Ilustración cg espacio en blanco: cómo aprender ilustración

¿Qué herramientas se necesitan para las ilustraciones dibujadas a mano?

Las herramientas que deben prepararse son:

1. Bolígrafos dibujados a mano: lápices de dibujo, portaminas, bolígrafos con jeringa y bolígrafos para firma. Estos bolígrafos son las herramientas más utilizadas. al dibujar el primer borrador de un diseño.

2. Instrumentos de dibujo: regla, escuadra, regla curva, cinta métrica, regla de aumento, regla de escala, triángulo, regla de corte, trazador universal, compás grande, etc. Las herramientas utilizadas para dibujar deben ser exactas, precisas y de alta calidad. Se debe seleccionar un buen instrumento de dibujo con pequeños errores.

3. Herramientas de mezcla de colores: paleta, plato, rotulador, rotuladores de colores, etc.

4. Herramientas para pintar a mano: cortapapeles, varios cuchillos multiusos y cuchillos de tallar para grabar moldes y cinta adhesiva.

Información ampliada:

La pintura a mano se dedica a la arquitectura, diseño de exhibición de ropa, diseño de ventanas, diseño de decoración del hogar, diseño floral espacial, arte, jardinería, arte ambiental, fotografía, Diseño industrial, un importante curso profesional requerido para estudiantes que estudian comunicación visual y otras especialidades.

Entre los medios y formas de expresión ambiental, las características artísticas y las ventajas de la pintura a mano determinan su estatus y papel en la expresión del diseño. Sus habilidades y métodos de expresión tienen un temperamento artístico puro, que juega un papel vital. en el diseño, la racionalidad y el arte La expresión de la belleza artística en libertad se ha convertido en el eterno y noble objetivo que persiguen los diseñadores.

1. La pintura a mano se clasifica por profesión:

Se puede dividir en diseño arquitectónico, planificación urbana, diseño de paisaje/arquitectura paisajística, diseño de interiores, diseño industrial/de producto, animación. El diseño, el diseño de ropa, el diseño gráfico y el dibujo a mano sirven principalmente a la expresión a mano alzada y al diseño utilizado en estas profesiones.

2. La pintura a mano se clasifica según su finalidad:

Se puede dividir en expresión pura y expresión de diseño. La pintura a mano pura, también conocida como pintura a mano artística o expresión pura, se refiere a la pintura que tiene un sesgo hacia el arte. Debe completarse con la imaginación pura y la creación subjetiva del artista, lo que requiere relativamente tiempo.

El dibujo a mano de diseño es diferente del dibujo a mano artístico. El dibujo a mano de diseño es el proceso de utilizar herramientas de expresión a mano alzada para registrar la información de diseño que piensa y ve. Lo utilizan los diseñadores para registrar información. registrar ideas y comunicar La herramienta más conveniente y rápida para el diseño, también es el lenguaje de trabajo de los diseñadores.

Fuente de referencia:

-Un pintor poderoso que ha dominado durante mucho tiempo el sitio P en pinturas pintadas a mano, un mago muy colorido 丨Recomendación del pintor

¿Tiene alguna opinión sobre los pintores del sitio P? Los jugadores que lo conocen deben haber oído hablar del famoso pintor "Fujiwara", famoso por sus habilidades coloridas y su gran imaginación, siempre ha estado entre los diez pintores más poderosos del sitio web de PIXIV. .

Fujiwara, mujer, nacida el 30 de septiembre de 1990 (pintora muy joven), vive en la Prefectura de Chiba.

Es bueno dibujando niños y niñas, y puede dibujar escenas de la era Showa basándose en su imaginación.

Fujiwara dijo una vez que empezó a dibujar cuando tenía 2 o 3 años. Al principio quería ser dibujante en lugar de ilustrador. Más tarde, consiguió un encargo porque envió una ilustración a un. revista de ilustración, por lo que poco a poco intentó cambiar su carrera en la industria de la ilustración.

Nacida en 1990, tiene más de 20 años de experiencia en pintura y ha estado involucrada en pintura CG durante aproximadamente 10 años.

Todas las obras de Fujiwara utilizan contornos y pintura plana, dejando espacios en blanco apropiados para crear una sensación de luz. Esta técnica puede lograr fácilmente efectos decorativos.

El sentido del color de las pinturas de Fujiwara es lo que a todo el mundo le gusta y admira más. La fuente de inspiración del color proviene principalmente de la combinación de colores de varios alimentos y kimonos diarios. También compro carteles y álbumes de fotos de artículos de primera necesidad que me hacen pensar que la combinación de colores es "¡tan hermosa!".

Finalmente, extraigo algunos de los primeros tutoriales de pintura de Fujiwara. El proceso desde el dibujo lineal hasta el borrador terminado es muy detallado. Este tutorial tiene aproximadamente 10 años.

Solo extraje el contenido del color de personajes, el dibujo lineal y el color de vista de cerca y de lejos no están extraídos ~ También lo vi en blogs de otras personas antes. Si quieres ver la versión completa, puedes. Puede hacer clic en la parte inferior izquierda al final del artículo. Lea el texto original de Angle.

Debido a la edad no sé quién es el traductor, por eso no lo he marcado. Si sabes algo, por favor dímelo~

Entorno de trabajo

SO: WindowsXP

Tablero de dibujo: WACOMIntuos3

Software: COMICARTCGillust4PLUS

■Colorear (Personajes)

Cuando coloreo personajes, normalmente empiezo desde piel → cabello → ropa.

Usa herramientas como "Lápiz" y "Aerógrafo"

Usa "Yema del dedo" al difuminar

( ↑ Herramienta Lápiz y diagrama entre herramientas)

Las "puntas de los dedos" a menudo pueden crear efectos inesperados e interesantes, ¡me gusta mucho!

Primero, colorea la piel

De esta manera, divide Extrae el área coloreada de ​​​​la máscara y luego marque "Bloquear capa" en la ventana "Capa". Sólo puedes colorear dentro de este rango.

Comience con el color base (el color más claro) y avance hasta llegar a colores y sombras más oscuros.

Usar verde claro/morado para las sombras de la piel a menudo puede lograr un efecto más realista, lo cual es recomendable.

*Para facilitar la coloración, se ha cambiado el ángulo de la imagen. Como no es muy lindo, agrandé un poco mis ojos.

Poder hacer correcciones inmediatas como ésta es uno de los encantos del CG.

Las preferencias de color varían de persona a persona. A mí me gusta mostrar la suavidad y tersura de mi piel, por lo que las sombras en mi piel se mantienen al mínimo.

Debajo, el pelo también está coloreado como la piel.

Para la parte del cabello "mecha entera" que gira hacia atrás, se debe añadir colorante con agua para mejorar la sensación de aire.

Tocados

Utilice el modo "Agregar" Agregar "para crear una capa y dibujar brillo y reflejos en el cabello para que se vea más hermoso.

Colorea el kimono.

Después de dibujar una determinada sombra, usa la herramienta "yema del dedo" para mezclar los colores

Usa conscientemente varios colores para colorear

En la serie azul Además, También se mezclan colores como rosa, verde y amarillo.

Los colores tienen la característica de que los colores cálidos y la cromaticidad alta parecen cercanos, mientras que los colores fríos y la cromaticidad baja aparecen lejos. Usar estas características para la pintura tridimensional puede ser más eficiente.

Cuando vuelves a probar los patrones de kimono, de repente tienes la sensación de estar en kimono.

El rastreo de patrones es un trabajo muy paciente para mantener la concentración, escucho la música de fondo rítmica. duro pintando.

Además del color marrón, use una capa adicional para agregar amarillo o amarillo verdoso, lo que dará una sensación dorada. Se recomienda usarlo al representar kimonos de alta gama. Cómo aprender ilustración

1. Sentido de unidad:

Esta "unidad" combina todas las características de la imagen en una sola expresión o expresión general, es decir, diseño, color, línea, luz y sombra, textura y tema están inteligentemente organizados y combinados en una expresión integral. Aquí puedes ver más obras de Liu Yuan. Personalmente, creo que es un súper maestro que ha logrado el máximo sentido de integración. Su diseño de líneas, representación de fondos decorativos e imaginación exudan un rico temperamento humanista, que es muy hermoso. y atractivo.

2. Simplicidad o claridad:

Hacer secundarios todos los materiales y detalles irrelevantes para la idea principal, y reducir la temática a los diseños, formas y patrones más básicos.

3. Diseño:

Significa la relación general entre la superficie, la forma y el color del bloque. Las imágenes se crean por diseño. En cuanto al diseño de la pantalla, me gusta mucho un chico joven que es bueno dibujando en iPad: Dong Longdong. Las ilustraciones de este artista son coloridas y románticas, llenas de un sentimiento alegre y soñador, las composiciones son novedosas e imaginativas y están llenas del brillante sentido del amor.

4. Proporción:

Significa la relación coordinada entre cada tema y cada parte del cuadro. Las distorsiones de proporción son incongruentes, pero algunas distorsiones pueden estar justificadas porque el artista puede querer enfatizar una determinada idea o emoción. En términos de rendimiento de la proporción, Weikejiu cree que muchas pinturas chinas son muy buenas en la proporción del espacio en blanco a mano alzada. Uno de mis pintores de estilo de tinta de imitación CG favoritos es bueno para agregar pequeños detalles contrastantes a escenas grandes. y los gráficos forman un contraste de alta intensidad, lo que hace que el público preste más atención a la parte más pequeña de la representación.

5. Color:

Este es uno de los elementos más influyentes de la belleza, y al utilizar este elemento, los pintores no solo deben utilizar el gusto y los gustos y disgustos como criterio. comprender la relación entre color y valor, así como los principios básicos de mezcla de colores para crear efectos realistas y armoniosos.

6. Ritmo:

También se le puede llamar ritmo, aunque este elemento muchas veces se subestima o se malinterpreta, aporta un gran aporte a la belleza de las pinturas.

Todos los seres vivos y no vivos tienen un ritmo, desde la forma más pequeña hasta los ciclos del universo. Sin ritmo, la forma estaría inmóvil y sin vida. Al igual que el funcionamiento de la naturaleza, la repetición de colores o líneas similares, o la expansión o contracción gradual de formas, pueden crear ritmo en una pintura.

7. Forma:

La relación entre la estructura de la forma y el todo es un principio artístico básico. La existencia de todas las cosas no es más que la realidad y está vacía de forma o espacio, y ambos son indispensables y no pueden existir por sí solos. Cuando las formas de los objetos en una pintura se representan y combinan hábilmente, y crean un contraste apropiado con áreas abiertas, como el contraste entre un árbol y el cielo, se le da "cuerpo" a la pintura.