¡500 puntos! ! ! Buscando materiales para hablar - Hablando sobre el arte de la música de piano
En 1698, el organista italiano Bartolomeo Cristofori fabricó un piano similar en apariencia y estructura al clavecín para los nobles florentinos Fernando y Medici. En 1709, Christopheli construyó un piano que podía tocar pianissimo y fortissimo al mismo tiempo, y comenzó la era histórica del arte del piano. En italiano, "piano" se refiere a un clavecín que puede producir sonidos fuertes y débiles al mismo tiempo. Posteriormente, Cristofori dedicó su tiempo libre a la revolucionaria invención del piano. Desde 1709 hasta su muerte en 1732, fabricó un total de 25 pianos.
[Yehudi Menuhin] El predecesor del piano es el clavicémbalo, no el clavicémbalo. El clavecín se toca punteando las cuerdas, mientras que el piano se toca golpeando las cuerdas. Puedes tocar cualquier estilo de música en un piano, pero puede que no sea realmente perfecto. Como violinista, tengo una base para decir esto porque el sonido que producen las cuerdas no se parece a la voz humana. La voz de una persona puede mantener una cierta intensidad. Cuando se tocan las cuerdas, la voz cambiará de fuerte a débil. Por lo tanto, tocar el piano no puede lograr completamente el efecto del canto humano, pero si el intérprete tiene habilidad, también puede tocar un sonido cercano a la voz humana. Cuando el sonido de las cuerdas comience a disminuir, intenta reducir los intervalos tanto como sea posible para mantener el sonido coherente y redondeado, de modo que puedas producir un timbre similar al canto humano. Para lograr tal efecto de sonido, el jugador debe tener habilidades extraordinarias; de lo contrario, la intensidad del sonido no permanecerá sin cambios después de golpear las cuerdas. La calidad del piano no sólo está directamente relacionada con la estabilidad de la intensidad del sonido de las cuerdas, sino que también afecta la interpretación. El piano también es un instrumento armónico, debido a que tiene varias escalas y puede tocar varias armonías, puede tocar varios tipos de música.
¿Por qué el piano es una herramienta importante para la autoexpresión? El famoso escritor George Bernard Shaw dijo: "El piano es el instrumento musical más importante de la historia. Es tan importante para la música como la imprenta para la poesía". El príncipe de los instrumentos de teclado en el siglo XVI fue alguna vez el clavicémbalo, pero la demanda de más teclados para cantar se disparó y se necesitaba un instrumento que ofreciera más timbres. El clavicémbalo, por el contrario, no puede producir un sonido suave o fuerte como un piano, ni tampoco puede producir un eco. En el siglo XVIII, cuando la sociedad se estaba volviendo cada vez más secular, la gente esperaba que los instrumentos de teclado tocaran los corazones de las personas como si fueran cantos, en lugar de simplemente difundir la música. Pronto surgieron pianos que satisfacían las necesidades de la época. Si el clavecín representa la época barroca, el piano se ha convertido en un símbolo de la música clásica y romántica.
Los primeros pianos atrajeron el interés de muchos fabricantes de instrumentos, que mejoraron el instrumento, pero al final el piano no se desarrolló completamente. El filósofo Voltaire dijo una vez: "La fabricación de pianos y clavecines debería ser obra de alfareros". La estructura interna del piano es demasiado difícil de practicar. Si la tecla es demasiado liviana, el martillo no puede tocar las cuerdas. Si las llaves pesan demasiado, los martillos rebotarán, provocando golpes repetidos y sonidos desagradables. No fue hasta que Christofory utilizó el escape que este problema quedó completamente resuelto. Aunque Christopher inventó el piano, los italianos aficionados al canto y al violín no estaban interesados en este nuevo invento. Después de la muerte de Christopher, los alemanes rápidamente tomaron el control del desarrollo del piano.
El organero alemán Gottfried Hilberman (Gottfried Hilberman) era amigo de Bach y siempre soñó con fabricar instrumentos con un gran rango dinámico. Milagrosamente descubrió los dibujos del martillo de Christopher y los puso en práctica. A finales de la década de 1940, Federico el Grande compró una docena de pianos Silbermann y los colocó en palacios y palacios de Berlín. El año anterior, Bach había probado el piano de Silbermann. Al maestro del clavicémbalo y del órgano no le gustó, pero cuando visitó a Federico el Grande e intentó tocar de nuevo el instrumento nuevo y mejorado, Bach lo declaró perfecto. Las obras para piano de Bach son la música para piano más antigua que se conserva.
En 1843, el fabricante de pianos de Boston Jonas Chiklin inventó una estructura de hierro fundido para hacer el marco exterior del piano. Desde entonces, no sólo el piano ha perdurado, sino que su fuerte sonido se puede escuchar por toda la sala de conciertos.
El prototipo de piano de Christopher era mucho más ligero que los modernos. El piano moderno se ha ganado el título de "Hija de la Revolución Industrial" con hasta 20.000 piezas. Desde entonces, el piano se ha convertido en un representante de los instrumentos románticos. Durante la época romántica, los genios del piano surgieron sin cesar. En Alemania nació Felix Mendelssohn en 1809, en Polonia nació Friedrich Chopin en 1810 y en Hungría nació Franz Liszt en 1811. Crearon una visión para el piano llena de personalidad distintiva e intensa catarsis emocional.
El desarrollo de la creación musical impulsó aún más el progreso de la producción pianística. A partir de 1860, la humanidad entró en la verdadera era del piano. Broadwood, el gran fabricante de instrumentos británico, mejoró el diseño de las cuerdas del piano cuadrado para permitir un rango de graves más amplio. Utilice también pedales en lugar de perillas de control y rodilleras. Broadwood también realizó mejoras en el piano de cola, haciéndolo más fuerte y ruidoso, pero también reduciendo la claridad del sonido. A principios del siglo XIX, el francés Sebastian Herard empezó a utilizar varillas de soporte metálicas en los marcos de los pianos. En 1822, Erard dio otro paso muy importante: utilizó un doble escape en el piano, lo que permitía al intérprete tocar la misma nota rápidamente, para poder tocar varios tipos de melodías en el piano. Todos los pianos actuales utilizan escapes dobles, por lo que Erard es conocido como el "padre del piano moderno". El alemán Henry Papp también fue un prolífico inventor. En 1826, a Papp se le ocurrió un método muy creativo: sustituir la almohadilla de cuero del martillo por una almohadilla de nailon. Además, también han aparecido algunos inventos importantes en los pianos de cola y pianos cuadrados, como la instalación cruzada de cuerdas, que no sólo alarga las cuerdas, sino que también hace que la posición del puente sea más razonable, y la superposición de las cuerdas del bajo y Cuerdas agudas. El piano logra un efecto de sonido más ideal.
Con el desarrollo de la civilización social, los pianos se están volviendo cada vez más populares entre la clase alta y constantemente surgen nuevas marcas de pianos. En la segunda mitad del siglo XIX, el estadounidense Henry Steinway se convirtió en un destacado fabricante de pianos. La Revolución Industrial impulsó el desarrollo de la fabricación de maquinaria y se mejoró la tecnología de fabricación de pianos. A mediados del siglo XIX, la industria de fabricación de pianos en Alemania se desarrolló rápidamente y algunas marcas de pianos establecidas desde hacía mucho tiempo también estaban implementando activamente innovaciones tecnológicas. Los pianos que fabricaban ocupaban salas de conciertos grandes y pequeñas de Europa. No fue hasta 1914, cuando los pianos Steinway de Estados Unidos entraron en el mercado europeo, que terminó el monopolio alemán de los pianos. Antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, los pianos fabricados en Alemania eran conocidos por su excelente calidad. Los británicos eran buenos fabricando pianos de enseñanza, mientras que los dos principales fabricantes de marcas francesas, Ellar y Pleijel, producían principalmente pianos de interpretación. Los fabricantes de instrumentos musicales de aquella época no escatimaron esfuerzos para mejorar la tecnología de producción e inyectar un tono más rico al piano.
El siglo XX fue un parteaguas. Conforme nos adentramos en el siglo XX, el piano también entró en una etapa de modernización. Comparado con muchos músicos, un músico francés estableció un nuevo sistema de composición a principios del siglo XX. Él es Claude Debussy. Debussy no sólo fue un pianista de primer nivel, sino también un destacado compositor para piano. Hizo muchas exploraciones nuevas en la creación musical, tratando el piano como una paleta que puede crear colores ricos y efectos de sonido únicos. Su lenguaje armónico radical fue su mayor don en la creación musical del siglo XX.
Desde la aparición del primer fortepiano hasta el uso generalizado de los pianos modernos, la producción de pianos ha experimentado casi 300 años de historia. Gracias a la mejora continua de los maestros de piano de las generaciones pasadas, la estructura del piano se ha vuelto cada vez más perfecta y el sonido se ha vuelto más perfecto. Se ha convertido en el instrumento de teclado con mayor rango y expresión más rica entre los instrumentos modernos. Los 300 años de desarrollo histórico del piano no sólo reflejan la búsqueda de la estética acústica por parte de la gente, sino que también describen la relación de refuerzo mutuo entre el instrumento y el intérprete. Sin embargo, cuando un pianista invierte sus emociones y su estado mental en una obra para piano, no sólo completa la segunda creación de la obra, sino que también realiza la función del piano como medio de autoemoción al buscar el reino de la unidad entre el piano y la gente. 300 años de historia del piano son 300 años de cultura humana. La razón por la que el piano es fantástico es que ha sido un símbolo de los altibajos de la humanidad durante 300 años.
El auge de la música para teclado en el período barroco tardío. El estilo artístico europeo desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII defendía el lujo, la singularidad y el refinamiento, y se lo llamó "barroco".
Antes de esto, durante el Renacimiento, se perseguía en el arte el "realismo" y el respeto por la "naturaleza". Muchas obras de arte mostraban que la adoración y la alabanza a Dios se habían desplazado gradualmente hacia la atención a las emociones humanas. Los artistas de la época barroca llevaron adelante y evolucionaron este estilo, poniendo mayor énfasis en la tensión, la excitación y la estimulación de las nuevas tendencias artísticas. La música barroca tiene un profundo trasfondo social y formó un temperamento artístico único. Durante este período se formaron muchos géneros musicales europeos importantes.
65438 El comienzo del siglo VIII supuso un nuevo hito en la historia de la música barroca para teclado. El pianista antiguo italiano Dominique Scarlatti y el clavecinista francés Jean-Philippe Mora abrieron un nuevo mundo de música para teclados. El maestro musical alemán Johann Sebastian Bach probó en su práctica creativa casi todos los géneros musicales y principios estructurales de la época, sentando un modelo eterno para las generaciones posteriores de música y una figura que hizo época en la historia del arte del piano. La contribución de la música barroca es. No tiene paralelo en la historia de la música y su llegada marca el comienzo del amanecer de la civilización musical moderna en Europa.
Dominique Scarlatti nació en Nápoles en 1685. A los dieciséis años ya era organista y compositor en la Capilla Real de Nápoles. Venecia, Florencia y Roma han dejado las huellas creativas de este músico. Scarlatti no sólo escribió música religiosa para la iglesia, sino que también escribió óperas, música de cámara y otras obras seculares para la familia real, formando gradualmente su propio estilo musical único.
Durante sus años de deambular y viajar, Scarlatti entró en contacto con muchos músicos y compositores, como Arangelo Corelli y Georg Friedrich Handel. En una atmósfera musical rica y libre, Scarlatti hizo muchos intentos musicales novedosos y audaces. El uso de ornamentación y disonancia no sólo fue refrescante para los oyentes de la época, sino que también tuvo un profundo impacto en el desarrollo de la música en generaciones posteriores.
Del 65438 al 0728, Scarlatti, como profesor de música de la corte, siguió a la princesa María Bárbara a Madrid, España, donde comenzó el apogeo de su creación. Scarlatti compuso más de 500 sonatas para teclado para la educación musical de la princesa. Estas obras clásicas transmitidas de generación en generación abrieron un nuevo mundo para la música para teclados posterior.
La época del Barroco tardío se inició a finales del siglo XVII y principios del XVIII. En ese momento, en muchos campos, ya fuera la ciencia, la política, la filosofía o el arte y la cultura, presagiaba la llegada del Siglo de las Luces. En un contexto social que combinaba religión y música, el gran músico alemán Johann Sebastian Bach superó los monumentos construidos por sus predecesores y llevó la polifonía con teclado a su apogeo, convirtiéndose en el mayor arquitecto sonoro de la polifonía del período barroco.
La música para teclado de Bach tiene sus raíces no sólo en la cultura religiosa tradicional, sino también en la música folclórica tradicional alemana, y también está influenciada por el protestantismo de Martín Lutero. El lenguaje musical de Bach es sumamente rico y tiene una personalidad distintiva.
Bach cambió las reglas de la música y recorrió un largo camino. Desarrolló una estructura maravillosa con ricos acordes y partes. Esta es una característica importante de la música de Bach. Como este himno... hay un acorde casi cada medio tiempo... siete acordes en 12 notas, muy rico.
[Jacques Lucier] El bajo de Bach es excelente y es fácil tocar sol mayor en el teclado. Pero tiene un aire de jazz. El bajo sube y baja, un bajo que canta, no sólo tocando notas de bajo en un teclado, sino cantando. Si olvidas sol mayor y bajo... entonces, nunca pares, nunca pares. Esta es una característica importante de la música de Bach. No hay partes aburridas. No es divertido tocar ningún tema así... Todo es valioso... Continuar...
En 1717, el archiduque Leopoldo de Cotten contrató a Bach como director de música de la corte. El archiduque Leopoldo era un amante de la música. Admiraba mucho el talento musical de Bach y le trataba con generosidad. Además, el propio archiduque Leopoldo dominaba el violonchelo y el clavecín antiguos, por lo que Bach compuso mucha música instrumental por capricho. Se puede decir que la era Kirten es la cima de la creación de Bach. En aquella época, Bach compuso una gran cantidad de música para teclado que fue de gran valor.
Si la música para órgano de Bach es principalmente un reflejo de su visión del mundo de la música religiosa, el lenguaje de la música secular y folclórica se refleja más en sus frescas y animadas suites para piano y en sus piezas para piano de ritmo uniforme. La "Colección de música para piano con ritmo uniforme" es denominada por las generaciones posteriores el "Antiguo Testamento" de la música para piano, y su primer volumen se completó durante este período. Las piezas fluyen con naturalidad y tienen un equilibrio impecable entre contenido musical y técnica interpretativa.
Escribió al comienzo de "Equal Rhythm Piano Collection": Por el conocimiento y familiaridad con la música.
[Joanna McGregor/Pianista (mujer)] La música para piano con un ritmo general se escribe de acuerdo con los cambios de tonalidad. En aquella época, las teclas estaban afinadas según quintas, y era realmente bueno tocar algunas obras, como las obras de William Byrd, la mayoría de las cuales estaban en do mayor con muchas variaciones. La colección promedio de pianos rítmicos se toma de allí y se compone en octavas. Divide una octava en 12 semitonos y podrás tocarla en cualquier tono por primera vez. Por lo tanto, Bach escribió con audacia y creatividad preludios y fugas para cada tono. Originalmente estaba en do mayor, do menor, sol mayor, sol menor, pero de repente se convirtió en mi menor o si menor. Este es un trabajo completamente nuevo. En el primer libro, comienza con una introducción en do mayor, luego cambia a do menor y luego tiene un nuevo do mayor ascendente. De esta forma, sube nivel a nivel. Escribió muchas de esas fugas.
[Andreas Schiff] Mozart, Beethoven, Chopin y Schumann practicaban cada día esta pieza musical, al igual que Bartok y Casals. La llamaron música del Antiguo Testamento. Yo también lo creo. Practico música de piano con un ritmo uniforme todos los días. Jugar 2, 4 o 6 preludios y fugas diferentes cada día es una forma maravillosa de empezar cada día, como darse un baño para limpiarse. Es algo puro para el espíritu, la mente y el cuerpo, sin tener que hacer otras tonterías que hacen perder el tiempo. Porque te da suficiente práctica. Una pieza musical como ésta... que utiliza casi todas las digitaciones. Al igual que bailar, te sentirás sumamente feliz de estar vivo.
[Gav Lilov] El preludio en do mayor es ligero y potente, suave y hermoso, muy genial. Esta pieza musical hace que la gente se sienta muy feliz, cómoda y enérgica. Jugar es como leer una novela. Sí, realmente me gusta.
Bach quedó casi ciego en sus últimos años y su condición física se deterioró rápidamente. La última obra para teclado de Bach, "El arte de la fuga", se conoce como la "obra filosófica" del músico. Su pensamiento musical es muy lógico y estructuralmente riguroso, y encarna la belleza armoniosa de las matemáticas y el universo contenido en la música. La obra quedó inacabada cuando murió Bach.
[Joanna McGregor/Pianista (mujer)] La última fuga es el contrapunto 14, que es muy larga. Son muchos pasajes, basados en tres temas, el primer tema es serio... solemne... el segundo tema es ligero y aporta energía a la obra. El tercer tema es más interesante, muy personal, se llama "B-A-C-H". Porque en alemán B significa si bemol y H es B, entonces su nombre suena así... Bach suena así en el teclado. Esta es la primera vez que compone música bajo su propio nombre. Es gracioso porque es fácil de deletrear. Esta fue la primera vez que escribió una fuga de este tipo. Esta parte está muy estructurada, con muchas conexiones cercanas... Bach no completó esta fuga antes de su muerte, por lo que la música se corta repentinamente. Se cree que se trata de una fuga en cuatro partes, el punto de entrada final de la obra y una reinterpretación del arte de la fuga. Pero murió sin terminar. Así, dejó este sorprendente final que terminó repentinamente...
En 1750, la muerte del gigante de la música Bach fue considerada como el remanente de la música barroca. Con el ascenso de la Ilustración burguesa y el nacimiento de la música clásica vienesa, la música barroca fue gradualmente abrumada por nuevas tendencias. Para Bach, la gente extraña más sus magníficas habilidades para tocar el teclado que sus excelentes obras musicales para teclado. En la historia del arte del piano, las obras para teclado de Bach construyeron un edificio musical racional y mostraron un hogar espiritual puro y hermoso para toda la humanidad.
Música para piano de la Escuela Clásica Temprana
En la primera mitad del siglo XVIII, Europa experimentó enormes cambios ideológicos y políticos.
Sobre la base de la "oposición a la teocracia" defendida por el Renacimiento, el "Movimiento de la Ilustración" planteó además el lema de oponerse a la monarquía, defender el regreso a la naturaleza y defender el pensamiento racional humano. La música occidental comenzó a cambiar desde el período barroco. al periodo clásico. La música para piano de este período también se deshizo de la estructura polifónica integral barroca para cumplir con la tendencia de "regreso a la naturaleza" defendida por toda la sociedad de esa época.
Sin embargo, la aparición de nuevos estilos en la música para piano es inseparable del fenómeno de la sustitución del piano por el fortepiano. El piano mejorado no sólo puede expresar melodías serpenteantes, sino también tocar acordes completos y fuertes, por lo que se convirtió en el principal instrumento de teclado en el período clásico. Durante este período de transición, la melodía de la música de piano estuvo profundamente influenciada por la ópera cómica italiana emergente en ese momento, y la melodía tenía más características de canto. Además, el estilo dinámico de la Orquesta Sinfónica de Mannheim a mediados del siglo XVIII también añadió nuevos factores al estilo de la música para piano.
La música de este período respetaba la racionalidad humana, y los talentos y personalidades de muchos compositores se mostraban libremente. Entre ellos, la familia Bach sigue desempeñando un papel importante en el desarrollo del arte del piano. Johann Christian Bach, el hijo menor de Johann Sebastian Bach, fue la primera persona en el mundo en dar un concierto de piano. Otro hijo, Karl Fei E Bach, conocido como Hamburg Bach, fue el compositor de teclados más importante de todo el período de transición y una figura clave en la transición del estilo barroco al clásico en la historia del arte del piano.
El compositor austriaco Joseph Haydn fue el primer maestro de la Escuela Clásica de Viena y sucesor directo de Karl F. E. Bach. Su creación musical para piano es tan clara, optimista, humorística y folklórica como su estilo creativo básico. Durante la época de Haydn, la economía y la cultura de Austria florecieron. Los pensadores ilustrados burgueses alemanes y austriacos de aquella época tenían plena confianza en la vida y creían en el humanismo. Esta conciencia también se refleja plenamente en la creación musical de Haydn.
Haydn vivió durante mucho tiempo, abarcando un largo período de tiempo desde el período barroco hasta casi todo el período clásico. El estilo musical para piano de Haydn se puede dividir en tres períodos: temprano, medio y tardío. Sus obras constan principalmente de 62 sonatas para piano. La mayoría de las primeras sonatas para piano eran Partita o románticas, con rastros del arte rococó.
La década de 1870 fue el comienzo del período clásico en la historia del arte del piano y también fue un punto de inflexión en toda la creación de Haydn. Influenciado por el "movimiento flotante" en los círculos literarios alemanes de esa época y el "estilo emocional" del norte de Alemania, sus sonatas para piano continuaron expandiéndose en escala, con cambios de forma cada vez más ricos, y el desarrollo de temas musicales se volvió más riguroso y arquitectónico. Después de la década de 1880, el estilo musical para piano de Haydn mostró una nueva tendencia y los elementos líricos en sus últimas sonatas para piano aumentaron considerablemente. Durante este período, Haydn alcanzó la perfección en la interpretación musical y logró un equilibrio de armonía y contrapunto en la estructura musical, que son dos características principales del estilo clásico.
Durante mucho tiempo, el estatus de Haydn en la historia del arte del piano no ha recibido la debida atención, y se le ha malinterpretado como el "padre de Haydn", que se especializaba en componer música para piano de juguete. Sin embargo, la música de Haydn es una afirmación y un sentimiento de la realidad humana. En la larga historia de la creación de música para piano, Haydn fue el puente que unió a Karl Feuerbach y Ludwig van Beethoven.
La creación musical para piano de Mozart
1756 65438 El 27 de octubre, en una familia común y corriente de profesores de música en Salzburgo, Austria, nació un niño prodigio que conmocionaría al mundo "Un renombrado. maestro de música clásica. Este es Wolfgang A. Mozart. Si la gente siente más el ingenio y el humor de Joseph Haydn en sus obras, entonces la música de Mozart hace que la gente sienta un fuerte sentido de humanidad. Mozart fue el primer compositor que utilizó la música para describir la psicología y el carácter en la música temática para piano.
Mozart mostró extraordinarias habilidades para tocar el piano y componer ya a los cinco o seis años. Siempre utiliza una presentación nítida y delicada de motivos y cambios tonales flexibles y suaves para lograr un contraste emocional. La creación musical para piano de Mozart no sólo heredó las técnicas creativas de sus predecesores, sino que también introdujo grandes innovaciones en el vocabulario musical y la estructura de las formas musicales.
Las sonatas para piano de Mozart no sólo son equilibradas y unificadas en estructura y forma, sino que también son más competentes en el contraste de temas y personalidades y en el uso de la armonía. En las obras de Mozart siempre hay una "cadena" extremadamente sutil entre materiales musicales aparentemente sueltos. Bajo la creación de su genio, cualquier movimiento es un todo sumamente perfecto, estrechamente estructurado y armonioso.
Algunas personas dicen: "La música de Mozart no tiene una orquestación complicada ni desarrollos repentinos. Todo es correcto e impecable..." De hecho, el talento y el talento de Mozart impidieron que su creación sufriera cambios excesivos. Tradicional y extremadamente distintiva. . Un gran número de sus obras revelan una belleza pura, desarrollando hasta el máximo la elegancia del arte de la corte. Mozart no sólo tenía un equilibrio musical extraordinario, sino que también infundía lirismo vocal en la interpretación instrumental. Algunos incluso dicen que la mayor contribución de Mozart fue enseñar a cantar instrumentos musicales.
Cuando Mozart comenzó su extraordinaria carrera como compositor, el concierto ya tenía casi un siglo de antigüedad. Mozart hizo una gran contribución al concierto para piano. Desde el primer concierto para piano escrito a la edad de 11 años hasta el último en el año de su muerte, 27 conciertos para piano registran la trayectoria de crecimiento musical de Mozart. Mozart llamó a Viena "la casa del piano", donde se ganó la vida enseñando piano e interpretando sus propios conciertos para piano.
En la historia de los conciertos para piano, Mozart tomó la delantera al adoptar técnicas sinfónicas y mantener un delicado equilibrio entre el solo de piano y la orquesta. El factor ópera es más evidente en sus conciertos para piano. Hay contraste y coordinación entre el piano y la banda, que es vívida, delicada y dramática. En cierto sentido, Mozart es el fundador del concierto para piano, y la forma del concierto para piano que perfeccionó y desarrolló se ha convertido en un modelo al que se referirán las generaciones futuras.
[Colin Davis] Los conciertos para piano de Mozart tienen muchas características, entre las que destaca el concierto para piano en La mayor. Ese concierto no tiene oboe y el sonido es suave. Para Mozart, el clarinete era la soprano o la viola. Generalmente, las violas son partpartidas, lo que le da a la orquesta un sonido más suave. Hermosa, densa y dulce. Con la adición de un clarinete, todo se vuelve aún más hermoso. Compuso conciertos para piano modernos y Bach escribió muchas obras similares, pero en estilos completamente diferentes. Mozart abrió un nuevo camino para este tipo de trabajos.
Durante la creación de Mozart, el concierto para piano era la esencia de todos sus conciertos instrumentales. La armonía y el equilibrio de la parte solista alcanzaron un estado casi perfecto. Los cambios inesperados, el contraste de diferentes emociones y la clara concepción artística hacen de su concierto para piano un modelo del arte pianístico del siglo XVIII. De todos los conciertos para piano de Mozart, sólo dos fueron escritos en tono menor y están llenos de melancolía y tristeza. Entre ellos, el Concierto para piano n.° 20 es sombrío e introspectivo. Al maestro músico Ludwig van Beethoven le encantó tanto este concierto que él mismo lo tocó. Es esta característica la que convirtió a Mozart en un pionero en la creación de música para piano por parte de muchos compositores en el siglo XIX.