Presentando a Leonardo da Vinci y analizando su estilo artístico~ ~ ~
El maestro y científico más famoso de la literatura y el arte italianos de la nueva era. Nació en Vinci, un suburbio de Florencia, y murió en Francia. Su padre era abogado y notario, y su madre era una campesina. Llegó a Florencia a la edad de 15 años, estudió en el taller de Verrocchio y se unió al gremio de pintores en 1472. El estilo personal había madurado a mediados de los años setenta. Trabajó en Milán de 1482 a 1499, sirviendo principalmente al duque de Milán, y desarrolló una amplia gama de actividades artísticas y científicas. "La Virgen de las Rocas" es su obra maestra más famosa de este período.
Logros artísticos: Leonardo da Vinci comenzó a estudiar en el taller del pintor A. del verrocchio a los 15 años.
1472 Ingresó en el gremio de pintores. A mediados de la década de 1970, su estilo personal de pintura maduró gradualmente.
De 1482 a 1499 residió en Francia, donde además de servir al duque de Milán, también se dedicó a otras actividades artísticas y científicas. Durante este período no tuvo muchas pinturas, pero "La Virgen en las rocas" y "La Última Cena" son sus obras maestras.
1500 Viaje a Mantua y Venecia.
En 1506, regresó a Florencia para crear la Virgen, Santa Ana y la Mona Lisa, y también comenzó a pintar murales para el ayuntamiento.
En 1507, volvió a Milán y sirvió en la corte francesa.
Se trasladó a Roma en 1513, a Francia en 1516, y finalmente se instaló en Amboise.
En sus últimos años rara vez pintó, y se dedicó por completo a la investigación científica. Tras su muerte, dejó un gran número de notas y manuscritos, que abarcaban casi todo, desde la física, las matemáticas hasta la anatomía biológica.
No completó muchos cuadros en su vida, pero todos son inmortales. Sus obras tienen un estilo personal evidente y sabe combinar la creación artística con la discusión científica. Es único en la historia del arte mundial. La comunidad académica generalmente divide sus actividades creativas en dos etapas: la etapa inicial y la etapa próspera.
Creación temprana: Mientras estudiaba en el taller de Verrocchio, mostró un extraordinario talento para la pintura. Cuando ayudó a Verrocchio a pintar el Bautismo de Cristo alrededor de 1470, aunque solo pintó un ángel de pie junto a Cristo, su comportamiento, expresión y tono suave claramente superaron a Verrocchio. La composición de su primera obra "Aviso de embarazo" no es innovadora, pero la descripción del paisaje de fondo presta atención a la expresión de la atmósfera del aire. Esto demuestra que se ha comprometido desde el principio a resolver la relación dialéctica entre la escritura y el procesamiento típico. El posterior "Retrato de Geneve de la Debenhe" fue en contra de la tradición de buscar líneas claras en el arte de los siglos 65 y 438 + 05, y utilizó el tono de la puesta de sol retroiluminada para generar el efecto de perspectiva que él defendía. "El Doctor Viene a Adorar" (también traducido como "Los Reyes Magos Vienen a Adorar"), creada en 1481, es una obra que marca la madurez de su estilo artístico. Aunque el cuadro no se completó porque se fue a Milán, del manuscrito original se desprende que la innovación artística mostrada en su composición y creación de imágenes superó ampliamente a sus maestros y compañeros: el triángulo compuesto por la Virgen Niña y tres médicos. Fondos como como estructuras estables, ruinas arquitectónicas dibujadas con precisión y caballos al galope muestran que ya no se limita a enumerar personajes relevantes desde una perspectiva narrativa, sino que reinventa completamente los temas tradicionales. El método de pintura oscura que adoptó hizo que las figuras resaltaran entre las sombras, rompiendo los rasgos claros de las pinturas tradicionales y presagiando la llegada del Renacimiento.
Creación histórica: En 1482, Leonardo da Vinci llegó a Milán y, por invitación de la Iglesia de San Francisco, pintó el retablo "Virgen de las Rocas". Aunque la obra, ahora escondida en París, sigue siendo un tema tradicional, sus caracterizaciones, tallas en las profundidades de la cueva y representaciones realistas de flores y plantas entre las rocas atestiguan su pincelada ahumada, dándole una ventaja en el realismo facsímil y el tratamiento artístico alcanzado. nuevo nivel. "La Última Cena" es su obra más famosa de este período. Este fresco, que muestra la escena de despedida de Cristo con sus discípulos antes de su arresto, fue pintado en el refectorio del monasterio de Santa Maria dellago Sin en Milán. La ingeniosa composición y diseño del campamento comercial conectan estrechamente la sala de la imagen con la estructura del edificio del restaurante en la vida real, haciendo que el espectador sienta como si la escena de la pintura estuviera sucediendo justo frente a sus ojos. En cuanto a la disposición de la figura, Cristo se coloca en forma de mesa, independizándolo del centro del cuadro. Otros discípulos expresaron emociones de miedo, ira, duda, remordimiento y pánico a través de sus diferentes gestos y expresiones. Esta descripción de una personalidad típica resalta el tema de la pintura y complementa el efecto unificado de la composición. Puede considerarse el ejemplo más perfecto de la historia del arte. Leonardo da Vinci regresó a Florencia en 1500.
Con la restauración del sistema armonioso, la atmósfera cultural se volvió activa y figuras destacadas como Miguel Ángel y Rafael aparecieron en el mundo de la pintura. Expuso al público un elaborado boceto de la Virgen, el Niño y Santa Anna, que inmediatamente causó sensación. Sus principios de composición y métodos de pintura tuvieron una gran influencia en el mundo del arte, y Miguel Ángel y Rafael también se inspiraron en él. En 1503 comenzó a pintar murales para la sala de conferencias del Ayuntamiento (porque volvió a Milán, por lo que nunca terminó el cuadro), y al mismo tiempo creó la "Mona Lisa", "La Virgen" y "Santa Anna". ". Eran dos obras que apreciaba mucho y las llevaba siempre consigo. Se mudó a Francia en sus últimos años y permaneció en París.
En el legado artístico de Leonardo da Vinci también son dignos de atención un gran número de bocetos. Estos bocetos, al igual que sus obras formales, han alcanzado un nivel muy alto y son considerados como un modelo de sketch art. Se caracterizan por: observación meticulosa, líneas duras y suaves, y son especialmente buenos en el uso de líneas diagonales de diversa densidad para expresar. Cambios sutiles en luces y sombras. Cada una de sus obras se basa en bocetos. Sus teorías artísticas están esparcidas en más de cinco mil cuadernos y su teoría inacabada de la pintura, que es un resultado importante del estudio de la teoría de la agencia en el Renacimiento.
Hechos notables sobre Leonardo da Vinci:
El 15 de abril de 1452, nacieron Ser Piero da Vinci y Caterina en el pueblo de Vinci en las afueras de Florencia, Italia.
En 1465, entró en el estudio de Verrocchio y se convirtió en discípulo principiante (entre 13 y 14 años).
En 1473, creó el "Santo Anuncio"
En 1476, fue acusado de amor homosexual con otros discípulos de Verrocchio. Como lo negó, finalmente fue liberado (a los 24 años).
En 1482, el cuadro "Adoración de los Tres Sabios" regresó a Milán (30 años)
En 1483, fue aceptado por San Francisco y la catedral encargó la estatua. de la Virgen de la Roca (31 años).
1495 Comienza a pintar La Última Cena (43 años).
1502~03 Regresa a Florencia y comienza a pintar la Mona Lisa (50 años).
En 1516, por invitación del rey de Francia, se dirigió a Amboise, Francia (64 años).
1565438+ murió en Amboise el 2 de mayo de 2009 (a la edad de 67 años).
Obras:
"Mona Lisa" es una de las obras maestras de Leonardo da Vinci. cuadro. Esta pintura representa a la esposa del comerciante florentino Giocondo. En la imagen, el perfil del personaje está ligeramente expuesto, con contornos nítidos. Lleva un velo fino en la cabeza, la boca ligeramente fruncida y una sonrisa en el rostro. Sus manos están juntas de forma natural, hermosa y elegante. El pintor hizo un profundo análisis y resumen artístico de la expresión y la psicología del personaje, captando la sonrisa perceptible pero no fija en el rostro del personaje, haciendo de la fugaz expresión facial un símbolo eterno de alegría. Sublime, pura, gentil, digna y segura, esta encantadora sonrisa es llamada por los historiadores del arte "sonrisa misteriosa". El artista también se esforzó mucho en retratar la mano derecha de Mona Lisa, que es tan suave como saliendo de su manga, llena de expresividad y vitalidad. Se la conoce como la mano más bella de la historia del arte, lo que hace que la figura parezca especialmente suave, tranquila y serena. La ropa y los colores son oscuros y sencillos, sin adornos para no distraer al espectador de los personajes. El fondo de la imagen es brumoso, con montañas superpuestas, caminos sinuosos y un lago brumoso vagamente visible. Está lleno de concepción artística poética y muestra un sentido amplio y profundo del espacio. El propio Leonardo apreciaba el cuadro y siempre lo llevaba consigo con el pretexto de que era una "obra inacabada". Esta pintura fue clasificada como una "obra maestra" por las generaciones posteriores. Expresó plenamente los ideales humanistas de Leonardo da Vinci y fue la encarnación de la filosofía de vida y los ideales estéticos del pintor. Fue de gran importancia para el desarrollo de los retratos realistas europeos.
"La Última Cena" es una de las obras maestras de Leonardo da Vinci. mural. Esta pintura está basada en la historia de la traición de Judas a Jesús en el Nuevo Testamento. La imagen muestra: Cuando Jesús y sus 12 discípulos tuvieron la última cena, durante la cual Jesús de repente dijo: "Uno de ustedes me va a traicionar", las expresiones de los 12 discípulos cambiaron dramáticamente y las reacciones internas de los personajes quedaron reveladas. Jesús se sentó en el medio, parecía tranquilo y amable, extendiendo las manos como si acabara de terminar de hablar. Los 12 discípulos se sentaron junto a Jesús en grupos de tres. A la izquierda, Juan, Pedro y Judas están en grupo. Judas se volvió bruscamente, sosteniendo en la mano la bolsa que contenía las monedas de plata. Su rostro estaba sombrío y sus ojos parecían estar fijos en Jesús. John puso sus manos sobre la mesa y parecía ansioso. Puso la cabeza de Pedro entre Judas y Juan.
Se inclinó hacia John, como si le preguntara algo, y sostenía un cuchillo en la mano, como si supiera quién era el traidor y estuviera a punto de apuñalarlo con el cuchillo. A la izquierda están Andre, James Jr. y Bartolo. El pequeño Jacob mira hacia el centro y extiende la mano como para tirar de Peter. Andre miró hacia el centro, luciendo aterrorizado, mientras Bartholomew estaba de pie, con las manos sobre la mesa, aturdido y furioso. A la derecha, el joven Felipe saltó de su asiento y se volvió hacia Jesús con preguntas; el viejo Jacob, enojado, abrió las manos y se echó hacia atrás. Tomás levantó las manos y giró hacia la izquierda, como si desconfiara de Judas. Más a la derecha están Tattoo, Matthew y Simon. En resumen, todos los gestos de los 12 discípulos se centran directa o indirectamente en Jesús. Se hacen eco entre sí, se realzan mutuamente y tienen forma y espíritu. Toda la imagen está compuesta de detalles vívidos, formando un todo perfecto. Las tres ventanas detrás de Jesús revelan el resplandor del sol poniente, y las líneas que convergen en tres lados son como un halo sagrado, mostrando la solemnidad y la sinceridad de Jesús. El pintor utilizó un poder artístico asombroso para representar la atmósfera tensa de "La Última Cena", que es una obra maestra inmortal que revela el alma humana. Destaca por la profunda elaboración del tema, la perfecta concentración de la composición, la concepción dramática y la rica descripción psicológica de los personajes, y representa la cúspide del Renacimiento.
"La Virgen de las Rocas" es una de las obras maestras de Leonardo da Vinci. cuadro. Las pinturas se basan en historias religiosas. La imagen muestra a un niño llamado Juan, acompañado de ángeles, adorando a la Virgen María y a Jesús en una cueva. En la representación de los personajes y las relaciones entre personajes, el pintor otorga a María el encanto de un gigante. Su mano izquierda se extiende sobre la cabeza del niño para protegerlo, y su mano derecha descansa sobre Juan, mostrando el amor de la Virgen por la próxima generación. Juan cayó de rodillas y adoró a Jesús con las manos en las manos, y Jesús le devolvió el favor y bendijo a Juan. Y el cielo los señaló, como si les contara a otros sobre esta escena. No hay muchos personajes en la imagen y la composición es simple, pero los personajes están llenos de vitalidad. Los personajes están conectados y se hacen eco entre sí, haciendo que el espíritu encarnado en la imagen sea unificado y armonioso. Aunque es una pintura religiosa, los personajes se han secularizado y las escenas de adoración han perdido su ritual religioso y se han vuelto más humanas. Juan Bautista y Jesús también fueron niños adorables y llenos de energía. María encarna la felicidad y el amor de una joven madre, mientras que el ángel se convierte en una hermosa doncella humana. Estos personajes encarnan verdaderamente el concepto de belleza y no tienen nada de religioso. Las hermosas rocas escarpadas y el primer plano transparente exageran aún más la atmósfera secular de la imagen y resaltan la grandeza de las personas reales.
"Juan Bautista" es una de las pinturas famosas de Leonardo da Vinci. cuadro. El cuadro está basado en una figura bíblica: Juan, el evangelista que bautizará a Jesús por orden de Dios. Cuando sacó agua bendita del río Jordán para bautizar a Jesús, el cielo se abrió de repente y un Espíritu Santo con forma de paloma apareció en el cielo dividido. A partir de entonces, Juan siguió a Jesús en la predicación y fue llamado "Juan el Bautista". En la imagen, sobre un fondo oscuro, Juan Bautista está desnudo hasta la cintura y todo su cuerpo está sumergido en la oscuridad. Sólo el hombro derecho, el brazo, la cara, la mano derecha y la mano izquierda vagamente visible están expuestos a la luz. Juan Bautista tenía el pelo largo, como un joven pastor. Sostuvo la cruz en una mano y señaló al cielo con la otra, con una sonrisa astuta y misteriosa en su rostro. Aunque esta pintura tiene un tema tradicional, su descripción de los personajes y el trasfondo no tiene precedentes. De hecho, Juan Bautista señaló el cielo en la oscuridad, revelando la angustia y la vacilación interna del artista en ese momento.
"Visita al Doctor", uno de los famosos cuadros de Leonardo da Vinci. cuadro. Esta pintura está basada en la historia bíblica de los tres reyes magos que vinieron a adorar a Jesús en el momento de su nacimiento. En esta obra inacabada, el pintor ya no se limita a enumerar personajes relevantes desde una perspectiva narrativa, sino que muestra una innovación artística de fuerte contraste en la composición y expresión de las imágenes: la Virgen María y los tres doctores forman una composición triangular estable, pero las personas que lo rodean Al fondo, las ruinas arquitectónicas dibujadas en perspectiva precisa también formaban un fuerte contraste con la caballería al galope. Cuando se representan figuras en primer plano, especialmente espectadores, el tono es más oscuro, lo que permite que las figuras brillen entre las sombras. Contrariamente a las características claras y explícitas de las pinturas del siglo XV, se esforzó por la sutileza y la sutileza, formando sus tonos ahumados originales en su enfoque artístico. Por lo tanto, aunque esta pintura no está completa, muestra que la discusión artística de Leonardo da Vinci ha superado con creces a la de sus pares, presagiando la llegada del estilo renacentista.
La Virgen, Santa Ana y la Sagrada Familia son los temas bíblicos más utilizados en los murales religiosos, y los diferentes pintores tienen sus propias características interpretativas. Leonardo da Vinci enfatizó la imagen de Santa Anna en esta pintura al óleo, especialmente la cuidadosa escultura de sus expresiones faciales.
Aunque aquí se expone nuevamente su "fórmula de la sonrisa" femenina, como el ideal estético más elevado del realismo de Leonardo da Vinci, él la persiguió casi tanto como persiguió todos los misterios desconocidos de la naturaleza. Una vez dijo: "La naturaleza es tan popular, tan diversa e inagotable. Ni siquiera los árboles de la misma especie encontrarán un árbol exactamente igual a otro, y... uno no encontrará un árbol exactamente igual a otro", preguntó Leonardo al pintor. convertirse en hijo de la naturaleza. En su opinión, tanto la ciencia como el arte pertenecen al proceso de comprensión del mundo. Éste es también el valor de la pintura del Renacimiento italiano.
"Retrato de costado de una dama con un tocado de perlas" fue pintado alrededor de 1490 (pintó muchos retratos durante este período, y sólo unos pocos se han conservado hasta el día de hoy). Es bien sabido que la "fórmula de la sonrisa" es inevitable en los retratos de mujeres de Leonardo da Vinci, pero no es del todo cierto. En general, su estética es científica y realista. Se centró en explorar las leyes de la naturaleza. Leonardo da Vinci creía que las mujeres hermosas son el producto más perfecto de la naturaleza. Una vez dijo: "Imagínese lo cruel que sería quitarle la vida a una creación natural tan maravillosa". Por eso, cuando se trata de retratos, siempre estudia el temperamento espiritual y la estructura de la apariencia de la persona. Este retrato lateral de una mujer es particularmente preciso: los delicados contornos faciales, el cabello hermoso y limpio y las perlas en el tocado de una antigua dama noble fueron cuidadosamente observados, estudiados y deliberadamente representados por él. Los largos collares de perlas de la cabeza a los pies, la apariencia, los reflejos y la suavidad de casi todos están cuidadosamente pintados; la capa negra y el corsé rojo resaltan firmemente los senos regordetes de la mujer, realzando así el lujo y la solemnidad de una dama. Si Leonardo da Vinci se centró en su misteriosa sonrisa en "Mona Lisa", aquí el artista utilizó una estructura de boceto precisa para elogiar la apariencia incomparable de esta mujer.
La "Batalla de Angali" y la "Batalla de Angali" fueron guerras entre los ejércitos aristocráticos de Florencia y Lombardía a principios de la década de 1540, con el resultado de que ganó el ejército aristocrático florentino. El municipio pintó este mural para conmemorar la guerra. Leonardo da Vinci no quiso utilizar lápices de colores para glorificar los conflictos entre aristócratas. Utilizó este tema para describir la brutalidad de la guerra, que llamó en sus notas "el absurdo más bárbaro". Para revelar su esencia, el pintor destacó los momentos tensos de la guerra, es decir, la lucha frenética entre los dos bandos por la bandera militar. Para comprender el pensamiento original de Leonardo da Vinci, citamos aquí un pasaje del propio artista: "Durante la guerra, el polvo volaba, el humo se llenaba y las expresiones dolorosas en los rostros de los soldados reflejaban la luz brillante. Los soldados heridos y los caballos estaban esparcidos por todas partes, y estaban en el caos, las flechas volaban como langostas, los perseguidores levantaban sus rizos esponjosos y los caballos arrastraban los cadáveres dejando profundos surcos en el suelo fangoso, y el suelo estaba lleno de. sangre alrededor de los soldados muertos y heridos aún vivos. Hay escudos rotos, lanzas, espadas, cascos, heridas sangrantes, ojos apagados, etc. Leonardo no dio vida literalmente a todas las escenas que imaginó. Como algunas de sus otras grandes ideas, esta pintura siempre será una obra maestra inacabada. La pintura finalmente no fue pintada como un fresco en color y el boceto no ha sobrevivido (tampoco la "Batalla de Gassina" de Miguel Ángel). Según Vasari, se utilizó una imprimación muy tosca y métodos de secado fallidos. Poco después de pintar, el color de la pared comenzó a desvanecerse. Esto se basa en una copia anterior y un grabado de Lorenzo Tchaikovsky, así como en algunos bocetos preparados para la pintura (Leonardo Da Vinci dejó algunos manuscritos materiales para este fresco, ahora en la colección del Museo de Arte de Budapest, y varios bocetos completos de soldados). ). Este boceto es de una copia de un boceto del pintor Rubens del siglo XVII.