j¿Qué es el "corte de salto" en la película? Por favor responda en detalle.
1. Escuela de Brighton
Zona de Brighton en Inglaterra a principios del siglo XX. Aboga por la creación de fragmentos de la vida real en escenas al aire libre. El germen del realismo. Concepto espacio-temporal multipunto de vista.
Representantes: George Albert Smith, “La lupa de la abuela”, “Vistas a través del telescopio”, “El desastre de Mary Jane”, James Williamson, “El ataque a la Iglesia en China””, Esme Collins, “ Boda en el coche”, “El perro salvador” de Sissel Hepworth.
2. Vanguardia europea
A principios del siglo XX se enfatizó la naturaleza y la pureza de la vanguardia, se centró demasiado en las formas de las imágenes abstractas y los ritmos emocionales visuales, y se opuso a la comercialización de las películas; Abogó por que las películas sean de nicho. Es una obra de arte puramente no utilitaria, se opone a la narrativa, la trama y la caracterización, y aboga por el uso de gráficos abstractos, formas estéticas y lirismo vacío como todo el contenido. Opuesto a la razón, le gusta la asociación, rechaza la realidad y le gustan los sueños.
Incluye: Impresionismo francés, Surrealismo, Expresionismo alemán.
Las figuras representativas incluyen De Luc, Epstein, Dulac y Moussinac.
Obras representativas: "La danza de la máquina" de Fernand Lecher, "El resto" de René Claire, "Un perro andaluz" de Louis Buñuel, "La danza de la máquina" de Sherman Dulac "La concha y el monje" y "Doctor Caligari" de Robert Venet.
3. Movie Eye School
A principios de la década de 1920, la Unión Soviética se oponía a todas las ficciones en los largometrajes. No había necesidad de actores profesionales ni escenarios artificiales. se enfatiza la apariencia original de la vida e incluye escenas de la vida real. La poesía de la vida utiliza el montaje para abordar el ritmo y la poesía de la vida misma;
Obras representativas: Dziga Vertov, “La historia del pan”, “El primer aniversario de la muerte de Lenin”, “Adelante, soviético” y “Tres canciones sobre Lenin”.
Impulsó la aparición del "cine cortado" y el nacimiento de la escuela de montaje de Eisenstein y Pudovkin. El neorrealismo italiano estuvo influenciado por esto.
4. Escuela de Cine del Montaje Soviético
El montaje fue la base del cine de los años 20, utilizando técnicas combinadas como el contraste, la metáfora, la repetición y los cambios de ritmo entre planos.
Representantes: El "Acorazado Potemkin" de Eisenstein, La "Madre" de Pudovkin.
5. La Escuela Británica de Cine Documental
Comenzó en la década de 1930, persiguiendo el arte del cine documental, prestando atención a la vida social, recreando la realidad y descubriendo la poesía interesada en el montaje; Tecnología de composición y fotografía.
Representante: John Grierson, "Industrial Britain", "Coal Miners", "Song of Ceylon" y "Night Mail".
6. Realismo poético francés
Década de 1930
Características: diálogo poético, imágenes visuales fascinantes, análisis social exhaustivo, estructura ficticia compleja y coloridos toques filosóficos.
Defectos: Ignorar los aspectos audiovisuales del arte cinematográfico
Representantes: René Krell, "Bajo los tejados de París", "Millones de francos", Renoir, "La gran desilusión" ", "Reglas del juego"”, Jean Vigo, Marcel Carné.
7. Películas neorrealistas italianas
Italia en los años 1940 y 1950
Contenido: defensores que reflejan los problemas sociales a través de la vida cotidiana; reemplazándolos por la vida cotidiana. Historia ficticia; no da respuestas a la audiencia; se opone a los actores profesionales; se opone a la separación de directores y directores.
Forma: toma de escenas reales; luz natural; lente larga, enfoque profundo.
Limitaciones y desventajas: Resumen insuficiente de la vida, poca falta de trama y falta de caracterización; menospreciar a guionistas y actores.
Representantes: "Roma, ciudad abierta" y "Guerrilla" de Rossellini, "El lustrabotas" de De Sica, "Arroz duro" y "No hay paz bajo los olivos" de De Santis, "La Tierra" de Visconti Moves", "En nombre de la ley" de Germi y "Two Cents of Hope".
8. Cine de la Nueva Ola Francesa
1959-1961 Francia. Fuertemente antitradicional y enfatizando la innovación artística; transformando la filosofía abstracta en imágenes concretas. Las películas de autor suelen integrar guionistas, directores, diálogos, música e incluso productores, formando un método de producción unificado.
La "Nueva Ola" tiene un fuerte color personal, y muchas películas tienen un fuerte color de biografía personal. Si bien rompe artísticamente con el lenguaje cinematográfico tradicional, evita alejarse demasiado de los hábitos de apreciación del público general; utiliza planos generales en lugar de montajes, fotografía móvil en lugar de fotografía fija, cortes de salto que rara vez utilizan metáforas;
Tema: Películas apolíticas. Enfoque fotográfico: El estilo fotográfico se centra en la naturaleza fotográfica de la película. Actuación: A diferencia del star system tradicional, utilizaron a un gran número de jóvenes desconocidos como actores. Tratamiento sonoro: "New Wave" hace un amplio uso de entornos sonoros naturales.
La facción de la Margen Izquierda es su rama.
El fundamento filosófico proviene del existencialismo.
Representantes: "Primos" de Chabrol, "Primos" de Truffaut, "Exhausted" de Godard, "Hiroshima Mon Amour" de Resnais y "El año pasado en Marienbad".
9. Nuevo cine alemán
Los años 60 - ahora.
La Declaración de Oberhausen de 1962.
Representantes: "Adiós al ayer" de Kruger, "Período de caza del zorro" de Desert Ni, "El joven Tolsler" de Schlondorff, "El tambor de hojalata", "El honor perdido de Ka" Talina. Blues", "Fear Eats the Soul" de Fassbinder, "Effie Brister", "The Marriage of Maria Braun", "Argyle" de Holtzog. La ira de Dios", "Sálvese quien pueda, Dios para todos", "Alicia en la ciudad" de Wenders.
10. Movimiento cinematográfico juvenil estadounidense
Mediados de la década de 1960 - principios de la década de 1970
Reflejando a la generación más joven y sus estilos de vida que entran en conflicto con los viejos conceptos de vida, explora lo social y cuestiones políticas y tiene un fuerte sabor "contracultural".
La fuente social es la "cultura hippie", la música rock y la poesía posmoderna.
Representante: “Bonnie y Clyde”, “El Graduado”, “Hotel Alice”, “Zabriski Canyon”, “La Naranja Mecánica”, “Nashville”
11. películas
Los años 1960 - ahora (los años 1930 y 1940 son el período del Hollywood clásico)
Reconocer las leyes tradicionales; reconocer el star system y los métodos de producción industrializados; enriquecer las películas con nuevas; contenido; utilizar y desarrollar diversos métodos de expresión de géneros cinematográficos.
Respuesta: wumaidao - Mago Nivel 5 8-29 16:54
Expresionismo alemán El expresionismo (expresionismo) fue originalmente un término utilizado en la historia y la crítica del arte. Significa que la naturaleza no existe. Ya no se considera el propósito principal del arte, y expresar emociones y sentimientos con líneas, formas y colores es el único propósito del arte. Las películas expresionistas se originaron en Alemania en la década de 1920. Los actores, los objetos y la escenografía de estas películas se utilizan para transmitir emociones y estados psicológicos, sin prestar atención al significado original de los objetos. "La cabaña del Dr. Caligari" (1919) es famosa por el uso de esta técnica. Posteriormente, el estilo del expresionismo alemán influyó en algunas películas de Hollywood en la era del cine mudo y en el cine negro de la década de 1940. Otros, como Hitchcock y Orson Welles, también fueron influenciados por el expresionismo.
Formalismo Formalismo La escuela secundaria técnica de literatura, arte o teatro enfatiza la forma y la técnica en lugar de enfatizar la expresión del tema. Se originó en Rusia en 1915 debido al establecimiento del Círculo Lingüístico de Moscú y la Sociedad de Filología Poética, que se opusieron a la forma tradicional de procesar materiales narrativos antes de la revolución rusa y, en cambio, se centraron en la importancia de las formas del lenguaje artístico, afectando gradualmente a diversas artes. campos en ese momento.
En términos de expresión o análisis cinematográfico, el formalismo enfatiza que el uso de diferentes formas puede cambiar la connotación de los materiales. La edición, la composición pictórica y la disposición de los elementos sonoros y pictóricos son intereses de los trabajadores cinematográficos formalistas, como Pudovkin en el. 1920, Eisenstein, etc. son todos partidarios de esta doctrina. Su desarrollo en Rusia se detuvo debido a la opresión estalinista a mediados de la década de 1930, pero tuvo una gran influencia en el estructuralismo y la semiótica posteriores.
Impresionismo En la década de 1920, el cineasta francés Louis Diluc unió a un grupo de directores talentosos, como Abel Gance, Zhemin Dulac, etc., con algunos que habían alcanzado el éxito en películas comerciales, Cheng Gu. director, quería reformar las películas producidas por los empresarios cinematográficos por motivos comerciales para mejorar el cine francés, en declive después de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, sus esfuerzos no recibieron el apoyo de los productores y el movimiento fracasó tras la muerte de Diluc en 1924. Algunas personas se inclinan por el cine comercial, mientras que otras se inclinan por el cine de vanguardia. Dado que algunas de las teorías y conceptos creativos de Diluc estaban estrechamente relacionados con el movimiento cinematográfico de vanguardia francés posterior, las películas impresionistas se consideran en su mayoría el preludio de las películas de vanguardia o se incluyen directamente en las películas de vanguardia. Entre sus obras importantes se encuentran "La rueda" de Gance (1922), "Fanasia" de Diluc (1921), "Festival español" de Dulac (1919), etc.
El cine surrealista surgió en Francia en 1920. Principalmente organiza imágenes de maneras específicas e ilógicas para expresar diversos estados del subconsciente humano. "El perro andaluz" de Luis Buñuel puede considerarse una obra clásica de las primeras películas surrealistas. El auge del cine surrealista tuvo como objetivo resistir al realismo y al arte tradicional, como lo menciona en un manifiesto su líder André Breton: "Una pura acción automática de la mente, bajo la cual, se intenta utilizar el lenguaje, la escritura o cualquier otro medio para expresar el verdadero funcionamiento de la vida". pensamientos." Más tarde, el surrealismo se convirtió en una fuente importante de películas experimentales y underground, como Maya Deren y Kenneth Anger en los Estados Unidos. El surrealismo no es una tendencia importante en las películas comerciales y sólo aparece en las películas de directores individuales, como Woody Allen.
El neorrealismo es un movimiento cinematográfico que surgió en Italia después de la Segunda Guerra Mundial. Entre los principales representantes se encuentran Roberto Rossellini, Di Sica, Luchino Visconti, etc. Los temas principales de este tipo de películas giran principalmente en torno a cuestiones locales en Italia antes y después de la guerra, abogando por el uso de técnicas tranquilas y realistas para presentar la vida de las clases media y baja. En términos de forma, la mayoría de las películas neorrealistas utilizan muchos disparos de la vida real y luz natural, utilizan actores no profesionales para actuar y describir detalles de la vida natural. En comparación con el aislamiento y el disfraz antes de la guerra, las películas neorrealistas son. más como documentales, con una sensación de autenticidad sin adornos. Sin embargo, las películas neorrealistas han atraído más atención en el extranjero, pero en Italia no hay una respuesta especial. Después de los años 50, muchos problemas sociales en el país se han resuelto gracias a la recuperación económica y las autoridades han eliminado deliberadamente la locura por la doctrina. disminuyó lentamente.
La Nueva Ola Francesa fue originalmente un término periodístico sin una definición estricta. Se refiere a los primeros trabajos de un grupo de nuevos directores franceses en 1958 y 1959 que tenían un estilo fresco y ganaban premios con frecuencia. Posteriormente, fue ampliamente utilizado, resumiendo la nueva producción cinematográfica y las tendencias creativas en Francia a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Muchos de estos nuevos directores son críticos de cine de la revista "Film Notes", como Gundam, Chuffot, Chabrol, Rohmer, Levitt, etc. Defienden la originalidad personal, muestran un alto grado de conocimiento de las películas tradicionales y utilizan sus obras para encarnar la propuesta de estilo del "autourismo". Tanto los temas como las técnicas son muy diferentes de las películas tradicionales. Mezclar géneros cinematográficos tradicionales con estilos de dirección de Hollywood para experimentar con nuevas formas de edición y estructura. Como valoro la libertad de filmar, a menudo solo fotografío basándome en un guión esquemático y me gustan los métodos de filmación improvisados y espontáneos. Los temas son de existencialismo, como por ejemplo "Hiroshima Mon Amour" de Aaron Resnais y "Breathless" de Gundam son películas de este tipo.
Desde que el término Nueva Ola se asoció con Francia a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, se ha utilizado a menudo para describir actividades de producción cinematográfica emergentes y fenómenos del renacimiento cinematográfico en otros países. Como las nuevas películas checas y húngaras, las nuevas películas polacas de los años 60 y las nuevas películas alemanas de los años 70.
Cin'ema v'erit'e Cin'ema v'erit'e comenzó a finales de los años 50, una corriente de creación cinematográfica caracterizada por técnicas de grabación directa. Entre las figuras representativas se encuentran Jean Huche de Francia y David Maysault de Estados Unidos. Estos defensores afirmaron que se inspiraron en "Movie Pravda" de la Unión Soviética Dziga Vidov. La mayor diferencia es que los eventos en las películas reales son más completos y únicos y, por lo tanto, tienen más una trama de largometraje. En cuanto al método de producción, se caracteriza por filmar la vida real directamente sin escribir un guión previo y utilizar actores no profesionales. La película es realizada por un director, fotógrafo e ingeniero de sonido fijos. La mayor diferencia entre las películas de vérité francesas y americanas es que en Francia el director puede participar, como en "Crónicas de verano" de Jean Husch (1961), mientras que en las películas de vérité americanas el director hace hincapié en mantenerse al margen del incidente y no interferir con los eventos. Este tipo de técnica de rodaje requiere que el director descubra con precisión los acontecimientos y prevea los procesos dramáticos, y las acciones de rodaje deben ser ágiles y decisivas. Este método limita inevitablemente la elección del tema, por lo que son muy pocas las obras que sean películas puramente reales. La mayor importancia del cine real es que proporciona una garantía de máximo realismo para la creación de largometrajes en general. La intervención subjetiva de Gundam en muchas de sus películas es un método copiado directamente de películas reales.
Tercer Cine generalmente se refiere a películas con temas antiimperialistas, anticoloniales, antidiscriminación racial, antiexplotación y opresión producidas por trabajadores cinematográficos del tercer mundo. Sus propuestas concretas fueron publicadas en el artículo "Hacia un cine del Tercer Mundo" (Hacia un cine del Tercer Mundo) coescrito por los directores cubanos Fernando Solanas y Odavis Gentino a principios de los años 1970. En ellos se afirmaba que la sociedad patrimonial depende de los productos cinematográficos rodados. por su visión artística cerrada y pasiva son el "primer cine", y las obras que enfatizan la experiencia personal como las películas de autor, el nuevo cine brasileño, las películas expresionistas, etc. son el "segundo cine", y el "segundo cine" es el primero. El cine es una salida, pero ya es el límite del sistema. Las películas que se producen en las revoluciones y se enfrentan al sistema son "terceras películas", que también pueden llamarse películas de liberación y películas de guerrilla. Los dos directores enfatizaron que la "tercera película" debe ser algo que el sistema de producción no pueda absorber y debe ser diferente de las necesidades del sistema. En el artículo "Hacia el cine del Tercer Mundo", el autor menciona: "La cámara es un coleccionista infinito de imágenes/armas, y el proyector es un rifle que dispara 24 fotogramas por segundo". Cinema Novo se refiere al nuevo movimiento cinematográfico que surgió en Brasil en la década de 1960, caracterizado por la creación de una cultura cinematográfica local de bajo costo para romper con las formas dominantes de cultura cinematográfica extranjera, especialmente norteamericana. Sus opiniones sobre la realidad nacional y social son agudas y su originalidad estética es también muy rica. Inicialmente funcionó como una cooperativa cinematográfica dirigida por Glauber Rocha. Entre los directores importantes se encuentran Rui Guerra, Nelson Pirella, etc. Sus películas no sólo reflejan la realidad social, sino que también buscan estilos estéticos audaces e incluso excéntricos, como "Dios negro, diablo blanco" (1969) de Rocha. También logró buenos resultados en festivales de cine extranjeros. El Nuevo Cine brasileño alguna vez fue criticado por la izquierda radical por ser demasiado importante desde el punto de vista estético y su desarrollo estuvo en armonía con la industria cinematográfica. Además, el público brasileño todavía prefiere películas comerciales con mucho entretenimiento y es menos receptivo a las nuevas películas. En 1964, el ejército brasileño se rebeló, la censura se volvió más estricta y creadores importantes como Rocha viajaron al extranjero para hacer películas, por lo que el Movimiento del Nuevo Cine decayó. Pero el Nuevo Cine Brasileño ha tenido mucha influencia en el movimiento cinematográfico israelí en otros países latinoamericanos.
El Nuevo Cine Alemán apareció en Alemania Occidental a principios de los años 60 como un movimiento destinado a revitalizar el cine alemán. En la década de 1950, con la recuperación económica en Alemania Occidental, las películas también florecieron, pero el contenido era escapista y aburrido. Desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de 1960, la industria cinematográfica cayó en un punto bajo y ni siquiera estaba calificada para participar. festivales de cine internacionales fue criticado por Francia y el Reino Unido en ese momento. La influencia del Nuevo Cine Nacional dio origen al Nuevo Cine Alemán.
En el Festival de Cortometrajes de Alemania Occidental "Oberhausen" de 1962, 26 directores emitieron conjuntamente la "Declaración de Oberhausen". Los iniciadores fueron en su mayoría directores jóvenes que sólo habían realizado cortometrajes y declararon que romperían con las películas tradicionales y utilizarían una nueva cinematografía. lenguaje y romper con estereotipos, socios comerciales y ciertos grupos de interés. Sin embargo, en los primeros tres años del movimiento Manifiesto, por falta de fondos, sólo se produjo una película. En 1965, obtuvo ayuda del gobierno y estableció el "Comité de Gestión del Cine Alemán Joven" para apoyar a los directores jóvenes en la realización de películas. En 1967, el Partido Comunista de China había producido más de 20 películas, que fueron reconocidas como un festival de cine internacional. Como resultado, las nuevas películas alemanas se hicieron famosas. Sin embargo, las primeras nuevas películas alemanas no tenían el sentimiento relajado y de laissez-faire de la Nueva Ola francesa. El mundo que reflejaban no era desesperado, pero tampoco tenía una salida clara, por lo que no era popular en el país. Pronto entró en crisis. El Movimiento del Nuevo Cine alcanzó otro clímax en 1975 porque las leyes de financiación del gobierno se cambiaron para favorecer a los directores jóvenes; las estaciones de televisión comenzaron a financiar la filmación de directores jóvenes; después de 1971, Alemania estableció una organización de producción y distribución de películas de autoayuda llamada "Writers" Film; Press" y la "Asociación de trabajo de nuevos productores de largometrajes alemanes"; las superproducciones estadounidenses también se fijaron en las nuevas películas alemanas y comenzaron a invertir. La razón más importante es que durante este período aparecieron muchos talentos: Fassbender, Herzog, Wenders, etc. Sus obras son artísticamente distintivas y han recibido mucho reconocimiento internacional, pero aún no son populares en casa, por lo que el segundo clímax volvió a quedarse en silencio. El movimiento del Nuevo Cine revivió nuevamente en 1979, gracias al éxito de taquilla nacional de "Las bodas de Mary Brown" de Fassbender y "El tambor de hojalata" de Schellendorf, que permitió al Nuevo Cine alemán escapar de ganar premios internacionales, pero no a nivel nacional. En 1979, el movimiento cobró impulso y se convirtió en la corriente principal de las películas de Alemania Occidental. Se ha convertido en un símbolo del género en la mente de la gente.
El cine directo se refiere a documentales filmados en un estilo cinematográfico realista. Tiene muchas similitudes con el rodaje de "películas reales", como el uso de personas y eventos reales como material y el uso de técnicas documentales objetivas. narración, etcétera. La única diferencia entre el cine directo y el vérité es que el cine directo considera a la cámara como un registrador silencioso de la realidad, con el principio de no perturbar ni estimular al sujeto y permite a la cámara intervenir activamente en el entorno fotografiado, a veces alentando y provocando el efecto; sujeto Revelar sus pensamientos.
Poética del cine polaco
Postmodernismo