¿Qué es la escultura de los siglos XVII al XVIII?

Después de la grandeza de las esculturas renacentistas, el estilo escultórico de este período tendía a ser tranquilo y natural, y el estilo estaba más influenciado por el arte barroco y rococó. Entre los escultores importantes de este estilo se encuentran Bernini, Falcone, etc. La escultura neoclásica apareció en el período posterior, y la más destacada fue Canova. Otro escultor que ha promovido el desarrollo del arte escultórico es Wu Dong. Los numerosos retratos escultóricos que creó han enriquecido las técnicas de expresión artística en este campo y tienen un significado pionero.

"El Fauno es interpretado por niños" Esta escultura grupal de Bernini es una de sus primeras obras representativas. El contenido muestra la escena del Fauno interpretado por niños. El movimiento y el ruido son el centro de esta obra. . El cuerpo del fauno está inclinado hacia atrás, y sus dos brazos están delante y detrás, casi formando una línea recta. Toda la obra utiliza el tronco de un árbol como punto de apoyo. El tronco está lleno de frutos y bajo el árbol hay dos perros de caza. La composición de este grupo escultórico es vivaz y llena de movimiento.

Este grupo de figuras escultóricas no tiene la grandeza y el poder del Renacimiento, sino que es ligero y fluido, reflejando el estilo del arte barroco.

"Bathing Girl", Falcone representa el mayor logro de la escultura rococó francesa del siglo XVIII, y esta obra es su obra maestra. El autor muestra el momento en que la chica que se baña se quita el vestido y sus pies están a punto de meterse en el agua, y utiliza técnicas creativas realistas para crear una imagen hermosa, elegante y pura de una mujer. La figura es regordeta y encantadora, con líneas suaves y tersas, formas simples y sencillas y una dinámica armoniosa y natural.

Las características del cuerpo elegante y estirado y el estilo de modelado realista de "La chica del baño" heredan claramente las características del arte rococó, al tiempo que integran el estilo simple del clasicismo.

"Retrato de Franklin" fue realizado por Wu Dong, lo que refleja la búsqueda de Wu Dong de representar la psicología de los personajes: dentro del alcance extremadamente limitado del busto, se esfuerza por resumir la experiencia de vida del personaje y las características. de la época en la que vive. La rigurosa forma corporal de Franklin por parte del escultor hizo que su imagen pareciera solemne y serena, conteniendo una gran magnanimidad. La forma de toda la estatua era extremadamente resumida y concisa. El autor utiliza técnicas de realismo para representar objetos de manera realista, escribiendo una página inmortal para el desarrollo del retrato escultórico. Franklin fue un activista social, escritor y científico estadounidense con una rica personalidad. "Retrato de Franklin" resume su experiencia de vida y las características de la época.

"El beso de amor despierta el espíritu" es una de las obras maestras de Canova y la obra que estableció su estilo escultórico neoclásico. Esta pequeña estatua está tallada con gran detalle, lo que demuestra plenamente las magníficas habilidades del autor. Las alas del Dios del Amor en la obra son extremadamente delgadas, de más de un metro de largo, pero no hay rotura ni daño alguno. La obra no sólo tiene una superficie extremadamente lisa, sino que también tiene un fuerte sentido de la forma y está llena de colores románticos. El beso de Cupido que se muestra en la escultura no es ni sensual ni apasionado. Despierta el espíritu del alma en un ambiente tranquilo. La estatua muestra la búsqueda del artista por la belleza formal.

"Los Caballos de Marly" es una obra del escultor francés Cousteau. El escultor se centró en dar forma al caballo violento, majestuoso y difícil de controlar. Mantenía la cabeza en alto y tenía un impacto imparable. Al lado del caballo hay un jinete domesticador que intenta domar al feroz caballo. El contraste entre caballo y hombre en forma y fuerza transmite un espíritu invencible. En cuanto a las técnicas de talla, el escultor heredó evidentemente técnicas artísticas barrocas.

Apolo y Dafne, Bernini italiano

Dafne (Diosa Laurel) es una diosa muy hermosa que una vez se enamoró de Apolo, el hijo mayor de Zeus. Finalmente, un día Apolo no pudo contener su amor por la Diosa Laurel y comenzó a perseguirla. Sin embargo, como el propio Apolo era el dios del sol, su cuerpo acumulaba una gran cantidad de energía térmica, lo que hacía que el laurel fuera insoportable y existía el peligro de quemar la piel si se acercaba. Así que cada vez que Apolo perseguía a Laurel, ella se escondía. Así, persiguiendo y escondiéndose, pero esta no es la respuesta después de todo. Finalmente Yuegui no pudo soportarlo más y gritó pidiendo ayuda. Su padre no pudo soportar el dolor de su hija, por lo que abrió una gran grieta en la tierra. Laurel saltó y se convirtió en un gran árbol que crecía en la grieta. Desde entonces, el árbol se llama laurel. Apolo no sabía el motivo, pensando que Laurel preferiría convertirse en un gran árbol que estar con él. Hasta que un día, de repente se dio cuenta de que era porque tenía demasiado calor que el laurel se había convertido en un gran árbol. Apolo juró dejarle una cobertura a Laurel para siempre.

Eso es lo que hoy conocemos como manchas solares, la sombra eterna que quedó en el corazón del dios sol, la sombra que dejó para el laurel...

Apolo y Dafne Bernini

La La persecución amorosa entre Apolo y Dafne descrita en la mitología griega es una historia muy atractiva y a muchos artistas les gusta utilizar este tema en sus creaciones. La más famosa de ellas es la estatua tallada por Giovanni Lorenz Bernini.

En 1623, Bernini decoró el jardín del cardenal Spione Porgez en Roma con cuatro grupos escultóricos, entre los que "Apolo y Dafne" era uno de ellos. Ahora en la colección de la Galería Boggs en Roma, Italia.

La estatua muestra el momento en que la mano de Apolo toca el cuerpo de Dafne. Ambos están en el movimiento de montar en el viento, sus cuerpos son ligeros y elegantes. El cuerpo de Daphne ha comenzado a convertirse en un laurel, sus piernas voladoras se han convertido en troncos de árboles y se han plantado en la tierra, han crecido hojas entre su cabello suelto y sus dedos extendidos, e incluso sus pechos más suaves han quedado cubiertos con una fina capa. ladrar. Pero todo el cuerpo de Daphne todavía tiene una actitud de vuelo, y sus brazos y cuerpo forman una elegante forma de S. Ella inclinó la cabeza, sus ojos pasaron del miedo al entumecimiento, con un sentimiento de lástima. Apolo vio a Dafne convertirse en un laurel, su expresión cambió de sorpresa a tristeza, pero no pudo salvarla. Una de sus manos todavía está sobre el cuerpo de Daphne, mientras que la otra se extiende en diagonal hacia abajo, formando una línea recta con el brazo de Daphne, dando a toda la estatua una sensación de turbulencia y llena de expresividad.

Esta obra de Bernini fue creada imitando el estilo escultórico griego tardío. La trama dramática hace que la estatua esté profundamente arraigada en los corazones de las personas. La postura de toda la obra es impecable, no importa desde qué ángulo se mire, las dos figuras son tan elegantes como una danza. Esta obra fue realizada por Bernini para uno de los cardenales más poderosos de la época. Inmediatamente después de su publicación causó sensación en toda Roma y todos los que la vieron quedaron conmovidos.

Giovanni Lorenz Bernini, escultor y arquitecto italiano, fue el mayor maestro de arte del siglo XVII. Nació en 1598 y murió pocos días después de cumplir 82 años. Fue el último de esa ilustre y multifacética línea de artistas cuyos esfuerzos hicieron de Italia la luz del mundo occidental durante tres siglos.

Como líder del arte barroco italiano, se puede decir que Bernini es versátil. Es bueno escribiendo y pintando, y tiene un legado de la época del Renacimiento. Se escribió entonces sobre Bernini: Se representó una obra popular en la que pintó el decorado, esculpió las estatuas, inventó las máquinas, compuso la música y escribió la comedia. Incluso construyó el teatro. La influencia que dio a su época no tiene rival en la historia.

Bernini nació en Nápoles. Su padre también era escultor. En 1605, su familia se trasladó a Roma. Se dice que cuando tenía 8 años hizo un retrato de un niño, lo que conmocionó a su padre. A la edad de 17 años pudo realizar de forma independiente un muy buen busto para el arzobispo Saldoni. Posteriormente conoció al famoso cardenal Spione Porgez. Cuando Bernini recién empezaba, Porgez le encargó una serie de obras para decorar su jardín. Con la producción de estas obras, Bernini mostró por primera vez su talento, logró un éxito inesperado y obtuvo grandes honores. "David", que compuso en 1619 (algunos creen que fue en 1623) es uno de ellos.

Los personajes de Bernini están siempre en intenso movimiento. El mármol parece haber perdido peso en sus manos y las ropas de los personajes siempre ondean suavemente con el viento, dando a la gente una sensación de ligereza, vivacidad e inquietud. El número de cuerpos humanos representados por Bernini no es menor que el de Miguel Ángel, y expresa mejor tramas dramáticas y cuerpos humanos en intenso movimiento. En sus obras también podemos ver la influencia de la tradición clásica en él, especialmente el estilo del período helenístico, que obviamente se refleja en sus obras. Cuando se completó la escultura "Apolo y Dafne", Bernini se ganó los elogios de toda Roma. Incluso algunas figuras importantes del mundo religioso se sintieron conmovidas, entre ellas Urbano VIII, que pronto se convirtió en Papa, quien también expresó su admiración por Bernini. Nidajia lo agradece. Posteriormente ingresó en la Santa Sede y el Papa le encargó la realización de un lujoso baldaquino de bronce para la Basílica de San Pedro. Se trata de una obra que combina estrechamente escultura y arquitectura.

Esta obra tallada muy vívida demuestra plenamente el pensamiento de Bernini de servir a la religión de todo corazón y también muestra las características integrales, lujosas, decorativas, dramáticas y de otro tipo del arte barroco. La creación de la columnata en la plaza frente a la Basílica de San Pedro es grandiosa y dinámica, haciendo eco de la cúpula de la catedral de Miguel Ángel, haciendo de este paisaje el más magnífico de Roma. El éxito de la escultura de altar "El Retablo de Santa Teresa" marcó la llegada de la escultura cumbre de Bernini. En esta obra, Bernini encarna ideas humanistas. Refleja la dignidad humana, los ideales y la búsqueda de una vida mejor. Este es también un componente positivo en la creación de Bernini y también es la diferencia con el arte barroco en general.

Los retratos escultóricos de Bernini se pueden dividir a grandes rasgos en dos categorías: una son los retratos escultóricos realizados por orden de papas y reyes. Estas obras suelen ser demasiado hermosas, no tienen suficiente personalidad y, a menudo, carecen de la representación interna de los personajes. La segunda categoría consta de retratos escultóricos que hizo de sus amigos y familiares. Tenía mayor libertad a la hora de hacer retratos de amigos y familiares, por lo que eran más vívidos. Posteriormente, en 1665, fue invitado a Francia por el rey Luis XIV para participar en el diseño de la fachada este del Louvre. Pero en esta época, las esculturas de Bernini mostraban tendencias cada vez más estilizadas, mientras que el color humanista era débil, los factores de realismo también se reducían y eran más religiosas y misteriosas. Aunque sus habilidades creativas han alcanzado el nivel de perfección, muchas de sus obras carecen de vitalidad e innovación.

Bernini no sólo fue un famoso escultor y arquitecto, sino también un excelente pintor. Pocas personas mencionan esto, de hecho, entre las más de 100 obras que creó a lo largo de su vida, muchas de ellas son obras excelentes. Además, también dibujó algunos dibujos animados. Bernini también fue un caricaturista famoso en el siglo XVII. Bernini fue esencialmente un hombre de fe. No escribió un solo ensayo exponiendo sus afirmaciones, pero Bernini fue único: algunos artistas serán igualmente apasionados, otros igualmente creativos, pero puede que nunca haya otro en toda la historia del arte que haya luchado por su fe.

La Fuente de Bernini es su aportación más significativa a la ciudad de Roma. Su primera fuente fue la del "Barco Roto" de la Plaza de España, que, al igual que el Baldaquino, fusionaba escultura y arquitectura. "Tritón" es un cambio importante de la fuente románica. Los estanques superpuestos de la tradicional fuente cuadrada geométrica parecen realistas. Cuatro peces curvos sostienen una enorme concha, y Poseidón se para sobre la concha y rocía agua hacia arriba desde un cuerno de caracola.

Pero no todos los primeros diseños arquitectónicos de Bernini tuvieron éxito. En 1637 comenzó a construir el campanario sobre la fachada de la Basílica de San Pedro. Pero en 1646, cuando el peso de los campanarios comenzó a agrietar el edificio, fueron demolidos y Bernini cayó en desgracia.

Las creaciones monumentales públicas más destacadas de Bernini se completaron desde mediados de la década de 1640 hasta la de 1660. La "Fuente de los Cuatro Ríos" en la Piazza Navona de Roma es un antiguo obelisco egipcio erigido sobre una gran roca hueca. En la cima de la roca hay cuatro estatuas de mármol que simbolizan los cuatro ríos más importantes del mundo. siglo XVII, concretamente en Europa, el río Danubio, el río Nilo en África, el río Ganges en Asia y el río Labrador en América. En la parte superior del obelisco están el escudo papal y una paloma sosteniendo una rama de palma (el emblema familiar del Papa Inocencio X. Esto deja el significado muy claro: la Santa Sede ha sido restaurada y vibrante, y gobierna en el). nombre de Dios en todo el mundo. A pesar de su evidente significado simbólico, la fuente de Bernini es su obra permanente más destacada.

Se han conservado un pequeño número de escenografías de Bernini, que en este sentido también muestran su imaginación integral. La esencia del teatro de Bernini es la misma que la esencia de su arte. Rompe estereotipos y establece un contacto directo y muchas veces inesperado con su público. Era conocido por utilizar fuego real durante sus actuaciones, y en un momento incluso inundó el escenario con agua, convirtiendo al público en artistas entusiastas, al menos por un momento.

El ejemplo más destacado del arte maduro de Bernini es la Capilla Cornaro de Santa Maria della Vittoria en Roma. Ha llegado a este punto a través de continua exploración y avance desde el comienzo de su carrera artística. La capilla fue encargada por el cardenal Cornaro y está ubicada en un pequeño crucero de la capilla. La pieza central es "La adicción de Santa Teresa", que representa una experiencia mística de Santa Teresa de Ávila, la gran reformadora carmelita española. Teresa soñó que un ángel atravesaba su corazón con flechas llameantes del amor de Dios.

Bernini basó su creación artística en las circunstancias narradas por la propia Teresa. La postura de la estatua es la del santo obsesionado que se desmaya en la ilusión del espacio. La portada tiene una cortina de gasa colgando y está colocada en un nicho sobre el altar, iluminado por una luz aérea. Esta obra combina muchos elementos de las artes arquitectónicas y decorativas de manera metódica y en capas. En los espacios a izquierda y derecha, similares a los palcos de la ópera, se puede ver a muchos miembros de la familia Cornaro hablando, leyendo o rezando, y todos parecen llenos de energía. La Capilla Cornaro encarna perfectamente el ideal de Bernini de imágenes tridimensionales. Las figuras de Santa Teresa y los ángeles están talladas en mármol blanco, pero el espectador no puede distinguir si son tridimensionales o simplemente un relieve profundo. La luz natural forma parte integral de esta escultura, brillando con una luz dorada encima y detrás de las dos figuras desde una fuente de luz oculta. El Encantamiento de Santa Teresa no es una escultura en el sentido tradicional, sino un paisaje organizado compuesto de escultura, pintura y luz, incluyendo a los fieles en un drama religioso.

El mayor logro arquitectónico de Bernini es la columnata que rodea la plaza frente a la Basílica de San Pedro. La función principal del enorme espacio es dar cabida a las masas que vienen a escuchar las bendiciones del Papa en Semana Santa y otras ocasiones especiales. El diseño de Bernini era un enorme patrón ovalado y un vestíbulo trapezoidal conectado a la iglesia. Usó esta forma para comparar la iglesia con la madre, con brazos rodeándola. Para satisfacer las necesidades de un sitio al que se puede acceder libremente, diseñar columnas independientes es una solución revolucionaria. La plaza guía a los visitantes hacia la iglesia y compensa las deficiencias de la fachada excesivamente amplia de la Basílica de San Pedro. En el centro de la plaza ovalada de Bernini se encuentra el obelisco del Vaticano que Sixto V trasladó al frente de la iglesia en 1586. Bernini trasladó una fuente construida por Maderno al eje longitudinal de la plaza y añadió una idéntica en el lado opuesto para lograr un escenario perfecto. Este diseño es similar a la imagen de la Piazza Sant'Andrea en Quirinal diseñada por Bernini, pero el significado y la función son diferentes, pero los dos patrones ovalados son igualmente refrescantes.

La decoración religiosa más hermosa de Bernini es el trono de San Pedro, también conocido como la silla papal, completado entre 1657 y 1666. Se añadió una superficie de bronce dorado al trono papal (asiento) de madera medieval. La tarea de Bernini no era sólo decorar la silla, sino también crear una meta significativa en el ábside de la Basílica de San Pedro para las visitas a la catedral. La apariencia del trono está respaldada por estatuas de bronce de cuatro figuras famosas: los primeros teólogos cristianos San Ambrosio, San Atanasio, San Juan Crisóstomo y San Agustín. Arriba están los halos dorados de los ángeles en las nubes y los rayos del Espíritu Santo pintados en las ventanas ovaladas. La iluminación natural a través de la cual aparece el Espíritu Santo se convierte en un símbolo visible del flujo continuo de la misericordia de Dios a través de la Iglesia hacia el mundo entero. El Seat se creó aproximadamente al mismo tiempo que la Piazza, y las marcadas diferencias entre las dos piezas muestran cuán verdaderamente sorprendente fue la versatilidad de Bernini. Ambas obras fueron creadas por el Papa Alejandro VII (que reinó de 1655 a 1667), nacido en la familia Ziggy.

El Éxtasis de Santa Teresa Bernini, Italia

Giovanni Lorenz Bernini fue un escultor, arquitecto italiano y uno de los principales representantes del arte barroco, también se puede decir. ser el fundador del arte barroco. Las características de sus obras son las características del arte barroco, que se reflejan en la iglesia. Combina arquitectura, escultura y pintura en un todo, presta atención a la forma de la obra, especialmente a la composición de la pintura en la escultura, y es buena. en el uso de técnicas delicadas y composiciones exageradas, expresando las intensas acciones momentáneas y el estado mental de los personajes, dando a la obra un fuerte sentido dramático. El "Éxtasis de Santa Teresa" en la imagen es un ejemplo perfecto del arte barroco. La estatua muestra a Santa Teresa en una alucinación cuando vio a un ángel arrojándole una lanza dorada y golpeándole el corazón. Su cuerpo y su espíritu quedaron intoxicados. por ello. La estatua es elegante y llena de emoción y movimiento dramáticos, que recuerda a Miguel Ángel y las estatuas de la antigüedad. Bernini también fue un artista prolífico. Usó obras maestras para embellecer a Roma y convertirla en una hermosa ciudad barroca. Estas obras se pueden ver en todas partes al caminar por las calles de Roma. Fue un gran arquitecto y el plano de la Plaza de San Pedro en Roma es uno de sus mayores logros en arquitectura. Esto demuestra que sus creaciones fueron muy queridas por la Santa Sede y la sociedad de aquella época.

Voltaire Estatua Sentada de Faoudon

Voltaire fue un pensador, escritor y filósofo de la Ilustración francés.

Voltaire fue el abanderado de la Ilustración burguesa francesa en el siglo XVIII. Era conocido como el rey del pensamiento francés, el mejor poeta de Francia y la conciencia de Europa. Voltaire no sólo logró logros destacados en filosofía, sino que también fue famoso por su defensa de las libertades civiles, especialmente la libertad de creencia y la justicia judicial. A pesar de la dura censura de su época, Voltaire apoyó abiertamente la reforma social. Sus discursos se caracterizaron por la sátira, atacando a menudo el dogma de la iglesia cristiana y el sistema educativo francés de la época. Hugo comentó una vez: El nombre de Voltaire no representa a una persona, sino a toda una época. Defendió los derechos humanos naturales defendidos por Rousseau, creyendo que las personas nacen libres e iguales, y que todas las personas tienen derecho a buscar la supervivencia y la felicidad. Este derecho lo otorga la naturaleza y no puede ser privado. derechos humanos naturales.

Voltaire sentado

Se trata de un destacado representante de la escultura clásica. El anciano estaba sentado feliz y tranquilamente en el sillón, vestido con una antigua túnica romana, con las manos en los apoyabrazos y la cabeza ligeramente inclinada, como si escuchara atentamente las conversaciones de la gente. El cuerpo delgado y envejecido se puede discernir vagamente, pero la túnica corre hacia abajo para cubrirlo y los gruesos pliegues son particularmente llamativos. Esto confiere a toda la escultura un efecto monumental y la inteligencia del tratamiento es impresionante. Las descripciones faciales de Voltaire son particularmente delicadas y sutiles, y contienen un contenido extremadamente rico. Su fuerza no es externa, sino interna. Es la actitud tranquila que tiene un gran sabio ante todos los problemas, la calma condescendiente y serena, las risas, las maldiciones y el ingenio humorístico. Especialmente el par de ojos, que están hechos para parecerse a personas reales. El iris está completamente hundido y las sombras en el hueco están llenas de puntos negros. Estos ojos cristalinos, que parecen contener humedad y brillar intensamente, están llenos de confianza y poder. Se puede decir que Wudong fue el primer escultor que supo representar los ojos. comentó uno de sus amigos.

Entre los pocos maestros escultores de la historia del arte occidental, Wudong ocupa un lugar importante. Vivió en la época de la Ilustración francesa y fue un maestro escultor que hizo época y desempeñó un papel destacado en la transición del clasicismo francés al realismo.

Jean Antoine Houdon nació en el seno de una familia de conserjes en Versalles. Cuando tenía 7 años, el patio que cuidaba su padre se convirtió en una escuela de arte especializada en formar a los mejores estudiantes extranjeros. Por lo tanto, Xiao Wudong estuvo expuesto a algunos artistas franceses famosos desde una edad temprana. Debido a su talento e influencia artística, Wudong tuvo un talento artístico considerable en su juventud. A la edad de 15 años, ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de París. A los 20 años ganó el gran premio por su escultura en relieve "La reina de Seba presenta un regalo al rey Salomón" y fue seleccionado para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de Roma. Cuando Houdon tenía 27 años, estudió en Roma y regresó a París. Se dio cuenta de que para que los artistas jóvenes fueran reconocidos por la sociedad, debían esforzarse por participar en el Salón Nacional que se celebraba cada dos años. Fue durante estas exposiciones cuando fue apreciado por el crítico Diderot, quien lo recomendó a la emperatriz rusa Catalina II, para quien realizó una estatua.

El Dios durmiente pintado por Wudon en 1769 se exhibió en el Salón de 1771. Debido al éxito de esta obra, fue ascendido a académico de la Real Academia. Esta estatua masculina desnuda de tamaño natural recuerda a la gente la disposición espacial del barroco romano y el estilo majestuoso de Miguel Ángel. Cuando Wu Dong tenía 35 años, creó otra obra impresionante: "Diana". La obra ya causó revuelo incluso antes de ser expuesta. La imagen es un desnudo femenino, inusualmente regordete, redondo, terso, conciso y grácil, con una expresión implícita y vivaz. La diosa aterrizó sobre un pie, con todo el peso de su cuerpo apoyado sobre los dedos de los pies, dando a las personas una belleza ligera y delicada. Los movimientos coordinados de sus manos que sostienen el arco y la flecha y de todo su cuerpo, especialmente su cabeza levantada y su mirada atenta a la dirección de la marcha, dan a la estatua una fuerte sensación de movimiento, que es extremadamente exitosa. En sus obras, Wudong combina hábilmente el clasicismo tradicional con la belleza curvilínea rococó. Las dos obras "Dios del sueño" y "Diana" son el resumen del estilo clasicista idealizado de Wudon.

El amigo y escritor de Diderot, Grimm, señaló una vez que se puede decir que Houdon fue el primer escultor que supo representar ojos humanos. Los métodos y técnicas de Wudong para dar forma y tallar los ojos son diversos, y abre profundamente los misterios del alma de las personas con sus exquisitas habilidades de acabado. Los retratos que inspiró son heroicos y sabios, o amables y reservados, todo lo cual da a la gente un sentimiento cristalino, transparente y rico.

El segundo año después de que Wudon obtuviera el título de Académico de la Real Academia, es decir, cuando tenía 37 años, fue su año más fértil en la creación de destacados retratos escultóricos de Voltaire, Molière, Rousseau, Franklin, etc. Producidos en este año, "Voltaire" y "Molière" fueron los más exitosos. Ambos reflejaban las características distintivas de la época y las características individuales. La capacidad de Wudong para crear tantos retratos destacados de figuras avanzadas de la época con características de personalidad distintivas y profundidad de pensamiento es inseparable de sus ideales sociales y conceptos estéticos progresistas. Una vez dijo: "El logro máximo de un arte escultórico tan difícil es uno de. su característica única es la capacidad de tallar en imágenes casi inmortales a aquellos que han ganado gloria y creado felicidad para la patria manteniendo toda la autenticidad de sus características. Este tipo de pensamiento se ha desarrollado en una labor artística a largo plazo. yo."

Esta es la grandeza de Wudong. A la edad de 62 años, Wudong recibió el título de Escultor Jefe de la Real Academia y Profesor de Pintura, Escultura y Arquitectura. Influyó directamente en Lüder, Carbo y Rodin, quienes también fueron sus entusiastas admiradores.