100 películas que vale la pena ver (tanto chinas como extranjeras, preferiblemente comedias)

[El último metro] 1980

Último metro

Director: François Truffaut Producida: Francia

Típico "post-Nueva Ola" funciona, en comparación con el período de la "Nueva Ola". Esta obra maestra de los últimos años de Truffaut es más refinada y suave. La reproducción del trasfondo de la época es más sutil y realista debido a los fondos relativamente abundantes. Y pudo contratar a dos de las estrellas más populares de Francia, Gerard Depardieu y Catherine Deneuve, para protagonizar. La película fue un gran éxito tanto comercial como artístico, ganando 10 premios César, incluida la de Mejor Película. Sigue siendo un triángulo amoroso al estilo Truffaut, y sigue siendo ese estilo narrativo que es tan ligero como la prosa. Además de ser más hábil en la técnica y más amable en la narrativa. Las diversas actividades de los artistas patrióticos en París durante la Segunda Guerra Mundial no cambiaron cualitativamente para Truffaut, quien alguna vez fue conocido como abanderado. Él fue sólo la guinda del pastel, no el toque final. Algunos incluso dicen que la "Nueva Ola" ha muerto por completo desde esta película. Y este sepulturero es Truffaut. Otros señalaron que Truffaut amaba demasiado el París del gobierno de Vichy. Para decirlo amablemente, se da por sentado, pero, dicho de otro modo, es un encubrimiento innecesario y sin principios. Muchos campos revolucionarios del cine francés han llegado a [El último metro] y han comenzado a perder su espíritu de lucha, con tendencia a guardar sus espadas y armas y dejar que sus caballos se vayan al sur. En la década de 1980, la innovación del vocabulario cinematográfico ya estaba en apuros.

[La mujer del teniente francés] 1981

La mujer del teniente francés

Directora: Carol Reitz Producida: Reino Unido

La película es Adaptada de la novela homónima del famoso escritor británico John Fowles. La historia se desarrolla en 1867 durante la "Edad de Oro victoriana" en Gran Bretaña. Lo más novedoso de esta novela es que examina la sociedad y la gente del siglo XIX desde la perspectiva del siglo XX. Es encomiable que el director de la película captara la esencia interna de la novela y no se apegara a la estructura de la novela original. En cambio, adoptó un método de entrelazado espacio-temporal de dos líneas para describir el amor entre la dama británica Sarah. y el joven aristocrático Charles, intercalados con los asuntos fuera de la pantalla que ocurrieron cuando una pareja moderna de actores y actrices, Mike y Anna, interpretaron esta historia. Cuando los amantes de la película finalmente se casaron, los actores y actrices se separaron. El director utiliza esto para expresar el contraste entre los sentimientos clásicos del siglo XIX y los sentimientos de la gente moderna, provocando así el pensamiento del público. Las dos relaciones amorosas dentro y fuera de la obra interactúan a través de diferentes atmósferas y estilos de actuación, fotografías y escenas, lo que invita a la reflexión. Dos actores británicos y estadounidenses, Jeremy Irons y Meryl Streep, captaron perfectamente los dos sentimientos de los personajes del siglo XIX y de la vida moderna, dando a la película un encanto duradero.

[Mephisto]1981

Mephisto

Director: Istvan Szabo Producida: Hungría

Mephisto Especialmente el diablo que compra almas, pero el El director del Teatro Nacional Alemán, Hefgen, en la película hace tiempo que perdió el alma. Esta es la versión húngara de "Farewell My Concubine". Aunque a Hefgen le encanta el escenario, a diferencia de Cheng Dieyi, solo tiene un escenario. Su etapa recorre cada rincón de su vida. Cheng Dieyi siempre se conserva, pero Hefgen está confundido por la transformación casi loca de varios personajes. Esta película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera y fue una adaptación de una historia real durante la Segunda Guerra Mundial. Saab utiliza un objetivo largo para detenerse en los primeros planos y describe con gran profundidad todo el proceso de la caída de un alma lamentable y patética. Los espejos y las luces son los accesorios más importantes de la película. No sólo realzan el efecto escénico, sino que también implican el punto muerto entre la vida y el drama. Cada vez que Hefgen se sentaba frente al espejo, a veces sonreía amargamente y a veces lloraba amargamente. Su no "yo" y sus múltiples "yoes" ya habían destruido sutilmente toda su alma. Esta es una obra maestra casi impecable en términos de pensamiento y arte. Klaus Maria Brandauer también ofreció la actuación espiritualmente más dramática de su vida.

[Fanny y Alexander] 1982

Fanny y ALexander

Director: Ingmar Bergman Producida por: Suecia

Bergman ha ganado el Oscar a Mejor Película en Lengua Extranjera por cuarta vez. Se trata del director que ha ganado los premios más importantes del mundo. Es demasiado pronto para decir que ésta es la última vez que Bergman ganó un premio. El anciano sigue vivo. Esta película es también la más cara y más larga de Bergman en su carrera. Cinco horas y media deben ser una tortura para mucha gente. Esta es la autobiografía de Bergman y un resumen de su carrera cinematográfica. El tema sigue siendo la alienación humana y la desconfianza en Dios. La recurrencia de los sueños es también la especialidad de Bergman. Los símbolos y metáforas se ven por todas partes como flores silvestres floreciendo, pero esta vez son más coloridos y agradables a la vista. La película ha alcanzado su punto máximo en términos de iluminación y color, y la belleza formal se ha liberado más concentradamente en esta película. Esta es también una obra dentro de una obra, cuyo argumento principal es un ensayo de "A Dream Play" del gran dramaturgo sueco Strindberg. Esta es la obra favorita de Bergman, que también es director de escena. El título de esta obra puede resumir todas las películas de Bergman.

Después de esta película, Bergman dejó de actuar, y ocasionalmente escribía guiones, pero siempre tuvo sus propias ideas para películas, pero nunca se hicieron. En la Europa actual, la era de Bergman se está desvaneciendo gradualmente.

[Una estación de tren para dos] 1982

Una estación de tren para dos

Director: Eldar Ryazanov Producida: Rusia

El nombre Riazanov no es en absoluto desconocido para el público chino. La "Trilogía del destino" compuesta por "El truco del destino", "Historia de la oficina" y "Estación para dos" causó una fuerte respuesta cuando se introdujo en el país en los años 1980 e influyó en varias generaciones. Podemos vislumbrar la profundidad de su humor constante en "Two People's Station". En la película, Platón y Vera pasan de ser opuestos a convertirse en amantes. El proceso está lleno de un sentido de vida vívido y natural y de un carácter generoso de alegría ante las dificultades. Bajo su narración superficial relajada y jocosa, nos viene a la mente lo absurdo y ridículo de la situación de vida con una realidad embarazosa. Detrás de las escenas divertidas y los extraños giros de la trama causados ​​por malentendidos, se revela la capacidad del director para resumir y capturar la esencia melancólica de la vida. Riazanov nunca rehuyó los problemas sociales agudos, que diferenciaron sus obras de los dramas románticos ordinarios y se convirtieron en un espejo único de las costumbres sociales soviéticas. En las películas que rueda, los protagonistas suelen ser personas humildes, trabajadoras, pero poseedoras de una bondad y un entusiasmo inquebrantables. Todos ellos tienen una perspectiva crítica de la vida, mundana y tierna. Estas conmovedoras cualidades tienen sus raíces en el suelo cultural nacional simple y generoso de la nación rusa, lo que hace que la gente se sienta aliviada y asombrada.

[The Wall] 1982

The Wall

Director: Alan Pike Producida: Reino Unido

Si decimos eso en la historia del cine mundial, si hay una sola obra que puede integrar perfectamente el espíritu del rock and roll y el lenguaje cinematográfico, esta "The Wall" merece el título. Algunas personas dicen que esta película ha provocado tres subversiones en los cinéfilos: una subversión de las visiones cinematográficas, una subversión de las visiones de la vida y una subversión de los valores. Este gran libro audiovisual utiliza el canto cuestionador y reflexivo de Pink Floyd y las imágenes agudas y talentosas de Alan Pike para crear una película que cubre la sombra de la guerra, la crisis educativa, la confusión sexual, la alienación de la naturaleza humana, el anhelo de violencia, e incluso pánico apocalíptico. Una obra maestra de fábulas. Este "bosque simbólico" es una completa rebelión y subversión del espíritu racional y religioso en el que se basó la civilización occidental después de la Segunda Guerra Mundial. El filo de Pink Floyd utiliza una impecable interpretación de imágenes para llevar al extremo la cultura del rock que aboga por el espíritu crítico y el pensamiento independiente. Nuestros sentidos se sienten profundamente atraídos por sus imágenes imaginativas y creativas, mientras que nuestras almas quedan fuertemente impactadas por su carácter independiente y libre.

La banda y el director hicieron una profunda investigación sobre la naturaleza humana, la sociedad, la guerra y la cultura en la película. La confusión, el dolor y la pérdida expresados ​​en la película son suficientes para que cada espectador se calme y reflexione sobre su propia situación real.

[Romance en tiempos de guerra] 1983

Romance en tiempos de guerra

Director: Peter Todrovsky Producida por: Antigua Unión Soviética

The Las películas de guerra de la antigua Unión Soviética ocupan una posición importante en el campo del cine mundial en diversos géneros. Esta película es una producción de sketches que utiliza una historia sencilla para promover el sentimiento único de carga y el poder moral bastante cálido de la Rusia pura.

Dos hombres y una mujer se enamoraron, pero ambos quisieron realizarse el uno al otro, pero ninguno encontró la felicidad, sólo sus almas se sublimaron.

"Vive y recuerda" es un tema mencionado repetidamente en las películas de guerra de la antigua Unión Soviética. Esta película va más allá de la mirada dura y cálida sobre la guerra misma, y ​​se eleva al reino puro y hermoso de la naturaleza humana. La guerra ha pasado y un amor que se perdió por la mañana está a punto de repararse. Un proyeccionista casado todavía está enamorado de la antigua "Reina de la Batalla", ahora una vendedora bastante vulgar. La esposa del proyeccionista decidió ayudarlos, pero la "Reina del campo de batalla" tampoco pudo soportarlo, cedió y arruinó su segunda "juventud" con gran paciencia. Esto es una tragedia, pero ya no se limita a un simple examen del trauma de la guerra, sino que ha entrado en el gran dolor del individuo, del colectivo, ahora y siempre.

Los tonos cálidos que aparecen a lo largo de la película son una característica importante de la fotografía en color exclusiva de la antigua Unión Soviética. Añade el fuerte tono subjetivo del creador a los efectos de luz natural. El rojo, el amarillo, el marrón y el naranja están distribuidos uniformemente, lo que indica cambios sutiles en las emociones de los personajes. Da a entender que detrás de esta historia de pérdida y recuperación, de ganancia y pérdida, se esconde la belleza de la naturaleza humana. La mayor magia de la película es que su atractivo emocional es bastante natural y vívido. Cada detalle, aparentemente trivial, le da al director un toque de poesía. El modo narrativo extremadamente simple contiene reservas emocionales extremadamente ricas. Al final, la escena en la que el proyeccionista y su mujer se miran en silencio está llena de sentimientos encontrados, pero es desgarradora. Sabes lo que piensa el protagonista, pero no quieres entrar en su mundo interior. Cuando una película puede recibir un poder emocional tan conmovedor, también puede recibir todo tipo de elogios.

[Battlefield Romance] Desde el vocabulario de la película hasta la expresión del tema, tiene un sentimiento clásico muy tranquilo, pero también es atemporal, un homenaje lloroso a la pureza del "amor".

[Dinero] 1983

Dinero

Director: Robert Bresson Producida: Francia

Godard llamó a Bresson Balzac en la industria cinematográfica francesa. No sólo en Francia, sino en toda Europa, Bresson se ha convertido en uno de los directores más singulares y difíciles de imitar de Europa con su lenguaje cinematográfico extremo y su indiferencia hacia la naturaleza humana. Desde "Diario de un maestro rural", las películas de Cartier-Bresson ya no emplean actores profesionales, no utilizan decorados y reducen el diálogo. [Qian], como su trabajo final, es sin duda muy extremo. La película es una adaptación de la novela corta de León Tolstoi "Pseudo-Bloody". Bresson trasladó la historia de la Rusia del siglo XIX al París del siglo XX. Cuenta la historia de un caso de billetes falsos que provocó un efecto dominó y mató a muchas personas. Originalmente era una historia de venganza con vínculos entrelazados y conflictos feroces. Pero Cartier-Bresson se compone de un lenguaje especular que aprecia las palabras como el oro, técnicas de edición que son simples hasta el punto de ser abruptas y una programación de escenas que es tan rígida que casi resulta seca. Toda la película tiene un efecto ascético inexplicable pero extremadamente profundo. Como puedes imaginar, esta película fue de mal gusto para la mayoría de los espectadores. Si aprietas los dientes y la miras, sentirás que la película terminó demasiado rápido. Ésta es la magia de Bresson, autor de películas muy estilizadas.

[Carmen] 1983

Carmen

Director: Carlos Saura Producida: España

Algunos dijeron alguna vez que esta es una película mundial Una de las películas en capas más elegantes de la historia. La historia de Carmen ha sido contada innumerables veces, pero en manos de Saura se volvió más pura, o más formal. La búsqueda desinhibida de Carmen por la liberación individual dio paso a la infinita belleza del baile flamenco nacional español. Los actores están ensayando la danza dramática [Carmen], y también se está representando fuera del teatro una escena de dolor y alegría similar a la de Carmen. Saura es un maestro del cine español que conecta el pasado y el futuro. Sus primeros trabajos utilizaron el surrealismo como vehículo para criticar violentamente la política totalitaria. En el período posterior, el anciano se volvió pacífico y creía que sólo la "belleza" y la "belleza" misma son eternas y dignas de la búsqueda diligente de la gente. El trágico significado de [Carmen] es que sólo hundiéndose en la belleza y borrando el valor de la llamada verdadera identidad las personas pueden alcanzar el nirvana de la humanidad. Pero esto es como un arma de doble filo, un juego que se enciende y se apaga. El tono de toda la película es solemne y hermoso, y la vitalidad de la vida siempre brota.

Esta es una película muy entretenida. La guitarra española y el baile flamenco son encantadores y poderosos, y definitivamente te brindarán una doble satisfacción audiovisual. En este sentido, esta es otra película pura que nada tiene que ver con la metafísica.

[Pasaje a la India] 1984

Pasaje a la India

Director: David Lean Producida: Reino Unido

This is Britain La obra maestra Filmada por el gran director David Lean a la edad de 76 años, podría haber ganado el Oscar por tercera vez con esta película, pero finalmente fue derrotado por [Mozart]. Esta película es una adaptación de la novela homónima del famoso escritor británico Forster. Cuenta la historia de un incidente de violación ficticio y promueve la contradicción irreconciliable y casi eterna entre colonizadores y colonizados. La historia tiene lugar después de la Segunda Guerra Mundial, cuando la India estaba a punto de independizarse. Se desarrolló una amistad ambigua entre una niña británica y un médico indio, y los dos finalmente se volvieron extraños.

Las películas de David Lean son las mismas que las de Hollywood en su enfoque narrativo, pero el rigor, la delicadeza y el estilo relajante son exclusivos de las películas británicas. Una comprensión profunda del panorama cultural, incluidas reflexiones duales sobre la historia británica y las condiciones actuales, es algo que las películas de Hollywood no están dispuestas a hacer a regañadientes. A David Lean le encanta hablar sobre lo que vivieron los británicos en tierras extranjeras, específicamente, lo que pensaron e hicieron en sus colonias. David Lean expresa así su infinita emoción ante la inevitable decadencia de este imperio en el que el sol nunca se pone. Al igual que las películas anteriores de David Lean, la película se centra en la inmensidad y majestuosidad del paisaje natural, para reflejar sutilmente las fluctuaciones del corazón humano. Las majestuosas montañas y la inseparabilidad de las relaciones interpersonales completan el significado cultural más impresionante de la película. Los detalles triviales del primer párrafo están expuestos cuidadosa y metódicamente. En la segunda mitad, se siente como si el agua goteara a través de una piedra, lo que provoca una fuerte conmoción en la gente. Muestra las extraordinarias y sencillas habilidades narrativas de este veterano de la industria cinematográfica.

[Swann enamorado]1984

Swann enamorado

Director: Walker Schlendorff Producción: Francia/Alemania Occidental

Un raro moderno Drama psicológico que no puede ignorarse en el cine mundial contemporáneo. Después de que Slondorff, a quien le encanta adaptar clásicos literarios, desafiara con éxito "El tambor de hojalata", puso su mirada en la novela del tesoro nacional francés "En la reminiscencia", pero. Como esta obra histórica sobre la corriente de conciencia de Proust es demasiado ambiciosa, la película sólo seleccionó el primer volumen de la novela "Más allá de la casa de Swann", y sólo una parte.

[El amor de Swann] es el pico traumático del psicodrama interior de Slondorff. El foco principal del texto está en el rico parisino Swann y su búsqueda de Odette, y la fragancia de los círculos sociales de París flota. lujuria sensual.

La película describe las palabras y los hechos de los personajes hasta el momento, dejando espacios en blanco por todas partes, pero la creación de una atmósfera sutil es bastante densa, llena de suspenso y entrelazada. Las palabras y los hechos de los personajes hacen que el público especule sobre su psicología y su psicología. Al mismo tiempo, sin saberlo, entran en relación con la película. La existencia paralela del espacio de la conciencia psicológica en la realidad, *** también participó en la anatomía de las emociones de Swann, lo cual es bastante consistente con la escritura de Proust sobre el proceso amoroso de esta clase alta. El miembro como documento patológico: si no es firme, el amor es una enfermedad, un juego que requiere sabiduría y coraje.

Sin embargo, aunque "El amor de Swann" fue una producción de gran calidad, con una gran inversión y reunió a varias de las principales estrellas del cine europeo de la época, el encuentro entre el director alemán de la Nueva Ola y la obra maestra del humanismo francés no No dejó un final hermoso Los franceses involucrados en la producción no admiraron la versión del director alemán de "El amor de Swann". El Premio César sólo fue otorgado al mejor diseño de vestuario y producción escénica.

[Mi vida de perro] 1985

Mi vida de perro

Director: Les Hallstrom Producida por: Suecia

El mundo siempre ha elogiado a Bergman por las películas suecas, pero Les Hallstrom se alejó de las preguntas oscuras y a menudo cuestionadoras de su tío abuelo y conmovió a la gente con sus verdaderos sentimientos, haciendo que [Mi vida es como un perro] presente una frescura e intimidad que es poco común no sólo en las películas suecas sino también en las europeas. Como un poema en prosa, cuenta una historia sobre una infancia difícil de recordar, lo que la convierte en un género en sí mismo.

[Mi vida es como un perro] La historia es muy conflictiva. El niño de 12 años, Yingma, es travieso y travieso, lo que hace que su madre, gravemente enferma, no pueda sentirse a gusto. tuvo que quedarse temporalmente con familiares para esperar. Después de adaptarse finalmente al atraso, el aburrimiento y el conservadurismo del campo, la muerte de su madre hizo que esta vida de dependencia de los demás se convirtiera en un hecho permanente. Sin embargo, Hallstrom no pretendía intensificar el conflicto dualista y la dolorosa experiencia de Yingma. En cambio, escribió sobre el proceso de crecimiento de la vida en un estilo informal: la autoiluminación de los niños, la ignorancia de los asuntos mundanos, el amor y las experiencias dolorosas, brotes de amor aparentemente ausentes. , y utiliza narrativas dispersas para esbozar una pintura del estilo de vida sueco contemporáneo: una trabajadora que poseía el primer televisor, construyó una casa de verano y una cabaña de invierno, y tenía hermosos pechos que sirvió como modelo de estatua para el artista... Todo es. lleno de interés y vitalidad, y la concentración emocional contenida es infinitamente memorable.

"Mi vida es como un perro" arrasó en los premios Globo de Oro, los premios Independent Spirit y los premios a la mejor película en lengua extranjera de la Asociación de Críticos de Cine de Nueva York y Boston, y fue nominada al Oscar al mejor director y guión. La mejor película infantil del siglo XX.

[Adiós, niños] 1987

Adiós niños

Director: Louis Malle Producida: Francia

Louis Malle Le es uno de los líderes de la Nueva Ola francesa y el único director de los maestros de la Nueva Ola que fue a Hollywood. La película comenzó a gestarse ya en la infancia de Louis Malle. Una vez dijo que todas sus películas se basaban en esta película. Una vez que se estrenó la película, atrajo una gran atención y ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Este es el recuerdo extremadamente delicado y conmovedor de Louis Malle de su vida infantil, que también está llena de tristeza intermitente. Durante la Segunda Guerra Mundial, un niño rico entabló amistad con un niño judío. Un día los nazis se lo llevaron y nunca regresó. En la superficie, podemos leer el vergonzoso acuerdo entre Francia y Alemania, y también podemos ver las barreras de clase y el daño de la religión a la naturaleza humana. Pero esto no es tan encantador como los recuerdos que transmite la propia película. Los dos adolescentes asistían a clases, comían y oraban. Su relación, de lejos a cerca, es muy simple y sencilla. La entrada de los nazis arrojó una capa de oscuridad sobre este recuerdo, que se volvió pesado e inolvidable. La técnica narrativa del flujo de la vida hace que toda la película tenga un ritmo estable y relajante, y el tono no se exagera hasta el último momento, pero el poder impactante del evento en sí puede hacer que el espectador se sienta incómodo. Se trata de la obra más memorable de un director de la Nueva Ola francesa después de este movimiento. Después de que los pioneros conquistaron el país, todavía se convirtieron a la tradición.

Algunas personas también dijeron que la película tenía tendencias homosexuales, pero Louis Malle se negó a responder.

[La historia del oso] 1988

El oso

Director: Jean-Jacques Annaud Producida: Premio César francés al mejor director

Si no está dispuesto a admitir los logros de esta película, puede pensar en los animales de las películas estadounidenses, como King Kong (es relativamente épica y trágica), tiburones, pitones, murciélagos, ratones, gatos y perros, especialmente. Básicamente, estos tipos no tienen dignidad en las películas estadounidenses, incluso si un día se convierten en miembros indispensables de la familia en las salas de estar de los ciudadanos estadounidenses ([La rata en la familia]), o en los gobernantes del patio ([Perros y gatos] La guerra] ), o incluso el testigo del amor ([The Horse Whisperer]), todavía no tienen autoestima, ni derecho a hablar como animales, sólo pueden ser payasos en las películas de palomitas de maíz y accesorios en las películas románticas. [La historia del oso] es diferente. Lo más emocionante de esta historia es que coloca a las personas en la posición de intervinientes. Utiliza el proceso de transformación de los humanos de activos a pasivos para reflejar la relación más amplia entre los humanos y la naturaleza, y los humanos y. animales. Relaciones reales. Por supuesto, también tiene una historia muy linda y conmovedora, y dos actores peludos y meritorios que nunca podrán ser reemplazados: el respetado Sr. Big Bear y el respetable Sr. Little Bear.

En la pantalla de Hollywood, los animales son estrellas y accesorios, y la película de Jean-Jacques Annaud retrata al oso como un actor formidable.

[match factory girl] 1989

Match Factory Girl

Director: Aki Kaurismaki Producida por: Finlandia

Esta La película es la La famosa obra del director del tesoro nacional finlandés Aki Kaurismäki fue un gran éxito en el Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Premio Internacional de Cine. También es la segunda parte de la "Trilogía del Trabajador" de Aki, siendo las dos primeras [Sombras del Paraíso] y [Ariere]. Una trabajadora de apariencia normal siempre quiso conocer al Príncipe Azul, pero el Príncipe Azul la trataba como a una prostituta. Quedó embarazada, pero sufrió un aborto espontáneo en un accidente automovilístico. Desesperada, envenenó a su amante, a sus padres y a un hombre que intentó acercarse a ella.

Las películas de Aki son una retorcida mezcla de realismo excéntrico y expresionismo repentino. Esta película es la primera exposición de su estilo creativo, con un ritmo narrativo largo y lento e imágenes serias y documentales. Toda la película está muy cómicamente envuelta en un extraño color de cuento de hadas. Esta película recuerda fácilmente a "La niña de los fósforos" de Andersen. Aunque hay nostalgia, se pierde toda la dulzura. En otras palabras, la película de Aki rompe el marco de los cuentos de hadas tradicionales y penetra directamente en la realidad misma. El anti-cuento de hadas es una de las características más importantes de las películas de Aki, y lo mismo ocurre con su nueva película "El hombre sin pasado". La imagen es brillante, pero no puede ocultar la amargura y el dolor que hay en su interior. "The Match Factory Girl" sigue siendo su obra maestra con la técnica más sencilla y la narrativa más capaz hasta el momento. Contribuyó de manera importante a llevar las películas finlandesas a una perspectiva internacional.

[Cinema Paradiso] 1989

Cinema Paradiso

Director: Giuseppe Tornatore Producida: Italia/Francia

Esta es una película que Muy apreciada por los fanáticos del cine de todo el mundo. Toda la película utiliza flashbacks para contar el hermoso proceso de un director que se sumerge en la maravillosa luz y el esplendor de la película en su infancia. También refleja la profunda influencia de la película en el mundo espiritual. la gente común en Sicilia. El tono de la película es suave y dulce, con muchas representaciones vívidas y conmovedoras de la más simple gratitud hacia la película misma. La gloria de la película se ha ido y la gente simplemente se despide de la historia con sonrisas llorosas. La serie de escenas de besos al final de la película parece declarar que mientras la vida continúe, la belleza puede extenderse y la película nos recibirá como esos coloridos "besos". Se trata de una película muy positiva y saludable, que rompe con los tonos pesados ​​del cine italiano y tiene un cierto sentimiento de inspiración simple. Esta es también la famosa obra del director Tornatore, que también se convirtió con esta película en el director italiano más importante de finales del siglo pasado.

Aunque todas sus películas posteriores tienen cierto grado de influencia internacional, no se pueden comparar con esta película en términos de calificaciones. Algunas personas alguna vez creyeron que la mejora del cine europeo debería comenzar desde [Cine Paradiso], tomando el camino de la claridad y la visibilidad sin perder los sinceros sentimientos humanistas. Desafortunadamente, esta película es sólo un destello del cine europeo actual.

Años 90

[La doble vida de Verónica] 1991

La doble vida de Verónica

Director: Krzysztof Kieslowski País: Francia , Polonia, Noruega

Kieslowski es un nombre que no puede ignorarse en las películas europeas de los años 1980 a 1990, independientemente de sus primeros trabajos. El enfoque en la política o la profundización gradual del cuestionamiento del destino en el En el período posterior, todos tienen las características de un fuerte color humanista que son muy obvias en las películas europeas. El pensamiento de Kieslowski sobre los factores accidentales e inevitables del destino ha influido en muchos cineastas jóvenes como Tom Tykwer, e incluso en muchos directores jóvenes asiáticos. "La doble vida de Veronika" es una obra muy importante de Kieslowski. La película expresa los destinos respectivos de dos chicas idénticas pero no relacionadas. Está llena de tristeza y calidez en un tono amarillo cálido. Hay un encanto misterioso e indescriptible. imagen. La película tiene un tema pesado, pero rezuma un temperamento sutil y etéreo, dando al público un espacio ilimitado para la imaginación y la profundidad. Quizás este sea el encanto especial de Kieslowski, que tiene infinitas preguntas sobre las cuestiones más fundamentales del destino humano. El cuestionamiento es exactamente la mayor expectativa de la gente respecto del método artístico del cine. [La doble vida de Verónica] es como una puesta de sol deslumbrante, fugaz, pero como una llamada misteriosa profundamente grabada en tu mente.

[Hero Toto]1991

Toto

Director: Jacob van Domel Producida: Bélgica/Alemania

Esta película es un ejemplo importante del cine posmoderno. En la forma, las películas posmodernas son interreferencias entre textos, pero en la connotación, las características importantes son la pérdida de identidad y los encuentros en la vida. Todas las películas de Wong Kar-Wai, Tom Tykwer y Julio Medem tienen esta característica. Un incendio hizo posible que dos padres retuvieran al niño equivocado. Esto cambió el destino de dos personas. Toto siempre creyó que todo lo relacionado con Alfred debería pertenecerle a él. Alfred tenía una relación con la hermana de Toto, y él hizo lo mismo con su hermana. Él obligó a su hermana a quemar la casa de Alfred, pero ella murió en el incendio. Toto conoce a otra mujer que se parece mucho a su hermana, pero es la esposa de Alfred. El viejo Toto decidió matar a Alfred. Muere y la película no nos dice si el fallecido era Alfred o Toto.

Colores mágicos increíbles, pero contados con un estilo humorístico y lírico. es una característica importante de esta película, y la superposición y separación de identidades transmite la naturaleza mágica de la vida. Siempre le tendrás un respeto infantil.

[Howards End] 1992

Howards End

Director: James Avery País: Reino Unido, Japón

Película británica Tiene una Estilo único en las películas europeas, como un caballero británico gentil y elegante, con una actitud sobria y sobria, siempre expresando las emociones más intensas de la vida sin dejar rastro. La tensión entre los dos elementos contrastantes es exactamente lo que hace que las películas británicas tengan el mayor encanto. [Howards End] es una de las obras maestras. La película da lugar a varios giros románticos en torno al traspaso de propiedad de Howards End, mostrando la moda de la sociedad británica de la época y los diferentes destinos de diferentes personajes debido a sus diferentes personalidades y valores. Los dos actores principales de [Howards End], Anthony Hopkins y Emma Thompson, son actores famosos con características británicas. Sus habilidades interpretativas complementarias inyectan un estilo británico puro a la película.

Debido a la forma discreta de expresión y la brecha entre épocas, las películas británicas pueden caer fácilmente en el peligro de ser prolongadas e incomprensibles. Sin embargo, su verdadero encanto radica en la actitud que no se refiere directamente a las cosas. personalidad una vez La combinación perfecta de nobleza y rica connotación seguramente saldrá a la luz, por lo que tiene una atracción irresistible y una herencia profunda que vale la pena masticar una y otra vez.

[Corazón en invierno]1992

Corazón en invierno

Director: Claude Saudet Producida: Francia

Extremadamente romántico Es realmente interesante que En Francia existe una película de amor que ni siquiera incluye besos o tomarse de la mano.

Sodai es un director con profundos logros literarios. Primero hizo muchas películas de acción con fuertes connotaciones masculinas, luego se volvieron triviales, o en otras palabras, realistas y clásicas. Se interesó por la vida normal de Backwater Weilan y sus ojos también se dirigieron a las mujeres. Esta película es la película con mayores honores que ha recibido, ganando el León de Plata en el Festival Internacional de Cine de Venecia y ganando el Premio César a Mejor Director en su país. Un hombre y una mujer claramente estaban listos para hacer algo, pero ni siquiera hicieron lo correcto. Esto es algo similar a lo que sienten muchos chinos. Sodai cree que el amor es ante todo una habilidad. El protagonista masculino cree que no tiene la capacidad de amar, por lo que su puerta al amor siempre está cerrada. Sodai simplificó deliberadamente la tensión emocional, pero dejó a la gente un largo regusto a la motivación conductual de detenerse en la quietud. Es una obra emblemática del cine estático francés tardío. No dice una palabra, pero tiene un estilo romántico, algo extremadamente raro en la industria cinematográfica francesa.

Los dos actores principales de esta película, Danielle Auteuil y Emmanuelle Béard, son dos conocidos actores franceses y una pareja de cine. En las escenas entre los dos, muchas emociones sutiles se transmitieron con mucha precisión gracias a la pareja.

[El hombre muerde al perro]1992

El hombre muerde al perro

Director: Lemy Bevacs/André Bézer/Benoit ·Producida por Povid: Bélgica

Tres estudiantes de una escuela de cine de tercera categoría de Bélgica, confiando en el entusiasmo de los jóvenes cineastas, elaboraron este "registro realista de la vida del asesino", que es un auténtico cartel de farsa negra moderna. En términos de desvergüenza y asco, "El hombre muerde al perro" con imágenes toscas incluso supera a "La naranja mecánica" y "Asesinos natos", pero es precisamente porque el director y los actores son tan valientes y desvergonzados que "El hombre muerde al perro" Perro ] puede estar libre de huesos y exudar un impulso vigoroso.

Para ser "famoso en la historia", Killer A aceptó que se filmara todo su proceso de matar personas y enterrar cadáveres. Por supuesto, no todo salió tan bien. El equipo de filmación ocasionalmente tuvo que ayudar. El Sr. A, y una vez incluso participó en un loco caso de violación y asesinato en grupo. Una película de estilo documental dentro de una película, escenas realistas y realistas, un lenguaje de cámara que es más dogma que dogma, personajes y diálogos bromistas y una aguda burla de los medios y las "películas documentales" bajo la apariencia loca, hicieron que [El hombre muerde dog] ese año No sólo superó a "Arma Letal 3" para convertirse en la película más taquillera en Bélgica, sino que también se ubicó entre las películas de directores más famosos en el Festival de Cine de Cannes de 1992, lo que desató una locura cinematográfica.

[Indochine] 1992

Indochine

Director: Reggie Vagne Producida: Francia

Comparada con el erotismo húmedo La película "Lover", "Indochina" parece ser mejor en ambos aspectos de expresión de la vida colonial (incluida la vida amorosa) y el conflicto cultural colonial (aunque la música es ligeramente inferior). Esta es la primera película de Réry Vagnier en los años 1990, y también su primera película épica. La película describe meticulosamente los últimos años de la vida colonial francesa después de la Segunda Guerra Mundial. La vista trasera de la heroína Catherine Deneuve al final de la película es inolvidable. El gran y despiadado torrente histórico se lo llevó todo, y ella sólo pudo soportarlo todo en silencio con la gracia de un aristócrata francés. Esto simboliza el fin de una era.

[The Crying Game] 1992

The Crying Game

Director: Neil Jordan País: Reino Unido, Japón

Esta película El éxito de la película proviene más del tema especial y del sorprendente ajuste entre el temperamento del actor y los personajes de la obra. En la película, el amor entre los dos protagonistas se enfrenta a la doble crisis de la vergüenza de género y la persecución de policías y soldados. Es en esta situación desesperada que el director crea una escena de amor clásica, con un flujo emocional natural y un manejo emocional total. Son fascinantes e inmersivos. La contribución de Jay Davidson a esta película definitivamente juega un papel decisivo. Interpreta un personaje tan complicado y difícil de evaluar que todos los espectadores se identificarán naturalmente con sus sentimientos y elecciones. Incluso su encanto y belleza hacen que la gente se ría. [The Crying Game] Es difícil definir su género. Es una mezcla de romance, emoción, acción, trama, así como homosexualidad, revolución y otros factores complejos.