"La Historia del Arte": la historia de los artistas que crean luces y sombras
De una persona decimos: "Él (ella) parece un artista". No está claro si esta frase es un elogio o una crítica, y es muy críptica. Es bastante similar a la actitud de la gente corriente hacia el arte. Cuando se trata de arte, la gente común como nosotros siempre tendrá una sensación de alienación en nuestros corazones que un profano ni siquiera puede ver la emoción, y mucho menos un conocedor.
¿Es el arte realmente insondable? ¿Existe realmente una gran distancia entre la gente corriente y el arte? "La historia del arte" de Gombrich ofrece a la gente común y corriente "analfabeta en arte" la oportunidad de traspasar el umbral del arte occidental.
Gombrich cree: Para el arte, no podemos ni santificarlo ni adularlo ciegamente. Tampoco debemos ser parciales, tratándolo como algo nuevo y diferente del sentido común, y menospreciándolo sin reservas. Debes saber que, para todo lo que existe en el mundo, el propósito original de su existencia puede no ser tan profundo al principio. Es sólo en el proceso de desarrollo y evolución e innovación continua que se ha convertido en la existencia que es ahora de la que no nos atrevemos a hablar fácilmente.
Comprender el desarrollo histórico del arte occidental, conocer a los artistas representativos de cada periodo histórico y comprender sus estilos y características creativas. Nos permitirá acercarnos al arte y saborear ese mundo estético. Puede que no seamos artistas, pero si podemos disfrutar de un poco de placer espiritual y espiritual del mundo del arte, puede considerarse una vida que vale la pena experimentar en este mundo.
Según la historia del arte contada por Gombrich, todo el camino del arte occidental sigue la historia del desarrollo occidental. Al menos antes de la Revolución Industrial a mediados del siglo XVIII, se puede decir que el arte occidental es un arte. Trabajo que sigue la religión.
La antigua Grecia y la antigua Roma fueron una época de adoración a los dioses. Desde esculturas hasta templos, la gente le dio al arte la belleza más idealizada y más vital del mundo, que las generaciones posteriores llamaron el período clásico perfecto.
Con el auge del cristianismo, el estatus de los dioses de la antigua Grecia y Roma fue sustituido por el de la iglesia. Al entrar en la larga y oscura Edad Media, la pintura se convirtió en una herramienta para que el cristianismo propagara la doctrina y gobernara al pueblo. El arte medieval avanzó lentamente a través de 1.000 años de oscuridad, buscando ese rayo de luz.
En el siglo XIV d.C., Giotto iluminó los albores del Renacimiento. El movimiento renacentista permitió a la gente volver al mundo secular desde la vista al cielo. Los llamados dioses en el arte barrieron con la rigidez severa de la Edad Media y los dotaron de las expresiones y movimientos que los humanos deberían tener. El artista fue apreciado por la iglesia por sus magníficas habilidades y talento y se convirtió en el pilar de los murales de la iglesia.
En el siglo XVI surge el movimiento de reforma religiosa. La iglesia perdió su poder y estatus, y los artistas que servían a la iglesia tuvieron que encontrar otra salida. El arte de la pintura pasó gradualmente de los murales de la iglesia a los retratos. Así, en Europa surgieron dos bandos: el católico y el protestante. El ejemplo más típico es el de los Países Bajos, que se encuentran en el campo protestante. Los artistas han ampliado infinitamente las categorías de pintura, además de los retratos tradicionales, también incluyeron pinturas de paisajes y naturalezas muertas. temas para generaciones posteriores de artistas.
Sin la Revolución Industrial de mediados del siglo XVIII, el arte occidental podría haber avanzado lentamente en el camino de la tradición clásica iniciada por el Renacimiento. Sin embargo, con el desarrollo de la revolución industrial, los artistas se volvieron cada vez más críticos con el arte tradicional, hasta que rompieron por completo con el arte tradicional y emprendieron el camino hacia la modernización.
A partir del impresionismo de Manet y Monet, cada vez hay más escuelas en el campo del arte y el "ismo" se está volviendo cada vez más popular. Si bien todavía estamos confundidos sobre la escuela anterior, los críticos han propuesto la siguiente doctrina. El arte ha avanzado en una dirección que se desvía cada vez más de lo que la gente corriente puede reconocer e identificar.
Independientemente de si entendemos o no el incomprensible estilo de pintura abstracta, mientras llevemos la etiqueta de "arte", nadie se atreve a expresar opiniones fácilmente. No sé si esto es la tragedia del arte o la desgracia de los tiempos.
Con todo ocurre lo mismo. Sólo innovando y cambiando constantemente podremos seguir avanzando. Los Cien Jardines del Reino del Arte son el espléndido escenario que son hoy gracias a los incansables esfuerzos de artistas desde la antigüedad hasta el presente.
La antigua Grecia, que aprendió el arte de las técnicas de pintura del antiguo Egipto, dotó a aquellas esculturas de la belleza más armoniosa e ideal del mundo, desde “El Discóbolo” hasta las dimensiones de Hermes y Milo. Se puede decir que "no hay cuerpo humano real en el mundo que pueda ser tan simétrico, uniforme y hermoso como las estatuas griegas".
La antigua Roma heredó el arte de la antigua Grecia, pero solo tenía una vasto territorio y un imperio magnífico. La arquitectura de la antigua Roma no se conformó con el modelo de templo de estilo jónico relajado y elegante de la antigua Grecia. Los antiguos romanos construyeron un magnífico anfiteatro y el Panteón con una cúpula.
Utilizaron las técnicas y logros artísticos de la antigua Grecia para desarrollar un arte propio al servicio de la política y la religión. Sus estatuas eliminaron la gracia y elegancia de la antigua Grecia y persiguieron vitalidad y realidad. A través de una expresión tan fuerte contenida en el crudo y tosco retrato, parece contarle a la gente sobre el surgimiento del cristianismo y el fin del antiguo mundo occidental.
Durante la larga y oscura Edad Media de 1.000 años, el aspecto más destacado del arte fueron las iglesias góticas con su espléndida arquitectura. Independientemente de si el sustento del pueblo está en declive o si las guerras son frecuentes, la iglesia que controla el poder y la riqueza, para gobernar al pueblo ignorante, otorga la gloria del reino de los cielos a la iglesia, tratando de hacer que el pueblo se conforme con la dolorosa realidad en esta vida y disfrutar de los dones del reino de los cielos en la próxima vida.
El movimiento Renacentista despertó a la gente, y los artistas innovaron y crearon arte contemporáneo al restaurar la gloria del arte griego y romano antiguo. Brunelleschi aportó la perspectiva al arte de la pintura. Luego, el artista, como espectador, devuelve el tema del cuadro desde el culto a Dios a la vida secular del hombre. Todos ellos tienen sus propios conocimientos únicos sobre el procesamiento de luces y sombras en la imagen y la disposición de la estructura y el diseño de la imagen. Con el descubrimiento de esta serie de nuevas técnicas pictóricas se ha abierto un amplio camino para el desarrollo del arte occidental.
Aunque el Papa sigue siendo el mayor mecenas de los artistas. Sin embargo, en la cima del arte renacentista, las pinturas de los tres maestros del arte, incluso los murales religiosos, incorporaron la voluntad y el gusto del artista.
"La Última Cena" de Leonardo da Vinci está exquisitamente diseñada y llena de emocionantes conflictos dramáticos en una estructura equilibrada aparentemente relajada y natural. En la pintura del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, los profetas y los santos padres del cielo son todos atletas jóvenes y musculosos. Sus cuerpos se tuercen y giran en todas las direcciones posibles, pero siempre mantienen la gracia de la imagen. El rostro tranquilo de la Virgen de Rafael parece rebosar de vida, lo que nos convence más de que la Virgen de su cuadro es una persona que vive en un mundo más brillante de amor y belleza.
A excepción de Italia, los países del norte de Europa tomaron un camino completamente diferente debido al impacto más lento del Renacimiento. Los artistas conquistan el arte con la verdad. A partir de Jan van Eyck, la imagen se convierte en un reflejo especular del mundo objetivo, obteniendo una verdadera ilusión de la naturaleza. Cuando Holbein llegó a Alemania, fue influenciado por el movimiento de reforma religiosa y sólo pudo dedicarse a pintar retratos para la familia real. Para poder registrar fielmente a los personajes, Holbein supo representar los personajes que pintaba sin denigrarlos.
En el siglo XVII, los grandes retratos creados por Rembrandt de los Países Bajos son como personas reales paradas frente a nosotros. Parecemos poder sentir sus emociones, su sufrimiento y su soledad.
Durante mucho tiempo desde el Renacimiento, todos los artistas, ya sea en Italia o en Europa, sólo han innovado en aspectos como el color, la luz, las luces y las sombras y los temas, pero no se han desviado de las camino del clasicismo.
Hasta finales del siglo XVIII, los artistas sin empleadores habituales necesitaban vender sus cuadros a través de exposiciones para ganarse la vida. Para llamar la atención, el tema del cuadro ya no se limita. Los artistas se alejaron cada vez más de los estilos artísticos clásicos. Junto con el desarrollo de la revolución industrial y el surgimiento de la tecnología de la fotografía, el arte de la pintura que persigue imitar la naturaleza se ha topado con una crisis sin precedentes.
Con la aparición del impresionismo, Monet utilizó un pincel para aplicar color directamente sobre el lienzo, permitiendo que la mirada de las personas se centrara más en el efecto general de la pintura y menos en los detalles heredados de la escuela académica.
Aunque el impresionismo fue criticado por la crítica cuando nació, parecía haber sonado el toque de clarín para el arte moderno. Para ajustar el orden caótico de las pinturas impresionistas, Cézanne realizó innumerables experimentos y finalmente creó una imagen estable y sólida. Inició el camino hacia el modernismo.
¿Por qué el arte se ha vuelto cada vez más “incomprensible” para la gente común desde que rompió con el arte clásico? Quizás porque los artistas modernos están influenciados por los tiempos, su interés ya no se centra en el "tema", sólo quieren expresar la "forma". Al intentar devolver el arte a la tendencia estética a través de la pura belleza formal, pero al perseguir la innovación de la "forma", olvidamos el propósito del arte. Como resultado, el arte sólo puede convertirse en una expresión personalizada para el propio entretenimiento del artista y tiene poca relevancia para la gente corriente.
Aunque el título de este libro es "La Historia del Arte", Gombrich le dio al artista el estatus más alto, porque el arte es el resultado de la creación del artista. "En realidad, no existe el arte, sólo hay artistas, hombres y mujeres con un talento asombroso para equilibrar formas y colores para lograr el efecto 'correcto'."
El comienzo de cualquier arte es eso. Es utilitario. Ahora pensamos en el arte como estético. Eso se debe a que los artistas creativos pueden descubrir la belleza en la naturaleza que nosotros, la gente común, nunca hemos descubierto. Expresan sus propias emociones e intereses a través de la elección de colores y líneas. . Hasta cierto punto, la expresión del artista simplemente cumple con los requisitos estéticos de todos, y la gente sentirá que la obra es hermosa y que el arte nace de esto.
La belleza de "Mona Lisa" no siempre estuvo presente, sino resultado de la creación de Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci descubrió el "método de desvanecimiento" y creó la eterna y misteriosa sonrisa de Mona Lisa. "La noche estrellada" y los "girasoles" son famosos y amados por todos debido al arte inocente creado por Van Gogh, que nos brinda felicidad y consuelo al mirar las pinturas.
Las pinturas abstractas de Kandinsky nos hacen saber que podemos apreciar las pinturas como música visual. El método de pintura cubista de Picasso nos permite experimentar la armonía del caos. Picasso nos dice a través de su propia práctica: Para describir la naturaleza, no tenemos que reproducir las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos, siempre que podamos descubrir el ángulo único de expresarla y representarla de una manera "adecuada". todavía puede producir un encanto duradero.
Comparado con el arte, los artistas son las personas más dignas de elogio. Todo arte que nos parece más simple contiene el pensamiento del artista. Al igual que el relieve de Nicholson de 1934, un círculo y un cuadrado forman la imagen completa. Pero no podemos decir que la presentación de esta obra sea más sencilla que la de la Virgen.
El pintor que pinta la Virgen se guía por las técnicas, exigencias y objetivos tradicionales. No tiene por qué tener demasiadas opciones. Y cuando un pintor se esfuerza por dibujar dos figuras, puede que tenga que moverlas sobre el lienzo y probar innumerables posibilidades hasta sentirse satisfecho. Aunque puede que no tengamos el mismo interés que el pintor, no podemos reírnos del artista por buscar problemas.
Las obras de arte son creadas por diferentes artistas, por lo que adoptarán una variedad de formas diferentes. No hay distinción entre la belleza clásica elegante y armoniosa y la belleza moderna exagerada y deformada. Además, cada artista en cada etapa tiene características de personalidad diferentes, que presentarán una escena colorida que varía de persona a persona.
Esto nos recuerda que para apreciar el arte, especialmente las grandes obras de arte, debemos abandonar nuestros propios malos hábitos y prejuicios, y pensar desde la perspectiva de un artista. Gombrich nos advirtió:
"Si vemos un cuadro que no está pintado correctamente, no debemos olvidar que hay dos preguntas que debemos hacernos: una pregunta es si el artista cambió lo que vio sin razón. Otro problema es que no podemos acusar a una pintura de ser incorrecta a menos que se haya demostrado que nuestra visión es correcta y que el pintor es incorrecto."
A excepción de corregir la postura de la gente común sobre el arte, Gombrich también cambió la mentalidad de la gente corriente a la hora de apreciar el arte.
Nos dijo que aunque no todo el mundo se convierta en artista, todo el mundo hará más o menos arte en su vida, como arreglar un ramo de flores, combinar un conjunto, hacer un pastel y medir la proporción de crema y pudín. Algunas personas consideran este tipo de comportamiento o hábito como "pobre y fastidioso" y no se reconoce.
Pero los artistas somos sólo nosotros. "Cosas que pueden ser malos hábitos en la vida diaria y, por lo tanto, a menudo se suprimen o se encubren, han vuelto a ocupar el lugar que les corresponde en el mundo del arte". La diferencia entre nosotros no es más que llevar al extremo el sentido de lo ritual y lo meticuloso que perseguimos en nuestra vida diaria.
Por supuesto, apreciar el arte no es tan fácil como abandonar los prejuicios y calmarse. Frente al arte sin reglas, sólo nos queda seguir aprendiendo y mejorando nuestro gusto estético, para poder descubrir nuevos contenidos y obtener avances inesperados en la comprensión infinita del mundo del arte.
"La Historia del Arte" es una historia del arte occidental escrita por Gombrich. En cuanto a los logros artísticos de China, Gombrich hizo un breve vistazo al período comprendido entre el siglo II y el siglo XIII, enfatizando que los artistas chinos aprendieron el arte a través de la meditación y la concentración. Dijo que al dominar la habilidad de usar pluma y tinta, los artistas chinos pueden aprovechar la inspiración para escribir las maravillas que permanecen en sus corazones. Sabemos que el análisis de Gombrich sobre el arte chino es parcial y no lo suficientemente completo y profundo.
No podemos criticar a Gombrich, un occidental, por su conocimiento y comprensión del arte chino. Recordando la introducción de este libro, el anciano señaló que cuando se aprecia el arte, uno no puede estar del lado de uno mismo y acusar a los artistas de arrogancia y prejuicio. Sin embargo, a lo largo del libro, se revela que su comprensión e interpretación del arte chino no es tan profunda como la del arte japonés que estudió las habilidades chinas. Uno no puede evitar preguntarse si esto es la arrogancia y el prejuicio de todo el mundo occidental contra el arte chino.
Al observar toda la historia del desarrollo del arte humano, no podemos evitar lamentar lo lamentable que sería tener una historia del arte mundial sin el arte chino. Desde el siglo II hasta el siglo XIII, China produjo el "Prefacio a la Colección del Pabellón de las Orquídeas", conocido como "el mejor guión del mundo". En las pinturas de Gu Kaizhi, los chinos han propuesto la teoría de "". "encanto vívido" en caligrafía y pintura. En términos de esculturas, las elegantes y elegantes estatuas de las dinastías del Norte y del Sur en las Grutas de Yungang en Datong, Shanxi, se transformaron en el rostro secular y amigable del Buda en las Grutas de Longmen en la Dinastía Tang, y luego en el elegante y hermosas estatuas femeninas de la dinastía Song en el templo Jinci en Taiyuan, Shanxi. Las pinturas de figuras y paisajes chinos se volvieron cada vez más maduros a mediados de la dinastía Tang, mostrando un gusto estético único.
Durante este período, Occidente se encontraba en el final del arte clásico, seguido por la oscura Edad Media de 1.000 años. Cuando la Iglesia occidental promovió la doctrina cristiana a través de pinturas, engañó al pueblo y consolidó el dominio de la iglesia. Los chinos han localizado el budismo introducido en China, y el budismo zen proporciona alimento y asistencia al arte chino.
Los occidentales inventaron el método de la perspectiva. La primera vez que se utilizó fue para hacer más realistas los murales pintados en las iglesias y hacer que la gente lo creyera. La pintura china nunca se ha fijado en una perspectiva y se puede ver desde lejos o de cerca. No utiliza las técnicas de luz, oscuridad y colores de sombra como el arte de la pintura occidental. los ideales estéticos del pueblo chino.
El Sr. Feng Youlan dijo que China no tiene creencias religiosas porque al pueblo chino no le faltan necesidades espirituales que tienen valores supermorales. El enfoque confuciano de "santos internos y reyes externos" que participan activamente en el mundo, y la idea taoísta de "unidad de la naturaleza y el hombre" son la sabiduría que los antepasados dejaron a las generaciones futuras para que accedan directamente a la verdad, por lo que no No es necesario experimentar el desvío "religión..." como en Occidente.
Con tan sabia filosofía de supervivencia integrada en el arte chino, incluso Gombrich tuvo que admitir que desde su nacimiento, los artistas chinos no eran como aquellos de Occidente donde la pintura era considerada una profesión humilde y despreciable. En esencia, ésta es la diferencia entre las civilizaciones china y occidental.
Cuando entendemos el arte occidental y miramos hacia atrás y comparamos, descubrimos la grandeza del arte chino, que es un tesoro para toda la humanidad. No podemos permitirnos olvidar nuestro orgullo artístico único debido a las omisiones y prejuicios de los occidentales y la admiración por el arte de estilo occidental.