6 formas de crear una canción

Método 1

Comienza

1. Piensa en lo que quieres escribir. Antes de escribir una canción, debes pensar en lo que quieres escribir y qué tipo de canción es. Esto tendrá un gran impacto en tu proceso de composición. Deberías planificarlo. Si vas a escribir una canción con letra, debes pensar en la letra mientras escribes la canción. Hay muchas formas de ponerle letra a una canción. Puedes comenzar a escribir la letra primero, o puedes escribir la letra después de haber escrito la melodía, o puedes hacer una combinación de ambas. Depende de tus habilidades y estilo. También debes considerar el estilo de la música y asegurarte de que el estilo coincida con la letra y viceversa. Si vas a escribir música de fondo, tema musical u otro tipo de música instrumental, también debes planificarlo en consecuencia. Piensa por qué escribes música y qué emociones quieres transmitir. Para transmitir determinadas emociones, si no escribir letras, son necesarios los instrumentos y el tipo de música adecuados.

2. Piensa qué instrumento utilizar. Si hay uno, puedes utilizarlo mientras escribes. Algunas personas pueden hacerlo completamente mentalmente y, si necesitan saber cómo funciona, simplemente tararean un breve fragmento. Otros, especialmente aquellos que escriben canciones tocadas con instrumentos específicos, decidirán qué instrumentos se utilizarán durante el proceso creativo y cómo suena la audición. Piensa si necesitas un instrumento para componer y planifica en consecuencia. Los instrumentos que se suelen utilizar en la composición de canciones son la guitarra y el piano, aunque algunas personas utilizan determinadas cuerdas o instrumentos.

3. Piensa en el formato de tu archivo. Piensa en cómo escribirás la canción, incluido el formato final y tu composición. Aquellos con más formación musical querrán escribir partituras, mientras que aquellos con menos formación musical tal vez quieran escribir acordes. Si solo quieres escribirte a ti mismo y dejar un hermoso recuerdo, no es necesario que escribas todo esto (pero no es recomendable).

Método 2

Crea una estructura y forma básicas

1. Antes de empezar a escribir una canción, debes tener una idea básica de la misma. El tono debe ser la esencia de la canción y todo lo que escribas debe basarse en esto. La melodía debe ser uno de los puntos de partida. Esta es la línea principal de la música y generalmente se considera la parte "cantable". Puedes escribir fácilmente la letra de esta melodía. Otra forma es empezar con acordes. Una serie de acordes pueden darte una sensación general de toda la canción. Si no tienes una buena idea para una melodía o tienes problemas, esta podría ser una mejor manera de comenzar la canción.

2. Crea un coro o riff. Un estribillo es una línea o líneas de la letra de una canción que son fáciles de recordar; considérelo como la parte que se te queda grabada en la cabeza. Esta melodía y letra pegadizas captan la atención del oyente y lo mantienen pensando en la canción más tarde. Un riff tiene el mismo propósito: es una pieza musical distintiva y memorable que se distingue de la melodía.

3. Comprender la estructura de las canciones populares. Si quieres escribir canciones, debes comprender la estructura o forma básica de la canción que domina la música pop. El uso de estos formatos le brinda un modelo creativo y le permite alinearse más estrechamente con las preferencias de su audiencia. Una canción que es demasiado marginal puede ser rechazada por la mayoría de los oyentes, incluso si es genial. AAA: Este título suele hacer referencia a un tipo de canción en la que cada verso tiene la misma música pero letra diferente. Aunque es menos común en la música convencional, sigue siendo fácil de encontrar en otros lugares. El mejor ejemplo de esta estructura de canción es "Amazing Grace", una canción tradicional estadounidense común. AABA: Esta se considera la forma más común de música popular en la actualidad. Esta forma de música se puede ver en la mayoría de los géneros. La estructura AABA comienza con dos secciones musicalmente similares, luego hay una pausa (la "B" en la fórmula) y luego pasa a otra sección. Aquí hay muchos ejemplos, pero el mejor ejemplo es "Something" de The Beatles. . AABABA es la variante más común de la estructura general. ABAB es otra variante pero menos común. AACD (esta es una forma progresiva y no repetitiva).

Verso-Coro: esta forma no es tan común como antes, pero se usó ampliamente en muchas canciones durante la primera mitad del siglo XX y todavía era común hasta la década de 1960. En esta forma, el verso tiene prioridad sobre el coro, que se repite a menudo. El mejor ejemplo de esta forma es "AllYouNeedisLove" de The Beatles. Aquí hay dos variaciones: simple y contrastiva. En la forma comparativa, la música en verso y la música de coro son diferentes, pero en la forma simple, es obvio que la música en verso y la música de coro son iguales; También hay otra variación llamada verso-coro-conjunto, que agrega dos o más secciones de puente entre los estribillos. Estas secciones de puente son generalmente más cortas que los versos y generalmente cambian en la melodía y el compás.

4. Comprender la estructura de la música clásica. Comprender las formas musicales clásicas puede resultar beneficioso desde el punto de vista creativo, ya sea para crear nuevas formas de canciones o para utilizarlas como base sobre la que construir otras piezas musicales. La forma estándar es una forma musical en la que, una vez iniciada la melodía principal, se tocan melodías imitativas y repetidas. Utiliza varias capas, repetidas por "sonidos" para crear su efecto único. En la forma estándar, todos los sonidos están conectados y esto se llama ronda. Un ejemplo de una canción de este tipo es "Row, Row, RowYourBoat". La sonata comienza con una exposición del tema, y ​​luego hay una parte de desarrollo, que es una discusión del tema. La sección final, llamada recapitulación, vuelve al tema (a menudo con un cambio de tono) y da una sensación de cierre.

Método 3

Considere el género musical

1. Considere la música pop y rock. La música pop es un género complejo porque en realidad no es un género: es sólo la música convencional de un período determinado. Hoy en día, la música pop está fuertemente influenciada por la música rock. Hay muchas cosas en las que debes pensar para escribir lo que consideramos música pop en estos días. Forma: Tanto el pop como el rock son formulaicos, pero hay un fuerte énfasis en el clímax, que a menudo se repite varias veces. Los orgasmos suelen ser más cortos y dramáticos, así que intenta prestar atención a estos aspectos. Selección de instrumentos: muchos de los mismos instrumentos se usan comúnmente en la música rock y pop. Por ejemplo, guitarra (aunque mucha música pop utiliza guitarra acústica en lugar de eléctrica, y puede agregar un poco de guitarra eléctrica), bajo, batería y ocasionalmente piano. Muchas canciones de pop y rock utilizan instrumentos de cuerda clásicos de fondo para agregar un efecto dramático. Ritmo: El grado en que el ritmo se mezcla con la música pop-rock depende en gran medida de la emoción que la canción intenta transmitir. La música triste o que expresa emociones internas necesita un tempo más lento, lo que significa que puede despertar las emociones de la audiencia más rápido.

2. Considere la música country o folklórica. La música country y la folklórica son géneros relacionados porque los instrumentos utilizados en ambos son muy similares. Ambos géneros se centran en gran medida en actuaciones en vivo, músicos locales y, por lo tanto, tienen un nivel más bajo de edición de audio (prefiriendo la música "acústica" con poca modulación). Forma: la forma de la canción a menudo comparte el mismo énfasis que la música pop, con énfasis en AABA. estructura, pero la música folclórica suele utilizar letras más complejas. Selección de instrumentos: hay una variedad de instrumentos comunes en ambos géneros, incluido el uso intensivo de guitarra acústica, pandereta, mandolina, un instrumento de cuerda clásico (como el violín o el bajo), cítara. y piano: Al igual que con la música pop y el rock, el tempo está determinado en gran medida por el estado de ánimo de la canción, mientras que la música folk tiende a tener un tempo más lento.

3. Estos géneros relacionados son diferentes de los anteriores porque tienden a utilizar diferentes instrumentos y ritmos. Sin embargo, también hay mucha variación en la forma entre estos géneros. Asegúrate de tener esto en cuenta al escribir tus canciones. : Aunque tanto el hip-hop como el rap utilizan variaciones de verso-estribillo, la forma AAA es más común en estos géneros que en otros géneros. La atención se centra definitivamente en el verso y no incluye ningún instrumento de coro: Tanto el rap como el hip-hop. enfatizar el uso de instrumentos de percusión en lugar de instrumentos como guitarras. Por supuesto, ahora se utilizan métodos digitales para producir sonidos de fondo musicales y se pone más énfasis en las letras, como tocadiscos, máquinas de muestreo y computadoras. otras cosas, sintetizadores, baterías electrónicas, platillos y baterías.

Ritmo: El rap y el hip-hop suelen tener un tempo de 90 a 100 latidos por minuto. Las canciones más lentas suelen clasificarse como baladas, que son más comunes en el hip-hop, mientras que las canciones más rápidas suelen considerarse canciones de baile y suelen tocarse en clubes.

4. Pensemos en el jazz. El jazz es muy complejo de interpretar, aunque sencillo de escribir. El ritmo tiende a ser lento y la forma variada. Lo cierto, sin embargo, es que el género utiliza el canto y la improvisación. Es necesario pensar en todos estos aspectos al escribir una pieza de jazz. Instrumentos: El jazz utiliza más instrumentos de metal y viento que otros géneros, a menudo solos de saxofón y oboe, además de piano, bajo, batería y guitarra.

5. Considere la música electrónica y la música de baile. Forma: En este tipo de música, los ganchos y los riffs suelen ser muy pegadizos, pero también hacen que la música se repita en tu cabeza, así que omítelo. De todos modos, a las voces a veces se les agrega un efecto de vocoder de fase para darles una sensación robótica, y a algunas músicas de baile también se les agregan muestras vocales. Instrumentos: Básicamente los instrumentos de uso común incluyen: voces, sintetizadores electrónicos, teclados y baterías electrónicas. A veces se utilizan guitarras, pero sólo si el productor quiere que la pista de baile comience como música normal. Ritmo: El ritmo de la música de baile es de 90 a 140 latidos por minuto. Las canciones de tempo lento (90-105 latidos por minuto) a veces pueden resultar un poco melancólicas debido a su contenido lírico y no logran sonar alegres. Canciones pesimistas, de tempo medio (110-125 pulsaciones por minuto) aptas para bailar, con un toque de melancolía o sin melancolía. Y las canciones rápidas (125-140 latidos por minuto) se usan principalmente en reuniones, clubes, fiestas y festivales de música, para que todos en el mundo puedan escucharlas.

Método 4

Agregar letras

1. La forma más sencilla de conseguir letras es trabajar con un letrista. Puedes trabajar con un amigo o contratar a un letrista profesional, dependiendo de lo que quieras lograr. Un letrista puede poner la letra en la canción que escribes, escribir la letra mientras escribes la canción o dártela antes de escribirla. Querrás asegurarte de que su estilo sea amable con tu canción. Es posible que alguien que pueda escribir canciones de amor románticas no necesariamente pueda escribir letras de canciones de heavy metal. Encuentra a alguien que comprenda tu canción, tu estilo y la emoción que transmite.

2. Escribe tus propias letras. También puedes escribir tus propias letras. Esto puede requerir algo de habilidad, ya que las letras pueden sonar fácilmente cursis, raras y tontas. No tengas miedo de trabajar duro y dedicar tu tiempo. Intenta cantar las palabras mientras las escribes. Esto asegurará que las palabras que escribas encajen con tu melodía, sin pausas extrañas ni sílabas que no coincidan. Antes de empezar a escribir letras, intenta pensar si necesitas rimar. Conocer la estructura de las letras que deseas te ayudará en gran medida a escribirlas. Las letras que riman deben colocarse en el lugar correcto, lo que significa planificar con anticipación.

3. Pon letras ya preparadas en la música. Otro método es incorporar letras existentes a la música. Estas letras pueden provenir de obras de teatro, poemas, discursos o cualquier otro texto que creas que sería una buena canción. ¡Elija algo que sea significativo para usted! El público puede sentir las verdaderas emociones que expresas en tu música. La mejor manera de poner música a las palabras encontradas es encontrar el ritmo natural de las palabras. Preste atención a cómo encajan la música y las palabras. El habla natural incluye pausas, énfasis y ritmo. Estos hacen que la canción suene más natural. Si esto te resulta difícil o quieres que tu canción tenga un tono más atrevido, intenta dividir frases para enfatizar ciertas palabras. Esto puede ayudarte a superar frases largas o melodías que no se ajustan al texto que has elegido. Recuerda que puedes omitir ciertas palabras o frases para que la canción siga fluyendo. Si una palabra en particular le corta una sílaba y es innecesaria, simplemente puede eliminarla o reorganizarla.

Método 5

Aumentar la profundidad

1. Es posible que desees que tu canción sea más que una simple combinación de tu voz y piano, entonces debes interpretar cuidadosamente la connotación de tu canción basándose en el original. El método más básico es improvisar.

Escuche su canción y agréguela si es necesario.

2. Al escribir, si tu propia improvisación no parece funcionar, puedes pedirles a amigos y músicos que la escuchen para ver si hay nuevas ideas y opiniones de las que puedas aprender.

3. Introducir melodía y armonía polifónica. Estas variaciones de la melodía principal pueden hacer que la melodía sea más "de carne y hueso", una melodía polifónica se trata como una melodía separada para llenar los huecos y la armonía está destinada a conectar toda la melodía principal.

4. Añade sonidos de percusión y modificadores. Agregar más instrumentos al fondo puede darle más profundidad a tu canción. A esto puedes añadir instrumentos de percusión como batería, un cuarteto de cuerda, carillones o flautas… ¡las posibilidades son infinitas! Incluso puedes agregar efectos de sonido como el viento, los truenos o el ruido de la calle. Solo asegúrate de que los efectos de sonido que agregues se ajusten al estilo de la canción que estás escribiendo.

Método 6

Escribir y grabar

1. Escribe a mano la partitura. Es posible que desees escribir tu música para poder reproducirla la próxima vez, especialmente si quieres que otra persona la reproduzca. Una forma de escribir canciones es escribiendo a mano, y depende de ti escribir más o menos. Sin embargo, esto requiere que tengas algunos conocimientos de teoría musical. Una solista es una forma de notación musical que incluye solo la notación más básica, generalmente melodía y armonía. Esto es más común en el jazz y la música de improvisación, así como en músicos pop con menos formación en teoría musical.

2. Utilice DAW (estación de trabajo de audio digital). Estos son programas de computadora diseñados específicamente para compositores de música y trabajadores del audio. Le permiten mezclar y grabar música, y también tienen un cierto grado de funcionalidad de embellecimiento musical. Pero son caros y normalmente sólo los utilizan músicos profesionales.

3. Graba audio directamente. Otro método es simplemente grabarte cantando y tocando la música, para que puedas escribir la partitura más tarde o que otra persona la escriba.

Necesitas preparar

un instrumento. Algunas revisiones o software de revisión por computadora. Teclado MIDI (opcional).