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——Los experimentos simbólicos y la estética decadente de Ji Shu Si Shan.
Hablando del tío Ji Terayama, es fácil pensar en el director italiano Pier Paolo Pasolini. De hecho, los dos directores tienen mucho en común. El tío Terayama nació en la prefectura de Aomori en 1935 y se graduó en el Departamento de Chino de la Universidad de Waseda. El hecho de haber nacido en la prefectura de Aomori fue muy importante para él y aparece en muchas de sus películas, lo que también demuestra el carácter autobiográfico de sus películas. Le gustaba la poesía y el haiku desde niño y ganó muchos premios nacionales de poesía en su juventud. Además, es un excelente comentarista de carreras de caballos y combates de boxeo. Al igual que Pappas, también es guionista de cine, poeta director y artista cinematográfico y pictórico de primer nivel. La película de Pasolini "Saros: 120 días de Sodoma" tiene una profunda influencia entre los cinéfilos nacionales. Del mismo modo, "Shanghai Maritime Prostitute", editada por la empresa, también es la más popular. La similitud entre estas dos películas es que ambas muestran a un grupo de personas que se entregan al carnaval basándose en la raíz ideológica de que "los deseos humanos destruyen los principios naturales". Las obras de estas dos personas todavía se consideran adelantadas a su tiempo y tienen pocos amigos cercanos.
Como director, Jishu Terayama sólo realizó cinco largometrajes en su vida, pero cuenta con innumerables cortometrajes experimentales desconocidos, obras de teatro y guionistas de muchas películas. En las diferentes costumbres espirituales de italianos y japoneses, Pasolini bromeaba con un humor inadecuado, aunque este tipo de bromas hace reír, mientras que las películas de Terayama son serias. En sus películas no hay ninguna broma de principio a fin, sino un fuerte sentido de compasión. Las películas de Jishu Terayama no exploran tanto nuevos territorios como la "ecología original" o rinden homenaje a imágenes irreversibles del pasado. La película de Hughes es como un altar, frío, extraño, silencioso y desolado, suspendido sobre las cenizas del tiempo y el espacio externos y del mundo interior que han sido olvidados y quemados en la memoria.
El primer largometraje dirigido por Jishu Terayama es "Throwing Books on the Street" (filmado en 1971, en lo sucesivo denominado "Throwing"). El título de la película, como una película sobre la juventud y los deportes callejeros, habla de mucho más que un presentimiento. Jishu Terayama fue el guionista de la película "Useless Man" en 1970. El director de la película, Masahiro Shinoda, junto con Nagisashima y Yoshida Yoshige, crearon el movimiento de la nueva ola de películas japonesas y son conocidos colectivamente como los "Tres Maestros de la Nueva Ola". Las películas de la nueva ola tienden a centrarse en el mundo espiritual de los jóvenes y el movimiento estudiantil. La "Cruel Youth Story" de Nagisa es una de las obras maestras de este movimiento. Se puede ver que las películas de Jishu Terayama también fueron influenciadas por el movimiento New Wave, centrándose en el dolor y la confusión de los recuerdos juveniles y mezclando emociones personales con factores de la época y la región. "Throw" representa a un joven que no está dispuesto a aceptar el status quo y anhela la emoción, pero siente que la vida no es más que la nada, por lo que cae en una crisis espiritual.
Las cicatrices de la posguerra y la política turbulenta de Japón fueron la madre de su crecimiento y, al mismo tiempo, se vio repentinamente inundado.
La influencia de la cultura occidental. En esta película vemos grupos de jóvenes deambulando por las calles.
Los hippies vestidos con ropa elegante se turnaban para fumar marihuana, los cigarrillos de la Paz estaban esparcidos por el suelo y la sombra de la guerra se esparció por todos los rincones del mundo. Quizás era la primera vez que dirigía una película y Hughes no tenía suficiente confianza en la expresión de su cámara, por lo que la película incluyó largos poemas, monólogos y sermones filosóficos, utilizando el lenguaje y las palabras para fortalecer las intenciones de la película.
El "Festival Pastoral de los Muertos" es su recuerdo de la infancia en su ciudad natal de la prefectura de Aomori. La película se divide en dos partes: la primera parte es una película que se proyecta en el estudio, con recuerdos fuera de lugar del pasado, un niño encarcelado por su madre se siente atraído por el circo y se fuga con la esposa de un joven vecino; , el niño viene del tiempo y el espacio pasados, Cuenta el verdadero pasado. La joven no llegó como se esperaba y el circo siguió siendo absurdo. Los recuerdos y la verdad, como el papel de copia en movimiento, siempre tienen algunas diferencias irreparables.
Además de su propia escritura de guiones, el trasplante e interpretación de novelas de vanguardia es una característica importante de las pocas películas de Ji Shujishan, por lo que sus obras incluyen tanto "películas de autor" como "películas de escritor".
Esta hipótesis argumental audaz y vanguardista hace que a la gente se le ericen los poros. Esta estimulación no es instantánea, sino que despierta una sensación de frío en el corazón, permitiéndonos entrar conscientemente en las emociones que la heroína O puede sentir (en concreto, en el mundo personalizado del director).
Si hay una historia completa en "On" que puede ser aceptada por la mayoría del público, entonces "The Grass Maze" filmada en 1983 (en adelante, "The Grass") es una historia completa. a cabo una película experimental. Esta película trata sobre un adolescente que pasa por varias etapas para encontrar la canción de balonmano cantada por su madre muerta. Parece un espejo partido compuesto de arte escénico. Los diversos elementos de la película son como pesadillas y tonterías, que exudan sentido del olfato. Por todas partes la extraña atmósfera de miedo: la larga y abrumadora seda roja, la misteriosa niña bailando, un grupo de fantasmas que aparecieron inexplicablemente y la cabeza de la madre aplastada contra una pelota de mano, lo que dejó a la gente atónita e increíble.
"Goodbye, Box Boat" es la última flor en la vida de Ji Shu Terayama. Se completó un año después de la muerte de Hughes (1984). La historia se desarrolla en un pueblo donde el tiempo ha sido removido y convertido en un arca: las almas de los aldeanos se quedaron en el pueblo después de la muerte, los primos casados vivieron una vida amorosa y asexuada gracias al cinturón de castidad fabricado por su padre; Con el tiempo, el tiempo volvió al pueblo, los aldeanos se mudaron a otros lugares y el pueblo desapareció de la historia, dejando solo rastros en fotografías familiares. La sensación de soledad que abre "Cien años de soledad" impregna la película de Hughes. Se trata de una novela difícil de adaptar al cine, y sólo un poeta cinematográfico como Hughes podría haberlo hecho. Es una pena que el maestro se convirtiera en un extraño antes de que terminara la película.
Aunque las tramas de las películas de Hughes puedan parecer inconexas, siempre hay un símbolo que sirve como pista de toda la película. En "Tian", la herramienta del tiempo es una pista del apego de la película, y en "Shang" ocurre lo mismo con la caja rectangular de la infancia de O. Este símbolo cuadrado rodeaba el símbolo circular del interior, como un grillete, haciéndola perder su libertad y quedarse en silencio, pero al mismo tiempo no tenía adónde escapar. Por tanto, la estética simbólica de Terayama es una de las características más importantes de sus películas. En sus películas, los símbolos y la trama son igualmente importantes, incluso más que estos últimos.
Técnicas de procesamiento de elementos de imagen y sonido
La organización de los elementos de imagen y sonido de la película de Jishu Terayama es tan compleja como su argumento. Las películas de Jishu Terayama siempre tienen música local relajante mezclada con sonidos de fondo breves y ásperos. Después de ver algunas de sus películas, descubrí que mis oídos se volvieron sensibles y comencé a captar pequeños sonidos cortos en el aire que nunca antes había escuchado. Para que la película tuviera un sentido artístico tanto de forma como de espíritu, a Hughes no le importó el procesamiento del sonido, ya fueran las hermosas y delicadas canciones populares japonesas o la escena de "Throw" cuando la hermana fue violada en grupo. por los jugadores de fútbol y el hermano estaba indefenso afuera de la puerta, el sonido de fondo usa un coro que parece gritar en lugar de gritar y el extraño sonido del monstruo bailando en la hierba está en línea con la trama y es impresionante; Asimismo, a través de varias de las películas de Hughes podemos descubrir su preferencia por el color y la composición. A veces manipula la lente para expresar el mundo objetivo de manera suave y natural como una pintura al óleo, a veces usa ukiyo-e para expresar imágenes vívidas, a veces grisiza o oscurece las imágenes y a veces usa algunos objetos de colores surrealistas para expresar el mundo. reflejado en su corazón. Los tiros lejanos con características meditativas y los tiros en suspensión rápidos se superponen constantemente.
Para cualquier sustancia existente, ésta es única como sujeto, pero la sustancia vista a través de cada ojo es diferente. Es difícil decir qué es verdad. Quizás el mundo que vemos, oímos y con el que entramos en contacto no sea real. Sólo los objetos proyectados en nuestro corazón son sustancias verdaderamente leales a nosotros mismos. La mayoría proyecta desde un ángulo similar, pero Hughes eligió otro y transmitió la sensación en la pantalla. Siempre agrega filtros de color a sus tomas, o las sobreexpone o subexpone para enfatizar el impacto de las tomas. Por lo tanto, en sus pinturas suelen aparecer el sol y el cielo rojos, la tierra y los ríos violetas, e incluso algunos tonos blanco y negro o gris pardo, y todavía se utilizan la composición y las imágenes para aumentar el impacto visual. Muchos elementos visuales de las películas de Jishu Terayama son muy similares a su fotografía.
El verde y el morado se utilizan para distinguir diferentes colores emocionales en "Throw".
Throw reúne mucha cultura pop: carteles, música rock, hippies y más. La película trata sobre la reflexión de Japón sobre la nación. La colisión de dos culturas hace que Japón no pueda mantenerse alejado y se sienta ansioso.
Al inicio de este artículo, se mencionó que las películas del tío Ji Terayama todavía están en el altar. Este poeta cinematográfico, sensible y apasionado por los paisajes primitivos, inscribió esta emoción en sus películas. En este mundo exterior se entrelazan pastos, pastizales, montañas nevadas, ferrocarriles abandonados, recuerdos del pasado y pianos. También está comprometido a profundizar en su mundo interior. A primera vista, ninguna de sus películas escapa a las semillas del amor. La ambigua relación entre madre e hijo en "Grass and Field", y el hecho de que O perdiera a su padre que le dibujaba la caja de tizas en Top, recurrió a Steven, que era muchos años mayor que él, para completar su pertenencia bajo el nombre de control del poder. ¿No son los complejos de "amor al padre", "amor a la madre" e incluso "amor al hijo" que se muestran en la película la encarnación de los complejos de Orfeo y de Edipo propuestos por Freud? Freud utilizó el ello, el yo y el superyó para constituir el mundo consciente de una persona. En varias películas, Glass ha explorado especialmente el mundo subyacente de la voluntad llamado "superego" y lo ha presentado en forma de imágenes, lo cual no es fácil. El superyó es un mundo que puede explorarse para siempre. Por tanto, este tipo de película es altamente experimental.
Pero obviamente la Montaña del Templo Jishu tiene un significado más profundo. Podemos ver varias escenas de sexo en las películas, muchas veces en medio de la desesperación y la lucha. Por ejemplo, en "Throwing", mi hermana fue violada en grupo, en "Tian and Cao", una joven tuvo relaciones sexuales con un adolescente, y en "Ashan", Steven la violó y recibió invitados. Aunque O se rió con un niño revolucionario, el niño fue asesinado a golpes. El sexo era originalmente un cebo feliz proporcionado por Dios para la reproducción humana, pero aquí no hay felicidad alguna. Si el sexo pierde su propósito, todo está en peligro. En sus películas, el sexo no sólo es metaforizado por varios símbolos, sino también por una metáfora más amplia. Si simplemente hacen todo lo posible por utilizar trucos para liberar la estimulación sensorial, la película de Hughes no puede considerarse una película de arte. A lo sumo, está un poco más avanzada entre la proliferación de productos audiovisuales japoneses. El "instinto sexual" y el "instinto de vida" (también llamado "instinto de muerte") son los dos contenidos principales de la vida. Hughes entreteje la vida, la muerte y el sexo en su obra, que también son temas importantes para muchos maestros japoneses. Muchos directores japoneses de su época, como Imamura Shohei y Nagisashima, también estaban acostumbrados a utilizar imágenes para reflexionar sobre las visiones sobre la vida, la muerte y el sexo que constituían sus características nacionales. Hay un detalle en "Throw". Un hombre vende "viejos y ancianas inútiles" detrás de él hay varios ancianos atados al entumecimiento. Este tipo de eliminación cruel de los viejos y débiles debido a la limitación de recursos recuerda fácilmente a "La prueba del festival de la montaña" de Imamura Shohei. Este país insular con aguas bloqueadas, una nación hegemónica que se expandió deliberadamente, ha producido tal grupo de maestros compasivos, que reflexionan sobre el sentido individual de "vida (muerte)" y "sexo", y se preocupan por el destino de toda la nación. a través de cuidados individuales.
Luego, como poeta cinematográfico, no supo fingir su vida. En 1983, Hughes murió de cáncer de hígado en Japón a la edad de 47 años. Durante los años siguientes, varias de sus películas se estrenaron a nivel nacional e internacional. Es difícil decir si su muerte antinatural estuvo relacionada con su película. Quizás fue su exploración de la desesperación humana y la nostalgia por la ecología original lo que le hizo avanzar prematuramente hacia el origen y el destino de todas las cosas. El gran maestro finalmente contrajo una enfermedad terminal irresistible. Afortunadamente, existen películas que nos permiten conocer el altar eterno que dejó.