominado el mundo del ballet durante décadas, algunos son tan apasionados como el fuego y poderosos como el alza, creando un nuevo estilo de danza para una generación; No es de extrañar que algunas personas digan que la danza, en última instancia, es un arte de actor.

Afirmamos altamente el valor de los bailarines, pero no menospreciamos el papel de los coreógrafos, compositores, escenógrafos y educadores de danza. Por el contrario, nos damos cuenta profundamente de que es la coordinación, la cooperación y los esfuerzos conjuntos de estos artistas los que forman una base sólida con un gran potencial. También es esta base, como un lanzacohetes, la que puede llevar a esos talentosos bailarines a las nubes. .

Los bailarines no son sólo los creadores de la belleza de la danza (transmisores de información estética) en el proceso de creación y transmisión de obras de danza, sino también los materiales de los que depende la imagen de la danza para su supervivencia y presentación (herramientas y medio de difundir información estética) y, al mismo tiempo, es un objeto estético que permite al público disfrutar del disfrute estético y es el eslabón central en el proceso de transmisión de la belleza de la danza. Por ejemplo, "Dunhuang Painted Sculpture" fue escrita y creada por Luo Bingchui y estrenada por Yang Hua. El concepto, los movimientos de danza y los gestos de modelado de este trabajo fueron creados por Luo Binniu después de una larga vida, estudio e investigación. Sin embargo, estas ideas del director sólo pueden ser vistas por el público después de que los movimientos y actuaciones del cuerpo humano de Yang Hua se exterioricen en imágenes de danza objetivamente existentes. En este momento, el cuerpo humano de Yang Hua era el material utilizado por Luo Binniu para expresar su concepción artística. También se puede decir que es una herramienta para que el director creara imágenes artísticas. Sin embargo, lo que Yang Hua expresó a través de su propio cuerpo no fue del todo la concepción original de Luo Binniu, sino solo (y solo podría ser) lo que pudo expresar después de recibir los ensayos del director. Además, ella El "y" de esa parte de lo personal. creación. Esta "suma" no es en modo alguno la simple suma de las dos partes anteriores, sino la manifestación creativa de los actores fundiéndolas según las leyes de la belleza.

Por tanto, es a la vez comunicadora y creadora de esta nueva imagen de danza. Finalmente, cuando la imagen originalmente concebida por el director y creada por el actor, fundida y reunida, se muestra frente al público a través del cuerpo del actor, el actor se convierte en el resultado de la creación artística y en el objeto estético. Por tanto, los bailarines son artistas que combinan creadores, herramientas creativas y resultados creativos.

Sin embargo, entre los tres creadores, herramientas creativas y resultados creativos, lo más importante son las herramientas creativas, es decir, los materiales materiales. Esto se debe a que el arte de la danza utiliza el cuerpo del bailarín como material para crear imágenes, por lo que el arte de la danza tiene un carácter único, exuda una fragancia única y produce un encanto artístico insustituible. Esto se refleja en:

1. El cuerpo humano es un todo orgánico con vitalidad y vitalidad. Con un cuerpo humano vivo. Como material para expresar las emociones humanas, "es la expresión más directa, más sustancial, más fuerte, más aguda, más simple y más suficiente del sentimiento de la vida", ② por lo tanto, también es el más fácil de considerar como un apreciador. Lo que la gente percibe y acepta es también el más fácil de despertar la apreciación de la belleza y el más fácil de obtener la apreciación de la emoción.

2. El cuerpo humano que vive, vuela y fluye es el más cambiante y puede mostrar diversas expresiones en los cambios. Rodin creía que el poder expresivo del cuerpo humano es muy rico. "El cuerpo humano, por su poder o por su belleza, puede evocar varias imágenes diferentes. A veces es como una flor... a veces es como una suave hiedra, balanceándose vigorosamente el arbolito... a veces el cuerpo humano se dobla hacia atrás como un resorte, y a veces parece un jarrón desde el cual Eros, el pequeño dios del amor, dispara flechas invisibles". Al final, concluyó que "el El cuerpo humano, especialmente el espejo del alma, es la mayor belleza del mismo. ③El famoso poeta chino Ai Qing escribió lo siguiente al elogiar la "Serenata" interpretada por la ex bailarina soviética Ulanova: "Tan suave como las nubes, tan ligera como el viento, más tranquila que la noche, un cuerpo humano desfilando en el espacio". Los artistas elogian el cuerpo humano con palabras tan hermosas que muestran el desempeño del cuerpo humano. El poder es muy abundante.

3. Debido a que la danza expresa pensamientos y sentimientos en el movimiento de un sentido vivo y puro del cuerpo humano, también debe estar restringida por ciertas funciones fisiológicas, es decir, no puede trascender un cuerpo vivo. La vida de un organismo vivo puede llevarse a cabo tanto como el organismo vivo pueda soportar. Sin embargo, los bailarines excelentes a menudo pueden aprovechar al máximo el potencial de las funciones del cuerpo humano dentro del rango objetivamente permitido y buscar la libertad dentro de las restricciones. Buscando el infinito dentro de lo limitado, creando imágenes artísticas maravillosas, vívidas y de carne y hueso.

Precisamente porque el cuerpo humano es el material utilizado en el arte de la danza para crear imágenes, la calidad del material en sí es a menudo crucial para el éxito o el fracaso de la creación de imágenes. Probablemente esta sea la razón por la que muchos profesores de academias de danza van a todos los rincones del mundo en busca de talento. La belleza del cuerpo humano es muy importante para la belleza artística de la danza. Sin embargo, la belleza del cuerpo humano no puede producir directamente la belleza artística de la danza. Después de todo, los bailarines son completamente diferentes de los modelos humanos. belleza natural del cuerpo humano al público para despertar la belleza del público, pero basado en la belleza natural del cuerpo humano,

de acuerdo con las leyes de la belleza del arte de la danza, una danza vívida y hermosa. La imagen se crea para cultivar estéticamente a la audiencia. Por lo tanto, incluso si se tiene un cuerpo humano que cumple con los requisitos anatómicos y estéticos, será difícil crear belleza artística en la danza sin una formación rigurosa que cumpla con los requisitos profesionales. En términos generales, un cuerpo humano bien entrenado que pueda usarse como material para crear belleza de danza debe tener al menos tres habilidades profesionales, a saber, habilidades básicas (fuerza, apertura, suavidad, flexibilidad, plasticidad, capacidad de imitación y sentido del ritmo). .); habilidad técnica (saltar, girar, dar volteretas, control, dominio de habilidades difíciles de expresión artística (comprensión de las intenciones creativas y capacidad de recrear, pasión, poesía, musicalidad, imaginación, etc.). Sólo dominando estas habilidades los bailarines pueden obtener la libertad de crear la belleza de la danza. Sólo mediante el uso de bellos movimientos, bellas posturas, bellas líneas y bellas composiciones podemos expresar bellos contenidos, bellos personajes, bellos estados de ánimo y bellos significados.

Sección 3: Imagen del personaje y de los actores

Un problema común en los espectáculos de danza es que los actores están obsesionados con expresarse en la danza en lugar de expresar seriamente los personajes y retratar imágenes.

Suele manifestarse en tres "desviaciones", a saber, 1. dejar la imagen de los personajes del baile para expresar la propia belleza física del actor; 2. dejar las necesidades del contenido del baile para simplemente mostrar habilidades personales; Estado psicológico de los personajes del baile para desahogar las propias emociones del actor. Todo esto refleja que estos actores carecen de una estética correcta en el proceso de comunicación artística y no aclaran la misión sagrada de los actores en el proceso de comunicación artística.

Sí, los bailarines son los creadores de la belleza y "ángeles de la belleza". Pero la belleza aquí no es sinónimo de "hermosa" o "bonita". No es simplemente que cuanto más alto saltas, más bella eres, más giras, más bella eres o más exagerada. rendimiento, más hermoso es. La belleza aquí se refiere al hecho de que los actores deben crear personajes distintivos a través de la danza, para que el público pueda disfrutar de la belleza artística mientras aprecia estos personajes realistas. Esto requiere que los bailarines realicen un arduo y largo trabajo creativo, primero, basándose en su buen talento, deben desarrollar un cuerpo que sea fácil de usar y altamente maleable, una herramienta para crear la belleza de la danza. base, deben buscar y crear una imagen de danza perfecta.

1． Tres niveles para que los bailarines creen imágenes

Cuando un bailarín emprende el camino de buscar crear una imagen de danza, generalmente tiene que pasar por la acumulación de imágenes - el sentimiento de la imagen - la creación de la Es una imagen tan difícil y también es un proceso lleno de alegría creativa. Ser el actor principal en una danza dramática a gran escala es un proceso más largo, pero ser intérprete de un sketch de danza es un proceso más corto. Muchos artistas de danza destacados han pasado por este proceso en sus vidas artísticas creativas. Ahora solo tomemos como ejemplo el proceso del bailarín Zhang Ping interpretando la imagen de danza de Mingfeng en el pequeño drama de danza "La muerte de Mingfeng". en un baile ¿Cómo pasan los actores del "yo" a la "imagen"? ④

Para un bailarín, especialmente un actor de danza dramática, lo más importante es tener la capacidad de crear una imagen de danza. Las capacidades creativas y expresivas de las imágenes de danza no se logran de una sola vez, sino que requieren una acumulación a largo plazo y la espiritualidad única del artista. Un actor de danza dramática debe prestar gran atención a observar varios personajes en la vida diaria, almacenarlos en su propio "almacén de imágenes" y acumular imágenes. En términos generales, cuanto más rico sea el almacén de imágenes de la bailarina, mayores serán sus posibilidades de crear una imagen en movimiento. Sin embargo, la acumulación diaria no es suficiente. Lo más importante es que después de recibir una tarea creativa, los actores deben acumular deliberadamente materiales de imagen en función del alcance de la vida reflejada en la obra. Por ejemplo, después de que Zhang Ping aceptó la tarea de interpretar a Mingfeng, primero comenzó leyendo el guión teatral y luego leyó la literatura, el drama, las películas e incluso el prefacio, la posdata, los comentarios, las notas, etc. de la novela "Home". sobre el mismo tema uno por uno Además de tener un "sentimiento general" sobre esta obra maestra inmortal, también quiero tener una comprensión detallada y una comprensión del personaje que interpreto a partir de su experiencia de vida, personalidad, emociones y situación. A través de la comprensión, la imaginación, la asociación y el sentimiento. Zhang Ping y Mingfeng comenzaron a "cruzar los barrancos de la época, las diferencias de personalidad e incluso la distancia en la experiencia de la vida, acercándose desde ambos extremos del vasto cielo ..." y finalmente abrazaron el alma de los personajes.

El propósito de la rica acumulación y el profundo sentimiento de la imagen es sentar una base sólida para la "creación de imágenes". El éxito de la "creación de imágenes" es la prueba del nivel estético de un bailarín. un arte intuitivo que utiliza los movimientos del cuerpo humano como lenguaje artístico No importa cuán precisa y profundamente los actores comprendan y experimenten a los personajes, para que el público pueda asomarse a las actividades internas de los personajes y quedar fuertemente infectado, ellos también deben estarlo. emocionalmente Y la imagen de danza materializada. Por supuesto, esta forma material emocional a menudo ha sido diseñada por el coreógrafo de antemano, pero el diseño del coreógrafo es solo una forma de movimiento simple desde un punto de vista estético. formas en formas verdaderamente significativas, los bailarines necesitan darles vida y los actores necesitan darles una transformación artística activa

2. necesita pasar por dos transformaciones en el proceso de creación de una imagen de danza, a saber, la transformación del sentimiento y la transformación del cuerpo: La transformación del sentimiento se refiere a entrar y completar la creación del rol. La transformación física se refiere a entrar y completar la conformación de; la imagen de la danza (imagen del personaje). La transformación del Mingfeng en la pintura de Ba Jin al Mingfeng en el corazón de Zhang Ping es la primera transformación: la transformación de los sentimientos. La transformación del Mingfeng en el corazón en Mingfeng a los ojos del público. la segunda transformación es la transformación física: la transformación del sentimiento es común a todos los artistas escénicos.

La segunda transformación: la transformación corporal es exclusiva de los artistas de danza y refleja la singularidad de la creación de imágenes artísticas de danza.

La clave para la transformación corporal es crear movimientos corporales personalizados. En psicología se considera que la llamada personalidad son las características psicológicas relativamente estables expresadas en la actitud de un individuo hacia la realidad y el comportamiento habitual. El carácter de un individuo se forma a partir de su práctica social. Los diferentes entornos, épocas, prácticas sociales y experiencias de vida determinan los diferentes rasgos de carácter de cada personaje. La llamada caracterización, en la teoría del arte dramático, se refiere a una técnica y método utilizado por los actores para crear rasgos de carácter. Para moldear el carácter de los personajes de la obra, los actores utilizan habilidades para controlar y transformar sus propias emociones, movimientos, apariencias y hábitos que no están en línea con el carácter del personaje, y se esfuerzan por hacer que sus palabras y acciones se ajusten a la Rasgos de carácter de los personajes de la obra. ⑤ Zhang Ping sigue el principio de caracterización: abandona el "autonarcisismo" del actor. Se deshizo de los "hábitos de baile a los que estaba acostumbrada en el pasado", se deshizo de la "tentación de los pasos de ballet" que eran "ligeros y hermosos", y encontró el "movimiento hundimiento, contenido y lento". Con "alegría y alegría", aceptó el amor de Juehui con emociones complejas de "miedo y miedo", "esperanza y miedo". Finalmente descubrió que el suelo frente a ella se había convertido en un "lago" transparente, y se vio a sí misma y a ella. Juehui en el "lago". Después de un momento de pánico, de repente se dio la vuelta y se escapó con la cabeza gacha y el rostro cubierto. Esta carrera no era el estilo de Julieta interpretado por Ulanova, sino el bazo Mingfeng "lleno de amor y vergüenza". " frente al joven maestro. "Escape". Zhang Ping utilizó aquí la imaginación y la creatividad de un actor de teatro de danza. A través de la transformación sensorial y la transformación física, creó una imagen de Mingfeng con una personalidad distintiva.

Zhang Ping puede ser La actuación se puede resumir en: abandonarse a uno mismo y abrazar el alma del personaje con pasión; buscar sentimientos y crear movimientos corporales personalizados; combinando forma y espíritu para crear personajes vívidos; el campo de transmitir la belleza del arte de la danza.

Sección 4: Un tema que debe explorarse en profundidad:

Los requisitos estéticos de los espectáculos de danza china

En el pasado, prestamos más atención a la creación de imágenes de danza, es decir, a la investigación sobre coreografías de danza, pero no suficiente atención a la presentación de imágenes de danza, es decir, a cuestiones de interpretación de danza. No hemos comprendido completamente las características ontológicas del arte de la danza. Por otro lado, se debe al estudio de la comunicación de la belleza de la danza. Las cuestiones relacionadas con la interpretación de la danza seguramente implicarán más análisis de los estados psicológicos y descripciones de la danza dinámica. posturas (que son las dificultades en la investigación teórica y la expresión escrita de la danza), por lo que es más difícil de analizar y expresar que las cuestiones de coreografía, formando así una situación en la que la teoría actual de la danza es muy pobre. >Sin embargo, esta es una parte indispensable de todo el estudio de la danza. Sin ella, es casi imposible tener un sistema de danza completo. Nuestra danza nacional tiene una historia de desarrollo de miles de años. bailarines durante los últimos 40 años desde la fundación de la República Popular China también tenemos experiencia extranjera como referencia. Todo esto nos da razones para creer que ha llegado el momento de construir la teoría de la danza china. p>Creemos que hay tres formas de estudiar y explorar las características estéticas y las leyes del arte escénico de danza con características chinas: una es comprender de manera integral el arte de la danza con base en las características estéticas del sistema, se estudia en comparación. con otros subsistemas, por ejemplo, ¿cuál es la diferencia entre la interpretación de danza y la coreografía de danza, la enseñanza de la danza y la teoría de la danza? ¿Cuáles son las características del otro en la comprensión integral del arte de la interpretación escénica? sistema, realizamos un estudio en comparación con otros subsistemas (representaciones teatrales, representaciones de ópera, representaciones de ópera, etc.) ¿Cuáles son las diferencias entre las representaciones de danza y otras representaciones artísticas en comparación con las representaciones de danza en otros países del mundo? Explore gradualmente algunas de las reglas y regulaciones de los espectáculos de danza china observando las diferentes características de los espectáculos de danza en otros países. Es a través de esta investigación comparativa que hemos llegado a los siguientes entendimientos: creemos que las reglas y características de las actuaciones de danza china se pueden resumir de la siguiente manera: bailar con emoción y transmitir emoción a través del movimiento y la coordinación, la transformación y la verdad; de habilidades y fascinante; estilo único y encanto duradero.

Una breve descripción es la siguiente:

1. Bailar con emoción y transmitir emoción con la danza

Sabemos que el arte de la danza es el arte de la expresión, no importa la forma de danza. El bailarín usa para actuar, su intención original es expresar la alegría, la ira, la tristeza y la alegría del bailarín a través de la expresión de un contenido de vida específico, y hacer que el apreciador sea emocionalmente emocional en la estética, y luego ser cultivado e infectado ideológicamente. Por tanto, la función del arte de la danza es conmover a las personas con emoción. Luego, los sentimientos internos del bailarín se transforman en imágenes visibles concretas, y luego las emociones expresadas pueden provocar los gritos del público. Un proceso de comunicación artística de este tipo debe conducir con emoción y danza, transmitir emoción con danza y luego lograr una mezcla de escenas y atraer a la gente.

Bailar con la emoción es de lo invisible a lo tangible. Las emociones intangibles cultivadas en el corazón del bailarín se transformarán externamente en imágenes de danza vívidas y tangibles con la ayuda de un cuerpo humano bien entrenado. Transmitir emociones a través de la danza es transformar lo tangible en intangible. Despierta la respuesta emocional del público a través de la imagen emocional de la danza. La pasión es crucial para los bailarines. Siendo la danza la expresión de las emociones humanas cuando éstas están muy excitadas, se puede decir que sin pasión no habría danza y sería imposible crear bailarines. Si un bailarín no tiene emociones agitadas en su pecho, sus manos y pies perderán su base psicológica. Parece que bailarines de diferentes escuelas nacionales y extranjeras, tanto antiguas como modernas, tienen la misma opinión sobre el hecho de que la danza es lírica. Pero existen diferentes puntos de vista sobre de dónde provienen las emociones y qué emociones deben expresarse en las obras de danza. En filosofía nos adherimos a la teoría materialista de la reflexión y, en términos de métodos artísticos, nos adherimos al realismo. Los bailarines justos creen que la fuente de las emociones de los bailarines no es el resultado de un "apego espiritual" o un capricho temporal, sino que proviene de la inspiración de la vida social y las olas de la época. En una palabra: "Las cosas hacen que las cosas sucedan". Por lo tanto, los excelentes intérpretes no sólo deben apasionar sus actuaciones, sino también comprender mejor cómo se genera esta emoción y cómo debe expresarse, para penetrar seriamente en la vida, observar atentamente la sociedad e integrar el espíritu de la época, la pasión. de las masas y de las emociones personales, sólo así la propia creación artística puede tener una base sólida y real.

Es cierto que la danza no puede surgir desde la indiferencia. Pero no todo es danza lo que mueve el corazón y el exterior. Una persona está tan feliz que "salta un metro de altura", tiene tanto pánico que "se apresura" y está tan triste que "se golpea el pecho y los pies". Estos movimientos internos y externos no se pueden llamar baile. Como arte, la danza no sólo requiere que los bailarines estén llenos de pasión interior, sino que también deben ser buenos para convertir la "emoción" que surge en el corazón en una "imagen" concreta y visible del arte. Esta "imagen" no sólo debe ser concreta y perceptible, sino también vívida y distintiva con valor estético. El hecho de que esto se pueda lograr o no es a menudo la clave para medir la creatividad y la expresividad de un bailarín. El éxito de "Water" de Dao Meilan, "Dunhuang Painted Sculptures" de Yang Hua, "Jinshan War Drums" de Wang Xia, "Hope" de Hua Chao y "Death of Mingfeng" de Zhang Ping no es solo "amor", y hay " Xiang", que no sólo es "cariñosa", sino también "hermosa bailando". Las emociones ricas y plenas proporcionan una base interna sólida para el desarrollo de la danza; la danza personalizada, embellecida y altamente hábil expresa apropiadamente las emociones internas. La unidad de emoción y danza crea una imagen de danza que es a la vez realista y formal, que a su vez despierta el interés estético del público y genera resonancia emocional, completando así la tarea de la comunicación artística.

2. Movimiento y coordinación, la transformación es verdadera

La característica más importante del arte de la danza es el movimiento. Todo lo que baila debe moverse, y no puede convertirse en danza si no se mueve. Pero no todos los movimientos pueden convertirse en danza. Sólo los movimientos refinados, embellecidos y rítmicos pueden convertirse en danza. Esto requiere prestar atención al "movimiento y la coordinación". Sólo "moviéndose" y "cooperando" se puede producir la belleza de la danza. Desde una perspectiva formal, los movimientos del cuerpo humano se pueden dividir en tres categorías: forma, calidad e impulso. La forma se puede dividir en grande y pequeña, cuadrada y redonda, alta y baja, larga y corta, recta y recta, y la calidad inclinada se puede dividir en dura y blanda, gruesa y delgada, fuerte y débil, y ligera y; pesado; el potencial se puede dividir en velocidad, movimiento y quietud, reunión y dispersión, avance y retroceso, hundimiento y ascenso. Si estos factores opuestos pueden unificarse adecuadamente durante el movimiento del cuerpo humano, se llama armonía y se logra la armonía, formando así una belleza de danza diversa y unificada.

Además de la belleza de la forma, el movimiento del arte de la danza también requiere idoneidad en la expresión del contenido, que es ajustarse a la ley de que la danza refleja la vida. Manejar correctamente la relación entre reproducción y expresión, semejanza física y semejanza espiritual.

La danza tiene sus propios principios estéticos a la hora de reflejar la vida social y plasmar imágenes artísticas: no reproduce directamente la apariencia original de la vida, simulando fielmente las actividades de los personajes y el proceso de los acontecimientos, sino que expresa principalmente a los personajes. ' Impacto en la sociedad Las emociones de la vida y su desarrollo y cambios reflejan las ondas emocionales internas y los rasgos de carácter de los personajes que surgen en situaciones específicas, por eso los esteticistas llaman a la danza un arte expresivo. Ha habido algunas opiniones sesgadas sobre este tema. Una opinión es que se persigue excesivamente el papel narrativo de la danza y la verosimilitud de las posturas, el vestuario y el escenario de la danza, y a menudo se propone asociar la danza con la literatura, el cine, etc. /p>

Arte representativo Los mismos requisitos requieren que los bocetos de danza "comiencen desde el principio" al reflejar la vida, explicar eventos complicados de la trama y esperar que los movimientos de danza sean tan "reales" y "razonables" como la vida misma. Como resultado, los bailarines sólo pueden imitar "con sinceridad" los procesos de vida, trabajo y batalla en el escenario, y no pueden concentrarse en expresar las emociones de los personajes. La danza se convierte en un "espectáculo tonto" y pierde el encanto único de este arte. Otro punto de vista niega por completo el valor de existencia de la danza episódica, creyendo que la danza sólo expresa los sentimientos subjetivos de los bailarines, y cuanto más lejos de tramas y eventos específicos, mejor. Bajo la influencia de este punto de vista, la danza se ha convertido en un "poema confuso". ”, lo cual es difícil de entender.

Sabemos que el único medio de expresión de la danza son los movimientos y posturas del cuerpo humano. Comparada con las palabras y el lenguaje utilizados en la literatura y el teatro, tiene grandes limitaciones para reproducir la vida y explicar las cosas. Pero en términos de expresar las emociones internas de las personas, es directo, claro y contagioso. Por lo tanto, no debemos obligarlo a volver a contar demasiados eventos de la trama, sino que debemos aprovechar al máximo su función artística de conmover a las personas con emoción y ejercer un efecto estético en la audiencia que otras formas de arte son difíciles de lograr. De hecho, el gusto estético del amplio público que ama el arte de la danza es mucho más saludable que el de aquellos "críticos" que exigen que la danza sea igual a la vida. De lo contrario, no estarían interesados ​​en la danza después de que Liang Hongyu fuera golpeado repentinamente. una flecha mientras golpea el tambor para apoyar la batalla: sosteniendo el eje de la flecha con dolor, bajando lentamente la cintura y luego volteando el tambor "puente trasero", dando cálidos elogios, pero por el contrario, preguntarán: desde el La flecha fue alcanzada, ¿por qué no caíste al suelo inmediatamente y seguías tamborileando? ¿Cuál es el punto de pasar mucho tiempo en la cama? En el drama de danza "Flores en la ruta de la seda", la gente no se pregunta si la postura y la técnica de tocar la pipa son correctas y razonables, sino que consideran "hacer rebotar la pipa hacia el cielo" como una de las posturas de danza más hermosas. ¿Por qué estos movimientos y pasos de baile dejan una impresión tan duradera en la gente? Es porque aunque sus formas han cambiado, sus espíritus se han vuelto más reales. Estos movimientos y posturas deformadas, entre "similitudes y diferencias", pueden revelar con mucha precisión el estado emocional de los personajes que bailan en este momento y están llenos de una vívida belleza formal. Estos movimientos y posturas pueden parecer irrazonables, pero son razonables. Pueden parecer irrazonables para la vida, pero son razonables para el arte. Transformados pero verdaderos en espíritu, en realidad son forma y espíritu, por lo que el público no sólo los acepta emocionalmente sino que también se conmueve por ellos. El esteticista Wang Chaowen dio una vez una explicación incisiva sobre este tema en su artículo "Dance Talk Outside the Door". Tomando como ejemplo "Joy" interpretada por Choi Mei-Sun, escribió: "La actuación de Cui Mei-Sun no consideraba la imitación del proceso de cosecha como su tarea creativa más importante. Aunque una vez usó la pandereta como recogedor, su actuación todavía se centró en sobre la expresión. El estado emocional de los personajes provocado por la cosecha... Si por el contrario, los actores consideran registrar el proceso de producción como la tarea más alta de reflejar la vida, entonces la danza se convierte en una recompensa viva, aunque pueda aumentar el valor. El conocimiento de la producción del público puede que no sea tan bueno como el anterior. Al igual que estas hermosas actuaciones de Cui Meishan, despiertan alegría estética al recordar los bailes que han sido populares entre las masas desde la fundación de la República Popular China. En los últimos años, la mayoría de ellas tienen un contenido ideológico profundo y expresiones vívidas de las emociones internas de los personajes. En la combinación de representación y expresión, la representación es la guía de la expresión y la expresión es el propósito de la representación. Exclusivos pero complementarios. Ambos sirven para expresar las emociones de los personajes, darles forma y mostrar el tema.

3. La combinación de habilidades es fascinante

A lo largo de los tiempos, las personas. Los bailarines se han acostumbrado a lograr placer y disfrute estético a través de la apreciación de las excelentes actuaciones técnicas de los bailarines para adaptarse a este propósito del público. Los bailarines se esfuerzan por mejorar sus habilidades de danza. capacidades de expresión artística a través del trabajo creativo. Las obras de danza de muchos bailarines contemporáneos famosos han captado esta característica estética del arte de la danza, adaptándose a las necesidades estéticas de la gente para la danza, siendo así bienvenidas por el público.

Por ejemplo, "Red Silk Dance" y "Flying Sky", que fueron bien recibidos en el país y en el extranjero en la década de 1950, utilizaban cintas de seda suave para bailar en varias líneas cambiantes, organizadas en varios patrones hermosos y escenas de color rojo fuego, mostrando a los bailarines. ' varios estados emocionales. En el drama de danza "Butterfly Loves Flowers", la larga danza de seda realizada por Chang'e para el alma leal y la larga danza de seda bailada por Wang Zhaojun de Liu Min en la primera competencia de baile "Peach and Plum Cup" tenían más de dos pies de largo. , mostrando las magníficas habilidades de los actores. Los actores utilizaron "Danza de las Flores", que ganó la medalla de oro en el VI Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes por la Paz y la Amistad.